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Sunday, July 1, 2007


The Complete Ultra-Lounge Series

(Capitol, 1996, 1997)
VARIOUS ARTISTS (The Ultralounge Series)



We knew that we had to add this collection to the list. One of the best things of the music that you will find in the Ultra-Lounge collection is the ability of travelling thru space and time. Specifically, you'll go to Las Vegas, Nevada and you'll get there any time between 1950 and 1963.

It was a good period of time, if you compare to these days (April 2003). The Rat Pack, Louis Prima, Julie London... and of course the amazing sounds of the South Pacific Islands brought by the U.S. soldiers who fought in World War II: Les Baxter and Martin Denny are the first musicians who come to mind. The cocktail had been mixing with the new sounds that Jazz brought after the Be-bop climax. It would be a mixture of Big Band Swing, exotic sounds from far away lands and sci-fi movie sound effects. Add the fact that there were a lot of swingers, bachelors and happy people ready to love and be loved all around the western world and the drink was served. They called it Lounge. For some listeners, it can be the cheesiest music ever recorded. For some others, the perfect soundtrack for luxury, sin, fun, sex, beautiful and sofisticated girls and boys, one-night stands, gambling... "swingin'" in general.

Capitol Records had a lot of lounge artists under its wings. Later, when they started distributing labels like Blue Note, Scamp and Liberty, they could have thought considering to make this big collection. It was no problem to look after lounge material. They had enough tracks to make 25 CDs plenty of relaxing sounds, snappy vocals, space escapades and latin rhythms with mellow melodies. Polinesian melodies, Puerto Rican - New Yorker mambo rhythms, Early TV themes, crooner action and overheated hammond organs are combined and separated in 18 volumes; each one with a different theme. The compiler was Brad Benedict. Wayne Watkins was the executive producer. Praise to them! Capitol has been releasing collections of its artists frequently. there is Capitol Collector's Series (1989), Great Gentlemen Of Song (1995), and Classic Masters (2003); this last one dedicated to the label's rock section. Just as Ultra-Lounge, they are excellent ways to get introduced to these hard working and talented artists.

This is a testament of the good old days. When everything was easier and, of course, there were few TV channels, no internet, and the average human being listened to the radio more hours a day. This collection is full of nostalgia as the liner notes in each CD tell us what happened with the world during those cool years, before Rock and Roll, before Vietnam, and before social revolutions.

Escapism during stress times? Well, that's what the TV news would say about this collection now. It is escapism, magic, and specially it's a collection about freedom and imagination. It's not bad at all. Your brain will be completely seduced.

This is the Ultra-Lounge Collection:

Volume 1: Mondo Exotica

Volume 2: Mambo Fever

Volume 3: Space Capades

Volume 4: Bachelor Pad Royale

Volume 5: Wild, Cool & Swingin'

Volume 6: Rhapsodesia

Volume 7: Crime Scene

Volume 8: Cocktail Capers

Volume 9: Cha Cha De Amor

Volume 10: A Bachelor In Paris

Volume 11: Organs In Orbit

Volume 12: Saxophobia

Volume 13: TV Town

Volume 14: Bossa Novaville

Volume 15: Wild, Cool And Swingin' Too!

Volume 16: Mondo Hollywood

Volume 17: Bongo Land

Volume 18: Bottoms Up!

More Ultra-Lounge Releases (not numbered):

Vegas Baby!

Tiki Sampler

Leopard Skin Fuzzy Sampler

On The Rocks, Part One

On The Rocks, Part Two

Christmas Cocktails, Part One

Christmas Cocktails, Part Two

Visit the Ultra-Lounge website! http://www.ultralounge.com/ for
more information.

Further Listening:

Capitol Collector's Series: The first big collection of Capitol's main artists.
Frank Sinatra, Dean Martin, Louis Prima and, believe it or not, Grand Funk
Railroad.

Spotlight On: Great Gentlemen of Song: Mel Tormé, Bobby Darin and others make the microphones sizzle. Nat King Cole delivers.

Verve Jazz Masters (Verve, 1994) : if you thought Ultra-Lounge was cool wait till you get introduced to un-distilled and live jazz.



Saturday, June 23, 2007

The Nightfly (Warner Bros. Records, 1982)
Kamakiriad (Reprise Records, 1993)
Morph The Cat (Reprise Records, 2006)


La revista Rolling Stone afirmó que si el firmamento de la música pop fuera el anuario de la promoción de un "high school", Donald Fagen podría estar catalogado como el nerd más nerd, un antisocial ratón de biblioteca quemándose las pestañas los sábados en la noche, o el rebelde más incisivo y cargado de humor negro, sentado en el fondo del salón, satirizando todo lo que ve y haciendo ver a los demás lo inferiores que son. Pues bueno, definitivamente, Donald es genial. Más que como compositor o como músico, su genialidad radica en su capacidad de arreglar los temas hasta supuestos niveles de perfección musical absoluta.Estos dos álbumes pueden dar prueba de ello. Son los dos trabajos solistas realizados después de la ruptura en 1980 de Steely Dan; el dúo (o mejor dicho, concepto musical) formado por Donald y Walter Becker que duró de 1972 a 1980.

Donald, una especie de científico loco el cual necesita inversionistas que sepan arriesgar con sus temibles proyectos, contrata al productor de todos los discos de Steely Dan, Gary Katz, para su primera producción solista: The Nightfly. El disco es un homenaje a su remota adolescencia en los suburbios de New York; a través de varias imágenes de la época de fines de los cincuenta e inicios de los sesenta que lo influenciaron enormemente. La idea del álbum es la de un programa radial de madrugada, a cargo de un personaje de la radio de Baton Rouge, Louisiana, llamado "La Mosca Nocturna". La Mosca nos asombra con sus profecías sobre los adelantos de la ciencia moderna y su repercusión en las vidas de los ciudadanos comunes. El cajón nostálgico se abre con "I.G.Y. (What A Beautiful World)", donde el locutor predice que el mundo verá la gigantesca rueda espacial americana, donde se iniciará la verdadera colonización espacial americana, más veloz y eficiente que la de la Unión Soviética —nostalgia de la Guerra Fría—, la cual no tendrá chance alguna (a la larga no la tuvo ni con su existencia misma). Nos cuenta en medio de nuestro asombro que tomará 90 minutos viajar de New York a París en un avión supersónico para pasajeros, mientras que la principal energía del mundo será la del Sol, usada por todos los seres humanos. El futuro es una imagen agradable y llena de sorpresas. Fagen invoca al espíritu de los felices años cincuenta, cuando el Rock and Roll estaba prohibido y la Cacería de Brujas de McCarthy estaba en su máximo apogeo. A pesar de vivir —o fingir— una infancia y/o adolescencia feliz, también salen a relucir temores y frustraciones sobre la propia generación. "Green Flower Street" es la violenta avenida neoyorquina que muy pocos recuerdan, llena de pandilleros como Marlon Brando y James Dean jugando a la muerte. También hay ajustes de cuentas provenientes de gángsters del Barrio Chino. He aquí la desmitificación del sueño americano. Mientras los motociclistas incendian los botes de basura y buscan putas, el tímido protagonista se encierra un día entero en un cuarto de un hotel con una dulce chica —al igual de temerosa que él— quien lo saca de la realidad haciéndole sentir tranquilo. Típico individualismo de la década feliz. Para las decepciones amorosas de la época, qué mejor —habra pensado el autor— que utilizar un tema propio de dicha época; sacarlo del polvoriento baúl de recuerdos de su mente.

Fagen desempolva y limpia "Ruby Baby", un bello tema de Leiber y Stoller, famosos compositores de rockabilly y de otros géneros de los cincuenta, que dieron grandes éxitos a Elvis Presley y a otros. Aquí Fagen muestra su admiración por aquel par de compositores que quizás haya estado imitando con su colega Becker en Steely Dan. "Maxine" es su novia del colegio, atrevida y desenfadada, pero virgen como ella sola. Aquí el narrador es un verdadero rebelde sin causa del amor. Planean una huída a México y de ahí empezar su vida instalándose en Manhattan, lejos de las severas leyes morales que los reprimen en los suburbios. Vaya, con este tema Fagen sí se puso realmente nostálgico; pero cambia de humor repentinamente con "New Frontier", una canción muy animada sobre el futuro, a pesar de referirse a un sótano en la casa donde estarán seguros en caso de guerra nuclear. Lo tiene todo preparado y calculado para su maravilloso porvenir que nunca llegó: Viajar a Europa, estudiar diseño, ser alguien. ¿Se estará quejando de la mala jugada del destino? Fagen suelta un guiño a Dave Brubeck, famoso pianista de jazz, utilizando una rubia fanática de por medio. Brubeck debió haberle devuelto el favor. "The Nightfly" es la voz del locutor en la madrugada recordando amores pasados y recibiendo llamadas somnolientas, dando paso a "The Goodbye Look", sobre la revolución Cubana y el fin de la era de la inocencia: el Año nuevo 1959. La Mosca Nocturna y su chica (el héroe y su doncella, el poeta y su musa) no llegan a escapar de la Habana y se encuentran con la tropa de fusilamiento. "Levántate, querida, tocan la puerta. El coronel está parado bajo el sol, con su cara estúpida, sus lentes y el arma". Por supuesto que el final inconcluso nos hace saber que era un sueño de verano. El disco se cierra con una canción que merece un 20 de nota en un exámen del colegio del jazz, "Walk Between Raindrops": la despedida con una sonrisa a Miami; una ciudad de la cual se ocupará bastante.

Después de esas ocho canciones, lo único que uno puede hacer es pararse y aplaudir. Hay muy pocos álbumes conceptuales que llegan a formar una idea tan clara de hacia donde apuntan y a la vez tan difusa en ideas diversas. Un conjunto de canciones del pasado, que lo rememoran con nostalgia y a la vez satirizan y critican por lo convencional. Amor y odio a la vez a los recuerdos. Bueno, después de todo, lo mejor que nos pudo haber pasado es la juventud.




Mención aparte merece Kamakiriad, su otro album conceptual, estrenado en mayo de 1993. Este disco puede parecer la continuación de las historias futuristas de la Mosca Nocturna; pero es mucho más dramático. Aquí la acción del protagonista y el orden de la narración musical es imprescindible. Este es un álbum más jazzeado y más seco en estructura rítmica. Walter Becker regresa a trabajar con Fagen, esta vez de productor, presentándonos a un tipo más extraño y más viejo que la Mosca Nocturna. Otro obsesionado con los adelantos científicos. Si la Mosca Nocturna veía el progreso como algo natural y comunitario, el nuevo monstruo lo quiere poseer y poner de moda inmediatamente. Para lograrlo compra el auto más avanzado del siglo (considerando que el año 2000 está a unos cuantos meses) comunicado con el mundo por multimedia y con un satélite que le indica su posición geográfica en latitudes y longitudes en el mundo y las rutas que debe tomar. Le indica donde está la mejor diversión mientras deja que su tecnología lo posee. Ni hace falta bajarse del auto para comer porque posee un cultivo hidropónico en la parte trasera (encima este tipo se pavonea feliz de tenerlo). Huachafo* a más no poder, eso es cierto; pero en el fondo nos hace ver lo lleno que está este mundo de gente así, pendiente de todo lo nuevo que aparezca para sacarle el jugo en su cuarto de hora. La opera se inicia con "Trans-Island Skyway"; cuando el narrador encuentra a su primera compañera de viaje media muerta después de un accidente en la carretera. "Algunos chicos manejan muy rápido", comenta irónico y se la lleva. Ve a su padre en el jardín de su casa y lo invita a ir con él. Vamos papá, toda tu vida has estado plantado en esta ciudad. Ven conmigo y recupera el tiempo perdido. Aunque la idea es invitar al padre; el sujeto está viéndose a sí mismo, con años desperdiciados, esposa, hijos, todo perfecto. La perfecta vida que él ambiciaba en The Nightfly. No. Él quiere emoción, así las chicas lo vean como a un viejo verde. Qué importa, conocerle es amarle, como él ama a sus íconos. En "Countermoon" empieza la acción que esperaba del futuro al ver que todas las parejas se pelean al mismo tiempo y se separan por culpa de una crisis existencial general. Cuidado, amantes, les puede llegar a ustedes. Las parejas más felices de un momento a otro se empiezan a alejar sin saberlo por qué. Fagen, a pesar de tener su impresionante Kamakiri del año, también ve que la chica a quién él salvó la vida se baja del auto. En "Springtime" su vehículo pasa por Laughing Pines, Cape Sincere y Lake Nostalgia; extraños nombres de primaverales ciudades donde pasa su mejor momento. Es sólo cuestión de escucharlo. "Snowbound" es la ciudad en la que siempre nieva y el amor es puro y blanco como la nieve misma, que cae sobre el auto estacionado despreocupadamente y sobre la gente que lo rodea.

"Tomorrow's Girls" es el punto más alto del disco (comparando el pico del Everest con una cadena de montañas muy, muy altas). Es una parodia de "La Guerra De Los Mundos" con "La Noche De Los Muertos Vivientes" y con "Invasores de Cuerpos". Donald es ahora Orson Welles contando la radial historia de horror digna de La Mosca Nocturna. El pueblo tranquilo, pausado y sin perversión recibe una visita inesperada y peligrosa: chicas modernas, con minifalda, maquillaje y sin ningún problema de tomar el sol en el parque con ropas delgadas. Las llega a comparar con un virus mortal (¿el SIDA?) que invita a todos a seguirlas: a los hombres para amarlas y a las mujeres para imitarlas. Después de que el espectáculo pasa de moda, mejor seguir el camino. Le dedica dos canciones a Florida, "Florida Room" y "On The Dunes". En la primera Fagen vuelve a encerrarse con el amor de su vida en una habitación que de repente se convierte en la playa más hermosa que haya visto. Las Dunas lo envuelven en una pesadilla en la cual el muere asesinado, víctima de sus propios excesos -que pueden ser traducidos como dudas e inseguridades de su propia psique-. Aquí se lamenta de su vida, considerándola una gran parodia... cuyo mejor ejemplo es el super-auto del cual se jacta. Empiezan sus dudas sobre el auto y su gran viaje a través del mundo. Dudas que en "Teahouse On The Tracks" se convierten en una agradable decisión de regresar siempre a nuevos caminos, debido en parte al feliz ambiente que encuentra en Flytown (¿La "Ciudad de la Mosca"?).

Fagen muestra con Kamakiriad que es, ante todo, un intérprete, un músico, un compositor de primera. Demasiado fino para las radios FM de rock actuales, sin duda. Ideal para un domingo en la noche. En la entrega de los Grammys en marzo de 1994, Kamakiriad estaba nominado a mejor album del año. Perdió por The Bodyguard. La academia no se habrá querido arriesgar. Extraño, porque Bodyguard es un álbum para un domingo en la noche, también.

Notas sobre Morph The Cat:

1993 se fue y los años pasaron más rápido que de costumbre. Donald Fagen llega a los 58 años y decide continuar después de bajarse del Kamakiri. Flytown resultó ser Nueva York y por alguna razón el futuro es oscuro, turbio, denso como la nube de polvo y humo que dejaron las torres gemelas al derrumbarse después de los atentados terroristas del 11 de Septiembre del 2001. Era algo que no se venía venir, algo que agarró a todos por sorpresa. Como un gato tumbando un florero carísimo y dejándolo caer. Esta analogía se presenta en su último disco, el Morph The Cat. Aquí, nostalgia y espíritu aventurero quedaron de lado y nos encontramos con un album sombrío y melancólico. Una enorme nube con forma de gato cubre Manhattan y vuelve a la gente paranoica, estresada, y la hace envejecer prematuramente. Fagen busca ayuda en el fantasma de Ray Charles ("What I Do") y el resultado es un esfuerzo por recordar los buenos viejos tiempos: ahí está la banda femenina de rock "H Gang" que se hizo legendaria por durar lo que dura una explosión de bomba de hidrógeno. En "Brite Nitegown," tres historias conducen a un cierto personaje llamado Muerte que viste un camisón brillante: Una fiebre cuando niño, un asalto y una sobredosis de Chronax. En las tres historias, la muerte se presenta amable, incólume, como un oso gris esperando a que nos movamos para dar el zarpazo final.

Hay otras dos narraciones de esas que Fagen ya nos tiene acostumbrados en estos últimos años: una mediocre sobre el viajero que se enamora de la oficial de seguridad "Joan" después de que ésta le metió la mano y una canción espeluznante sobre la situación colectiva de la sociedad urbana norteamericana después del 9-11: "Mary, Shut The Garden Door." Al final del disco encontramos al tema "Morph The Cat" concluyendo un sombrío y cínico análisis de los primeros años del siglo XXI en Estados Unidos, no tan brillante como los dos discos anteriores, pero sí con bastante pegada en los oídos.

Visita a Donald Fagen y a su compinche Walter Becker en http://www.steelydan.com/

*Huachafo: peruanismo de "persona de mal gusto".


Este artículo mío sobre "Tomorrow's Girls" se encuentra en el website "Fever Dreams"

Javier (8/20/01): A personal analysis on "Tomorrow’s Girls"

"Tomorrow’s Girls" is, in my very personal point of view, a lament of growing older and fighting against time. I’m gonna tell it like it happened to me: In 1993, the same year that Kamakiriad was released, I turned 20. It was kinda shocking for me to find that I wasn’t 19 anymore –My first approach to Steely Dan was buying Decade On december 31st, 1992- and Life in my twenties was about to begin. Me and my friends, all of us surrounding the second decade, started dating younger girls. Way younger girls than us. We called them the brats (chibolas in peruvian slang). Beautiful girls with pimples and braces, going from 13 to 14 and from 14 to 15. We, old guys approaching the twenties, dating nymphs for getting ourselves the juices of eternal youth. In November 1993 I bought Kamakiriad and "Tomorrow’s Girls" was the right soundtrack for those moments I was living: Dating these little young brats, hiding ourselves from our other friends ("Are you going out with them? Are they getting drunk with you guys? Shame on you!!!") and, most of all, feeling good, free, and with the feeling of doing something wrong that tasted right. The girls of tomorrow, the girls that are not ready yet, but you are having a good time next to them.

In 1994, I don’t know if you can remember, there was a big suicidal wave all over the world. One week before Kurt Cobain shot himself to death, a famous peruvian model was found death in her bathroom with a bullet-wound that crossed her brain. She was 21 and one of the most famous, rich and beautiful models. She also hosted a children’s TV show. Kids loved her, and also their fathers did. The main reason she decided to kill herself was the lack of confidence and security about her body. She was amazingly hot, but she felt she was growing older, she was not a "Tomorrow’s Girl" anymore. Cobain killed himself because of the angry of being young, not being able to stop time. It was the same principle. We get tired of being young and grow older.

One month before (March 1994), My uncle suddenly lefts his wife for a more young girl. He was 45, she was 19. My aunt was 42, and still good-looking and intelligent; but my uncle prefeered the young blood. Young girls give us old guys a very nice sense of passion for life. We feel winners, specially when these young girls don’t care if we have money or not. They like us because we’re clever, and why not, cute!

These close four stories can be related to one song: "Tomorrow’s Girls". When we found ourselves caught by society and morality about our pedophile acts, we create science fiction stories. They’re from outer space! We have no defense against them! But I don’t care, I’m gonna wait for one of them at Lantern time. Girls of our age -our wives and girlfriends- can't do anything to stop them, because It's impossible to fight these brats! They have to go back in time!

So, that's my personal approach to that great song, probably the best song of the nineties.

Wednesday, June 13, 2007

Decidí juntar mi crítica del álbum Live de Police junto a mi crítica severa sobre la presentación del grupo, reunificado pero sin sustancia, el 13 de junio pasado en Oakland como parte de su gira de reunión. Espero os guste. A la izquierda, Certifiable (2008), souvenir de dicha gira.


The Police
Miércoles 13 de Junio del 2007
McAffe Coliseum, Oakland, CA

Seré directo antes de que ustedes quieran seguir leyendo: la gira de Police del 2007 y 2008 resultó ser, como lo había afirmado el baterista Stewart Copeland ya hace unas semanas, un total desastre.

Creí que Copeland estaba siendo el mismo gringo pendenciero de hace veintiocho años, en donde usaba cada entrevista para burlarse de Sting, haciéndole sacar canas verdes. Lo tildaba de tortuga, arrogante, sex symbol pasado de moda y demás. Sting pisaba el palito y varias veces se agarraron a trompadas en pleno tour. Sin embargo, la música que tocaban en esa época, 1979-1981, era de primer nivel, perfectas obras maestras del rock y la música popular. Existía el compromiso y las ganas de dominar el mundo a como sea: ¿Quién puede afirmar que "Roxanne" es una canción mediocre? Después del concierto del miércoles, más de uno.

Police es ahora un trío que no ensaya antes de tocar, y de remate con un cantante que trata de mantenerse lo más lejos posible de cómo sonaba en las grabaciones de hace casi 30 años. Si en 1978 Police triunfó fue debido a cuatro elementos de su música: melodías pegajosas de Sting, su lírica desafiante y a la vez atractiva, la guitarra hipnótica de Andy Summers y la batería intricada de Copeland. Esta vez, los elementos estaban, pero Sting no quería repetirlos, sino mas bien, ups, experimentar con lo aprendido en las últimas dos décadas.

Craso error. O sea, en vez de cantar “Don’t Stand So Close To Me” como lo hacía en 1980, Sting le puso el tono melancólico de la versión de 1986, dandose el lujo de equivocarse de tiempo al entrar después de un redoble de Copeland. Catastrófico. "Synchronicity II" fue ejecutada con apatía por parte de Sting mientras Copeland se rompía los brazos tocando como un poseso. Andy estaba ahí, cumpliendo fielmente su rol de guitarrista pero también parecía que quería que la noche acabara para irse a dormir. Quizás ya se había dado cuenta que en "Message In A Bottle," su guitarra estaba desafinada.

Claro que hubieron buenos momentos en el que pareciera que el trío llegó a una tregua con su propia desgana: ahí estaba "Wrapped Around Your Finger" que hizo ver a Stewart Copeland como un percusionista virtuoso. El single de 1981, "Invisible Sun," ejecutado con la misma elegancia original, transpuso la referencia original de la ocupación de las tropas británicas en Irlanda a la actual guerra en Irak gracias a las enormes pantallas de video y luces. Aunque "Can't Stand Losing You" no tuvo la fuerza de la versión estudio ni la de los conciertos ochenteros, se dejó escuchar, aunque para entonces ya nos habíamos dado cuenta que Police, éstos Police, era una banda de covers.

El concierto ha quedado como parte de un tour que debió haber ocurrido, pero no de esta manera. Sting parecía que no le daba la gana cantar como cantaba antes.


Police triunfó y arrasó en los ochentas por una razón: la honestidad en sus canciones cuando la gente buscaba llenar un vacío de ídolos (tras la muerte de John Lennon), su visión clara de la realidad y, claro, una música y una performance enérgica, fuera de serie. Ninguno de sus discos puede ser considerado "malo," su mayor éxito ocurrió cuando ellos ya habían decidido separarse, y dejaron un buen recuerdo en la audiencia.

Creo que a pesar de haber vendido 22 millones de discos en Estados Unidos, Police debió haber vendido más. Debió haber causado mayor conmoción y la gente debió haber entendido que The Police era un trabajo de equipo, un ejercicio, un partido de fútbol a seguir, admirar e imitar. Lamentablemente ni Sting ni Andy Summers entendieron la idea de Stewart: tocar como un grupo de rock, en perfecta sincronía, como en 1979.



Live (A&M ,1995)
THE POLICE

La carrera de The Police podría compararse a una canción punk o new wave: desafiante, fuerte y rápida. Tan rápida que no tuvieron tiempo para lanzar un disco verdaderamente malo, como sí lo han hecho muchas grandes bandas, ni un álbum en vivo. Extraño, porque podían haber conquistado los puestos más altos de los rankings con un buen concierto grabado y editado a su tiempo; digamos en 1981 o 1982. Se tuvo que esperar 13 años después del lanzamiento del último disco, Synchronicity (1983) para que Andy Summers se anime a producir un disco doble en vivo. Como lo dice el slogan publicitario: "30 canciones. 150 minutos, y ningún idiota que piense que él puede cantar Roxanne" (¿una alución al decaimiento de la voz de Sting en su carrera solista?); se trata de dos conciertos claves en la historia de Police:

El primero, una actuación que fue difundida por en noviembre de 1979 en Boston. Contiene los deslumbrantes y movidos temas de sus dos primeros álbumes: Outlandos D´Amour y Reggatta De Blanc. Se trataba de la primera gira de Sting, Andy Summers y Stewart Copeland a los Estados Unidos y su sonido estaba en el mejor momento. Next To You, So Lonely, The Bed´s Too Big Without You, Bring On The Night, Fall Out y Can´t Stand Losing You—Reggatta De Blanc son las mejores canciones del disco 1. En este disco también hay algo de revancha de Andy Summers puesto que la producción no edita algunas frases que pudieron ser omitidas: en un momento Andy pide al ingeniero de sonido arreglar el sonido del bajo de Sting pero Copeland, sin importar lo que pasaba, daba la orden de arrancar Truth Hits Everybody. Sting en un momento dice: "esta canción es de mi última grabación. Se llama Walking On The Moon". Ni habían pasado dos años de la formación de Police y ya Mr. Cool se comportaba como si estuviera en medio de una gira solista. Me imagino a Andy y a Stewart mirarse las caras y sentir vergüenza ajena y algo de celos.

El segundo concierto es el ya famoso Synchronicity Concert, popular entre los fans de The Police por hallarse disponible en video. En Perú, el extinto canal 27 UHF lo pasaba hasta el cansancio entre 1987 y 1989. Sting y compañía ya eran famosos a nivel mundial, ganadores del Grammy por Every Breath You Take y ya se notaba cierto desgano en sus conciertos; pero esta actuación en el teatro Omni de Atlanta en noviembre de 1983 sería su Canto De Cisne. Es un buen show pero carece de la tenacidad de las primeras actuaciones, tal como se puede escuchar en el concierto de 1979. Aparecen dos temas que no salieron en el famoso video, Synchronicity II y Roxanne, ejecutadas con la misma calidad de siempre pero con la intromisión de ciertos coros fememinos que serían más útiles para los discos solistas de Sting que para The Police. Al final Sting, en otro acto de arrogancia, se da el lujo de presentar primero a las coristas antes que a su colega—rival Copeland y se da el lujo mayor de no presentarse, como si ya todos supieran quién es él y quién sobresale en el trio. Quería urgentemente un disco solista, y dos años después The Dream Of The Blue Turtles vio la luz.

En pocas palabras, The Police logró vencer, después de años, una batalla a los piratas a nivel económico y a la idea de que solamente Sting era la única estrella del show, lo cual es falso. Ahí están Andy y Stewart para demostrar que bien funciona un trio cuando no hay intereses personales de por medio.

(Artículo escrito en 1999)

Sunday, June 3, 2007

Aja (ABC Dunhill Records, 1977)
Once again we visit their realm, and we're always happy to listen. This time, we put Aja on the CD player. And the feeling is of relief.

We actually got tired of hearing bad music everywhere. Not because of styles but commercial nonsense and this big, big creative and economic crisis that western hemisphere art is suffering nowadays.

Becker and Fagen were two ugly twenty-something musicians who wanted to introduce jazz to a mainstream audience. 1977 didn't have an MTV, nor a concept such as "Classic Rock Radio". There was no such thing as Good Old Days because the times of rock and roll weren't that old.

Until 1977, Steely Dan never reached the top ten in America, and this album, painfully recorded, mixed and re-recorded in Los Angeles and New York, gave them that satisfaction. 1977 was the year of the Dan's triumph. Only their following album, Gaucho, would reach this level, but nothing else so far. They stopped in 1981 and it took them 20 years to go back to a studio and release another album.

If you ask me what the album is about, I would tell you it's about "feeling good" music with "feeling bad" subjects. Therefore it's about blues, but played in complicated ways; or at least unusual ways. Difficult chords for guitar players, incredible tempo changes, extremely complex mixtures of sounds and effects. "Black Cow" is about unrequited Love, "Aja" is about a war veteran exiled in paradise, "Deacon Blues" is the same old veteran going out on a saturday night. You may listen to the songs and decide what they're about; you will be right anyways. Becker and Fagen worked so hard for this compositions so they embraced the common man by their thoughts. A redneck girl who turned into a porn star in Hollywood and is praised and missed by her former boyfriend ("Peg"), A man who misses his home after a nasty divorce on the other side of the country and compares himself to Homer in the Oddisey ("Home At Last"), and my favorite: "Josie", a wild girl who loves having fun with the band. You can even smell the characters with the chords, for heaven's sake.

Aja represents a transition from war to peace, in space and time. But in the mind of the narrator, there are still battles to fight in the new land he's living in. It's an album about the Viet Nam War veterans. About the dissilusion of the American Average Male and also about whoever thought life would be easy in the land of opportunities.

Yes, the new genre of Smooth Jazz had to be created to fit albums like this. Future recordings by Pat Metheny, George Benson, The Rippingtons and Spyro Gyra were consequences of the sounds impregnated here. Beautiful and so outrageous.