Translation, Interpreting and Multimedia Services in Oakland, California. Info@CacaoRock.com

Here at CacaoRock we have been translating technical papers, accounting and financial texts, software, immigration certificates, adoption letters, books, movie scripts and official foreign documents for a long time. We even worked translating documents for the military and creating movie subtitles! What is so special about our English to Spanish translations? Our localization skills. Besides our accuracy, we are able to apply to these translations the neutralism of standard Spanish or specific Spanish-speaking countries. For more information about our rates, our previous work experience and how can we help you, contact us via email at Info@CacaoRock.com or visit our ProZ.com profile page.

Listen To CacaoRock Online Radio, our radio station!

We are on Tumblr!

Support This Radio Station!


Via
PayPal


We also have music on 8tracks!

 


Our store on Amazon!

Friday, April 30, 2010

(Fontana, 1989)

fue como un chorro de agua fría para nuestra sensibilidad dormida. Puede ser considerado por algunos como un álbum de protesta, pero más que nada es un disco sobre amor incondicional. Algo difícil de encontrar por estos días de libre mercado, recesión y capitalismo salvaje. En los tiempos del acero y de la presión del desempleo, es bueno recordar a los Tears For Fears cuando dicen que el amor es el arma más fuerte. ¿Por qué? Porque el odio y la indiferencia no logran nada.
La década de los ochenta no fue líricamente muy creativa que digamos -es decir, el mercado no prestó mucha atención a los temas sociales, salvo dignas excepciones- y relativamente todo fue entretenido y romántico, pero sin sustancia política.

1989 incluyó una revolución bastante drástica en el mundo: el muro de Berlín se derrumbó y se convirtió en una larga tienda de desmonte, el bloque comunista de Europa del Este se disolvió, Gorbachev mandó a la Unión Soviética a los libros de historia, y en Inglaterra Margaret Tatcher se disponía a dejar el cargo de Primera Ministro. Roland Orzábal (voz y líder de Tears For Fears y autor de todos los temas del disco junto al pianista Nicky Holland, exceptuando el tema título del disco el cual escribió junto al otro TFF Curt Smith) se sintió iluminado por Los Beatles y por la parafernalia colorida hippie de los sesentas -especialmente 1967- y enfiló su guitarra para entrar de lleno en el problema más grande del mundo: la carencia de amor entre la gente. Lo innovador del análisis es que Orzábal considera a este problema como un problema político.

El álbum empieza con un comentario sobre mujeres atadas a hombres que se olvidaron de seguir enamorándolas; pero siguen con ellas porque, bueno, estar solo para un hombre puede ser lo peor del mundo. "Woman In Chains" es el primer llamado de atención a la mujer para que evite la resignación de las cicatrices del alma por una relación larga y monótona. No necesariamente hablamos de relaciones difíciles, de golpes ni de gritos. Es la monotonía la que se acusa aquí, en una especie de diálogo entre ambos sexos. La voz maravillosa de Oleta Adams dice Calls her man the Great White Hope... Says she´s fine, She´ll always cope... Woman In Chains... La garganta de Orzabal contesta: Well I feel deep in your heart there are wounds Time can´t heal. Es decir, la parte masculina del asunto se da cuenta que el corazón de una mujer es un enorme libro lleno de secretos, y para leerlo hay que tener bastante paciencia -y saber ceder y contar hasta 10, como dice mi abuelo-. El final es bellísimo: So free her ... es cantada ad lib to fade por Oleta, Roland y Curt Smith. En un momento, Orzabal murmura: the sun and the moon...

A partir de este momento, la lírica que se oirá será valiente, directa y orgullosa; pero en ningún momento triste. "Badman's Song" está dedicada a los chicos del cuarto del hotel 628, quienes eran los músicos y roadies de Smith y Orzábal. Este último escuchó la conversación entre ellos en la cual lo criticaban duramente. Estaba en shock y furioso. Pero de pronto, decidió perdonarlos y decirles en la funda del disco, todo está perdonado. "Badman's Song" Dura poco más de ocho minutos con interludios de piano y batería a cargo de Oleta Adams y de Manu Katché, respectivamente. Orzábal usa su sentido común y sus intenciones de paz, pero siempre parado firme y valiente contra los agresores.

Orzábal quizo expandir más sus horizontes líricos y no dar puntada sin hilo. Estaba harto del cargo de la Tatcher ocupando el puesto de primer ministro británico y escribió inspirado una canción sobre... el amor: "Sowing The Seeds Of Love" tiene un cierto parecido a "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de los Beatles . En una parte se hace referencia al gran músico Paul Weller - líder de Jam y Style Council- y Orzábal le pide que regrese a la palestra con la música de protesta de su primer grupo (...kick out the Style, bring back the Jam!). En verdad es más que nada un grito de despertar. Se cuestiona sobre todo el cinismo de las leyes y de los estatutos al afirmar la existencia de libertad de expresión cuando no hay nada de qué protestar. El lado A del vinilo se cierra con "Advice for the Young at Heart", otro grito de advertencia a la juventud sobre lo terrible que puede ser el tiempo como enemigo.

El lado B es más político, sutilmente hablando. "Standing at The Corner Of The Third World" y "Swords and Knives" se refieren indirectamente a la presión de organismos del norte -como el Banco Mundial y el FMI- a las pobres economías endeudadas del sur. Claro, que perdonen la deuda es fácil. Okey, no tienen que pagar más... ¿pero, volverán a prestar nuevamente? Un círculo vicioso del cual es difícil de salir para cualquier economía empobrecida -si los economistas del mundo no saben cómo salir del meollo, creo que menos lo va a saber Orzábal-.

"Year of The Knife" es la batalla en nombre de las causas justas y está dedicada a los jovenes que mueren en esas batallas, creyendo que lo que hacen está bien. No necesariamente serán miembros del IRA, pueden ser soldados de la patria, mineros de carbón, etcétera. I made my bed on love denied, now I ain´t gonna sleep tonight.

"Famous Last Words" cierra el conjunto de ocho canciones del alma y habla de la paz después de la guerra, del día después de la noche. Si de nada sirven las guerras, ¿servirá entonces una guerra en nombre del amor? La respuesta de Orzábal y compañía es si. Nadie muere en una guerra así.
The Seeds of Love tiene canciones con mucho contenido sentimental y político, que a la larga son la misma cosa. Hergé, el dibujante creador de Tin Tin, dijo que la única diferencia entre la gente de derecha e izquierda es que los primeros son pragmáticos, en cambio, los de izquierda son más idealistas. Bueno, después de 1989, esa fue la diferencia de las clases políticas en el mundo. Todas las economías son de mercado, así no lo parezcan, y los "derechos sociales" que reclamaban los socialistas ahora pueden ganarse, si es que los trabajadores aportan al Seguro Social, público o privado. ¿Quieres celeste? Que te cueste.

Tuvo que derramarse tanta sangre sobre Europa, América y Asia para que recién nos demos cuenta que la violencia, la indiferencia y la injusticia no son la solución. ¿Por qué nos demoramos tanto? Porque siempre creemos que somos el centro del universo, y que nuestros problemas son los únicos que interesan, mas no los de los demás; pero cada uno tiene que ponerse las pilas y matar sus propias pulgas antes de matar las pulgas de otros. Totalmente cierto. Además, The Seeds of Love es una denuncia a la falta de valores morales de la gente; eso es clarísimo. Fue una llamada de atención que, al parecer, el mundo atendió a medias. Aún queda mucho por hacer, y sería bueno ir haciéndolo, ya que esperar la intervención divina para solucionar nuestros problemas no nos ayudará en nada, puesto que no llegará.
Este LP es considerado, en nuestra modesta opinión, el mejor de 1989; año del redescubrimiento de los sesentas y de la psicodelia. Uno de los más influyentes en los grupos de rock alternativo de inicios de los noventa y, por todo lo anteriormente comentado, portador de cinco cacaos a la izquierda de su nombre.

Monday, April 12, 2010


El Domingo 13 de Abril del 2008, Jorge Cox falleció después de un ataque al corazón días atrás. 

De llegar al cielo Jorge y ver que Elvis Presley no es habido, Jorge habrá tenido Razón: Elvis está aún vivo y merodeando por Estados Unidos. Sin embargo, de llegar al más allá y encontrarse con Elvis en persona, Jorge tendrá mucho, mucho que preguntarle al rey del Rock.

Hay tanto por preguntarle a Elvis como a Jorge Carvallo Cox, una persona que con una voz y un micrófono, impulsó el rock en el Perú junto a DJs tan influyentes como Diana García y Gerardo Manuel. Aquel estilo de música que ahora sólo se encuentra en los áticos, acumulando polvo, mientras afuera, en las radios e iPods, perreo mami perreo aún sigue sonando. La música e imagen de Elvis resultó inmortal, imbatible, y en Perú ésta fue así gracias a Jorge, que la difundió lo más que pudo.

Tuve el gusto de conocer a Jorge por coincidencia, al visitar en 1995 su tienda de discos Top Music Records en Miraflores, Lima. Yo solía comprarle discos al menos una vez por semana y me gustaba sentarme a conversar con él de Rock Clásico y sobre todo del asombroso sonido de los cincuenta. Más de una vez le sugerí que intente regresar a la radio y que le cambie el nombre a su tienda por King Creole o Jailhouse Rock. Su tienda cerró, según recuerdo, en 1998 después de tres años difíciles. Porque el rock estaba muriendo y había que encontrar formas de difundirlo en medio del desierto. La falta de difusión, la dejadez y sobre todo la crisis económica mantenían a Jorge en una profunda tristeza. Él deseaba que su país, el Perú, estuviera económicamente mejor y menos corrupto, como todos lo deseamos de alguna forma.

Es probable que muy poca gente del entorno Cox (o de la Bolívar Mafia) que ahora llora su partida me recuerde; pero al menos mantuve contacto con Jorge hasta 1999. Supe de su partida el mismo día 13 por medio de un email de uno de sus amigos y la verdad que se me vino una tristeza profunda. 

La muerte de Jorge Cox reduce el número de leyendas vivas de la radiodifusión dramáticamente: es imposible que se vuelva a hablar de una “edad de oro” de la radio, y no solo en el Perú.






Escuchó y admiró tanto a Elvis que tomó mucho de su personalidad, incluyendo pros y contras: su generosidad, el grupo sincero de amigos que lo rodeaba y, en el lado negativo, un pesimismo que lo cargó con penas los últimos años de su vida. Se pareció tanto a Elvis que hasta en la muerte por paro cardiaco lo copió. Aunque, claro, Jorge no era adicto a las pastillas ni nunca le disparó a un televisor.

En Elvis Presley, Jorge encontró a un ídolo, a un músico y cantante de primer nivel que por más difícil que la situación esté para él, nunca defraudaba a sus seguidores. Y lo tomó como ejemplo en su vida personal.  Su apartamento en la Calle Bolívar se convirtió en la Graceland del Perú, su tienda de discos era el punto de reunión de muchos fanáticos del rock clásico en donde discutíamos, intercambiábamos información y terminábamos todos aprendiendo algo. Éramos sus amigos y nos sentíamos mucho más cómodos en aquella tiendita que en Phantom Music, en donde se vendían discos sin saber de qué se trataban.
Los discos que más me han influenciado los compré en su tienda: el Travels de Pat Metheny Group, la banda sonora de American Graffitti (que él adoraba, claro está) el In Sides de Orbital, los tres primeros CDs de Jamiroquai, hasta Antonio Carlos Jobim y la colección Verve Jazz Masters 13. Me gustaba comprar en su tienda más que en ninguna otra, y esto porque en su tienda se daba el espacio necesario para comentar la música, escucharla, criticarla y conservarla. Cuando Top Music Records cerró, me dió mucha pena. La piratería acabó con la tienda del mismo modo que Music Box, La Discoteca y Disco Centro; demás está decir que no hubiera sobrevivido al formato MP3 que domina la tierra ahora.

Algo así le pasó a Elvis Presley, pero en mayor escala: lo mandaron al Servicio Militar y de ahí a hacer películas, cada una más mala que la otra, mientras en la escena musical los Beatles y los Rolling Stones invadían las ondas de radio con un sonido que traía también una revolución cultural. Al regresar Elvis en 1968, encontró una juventud que lo veía como “clásico” o “retro.” La sociedad cambió, la economía y las reglas se cambiaron. Elvis, tanto como Jorge, seguían siendo los mismos, fieles a su estilo, cantando los mismos blues. Elvis se refugió en Las Vegas por una década hasta su muerte. Pasó de moda pero siguió vendiendo discos en abundancia. Después de su muerte, aún más. Ahora Jorge es definitivamente una leyenda inmortal en la radiodifusión y sobre todo en la cultura musical peruana. Pero sobre todo es un amigo que lamentablemente se fue.

Los DJ’s saben que van a morir en algún momento (con excepción de Dick Clark que nos enterrará a todos) y Jorge quizás lo preveía; pero de nuevo, la noticia me tomó por sorpresa. Lamento no haber tenido más contacto con él y debo reconocer que fue mi culpa. Yo fui el que se fue y nunca supe de él, salvo esporádicas apariciones de su nombre en los periódicos. Le perdí el rastro y ahora me entero de su partida, y lo lloro con justicia pero lo recuerdo con mucha alegría; lo cual estoy seguro que es la forma que Jorge quizo que lo recordáramos. Con mucha música.

¿Mi momento Cox favorito? Un viernes en la noche de 1997 en que me invitó a mi y a mi novia de entonces a su departamento a una reunión con la desaparecida Diana García y su esposo. Caray que escucharlos conversar era como estar en una cátedra de radio rocanrolera. La voz de Diana, suave y melodiosa, se contrapunteaba con la voz grave y potente de Jorge. En algún momento pensé, “éstos dos deberían tener un programa juntos de dos horas por lo menos.” Pero lamentablemente todos sabemos que nunca se dió. Sin embargo, esa noche de hace once años la tengo en mi memoria como un bellísimo recuerdo.

Aquí algunas de sus perlas:

-El pueblo no tiene plata, compadre. No hay billete en el bolsillo.
-Yo siempre he sido Belaundista, compadre.
-Elvis está vivo, pues. ¡A las pruebas me remito!
-Roy Orbison era el cantante favorito de Elvis, y Elvis era el de Roy.
-No tengo ni para el té, compadre.
-Un montón de homosexuales vienen a la tienda preguntando por Spandau Ballet. (a mí me encanta SB, pero no soy de ese equipo.)
-¡Este disco sinfónico de Elvis, número uno en los Estados Unidos, compadre!
Como dicen sus amigos, que Dios lo tenga en su Gloria. Y que el legado de la música que difundió y la fuerza y convicción de sus opiniones se mantengan por mucho tiempo. Que se siga difundiendo la música de Elvis, de Carl Perkins, de Roy Orbison, de Little Richard y Chuck Berry. Y es que los viejos rockeros nunca mueren, aunque la naturaleza nos diga lo contrario.
Javier Lishner ha escrito un obituario sobre Jorge:
http://javierlishner.blogspot.com/2008/04/jorge-cox-descansa-en-paz-el-juke-box.html


Y yo aquí les dejo un artículo del 2007, incluyendo un video en donde podemos apreciar a Jorge en su departamento durante el terremoto de Agosto:


Elvis Terremoto

Puta que el terremoto dejó la cagada. Uno de los peores que le ha caído a Perú y eso que el Perú está ahí mismo en plena cojudez de la placa de Nazca. Para colmo fue ahí en medio donde la huevada se deslizó y juácate se jodió todo y el 15 Pisco y Chincha estaban en sunicuijo.

La catástrofe puso a pensar a todo el mundo en el Perú y si hay algo bueno que ha salido de esto es que ahora ya todos saben que en Perú hay una ciudad llamada Pisco, de donde sale, o salía, aquella famosa bebida espirituosa con el mismo nombre (denominación de origen). El pisco, señores de Chile, es peruano y punto. Ustedes quédense con su vino, que es muy muy bueno también.

En fin, el terremoto ocurrió en la vigilia del aniversario número 30 de la muerte de Elvis Presley. Un periodista de la cadena de TV peruana Panamericana TV (alias PapaúpaTV) entrevistaba a un conocido amigo mío, fanático de Elvis hasta la melena, don Jorge Cox.

Lamentablemente la entrevista no se pudo concluir pero al menos pudimos ver la pared de la derecha del departamento de don Jorge, llena de posters de Elvis. La colección de él, la cual he visto personalmente, es impresionante. No hay un solo disco de Elvis que él no tenga, una sola película, un solo libro. El tipo es verdaderamente un Elvisfanático 100%

Podemos ver a don Jorge al fondo más calmado que una vaca pastando y hasta acomodando sus adornitos sobre el refrigerador.

Elvis Presley es el ídolo máximo del rock and roll. Puede uno decir no, señor, son los Beatles, pero ellos adoraban a Elvis y lo consideraban el rey. John Lennon se trazó una meta: llegar a ser más grandes que Elvis y claro que lo logró con su grupo, pero si Elvis no estaba en hibernación hollywoodense en los sesentas haciendo tres películas por año y se hubiera dedicado a grabar y hacer giras y a tener un contacto más cercano con el público joven, les hubiera dado mucha pelea a los cuatro de Liverpool.

Pero recordemos que los Beatles llenaron un vacío y crearon una cultura musical completamente distinta con la que Elvis se había iniciado en 1956: Eran otros tiempos, el rock and roll era salvaje y no había caído en la brusca censura de la sociedad Norteamericana. Tuvo Elvis que irse al servicio militar, Chuck Berry ir a la cárcel, Jerry Lee Lewis casarse con su prima de trece años y Little Richard jurar a Dios renunciar al rock (si es que se salvaba de un posible accidente de avión) para que el rock and roll como moda quede sepultado por artistas más inocentes, más adaptados al modo de vida capitalista.

Elvis regresó a los escenarios en 1968 pero creo que llegó tarde: las cosas habían cambiado radicalmente: en su ausencia, Kennedy fue asesinado, los Ingleses re-invadieron America con guitarras en vez de armas, Se armó la de samputas en Vietnam, los Hippies tomaron San Francisco, y la mente del mundo se expandió como nunca antes en la historia gracias a la vía satélite. Elvis no pudo reinventarse pero siguió congregando fans con sus melodías de antaño y sus nuevos temas, generalmente escritos por otros y sin muchos riesgos por tomar -con la gran excepción de "In The Ghetto," la cual creo fue un tema revolucionario.

El Elvis del cine se convirtió el de los escenarios de Las Vegas, en donde cantó para recuperar el tiempo perdido. Su propio entorno fue el que lo llevó a la tumba: malas amistades, amigos que nunca le pudieron decir que no, pastillas y químicos y sobre todo vivir en una mansión que se convirtió en una cárcel de oro llamada Graceland.

El Rey no se merecía morir en el baño, hace treinta años.





Ni tampoco nos merecíamos los peruanos un terremoto como el de ayer.
Grande Elvis, y sobre todo, grande Jorge!

(Reprise, 1988)
DONALD FAGEN

Una canción magnífica que Fagen, vocalista y pianista de Steely Dan, grabó en 1988 como un demo para la cantante Jennifer Warnes, y que ésta usó en el LP The Hunter. La versión de Warnes es espantosa, al menos para mí. Prueba de que a veces un demo debe ser dejado así, como un demo.


Fagen lanzó el demo como "lado B" del single "Train-Island Skyway" en 1993. A mí, personalmente, esta canción me trae muchos recuerdos de la época de mi residencia en Los Angeles. "Desde que me dejaste, la ciudad no se siente la misma. Hay fiestas y ruidos, pero no me afectan... ahora sólo hay bulla en Nueva York." Hay muy pocos cantantes que a los cuarenta años alcanzan una madurez musical tan profunda como la lograda por Fagen al grabar este tema. Es una pena también que Steely Dan no la toque en sus giras.

Del CD-Single Trans-Island Skyway (Reprise, 1993) y disponible en la caja Nightfly Trilogy.

Sunday, April 11, 2010


"Breakout"  (del disco It's Better To Travel, Mercury, 1987)

Por un momento, olvidémonos de placeres culpables o de evitar admirar géneros o tendencias distintas. "Breakout" de Swing Out Sister es una de las más bellas y emblemáticas canciones de los ochentas, y es inmediatamente reconocible por cualquiera que alguna vez encendió una radio en 1987. Los ingleses Corrine Drewery y Andy Connell, junto al baterista Martin Jackson, se juntaron para hacer música y por alguna razón que ni yo puedo entender, les fue bien. Drewery era diseñadora de modas y modelo: supuestamente no debería tener buena voz ni escribir canciones tan positivas y alentadoras como "Breakout", un ventilador fresco en medio de una ola de calor depresivo. Los sintetizadores de la New Wave se convirtieron en una pastilla para levantar la moral en un grito de batalla para combatir la dejadez.


Encontraron una audiencia receptiva en el Reino Unido, Europa y luego Estados Unidos, en donde fueron adorados por la comunidad gay. Martin Jackson, luego del éxito de It's Better to Travel, abandonó el grupo pero siguieron como dúo, mantenidos por la popularidad de las bases de fanáticos. Han grabado música más próxima a la bossanova y al jazz, y en Japón y el resto de Asia son muy queridos, continuando hasta ahora con sus presentaciones en vivo para audiencias "exclusivas" (no elitistas, sino aquellas que saben quiénes son). Swing Out Sister se puede encontrar en emisoras de smooth jazz y adulto-contemporáneo, y su canción insignia es perfecta para levantar la moral e iniciar un día pesado, como por ejemplo, un lunes por la mañana, antes de ir a la escuela.


Thursday, April 1, 2010


Deodato 2 (CTI, 1973)
DEODATO

Esta es la historia de un pianista brasilero muy creativo. No era un virtuoso a lo Keith Emerson, pero de hecho ejecutaba sus temas con mucho, mucho ritmo. Él era arreglista para los artistas de la EMI en Brasil, y muchas veces tenía discusiones con ellos al intentar imponer sus ideas algo extravagantes para modificar la bossanova. Discusión va, discusión viene, Eumir Deodato se aburrió de la bossanova de siempre y se mudó a New York en 1967 para olvidarse de ésta y de inmediato empezó a trabajar con Creed Taylor; el productor principal de CTI records y anteriormente responsable de mucha de la mejor música de Verve Records -ironías de la vida, además un experto productor de bossanova-. El muchacho, Eumir Deodato, era tan arrogante como su apellido, latín de "entregado por Dios" (aunque creo que así se les llamaban a los niños cuyas madres no sabían quienes eran sus padres); así que trabajar con él debió haber sido un calvario, sobre todo para el viejo Creed, que ya no estaba para malcriadeces.

Deodato lanzó, bajo la producción de Taylor, un LP llamado Prelude; que se convirtió en el más grande éxito de CTI Records gracias a que incluía "Also Sprach Zarathustra" -el tema que abría y cerraba la magistral 2001, Odisea del Espacio-. Creed Taylor estaba feliz de la vida, y había que lanzar otro álbum de Deodato, inmediatamente, que sea superior a Prelude.

Deodato 2 salió a fines del 73, pero al no incluir "Zarathustra", la gente no lo compró. ¿Pero fue mejor que Prelude? Si, muchísimo mejor. Es una obra maestra imprescindible de la fusión. Tenemos a "Super Strut", un tema que pone inmediatamente a las piernas a bailar con la marca del piano electrico y con mucha percusión brasilera adornando un patrón disco-funk. John Tropea, guitarrista de Deodato y considerado en un review de este disco como el "nuevo John McLaughlin", toma control hacia la mitad del tema con un solo que habrá dejado a Carlos Santana pensando en su competencia por un buen rato.

Creed Taylor le dijo a Deodato que sería interesante incluír el tema de Gershwin "Rhapsody In Blue" modificado a-la-Deodato. Y "Rhapsody" se hizo. Se hizo además una adaptación de "Nights In White Satin" de los Moddy Blues muy electrónica. La fusión de música clásica, jazz y ritmos brasileros bañados en sintetizadores estaba dando buenos resultados. Pero Deodato quería más dinero y no estaba con humor de escuchar los comentarios de que CTI se estaba yendo a la quiebra; así que tiró su contrato con CTI a la basura y firmó uno con MCA Records. En esa época era más fácil librarse de ese tipo de cadenas.

¿Por qué Eumir abandonó a CTI? Pues bien, al haberse convertido "Zarathustra" en un hit nacional, llevarse un Grammy en 1973 por "Mejor interpretación pop instrumental", elegido el instrumental top del año por Billboard, Cashbox y Record World y Prelude ser elegido álbum orquestal #1 por la revista Playboy, los ejecutivos de CTI decidieron cambiar su plan de distribución de discos. Hasta antes de "Zarathustra", los discos de CTI eran distribuídos por Estados Unidos por una red de compañías regionales independientes que ya estaban reclamando una parte de los beneficios, pero que no mostraban la flexibilidad requerida para explotar adecuadamente una grabación exitosa. Estimaron que sería menos costoso a la larga el retirar la distribución independiente y crear, gracias a los beneficios anticipados, una serie de subsidiarias de CTI a lo largo y ancho del país para asegurar que la música sea bien servida a las tiendas de discos y demás promociones. La decisión tuvo consecuencias desastrosas. Dejó a CTI con enormes deudas que precipitaron el fin de la compañía, y forzaron a Creed Taylor a comprometer su integridad artísitica para que el sello continúe existiendo.






Algo irónico: "Zarathustra" no estaba planeada para Deodato, sino para Bob James. Pero cuando Creed Taylor escuchó a Deodato tocar este tema al inicio del CTI All-Star concert en el Hollywood Bowl en 1971, sugirió que se incluya en el debut del tecladista. Deodato pecó de arrogante y pagó muy caro. De ser la estrella en CTI Records pasó a ser uno más de la interminable lista de artistas en MCA -ahora Universal Music- y ahí si que se dio cuenta de su error. Fue un error que no cometió, por ejemplo, Beni Moré cuando le dijeron que se vaya a Estados Unidos y deje Cuba, en donde ya era una leyenda viviente.

Deodato pudo haberle hecho la competencia a tecladistas como Rick Wakeman, Keith Emerson, Vangelis o hasta al mismo Kitaro. Tenía algo que los otros cuatro no tenían y en la CTI Records lo supieron aprovechar: su entendimiento del ritmo. Es difícil que uno no tenga ganas de moverse cuando uno escucha los acordes bamboleantes de "Skyscrapers", "Super Strut", el solo de sintetizador en "Nights in White Satin" y la encantadora flauta de "Latin Flute". Pudo haber tenido el mundo en sus manos.





Eumir llegó a ser productor de, entre otros, Kool and The Gang y su mejor trabajo con ellos fue el As One, de donde sale "Let´s go dancin´(ooh-la-la-la)". También compuso la banda sonora de The Onion Field (Harold Becker, 1979). Ahora se sabe poco de él. Pero si desean escuchar la música de este "Dado por Dios", les recomiendo, si no tienen la suerte de encontrar esta joya, los siguientes álbumes:







Prelude (CTI, 1973) la madre del cordero. Con "Also Sprach Zarathustra", "Spirit of Summer" y una linda versión latina de "Baubles, Bangles and Beads".
Deodato/Airto In Concert (CTI, 1975): solo en vinilo, una joyita con el cover de Steely Dan "Do It Again" y dos temas de Airto Moreira, quien tocó en ese concierto, pero no junto a Deodato.
Whirlwinds (MCA, 1974): el debut de Deodato en su nueva casa. Aún esperamos su re-catalogación por la Univeral Music. ¿Ves, Eumir? te hubieras quedado en CTI un tiempo más...
Deodato - Live at Felt Forum (también conocido como The 2001 Concert. Versión expandida de Deodato/Airto In Concert, sin los temas de Airto, CBS, 1988)
Stone Flower - Antonio Carlos Jobim (Columbia, 1970). Antes de iniciar su carrera solista, Deodato arregla los temas y toca la guitarra acústica en esta producción impecable de Creed Taylor. El mejor de Jobim sin duda: emocionante hasta las lágrimas.
El resto es silencio.