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Monday, December 24, 2007

What: Sting closing the Amnesty International festival: "Desde Chile: Un Abrazo A La Esperanza" (from Chile: Embracing Hope)
Where: Estadio Nacional, Santiago, Chile.
When: October 13, 1990.
How: A Mega concert that included Luz Casal, Jackson Browne, Inti Illimani, New Kids On The Block, Ruben Blades and Sinéad O'Connor.
Why: Pinochet's Army Government gave up power earlier in 1990 after 17 years of dictatorship. Try throwing a concert like this one during his regime, in the same place, and see what happens.
It is true: Joan Manuel Serrat, the Spanish singer-songwriter, was stopped at the Santiago Airport and denied to enter the country earlier, in March, before the transition. Sting, Sinead O'Connor, Peter Gabriel and the others arrived to Chile no problem later that October...
Who played with Sting: Dominic Miller: Guitar, Kenny Kirkland: Keyboards, Vinnie Colaiuta: Drums, Sting: Bass. Sinéad O'Connor, Peter Gabriel: Vocals. Inti Illimani: Pan pipes. Sting's band was recording, at that time, The Soul Cages, maybe Sting's most sad album about the death of his father.

The entire Sting show's here:

Message In A Bottle:

Driven To Tears:

King Of Pain:

Children's Crusade:

Spirits In The Material World:

If You Love Somebody Set Them Free:

Don't Give Up (featuring Sinéad O'Connor and Peter Gabriel):

Biko (featuring Peter Gabriel):

Bring On The Night/ When The World Is Running Down, You Make The Best Of What's Still Around:

Mariposa Libre (Little Wing)/ From Me To You:

Tea In The Sahara:

Walking On The Moon:

Every Breath You Take:


Roxanne/ Get Up Stand Up:

Ellas Danzan Solas (They Dance Alone) (Cueca Solo):

What the Peruvian Press had to say (Expreso, 10/15/1990):

Special thanks to
Javier Lishner for the precious newspaper cuts and his help in the making of this post.


Saturday, December 15, 2007

Appeared on Rolling Stone issue 1042/1043 (Dec. 27, 2007 - Jan. 10, 2008), the following is an article I agree with completely. I already wrote about this nine years ago, and I will repost the article I wrote pretty soon -hopefully I'll have time to translate it in english!

The Death of High Fidelity
In the age of MP3s, sound quality is worse than ever
By Robert Levine

David Bendeth, a producer who works with rock bands like Hawthorne Heights and Paramore, knows that the albums he makes are often played through tiny computer speakers by fans who are busy surfing the Internet. So he's not surprised when record labels ask the mastering engineers who work on his CDs to crank up the sound levels so high that even the soft parts sound loud. [1]

Over the past decade and a half, a revolution in recording technology has changed the way albums are produced, mixed and mastered -almost always for the worse. "They make it loud to get [listeners'] attention," Bendeth says. Engineers do that by applying dynamic range compression, which reduces the difference between the loudest and softest sounds in a song. Like many of his peers, Bendeth believes that relying too much on this effect can obscure sonic detail, rob music of its emotional power and leave listeners with what engineers call ear fatigue.
"I think most everything is mastered a little too loud," Bendeth says. "The industry decided that it's a volume contest." Producers and engineers call this "the loudness war," and it has changed the way almost every new pop and rock album sounds. But volume isn't the only issue. Computer programs like Pro Tools, which let audio engineers manipulate sound the way a word processor edits text, make musicians sound unnaturally perfect. And today's listeners consume an increasing amount of music on MP3, which eliminates much of the data from the original CD file and can leave music sounding tinny or hollow. "With all the technical innovation, music sounds worse," says Steely Dan's Donald Fagen, who has made what are considered some of the best-sounding records of all time. "God is in the details. But there are no details anymore."

The idea that engineers make albums louder might seem strange: Isn't volume controlled by that knob on the stereo? Yes, but every setting on that dial delivers a range of loudness, from a hushed vocal to a kick drum - and pushing sounds toward the top of that range makes music seem louder. It's the same technique used to make television commercials stand out from shows. And it does grab listeners' attention - but at a price. Last year, Bob Dylan told ROLLING STONE that modern albums "have sound all over them. There's no definition of nothing, no vocal, no nothing, just like - static." In 2004, Jeff Buckley's mom, Mary Guibert, listened to the original 3/4" tape of her son's recordings as she was preparing the tenth-anniversary reissue of Grace. "We were hearing instruments you've never heard on that album, like finger cymbals and the sound of viola strings being plucked," she remembers. "It blew me away because it was exactly what he heard in the studio."

To Guibert's disappointment, the remastered 2004 version failed to capture these details. So last year, when Guibert assembled the best-of collection So Real: Songs From Jeff Buckley, she insisted on an independent A&R consultant to oversee the reissue process and a mastering engineer who would reproduce the sound Buckley made in the studio. "You can hear the distinct instruments and the sound of the room," she says of the new release. "Compression smudges things together." Too much compression can be heard as musical clutter; on the Arctic Monkeys' debut, the band never seems to pause to catch its breath. By maintaining constant intensity, the album flattens out the emotional peaks that usually stand out in a song. "You lose the power of the chorus, because it's not louder than the verses," Bendeth says. "You lose emotion." The inner ear automatically compresses blasts of high volume to protect itself, so we associate compression with loudness, says Daniel Levitin, a professor of music and neuroscience at McGill University and author of 'This Is Your Brain on Music: 'The Science of a Human Obsession. Human brains have evolved to pay particular attention to loud nQises, so compressed sounds initially seem more exciting. But the effect doesn't last. "The excitement in music comes from variation in rhythm, timbre, pitch and loudness," Levitin says. "If you hold one of those constant, it can seem monotonous." After a few minutes, research shows, constant loudness grows fatiguing to the brain. Though few listeners realize this consciously, many feel an urge to skip to another song. "If you limit range, it's just an assault on the body," says Tom Coyne, a mastering engineer who has worked with Mary J. Blige and Nas. "When you're fifteen, it's the greatest thing - you're being hammered. But do you want that on a whole album?"
To an average listener, a wide dynamic range creates a sense of spaciousness and makes it easier to pick out individual instruments - as you can hear on recent albums such as Dylan's Modern Times and Norah Jones' Not Too Late. "When people have the courage and the vision to do a record that way, it sets them apart," says Joe Boyd, who produced albums by Richard Thompson and R.E.M.'s Fables of the Reconstruction. "It sounds warm, it sounds three-dimensional, it sounds different. Analog sound to me is more emotionally affecting."

Rock and Pop producers have always used compression to balance the sounds of different instruments and to make music sound more exciting, and radio stations apply compression for technical reasons. In the days of vinyl records, there was a physical limit to how high the bass levels could go before the needle skipped a groove. CDs can handle higher levels of loudness, although they, too, have a limit that engineers call "digital zero dB," above which sounds begin to distort. Pop albums rarely got close to the zero-dB mark until the mid- 1990's, when digital compressors and limiters, which cut off the peaks of sound waves, made it easier to manipulate loudness levels. Intensely compressed albums like Oasis' 1995 (What's the Story) Morning Glory?[2] set a new bar for loudness; the songs were well-suited for bars, cars and other noisy environments. "In the Seventies and Eighties, you were expected to pay attention," says Matt Serletic, the former chief executive of Virgin Records USA, who also produced albums by Matchbox Twenty and Collective Soul. "Modern music should be able to get your attention." Adds Rob Cavallo, who produced Green Day's American Idiot and My Chemical Romance's The Black Parade, "It's a style that started post-grunge, to get that intensity. The idea was to slam someone's face against the wall. You can set your CD to stun." It's not just new music that's too loud. Many remastered recordings suffer the same problem as engineers apply compression to bring them into line with modern tastes. The new Led Zeppelin collection, Mothership, is louder than the band's original albums, and Bendeth, who mixed Elvis Presley's 30 #1 Hits, says that the album was mastered too loud for his taste. "A lot of audiophiles hate that record," he says, "but people can play it in the car and it's competitive with the new Foo Fighters record."
Just as CDs supplanted vinyl and cassettes, MP3 and other digital music formats are quickly replacing CDs as the most popular way to listen to music. That means more convenience but worse sound. To create an MP3, a computer samples the music on a CD and compresses it into a smaller file by excluding the musical information that the human ear is less likely to notice.[3]

Much of the information left out is at the very high and low ends, which is why some MP3s sound flat. Cavallo says that MP3s don't reproduce reverb well, and the lack of high-end detail makes them sound brittle. Without enough low end, he says, "you don't get the punch anymore. It decreases the punch of the kick drum and how the speaker gets pushed when the guitarist plays a power chord." But not all digital music files are created equal. Levitin says that most people find MP3s ripped at a rate above 224 kbps virtually indistinguishable from CDs. (iTunes sells music as either 128 or 256 kbps AAC files -AAC is slightly superior to MP3 at an equivalent bit rate. Amazon sells MP3s at 256 kbps.) Still, "it's like going to the Louvre and instead of the Mona Lisa there's a 10 megapixel image of it," he says. "I always want to listen to music the way the artists wanted me to hear it. I wouldn't look at a Kandinsky painting with sunglasses on." Producers also now alter the way they mix albums to compensate for the limitations of MP3 sound. "You have to be aware of how people will hear music, and pretty much everyone is listening to MP3," says producer Butch Vig, a member of Garbage and the producer of Nirvana's Nevermind. "Some of the effects get lost. So you sometimes have to over-exaggerate things."
Other producers believe that intensely compressed CDs make for better MP3s, since the loudness of the music will compensate for the flatness of the digital format. As technological shifts have changed the way sounds are recorded, they have encouraged an artificial perfection in music itself. Analog tape has been replaced in most studios by Pro Tools, making edits that once required splicing tape together easily done with the click of a mouse. Programs like Auto-Tune can make weak singers sound pitch-perfect, and Beat Detective does the same thing for wobbly drummers. "You can make anyone sound professional," says Mitchell Froom, a producer who's worked with Elvis Costello and Los Lobos, among others. "But the problem is that you have something that's professional, but it's not distinctive. I was talking to a session drummer, and I said, 'When's the last time you could tell who the drummer is?' You can tell Keith Moon or John Bonham, but now they all sound the same."

So is music doomed to keep sounding worse? Awareness of the problem is growing. The South by Southwest music festival recently featured a panel titled "Why Does Today's Music Sound Like Shit?" In August, a group of producers and engineers founded an organization called Turn Me Up!, which proposes to put stickers on CDs that meet high sonic standards. But even most CD listeners have lost interest in high-end stereos as surround-sound home theater systems have become more popular, and superior-quality disc formats like DVD-Audio and SACD flopped. Bendeth and other producers worry that young listeners have grown so used to dynamically compressed music and the thin sound of MP3s that the battle has already been lost. "CDs sound better, but no one's buying them," he says. "The age of the audiophile is over." [4]

Get the Most of your iPod.

1. Increase the bit rate: Higher bit rates = better sound. Set your iTunes to rip at 192 kbps, or better - we recommend jacking it all the way to 320.
2. Ditch the white earbuds: For an upgrade. try higher-end earphones from Shure. Ultimate Ears or Etymotic. Bonus; fewer muggings!
3. Don't re-rip!!! Morality aside, it's a bad idea to re-rip a CD burned from MP3s - the sound will be noticeably worse.
4. Upgrade from MP3: Use iTunes' AAC format or windows Media Audio .

The MP3 Challenge
By Joe Levy

I HAVE NOTHING AGAINST MP3s – FOR ONE THING, IT would be like arguing with the wind, and the convenience of sorting through the 11,345 songs on my iTunes is unbeatable. All I have to do is think of something to hear it. But there's also no denying the compromise in fidelity caused by all that convenient compression.

Wondering just what gets lost in the format change, I spent a week listening to music on vinyl, CD and iTunes (AAC files at a low bit rate, 128- "kinda shitty," says the office iPod jockey).

I used a pair of Thiel CSI.6 tower speakers - great bass - but the results were similar with the bookshelf speakers I use every day. I started with one of my favorite records of the year, LCD Soundsystem's Sound of Silver.

It was the first time I'd played the vinyl, and at first I thought there wasn't much difference.

But then on "AllMy Friends" I noticed the drums - actual drums, not electronic - with a clarity that had never been there before.

The CD sounded good, though I was convinced the bass was warmer on the vinyl.

Neither I nor anyone else who listened could tell the difference between the CD and theAAC files. A rarely played vinyl copy of Pavement's Croo~ed Rain, Croo~ed Rain was a revelation.

It had never sounded so alive.

The presence vinyl fetishists always talk about was there - this was music made by people in a room, not on a computer.

Maybe it was because I know the album forward and backward, but the AAC files sounded terrible, with the compression pushing on the bottom end until it was like mud and squashing the top notes into something tinny and annoying.

Both the CD and the AAC files were like listening to a picture of this music, though unless you'd heard the real thing you might never notice. The biggest difference, surely a result of remastering, was with John Lennon's Imagine.

On vinyl, the title track was as I remembered it, with the focus on Lennon himself and lots of room for the instrumentation.

But the CD put me right inside the piano he was playing - great clarity, yet not what he and Phil Spector had intended.

Over to theAAC files, where the strings sounded like a synthesizer trying to replicate strings.

Was the song ruined, or even diminished? Not exactly, but I was uncomfortable with the changes both digital formats wrought.

This is the way this music will survive: like a color plate in an art book, with the original sound kept as a museum piece by those who still have turntables. Discouraged, I went back to LCD Soundsystem, letting iTunes play me through an album that embraced digital.

Maybe it's the power of suggestion, but I found myself wondering if the AAC files weren't inspiring the ear fatigue you can read about in Rob Levine's story.

On vinyl, I had to keep jumping up to flip album sides, but I was excited to do it.

Now I was just jumpy and eager for the sound to change.

So I pushed "shuffle." And suddenly everything was fine.

[1] I told you, it wasn't just me. Recording Engineering these days suck.
[2] Funny thing, I remember making a copy of this CD on a cassette so I could listen to it in my car, and the result was disastrous: distortion, loudness... even tho I used the same old level I used for all my cassettes!
[3] My other blog, CacaoTechBlog, has an interesting comment (in spanish :) ) about MP3's compression techniques.
[4] Not over, my friend. Vinyl's still around.
Comments are welcome!

Saturday, December 8, 2007

Print this and post it where you want.


O Melhor de Roque Santeiro
(Somlivre, 2001)
En 1985 Roque Santeiro, una telenovela más de la Red O Globo de Brasil, causó un fenómeno sin precedentes en la historia de la comunicación masiva en dicho país: 100 puntos de sintonía en Río. Todo brasilero, rico, pobre, mujer, hombre, viejo, joven, soltero, casado y demás adjetivos se encontraba con el rostro pegado al televisor siguiendo la trama que mezclaba política, religión, sexo, comedia, drama y violencia en dosis perfectas. La historia de un pueblito perdido en el interior de Brasil llamado Asa Branca y de su santo patrón, Roque Santeiro, un adolescente que perdió su vida tratando de proteger la iglesia del pueblo de unos bandidos dispuestos a robar todo lo que brille y sea oro. El joven resultó ser un santo y se apareció ante una niña inválida, haciéndola caminar al ordenarle untarse lodo en sus piernas. Eso ocurrió hace diecisiete años, y en todo ese tiempo, El que fuera pobrísimo pueblo de Asa Branca vive un boom económico gracias al turismo generado por los peregrinos que buscan reavivar su fé gracias a Roque Santeiro, el santo más importante de la región.

Por supuesto, todo esto fue una gran estafa. Roque no falleció; lo confundieron con el cadáver decapitado de un campesino el cual fue sepultado con  los honers de un héroe. Para colmo, el santo en realidad ayudó a los bandidos a robar el pueblo y con el cargamento de dinero, joyas y conciencia se fué a vivir la vida a Europa, dejando a los criminales en pindinga y listos a cobrar venganza. Diecisiete años después, cosa curiosa, regresa con el rabo entre las piernas a confesar aquel pequeño pecado ante el cura del pueblo, y se encuentra con que el pueblo de Asa Branca lo tiene como patrón, con su estatua en medio de la plaza, y convertido piedra angular de su economía. El sentimiento de culpa es insostenible. De remate: hay gente inescrupulosa como su supuesta "viuda" que vive de la publicidad y de su romance con el hombre más rico del pueblo, y un fabricante de medallas ávaro que vive religiosamente de sus ventas, y de vez en cuando encierra en un cuarto oscuro a su esposa, la que fuera niña que tuvo la mala suerte de haber "visto" a Roque salir de las aguas del río, o al menos, de haber fingido parálisis y luego contarle a todos que se curó de milagro sólo por promocionarse a sí misma. Demasiado tarde.

La telenovela llegó también tarde al Perú en 1989, y para mí fue uno de los mejores momentos que he tenido en frente a la televisión en toda mi vida. Yo tenía 15 años, era todo un adolescente, y una de las cosas que más quería hacer era irme a Europa a hacer exactamente lo que Roque hizo: darse la gran vida. Mientras él se divertía al otro lado del mundo, en Asa Branca la gente iba haciendo su vida en base a la muerte y santificación de su persona. A la larga, se suponía que él debía pagar los platos rotos, aún aunque esto costara la destrucción completa de Asa Branca a través de una terrible y monstruosa recesión. Quién diría que el arte en verdad imita a la vida.

El fenómeno de Roque Santeiro fue un éxito en Brasil no sólo debido a la excelente historia y las formidables actuaciones de José Wilker como Roque, Lima Duarte como el Señorito Malta y Regina Duarte como la Viuda Porcina; sino también debido a su semejanza irónica con la realidad económico-social de Sudamérica. Es una pena que no se haya lanzado en DVD o video. Ahora queda sólo esperar a que la pasen por televisión de nuevo. Y eso...

La telenovela tenía, además, una estupenda banda sonora. O Melhor De Roque Santeiro es una colección de las canciones que sonaban en la telenovela, ubicándose en cada personaje y haciéndose un Leit Motif respectivo a cada uno. "Santa Fé" de Moraes Moreira es el tema que presentaba la telenovela cada noche, mostrando al campesinado brasilero yendo a trabajar bajo la subyugante mirada de ojos ocultos entre los arbustos. Dominguinhos y su "Isso Aquí tá Bom Demais" musicalizan al Señorito Malta, el millonario rey de la carne fresca que está a punto de contraer matrimonio con Porcina, la viuda de Roque Santeiro. Villano o Héroe, el Señorito es un personaje complejo que debería tener una música un poco más siniestra; sin embargo, este tema es muy alegre y sugiere una satisfacción de poder inmensurable por parte de un trabajador que se hizo millonario casi de la nada. Toda la telenovela en sí es una burla directa al millonario arrogante. "Sem Pecado E Sem Juízo" de Baby Consuelo es la balada pop ochentas con la cual se identifica a Linda Bastos, la bellísima actriz que interpreta a la Viuda Porcina en la versión fílmica de la vida de Roque Santeiro, y a la pasión por ésta del director de la "película dentro de telenovela," Gerson del Valle.

"Coração Aprendiz" es de la Tania, la hija del Señorito, una chica de mundo que acaba de regresar a Asa Branca a investigar las extrañas circunstancias en que su madre, la infeliz esposa del Señorito, falleció víctima de un disparo mientras cabalgaba en el bosque. Ella llega y el inminente matrimonio de Porcina y el Señorito está por realizarse. "Chora Corãçao" de Wando es el tema personal de Mocinha, la envejecida novia de Roque que lo sigue esperando, pura y casta como una rosa, hasta que ellos se encuentren en el paraíso y él la desvirgue endemoniadamente. El Profesor Astromar Junqueira, el intelectual del pueblo, vive perdidamente enamorado de ella y ocultando una misteriosa doble personalidad de hombre-lobo. La canción "Mistérios Da Meia-Noite" de Zé Ramalho le pertenece. La Viuda Porcina se adueña del tema más popular de la banda sonora, "Dona", a cargo de la agrupación Roupa Nova. De más está decir que Regina Duarte está perfecta como la extravagante y rechoncha diva de Asa Branca, y la canción le cae a pelo.

El CD O Melhor de Roque Santeiro, lanzado en el año 2001, es parte de una colección llamada "Campeoes de Audiéncia"; bandas sonoras de telenovelas de gran éxito como "Baila Conmigo", "Dancing Days", "Pai Heroi", "O Bem Amado" y la favorita de las villanas: "Vale Tudo". O Globo, en vez de lanzar la banda sonora completa, la comprimió en un solo disco compacto de doce canciones. Es por eso que le quitamos un cacao de cinco, para dejarla con cuatro. 

Roque Santeiro, al igual que su música, es un despertar, un caminar hacia más adelante, a descubrir lo maravillosa que la vida puede ser y, al mismo tiempo, un darse cuenta que no todo lo que brilla es oro y lo que parece no necesariamente es.

La telenovela está siendo presentada en su totalidad en YouTube. A buscar los capítulos!

Como menciono, existe una versión más larga de esta banda sonora, pero lamentablemente se encuentra descatalogada por Globo. Esta versión disponible, no obstante, nos tiene contentos. Pero Somlivre debería relanzar este álbum en dos discos compactos. Al menos, aquí hay un comprador inmediato. A Continuación, la lista de canciones del disco que recomendamos:

Título - Artista / Personaje a quien el tema pertenece
Isso Aqui Tá Bom Demais - Dominguinhos (con Chico Buarque) /Señorito Malta
Sem Pecado E Sem Juízo - Baby Consuelo/ Linda Bastos y Gerson del Valle
Chora Corãçao - Wando/ Mocinha, la novia de Roque Santeiro que aún se mantiene virgen
Mistérios Da Meia-Noite - Zé Ramalho/ Profesor Astromar Junqueira
Santa Fé - Moraes Moreira/ Tema de Apertura
Vitoriosa - Ivan Lins/ Lulú
Dona - Roupa Nova/ Viuda Porcina
De Volta Pro Aconchego - Elba Ramalho/ Luis Roque Duarte
Indecente - Anne Duá/ Matilde
Coração Aprendiz - Fafá de Belém/ Tânia
Roque Santeiro - Sá & Guarabyra/ Tema de la Ciudad
Cópias Mal Feitas - Alceu Valença (Música incidental: Dezessete Na Corrente)/ Tema General
Verdades E Mentiras - Sá & Guarabyra/ Tema de la Ciudad

Aquí está la lista de canciones de los dos discos lanzados en los ochenta
por O Globo. Recemos a Dios por intermedio de Roque Santeiro para que sean
relanzados en CD. A mayor gloria de Asa Branca:

Trilha Sonora 1 (O Globo, 1985)
ISSO AQUI TÁ BOM DEMAIS - Dominguinhos (participação especial Chico Buarque) (tema de Sinhozinho Malta)
A OUTRA - Simone (tema de Lulu)*
SEM PECADO E SEM JUÍZO - Baby Consuelo (tema de Linda Bastos e Gerson)
CHORA CORAÇÃO - Wando (tema de Mocinha)
MISTÉRIOS DA MEIA-NOITE - Zé Ramalho (tema do lobisomem)
SANTA FÉ - Moraes Moreira (tema de abertura)
DONA - Roupa Nova (tema de Porcina)
DE VOLTA PRO ACONCHEGO - Elba Ramalho (tema de Roque)
INDECENTE - Anne Duá (tema de Matilde)
CORAÇÃO APRENDIZ - Fafá de Belém (tema de Tânia)
ROQUE SANTEIRO - Sá & Guarabira (tema de locação)
CÓPIAS MAL FEITAS - Alceu Valença (tema geral)
Trilha Sonora 2 (O Globo, 1985)
MALANDRO SOU EU - Beth Carvalho (tema de Roque)*
COISAS DO CORAÇÃO - Ritchie (tema de Tânia)*
PELO SIM PELO NÃO - Cláudio Nucci e Zé Renato (tema de Sinhozinho Malta)*
VITORIOSA - Ivan Lins (tema de Lulu)
FRUTA MULHER - Nana Caymmi (tema de Matilde)*
VERDADES E MENTIRAS - Sá & Guarabira (tema de locação)
MIL E UMA NOITES DE AMOR - Pepeu Gomes (tema de Linda Bastos e Gerson)*
A HORA E A VEZ - Cláudio Nucci e Zé Renato (tema de Porcina)*
MAL NENHUM - Joanna (tema de Ninon e Delegado Feijó)*
ENTRA E SAI DE AMOR - Altay Velloso (tema de Tânia e Padre Albano)*
AMPARITO AMOR - Cauby Peixoto (tema de Amparito Hernandez)*
MAL DE RAIZ - MPB4 (tema de Mocinha)*
(*) canciones no incluídas en O Melhor De Roque Santeiro. A buscarlas por todos lados.

Tuesday, December 4, 2007

Piero Dall'Orso, Experto Beatleólogo de la Universidad de Surco, nos emociona hasta las lágrimas recordando a un artista que no se ha muerto, sino ha pasado a un plano no físico de la existencia.

Recordando a George Harrison a seis años de su partida

Este artículo esta dedicado a todos los fans de George en el mundo y a su legado musical dentro de The Beatles y como solista. Harrison fue el guitarrista principal de The Beatles y este es un merecido homenaje a una de las grandes leyendas de la música.

(* Liverpool, Reino Unido, 25 de febrero de 1943 - † Los Angeles, Estados Unidos, 29 de noviembre de 2001) fue un músico y compositor británico, más conocido como guitarrista de The Beatles. Tras la disolución del grupo en 1970, Harrison siguió una prestigiosa carrera musical tanto en solitario como dentro del supergrupo Traveling Wilburys, oculto tras los seudónimos de Nelson Wilbury y Spike Wilbury. Asimismo, desarrolló una carrera de productor cinematográfico, creando la compañía Handmade Films en la que dio cabida como actores a gente de la talla de Madonna y los Monty Python.

1943-1960: Los primeros años
George Harrison nació el 25 de febrero de 1943 en el 12 de Arnold Grove, Liverpool, Inglaterra, en el seno de una familia católica y de ascendencia irlandesa por parte de su madre, Louise . Su padre, Harold Harrison, había sido marino hasta que abandonó su puesto y desempeñó el de conductor de autobus. Acudió a la escuela infantil Dovedale Road, cerca de Penny Lane, al mismo tiempo que John Lennon . A los once años, tras pasar una prueba, le fue concedida una plaza en el Liverpool Institute for Boys, edificio hoy en día convertido en el Liverpool Institute for Performing Arts, en el cual conoció a Paul McCartney. A los doce años, poco antes de dar inicio el curso, fue ingresado en el hospital debido a una nefritis. Durante su convalecencia compró su primera guitarra, una Egmond, a un compañero de Dovedale, Raymond Hughes, por 3 libras con 10 chelines.
Poco después, al tiempo que conseguía su primera "guitarra decente", una Hofner President, forma su primer grupo tras el auge del skiffle: The Rebels, junto a su hermano Peter y Arthur Kelly . Entre los artistas que influyen en su forma de tocar destacan Elvis Presley, Little Richard, Buddy Holly, Fats Domino, Bill Halley, Eddie Cochran, Lonnie Donegan y Chet Atkins. Más tarde, Harrison es presentado por Paul McCartney a John Lennon e ingresa en The Quarry Men, que posteriormente, tras cambiar varias veces de nombre, acabará denominándose The Beatles.
Tras abandonar la escuela en 1959, alternó durante poco tiempo su afición a la música con un trabajo de aprendiz de electricista. El entrenamiento ayudó a hacer de Harrison el miembro más eficaz del grupo a la hora de experimentar nuevos sonidos y de arreglar equipaciones. A mediados de los 60, fue el primero en equipar su casa de Esher con un estudio personal donde podría componer y trabajar con mayor eficacia.

1960-1970: The Beatles
En los primeros días de The Quarrymen, McCartney animó a Harrison a que se uniera. Al comienzo, y debido a su temprana edad, era visto con desconfianza por los otros miembros del grupo . En un principio, Harrison no podía considerarse como un guitarrista virtuoso, si bien el hecho de que supiera suficientes acordes para tocar varios temas hizo que John Lennon le aceptara en el grupo. Pese a ello, a finales de los 60, el entrenamiento hizo de Harrison un guitarrista más fluido y creativo, realizando las labores de guitarrista principal y rítmico. Más adelante, entrados los 70, el sonido que conseguía con la guitarra slide se convertiría en su sello personal.
Harrison fue el primero de los Beatles en llegar a los Estados Unidos con el fin de visitar a su hermana, Louise, en Benton, Illinois, en septiembre de 1963, cinco meses antes de la aparición del grupo en The Ed Sullivan Show . Durante la visita, George visitó una tienda de discos y compró varios singles sin que el dueño le conociera debido al escaso conocimiento que tenían los estadounidenses acerca de la música pop británica. A su regreso a Inglaterra, comentó a sus compañeros de grupo que sería difícil cosechar el éxito en América.
Durante la Beatlemanía, Harrison fue caracterizado como el "Beatle tranquilo", debido a su carácter introspectivo y su tendencia a un segundo plano en las conferencias de prensa. A pesar de la imagen de "Beatle tranquilo", la mayoría de compañeros y amigos, como Eric Idle, miembro de Monty Python, aseguran que en las distancias cortas era muy hablador y dicharachero, contraponiéndose a la imagen que solía tener de él la prensa .

Durante el primer viaje de The Beatles a los Estados Unidos en febrero de 1964, Harrison recibió un nuevo modelo de guitarra, el "360/12", de la compañía Rickenbacker, eléctrica y con doce cuerdas, que comenzaría a tocar en futuros álbumes del grupo. Roger McGuinn, interesado en el sonido, adoptó como modelo propio el 360/12, dando lugar al sonido característico de las canciones de The Byrds.
Harrison escribió su primera canción, "Don't Bother Me", durante un día de convalecencia en cama, en 1963, con el fin de probar, como declararía posteriormente, "si era capaz de componer un tema". La canción aparece publicada en el álbum With the Beatles de 1963 y en su versión americana de 1964 Meet the Beatles!. Si bien para el siguiente álbum del grupo, Beatles For Sale, también había compuesto un tema, éste fue descartado, olvidando la composición hasta que contribuyera al álbum Help! con los temas "I Need You" y "You Like Me Too Much".
Harrison fue el cantante de todas las canciones compuestas por él en su etapa con The Beatles. Asimismo, también cantó temas de otros artistas, incluyendo "Chains" y "Do You Want to Know a Secret" en Please Please Me, "Roll Over Beethoven" y "Devil In Her Heart" en With the Beatles, "I'm Happy Just to Dance With You" en A Hard Day's Night, y "Everybody's Trying To Be My Baby" en Beatles For Sale.
Un importante punto de inflexión en su carrera musical tuvo lugar durante la gira americana de 1965, en la que David Crosby de The Byrds introdujo a Harrison en la cultura india a través de la música de Ravi Shankar. Muy pronto, quedó fascinado con el especial sonido de su música, permitiendo la lenta introducción de la misma en la cultura occidental. Tras comprar un sitar poco después de dar por finalizada la gira de 1965, fue el primer músico de la cultura pop en introducir el instrumento en un álbum de estudio, especialmente en la canción "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)", del álbum Rubber Soul.
Otro importante momento de su vida tuvo lugar durante el rodaje de la película Help! en las islas Bahamas, al entregarle un hindú un libro sobre la reencarnación. Su interés por la cultura hindú se expandiría formalmente al abrazar el hinduísmo. En una peregrinación con su mujer Pattie a la India entre la última gira de The Beatles en 1966 y el inicio de las grabaciones de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, Harrison estudió lecciones de sitar, conoció a varios gurus y visitó sitios sagrados, acercándose así a la cultura oriental. Poco después, de vuelta a Inglaterra, conoció a Maharishi Mahesh Yogi, a quien presentó al resto del grupo para iniciar unos ejercicios de meditación transcendental que tendría lugar a comienzos de 1968 en Rishikesh.
En el verano de 1969, produjo el single "Hare Krishna Mantra", interpretado por devotos del templo londinense de Radha-Krishna. El mismo año, él y John Lennon conocieron a A.C. Bhaktivedanta Swami Prabhupada, fundador de la Sociedad Internacional para la Conciencia de Krishna (ISKCON) . Poco después, Harrison abrazaría la tradición Hare Krishna, en particular el canto del mantra usado como meditación privada y llamado japa-yoga, técnicamente similar al rosario en la tradición católica.
A medida que transcurría el tiempo, las composiciones de Harrison fueron haciéndose más notables, pasando de un segundo plano a competir con las composiciones de Lennon y McCartney en materia de calidad. Entre 1965 y 1970, los temas compuestos por George Harrison fueron: "If I Needed Someone", "I Want to Tell You", "Think For Yourself", "Taxman", "Within You Without You", "Blue Jay Way", "Only a Northern Song", "Old Brown Shoe", "If I Needed Someone", "I Need You", "While My Guitar Gently Weeps" (con Eric Clapton en la guitarra), "Piggies", "Savoy Truffle", "Something", "The Inner Light", "Here Comes the Sun", "I Me Mine" y "For You Blue.
Los roces entre Harrison, Lennon y McCartney comenzaron a hacerse patentes a partir de la muerte de Brian Epstein, mánager del grupo, y en especial desde las sesiones de grabación de The Beatles, llegando a intentar dejar el grupo por aquel momento. Entre 1967 y 1969, McCartney expresó en más de una ocasión su insatisfación con la forma de tocar de Harrison. Las tensiones entre ambos quedan patentes durante los ensayos del proyecto Get Back (enero de 1969) en Twickenham Studios, que acabará por editarse como documental bajo el título Let It Be, donde Harrison acaba por decir con sorna: "Bien, no me importa. Tocaré lo que quieras que toque o no tocaré nada si no quieres que toque nada. Todo lo que sea por complacerte, lo haré." Descontento con las pobres condiciones en las que se desarrollaban las sesiones y aletargado por las horas de trabajo, Harrison acabará por abandonar el grupo el 10 de enero, si bien retornará a su trabajo el 22 del mismo mes tras dos reuniones de negocios.
Las relaciones internas del grupo se desarrollaron más cordiales durante las sesiones de grabación de Abbey Road, en las que se incluyen las composiciones de Harrison "Something" y "Here Comes The Sun". "Something" ha sido reconocido como uno de los mejores trabajos de The Beatles tanto por Elvis Presley como por Frank Sinatra, si bien, a modo de anécdota, Sinatra comentó acerca de la canción que era su "composición de Lennon/McCartney favorita". La creciente productividad de Harrison al final de la vida de The Beatles le permitiría recopilar suficiente material para desarrollar una carrera musical en solitario bastante exitosa y larga, que daría comienzo a partir de la última sesión junto al resto del grupo el 4 de enero de 1970, con 26 años.

1970-2001: Después de los Beatles

Tras la disolución de The Beatles en 1970, y tras años opacado por las sombras de Lennon y McCartney, publicó gran parte del material que había acumulado durante los últimos años en su proyecto más loado por la crítica, All Things Must Pass, el primer álbum triple de la historia musical.
All Things Must Pass supuso una entrada triunfal para la carrera musical en solitario de Harrison, acallando así las voces discrepantes que auguraban una mala carrera para él. Junto al álbum John Lennon/Plastic Ono Band de John Lennon y Ram de Paul McCartney, All Things Must Pass es considerado uno de los álbumes más trabajados por un Beatle en su carrera en solitario.
El álbum, que alcanzó el puesto #1 en las listas de éxitos británicas y estadounidenses, incluía los singles de éxito "My Sweet Lord" e "Isn't It A Pity", así como "What Is Life", que entró entre los diez primeros puestos. Años después, Harrison sería demandado debido a una violación de derechos de autor en "My Sweet Lord", donde supuestamente imita el single de The Chiffons "He's So Fine". Si bien Harrison negó la acusación, acabó perdiendo el juicio en 1976. Durante el mismo, la corte había aceptado la posibilidad de que Harrison hubiera "copiado subconscientemente" el éxito de The Chiffons como base a su propia canción, lo que utilizó para mofarse del tribunal en su tema "This Song", publicada en el álbum Thirty Three & 1/3. Las disputas por los derechos de autor continuaron en la década de los 90, con el antiguo manager de The Beatles Allen Klein denunciando a Harrison tras comprar Bright Tunes, la compañía que poseía los derechos de autor de "He's So Fine". Finalmente, Harrison acabaría poseyendo los derechos de ambos temas.
Harrison fue, asimismo, el primer músico en organizar un concierto benéfico. Su Concert for Bangla Desh el 1 de agosto de 1971 reunió a cerca de 40.000 personas en torno a dos espectáculos organizados en el Madison Square Garden de Nueva York con el fin de recaudar fondos para paliar el hambre y la miseria de los refugiados en la antigua Pakistán del Este, hoy en día Bangladesh. Ravi Shankar abrió el concierto, que incluía a artistas de la envergadura de Eric Clapton, Bob Dylan, Jim Keltner, Billy Preston, Leon Russell, Ringo Starr y Klaus Voormann. Desafortunadamente, problemas con los impuestos y gastos cuestionables ensombrecieron la leyenda del mismo. En octubre de 2005, Apple Corps. reeditó el concierto en CD y DVD, siendo el dinero recaudado por las ventas destinado a UNICEF.
De forma adicional a su propio trabajo, Harrison escribió dos temas para Ringo Starr, "It Don't Come Easy" y "Photograph" y apareció en el álbum Imagine de John Lennon, así como en los temas "You're Breakin' My Heart" de Harry Nilsson, "Day After Day" de Badfinger, "That's The Way God Planned It" de Billy Preston y "Basketball Jones" de Cheech & Chong.
El siguiente álbum de Harrison, Living in the Material World, sería publicado en 1973. Su primer single, "Give Me Love (Give Me Peace on Earth)" le brindaría su segundo #1 en Estados Unidos, mientras "Sue Me Sue You Blues" serviría de mofa al proceso judicial que estaba desarrollando McCartney para disolver de forma oficial The Beatles. Con un sonido más intimista y una lírica más espiritual y filosófica, el álbum se mantuvo en el primer puesto de las listas de éxitos estadounidenses durante cinco semanas. En septiembre de 2006, una reedición del álbum con "Deep Blue" y "Miss O'Dell" como temas extra, así como con DVD, alcanzaría el puesto #38 del Billboard Pop Catalog Chart.
En 1974, vio la luz Dark Horse, al tiempo que daba inicio a una gira por los Estados Unidos. La gira fue duramente criticada por la duración del acto principal, a cargo de Ravi Shankar, y por la voz ronca de Harrison debida a una laringitis. Aún así, el álbum alcanzó el puesto #5 en las listas de éxios estadounidenses, si bien las críticas desfavorables y el poco interés suscitado provocarían que Dark Horse no entrara en las listas de éxitos británicas. El single "Dark Horse" alcanzaría el puesto #15 en las listas de Billboard.
Durante el periodo de preparación para la gira estadounidense, abrió oficinas en La Brea Avenue de Los Ángeles para su futuro sello discográfico, Dark Horse Records. Dentro de las oficinas conocería a su segunda mujer, Olivia Trinidad Arias, asignada para trabajar en el sello junto a Terry Doran de Apple y Jack Oliver. Su relación sentimental daría frutos a partir de la gira, hasta que en 1978 contrajeran matrimonio.
Su último álbum de estudio bajo el sello Apple, Extra Texture (Read All About It), fue publicado en 1975, del cual se extrajeron dos singles: "You", que alcanzó el Top 20 de las listas de Billboard, y "This Guitar (Can't Keep From Crying)", que supuso el último single editado por Apple y el primer sencillo de un Beatle que no entró en las listas estadounidenses.
Tras la salida de John Lennon, George Harrison y Ringo Starr del sello EMI (Paul McCartney permanecería en él hasta que en 2007 fichara por Hear Music), la compañía discográfica tuvo libertad para editar el trabajo del grupo y de sus componentes en solitario en un mismo álbum, utilizando a Harrison como experimento en The Best of George Harrison, en la que se combinaban sus éxitos compuestos en The Beatles y en solitario. Al mismo tiempo, Harrison se vio envuelto en problemas con la industria discográfica. Durante la grabación de su primer álbum en Dark Horse Records, Thirty Three & 1/3, Harrison se vio aquejado de hepatitis, retrasando su publicación e incumpliendo una cláusula del contrato firmado previamente con la distribuidora A&M. Tras ser denunciado, Warner Bros. Records se hizo cargo de la distribución de su sello, permitiéndole suficiente tiempo para recuperarse de la enfermedad y grabar el álbum.
Thirty Three & 1/3 supuso un considerable éxito tras sus dos álbumes anteriores, alcanzando el puesto #11 en las listas de éxitos estadounidenses. El primer single, "This Song", supone una sátira del proceso judicial por el "plagio inconsciente" de "He's So Fine" de The Chiffons, mientras "Crackerbox Palace" sería posteriormente publicado como segundo single.
Tras su segundo matrimonio con Olivia Trinidad Arias y el nacimiento de su primer y único hijo Dhani Harrison, Harrison emprendería la grabación de su álbum epónimo, George Harrison, publicado en 1979 con los singles "Blow Away", "Love Comes To Everyone" y "Faster". Tanto el álbum como el primer single alcanzaron el Top 20 en las listas de éxitos de Billboard.

En 1980, Harrison se convierte en el primer Beatle en escribir una autobiografía, titulada I Me Mine. El publicista de The Beatles Derek Taylor le ayudó en la ardua tarea de escribir el libro, publicado inicialmente por Genesis Publications. Si bien la biografía de Harrison cuenta algunas anécdotas de su etapa con los Beatles, se centra en su mayoría en los hobbies del artista, desde la jardinería hasta la Fórmula Uno.
Tras el asesinato de John Lennon el 8 de diciembre de 1980, Harrison sufrió una grave conmoción, debido en parte a su escaso contacto con Lennon y al enfado de éste por no verse mencionado en su autobiografía. La muerte de Lennon forzó a Harrison a rodearse de medidas de seguridad en su mansión de Friar Park, en Henley-on-Thames. Poco después, modificó la letra de "All Those Years Ago", canción que había compuesto en un principio para Ringo y que posteriormente sirvió de tributo a Lennon en su álbum Somewhere in England. Con Ringo Starr en la batería y con Paul y Linda McCartney en los coros, tanto el álbum como el single, publicados en 1981, recibieron buenas reseñas por parte de la crítica musical, alcanzando el puesto #2 en las listas de éxitos estadounidenses.
Tras la publicación en 1982 de Gone Troppo, George Harrison se vio apartado del mundo de la música un total de cinco años para dar prioridad a otras aficiones. Durante este tiempo, aparecería públicamente en el especial Carl Perkins and Friends, con Ringo Starr y Eric Clapton entre los invitados, y grabaría una canción para la banda sonora de "Porky's Revenge" y el tema "I Don't Want To Do It" de Bob Dylan. En 1987, regresaría con Cloud Nine, uno de sus álbumes más loados por la crítica, producido por Jeff Lynne, alcanzando su tercer número #1 en Estados Unidos con el single "Got My Mind Set On You". "When We Was Fab", un tema retrospectivo de su etapa con The Beatles, supuso también un notable éxito. El álbum alcanzó el puesto #8 en las listas de éxitos estadounidenses y el #10 en las británicas, dando a Harrison su mejor resultado desde Living in the Material World.
Durante la grabación del tema "Handle With Care" reuniría en el garaje de Bob Dylan a Tom Petty, Jeff Lynne y Roy Orbison. Lo que en un primer momento sería la cara B del single "This Is Love" acabaría convirtiéndose en la primera canción grabada por The Traveling Wilburys, al considerar la compañía discográfica que el tema era demasiado bueno para relegarlo a un segundo plano. El primer álbum del grupo, grabado en apenas dos semanas antes de que diera comienzo la gira de Bob Dylan, fue publicado en octubre de 1988 con el nombre de Traveling Wilburys Vol. 1 y con los nombres de los músicos ocultos tras seudónimos.
Uno de las empresas desarrolladas por Harrison durante la época fue la productora cinematográfica Handmade Films, poco después de que EMI Films rechazara el proyecto La vida de Brian, de los Monty Python. Handmade Films financió el proyecto, dando inicio a un listado de películas producidas por la compañía de Harrison entre las que figuran Mona Lisa, Time Bandits, Shanghai Surprise y Withnail and I. En algunas de ellas, Harrison llegó incluso a realizar cameos, como en el caso de "Shanghai Surprise" como cantante de un club nocturno, y caracterizado como Mr. Papadopolous en La vida de Brian. Uno de los cameos más memorables fue como reportero en la parodia de The Beatles The Rutles, creada por Eric Idle. Pese a todo, Handmade Films entraría en quiebra debido a la mala administración y a las demandas que aquejaron las finanzas de Harrison.
A comienzos de 1989, Harrison, Lynne y Starr participaron en la grabación del tema "I Won't Back Down", de Tom Petty, donde George toca la guitarra eléctrica. Ese mismo año tiene lugar la publicación del segundo recopilatorio de la carrera musical de Harrison, Best of Dark Horse 1976-1989, con los éxitos de su etapa bajo el sello Dark Horse Records. el álbum incluye dos temas grabados para la ocasión, "Poor Little Girl" y "Cockamamie Business", así como el tema de la banda sonora Lethal Weapon 2 "Cheer Down".

El primer año de la nueva década vería la luz el segundo álbum de Traveling Wilburys, Traveling Wilburys Vol. 3, a pesar del óbito de Roy Orbison en 1988. Como sustituto, el grupo había pensado en Del Shannon, pero en febrero de 1990 el músico se suicidaría, truncando los planes de los demás componentes.
En 1991, Harrison emprendió por Japón y junto a Eric Clapton su primera gira desde 1974, si bien aún tenía en mente el agrio recuerdo de aquel momento. Tras una docena de conciertos, en 1992 vería la luz el álbum Live in Japan, acreditado a George Harrison, Eric Clapton & Band. En octubre del mismo año, Harrison participaría en el concierto tributo a Bob Dylan en el Madison Square Garden de Nueva York interpretando tres canciones: If Not For You", "Absolutely Sweet Marie" y "My Back Pages".
Entre 1994 y 1996, emprendió junto a Paul McCartney y Ringo Starr el proyecto Anthology, incluyendo la grabación de dos nuevas canciones de The Beatles a partir de demos caseros de mediados de los 70 donde John Lennon tocaba el piano y cantaba. Asimismo, el proyecto incluía un recorrido visual por la carrera musical del grupo, con entrevistas a los tres miembros supervivientes. En 1996, grabaría y produciría junto a Carl Perkins el tema "Distance Makes No Difference With Love" para su álbum Go-Cat-Go.
La última aparición de Harrison en televisión tendría lugar en 1997 para la promoción de Chants of india, una colaboración junto a su amigo y músico hindú Ravi Shankar. En el programa, Harrison interpretó, después de que un miembro del público le pidiera una "canción de The Beatles" y el respondiera "'creo que no conozco ninguna", "All Things Must Pass" y la futura "Any Road, canción que aparecería en 2002 en su álbum póstumo Brainwashed y la canción de The Traveling Wilburys “If you belonged to me”.
En enero de 1998, Harrison asistiría al funeral de su ídolo de juventud, Carl Perkins, en Jackson, Tennessee, donde interpretó una versión de la canción "Your True Love" durante la ceremonia.
A mediados de los 90, y debido en parte a su condición de fumador, Harrison libró una batalla contra el cáncer, siendo eliminado en sucesivas operaciones primero de la boca y posteriormente del pulmón.
El 30 de diciembre de 1999, Harrison vivió una secuela del asesinato de John Lennon al sobrevivir a un ataque de navaja en su propia casa, propiciado por un intruso. Harrison y su mujer, Olivia, se enfrentaron al intruso y lo redujeron para posteriormente ser trasladado a dependencias policiales por la autoridad. Michael Abram, de 35 años, declaró que estaba poseido por el espíritu de Harrison y que era una misión concedida por Dios el matarle. Más tarde fue trasladado a un sanatorio mental. Tras el suceso, Harrison quedó relativamente traumatizado y limitó aún más sus apariciones públicas.
En 2001, Harrison apareció como invitado en el álbum Zoom de Electric Light Orchestra, tocó la guitarra slide en las canciones "Love Letters" para Bill Wyman & Rhythm Kings, remasterizó y restauró canciones de Traveling Wilburys y compuso una nueva canción, "Horse To The Water". La canción, que sería su última publicación en vida, fue grabada el 2 de octubre, dos meses antes de su muerte, y apareció en el álbum Small World, Big Band de Jools Holland.
El cáncer que sufría Harrison volvió a reaparecer en 2001, siendo diagnosticado como metástasis. A pesar de los tratamientos agresivos, pronto descubrió que era terminal, decidiendo de inmediato pasar sus últimos días en familia y trabajar en algunos proyectos para posteriormente ser terminados por su viuda e hijo.
Harrison falleció en una mansión de Hollywood, Los Ángeles, en un principio propiedad de Paul McCartney, el día 29 de noviembre de 2001 a la temprana edad de 58 años. Su muerte fue justificada por el cáncer de pulmón que padecía y que había hecho metástasis con el cerebro. Posteriormente fue cremado, y si bien algunos medios afirmaron que sus cenizas habían sido depositadas en el río Ganges, no ha habido ninguna declaración familiar que lo certifique.
Tras la muerte de Harrison, su familia emitió el siguiente comunicado: "Abandonó este mundo como vivió: consciente de Dios, sin miedo a la muerte y en paz, rodeado de familiares y amigos. En ocasiones Harrison decía: "Todo lo demás puede esperar, pero la búsqueda de Dios no; amaos los unos a los otros."
Harrison y Aaliyah hicieron historia en las listas de éxitos británicas al convertirse, hasta la fecha, en dos números uno consecutivos tras el fallecimiento del artista, con el tema "More than a Woman" de Aaliyah alcanzando el primer puesto el 13 de enero de 2002 y la reedición de "My Sweet Lord" alzándose hasta lo más alto de las listas el 20 de enero de 2002.
El álbum póstumo de George Harrison, Brainwashed, fue completado por su hijo Dhani Harrison y Jeff Lynne y publicado el 18 de noviembre de 2002, recibiendo positivas críticas y alcanzando el puesto #18 en las listas de álbumes de Billboard. El promo "Stuck Inside a Cloud", fue radiado con frecuencia en las emisoras americanas, mientras el primer single, "Any Road", publicado en mayo de 2003, alcanzó el puesto #37 en las listas de éxitos británicas.

Vida en familia
Primero se caso con la modelo Pattie Boyd, a la que conoció en el rodaje de la película A Hard Day's Night, el 21 de enero de 1966 en el registro civil de Esher, con Paul McCartney como testigo. A finales de los años 60, Eric Clapton se enamoró de Pattie, dejando patente su amor en la canción "Layla". Poco tiempos después, Pattie Boyd abandonó a Harrison para casarse con Eric Clapton; sin embargo, ambos siguieron manteniendo una fuerte amistad.
El 2 de septiembre de 1978, Harrison contrajo matrimonio por segunda vez con Olivia Trinidad Arias. Poco tiempo después, nacería su primer y único hijo, Dhani Harrison, que guarda tal parecido a su padre que sirvió a Paul McCartney de anécdota en el Concert for George, diciendo al público: "Olivia me dijo que en este escenario parece que George permaneció joven mientras todos nosotros envejecimos.", en referencia a Dhani.
Harrison era un gran admirador del grupo Monty Python, hasta tal punto que su productora cinematográfica Handmade Films fue fundada expresamente para dar financiación a la película de los Python La vida de Brian en la que el propio Harrison aparece fugazmente. Durante el rodaje, entabló una fuerte amistad con Eric Idle, miembro del grupo humorístico, que posteriormente realizaría la comedia All You Need Is Cash, en la que Harrison aparece como reportero en una escena. Idle apareció como invitado en el Concert for George, interpretando las canciones "The Lumberjack Song" y "Sit On My Face" junto al resto del grupo humorístico.
Asimismo, Harrison se declaró un seguidor del grupo de rock en clave de humor Bonzo Dog Doo-Dah Band, que aparecieron en la película de The Beatles Magical Mystery Tour.
Uno de los principales hobbies de Harrison fue la Fórmula Uno. Antes incluso de ser músico, coleccionó fotos de pilotos y de sus monoplazas. En más de una ocasión tuvo acceso a los paddock del Gran Prix de Inglaterra en el Circuito de Silverstone, así como en otros circuitos. El tema "Faster", publicado en el álbum George Harrison, está dedicado a Jackie Stewart y a Niki Lauda. Asimismo, en The Beatles Anthology puede verse un póster del piloto brasileño de Fórmula 1 Ayrton Senna detrás de McCartney, Starr y Harrison mientras discuten acerca de algunos episodios de sus vidas.

Premios y reconocimiento

El 12 de junio de 1965, Harrison y el resto de The Beatles fueron reconocidos como Miembros de la Orden del Imperio Británico, recibiendo una insignia de manos de la Reina Isabel II en su investidura en el Palacio de Buckingham el 26 de octubre.
En 1970, The Beatles ganaron el Premio de la Academia del Cine por la mejor Canción Original del filme Let It Be. Cada Beatle recibió un Oscar.
El asteroide 4149, descubierto el 9 de marzo de 1984 por B. A. Skiff en la Estación Anderson Mesa del Observatorio de Lowell, fue nombrado como tal en su honor.
Pocos días después de su fallecimiento, el epidosio de The Simpsons "A Hunka Hunka Burns in Love" fue dedicado en su memoria. Previamente, Harrison había aparecido como invitado en el epidosio "Homer's Barbershop Quartet".
El 29 de noviembre de 2002, conmemorando el primer aniversario de su muerte, McCartney, Starr, Eric Clapton, Tom Petty and the Heartbreakers, Jeff Lynne, Billy Preston, Joe Brown, Jools Holland, Sam Brown, Olivia Harrison y Dhani Harrison participaron junto a otros músicos en el Concert for George, celebrado en el Royal Albert Hall de Londres. En él, McCartney tocó "Something" acompañado de un ukelele, contando como anécdota que cuando solía visitar a Harrison en su casa después de cenar, George solía sacar un ukelele y tocar alguna canción. Asimismo, McCartney, Clapton y Starr se reunieron por primera vez en la canción "While My Guitar Gently Weeps" desde que fuera grabada en 1968. Los beneficios del concierto fueron cedidos a la organización The Material World Charitable Foundation que Harrison fundó en 1973.
En 2003, Harrison fue clasificado en el puesto #21 de la lista "Los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos" elaborada por la revista musical Rolling Stone .
El 15 de marzo de 2004, Harrison fue inducido en el Rock and Roll Hall of Fame por sus amigos y compañeros de la banda Traveling Wilburys Jeff Lynne y Tom Petty.
El legado musical y la via de George Harrison fueron el tema principal de la revista Time en su publicación del 10 de diciembre de 2001, marcando la primera portada dedicada a una persona o a un tema en especial tras los atentados del 11-S.
El 1 de agosto de 2006, Harrison fue inducido en el Madison Square Garden Walk of Fame.

Saturday, December 1, 2007

Loco Disco, Funky ManThis current podcast is supposed to be funky. I collected 7 of the first funky-R&B-jazzed-messed up tunes that came to my mind and made a little MP3 file out of it.

Tracks featured are:

Miles Davis: "Jean Pierre" (from his 1982 album We Want Miles)

J.B.'s: "Doin' It To Death" (from the 1973 album of the same name)

Daft Punk: "Ten Minutes of Funk Mix (Armand Van Helden Mix)" (from the 1996 Promo CD Da Funk)

Herbie Hancock: "Hang Up Your Hang Ups" (from the 1974 album Manchild)

Jamiroquai: "Canned Heat" (from the compilation 1999 Remixes)

Kool & The Gang: "Summer Madness" (from the 1974 album Light Of Worlds)

Esther Williams: "Last Night Changed It All (I Really Had A Ball)" (from the 1976 single of the same name)

Coming soon, the volume 2. Next time I'll put some Rick James, Roy Ayers, Parliament... you know, the kind of stuff you sweep under the rug. The real dirty funky sound of the seventies and eighties. Enjoy!

I knew that eventually this had to come out. After more than a year of not releasing anything, here's another 6-panel episode of "Emilio Cacao." Hope you guys like it!


Saturday, November 24, 2007

¿Una novia así? ¡Claro que sí! (con tal de que después no te salga con que dejas los discos tirados por todas partes...)

El asunto es difícil y genera mucha polémica. Discusiones, quejas, platos rotos, ecos de escopeta y de revólver.

Los chicos y no tan chicos fanáticos de la música tenemos un dilema terrible con nuestras mujeres. A ellas, no les apasiona tanto la música como a nosotros. Les llega al trozo quién sacó qué disco el 75, pero están ahí empiladas si es que el artista de moda, pintón, cruza la esquina para saludar a la fanaticada.

Eso puede ser insignificante, sin importancia, pero tiene mucha relevancia en nuestros egos y eso es innegable.

Es un tema muy espinoso para los coleccionistas del género masculino, y viene con la marca registrada del machismo, la intolerancia, el rol de la mujer en la sociedad y la presión de ésta por que la chica sea una chica bien y no andar escuchando sonidos diferentes a lo que todos y todas escuchan. "No choques tus neuronas muy a menudo, hija, que puedes darte cuenta de lo que estás haciendo".

¿Les ha pasado a ustedes alguna vez, ya sean hombres o mujeres ustedes, que si tienen una cualidad especial o les gusta algo fuera de lo común, los miran como a bichos raros? A eso yo lo llamo antievolución, pero eso es harina de otro costal. Nos dedicaremos a hablar de un tema más específico.

Men of stone

Probabilidades de que este par de chicocas esté escuchando el disco de Chris Squire 'Fish Out Of Water': 1/100000000000Hace un par de años, conversaba con mi amigo Loco Disco y él me contaba su terrible dilema: su novia no soportaba a los Bee Gees; y el resto de música que Disco escuchaba (Lou Rawls, Kool & The Gang, Tavares, etc.) le era indiferente. No le prestaba atención. Y si le prestaba atención, una vez a las quinientas, era para decir: "¡qué música más huachafa*! ¡Evoluciona papito, madura, crece... estamos en la era rave!"

- U odia mi música, o le importa un pito, pero eso sí, escucha hasta el cansancio los bodrios que mandan las radios románticas -me dijo LD.
- ¿Enrique Iglesias, Ricardo Montaner? - le pregunté.
- Si, Emilio. ¿Qué hago?

Bueno, creo que nada. No hay nada que hacer. A una chica no le puedes obligar a que le guste lo mismo que te gusta a ti, así se trate de la mejor música del mundo, como la de radio Panamericana entre 1980 y 1988. De eso no se trata una relación, ni una amistad, tampoco. Pero, y he aquí lo interesante, no sólo es Loco Disco, también están varios amigos que conozco que tienen el mismo picazón en la espalda: sus novias y/o esposas no aguantan los discos que ellos escuchan y, lo peor de todo, ni les prestan atención. No hay respeto. Los casos son más severos en lo que es Jazz y Rock Progresivo. Ahí si cagaron leches.

En mi adolescencia, yo era hiper-fanático -terríble y enfermízamente fanático- de tres bandas: Police, Emerson Lake & Palmer y Alan Parsons Project. No paraba de escuchar su música, aprenderme sus letras, dibujar sus portadas ni relacionar los eventos de mi vida cotidiana con las canciones que ellos ponían en sus discos. The Police era interesante, y fue una fiebre que me duró cuatro largos años, de 1987 a 1991. La de Alan Parsons me duró de 1990 a 1992, año en que completé toda la colección original de cassettes del más grande productor e ingeniero de sonido británico.

A todas mis amigas -posibles novias o no- les hacía escuchar mi música favorita. ¿Qué creen? ¡No les gustaba! ¡Les llegaba al trozeiro! Y como era yo un chiquillo de 15 años, no podía aún discernir entre lo que era libertad de escuchar y buen gusto.

Ahora, 10 años después, no me hago problemas si a mi novia le gustan mis gustos o no. Pero de que me hacía líos existenciales, ¡me los hacía! Este fanatismo a escuchar estas bandas me hizo aburrir de muchas fiestas y a terminar repentinamente -y muchas veces definitivamente- conversaciones con chicas que se alocaban por Magneto** o los New Kids On The Block. Yo no podía taparme la boca y decir "A mi me gusta Alan Parsons, ¿Lo has escuchado?" Lo peor no era decir algo así, sino hablar mal de los grupos que dominaban el mercado, que, como Al Capone, eran malos e intocables.

Los amigos sí se animaban a escuchar el buen rock progresivo y todas las ondas que nos conseguíamos por ahí. La mayoría de las chicas de mi generación y de mi ciudad, y esto es una afirmación, han crecido con un pésimo gusto musical, limitado a caras bonitas, video-clips y telenovelas.

Fish Out Of Water, de Chris Squire, 1975. El álbum más progresivo y el menos comprado por el género femenino.

Hace años, leía en una revista "Pelo" de 1974, me parece, un artículo que decía que la superbanda Emerson Lake & Palmer nunca iba a tocar el number one de Billboard ni en álbumes ni singles. La razón: no eran comerciales. Pero eso es difícil de definir. La línea que divide lo comercial y lo no comercial es muy borrosa y en cualquier momento se desvanece en uno u otro lado de la frontera:

Ejemplo 1: Nirvana con "Smells Like Teen Spirit" llegando al Top Ten en 1992.

Ejemplo 2: Take That, con "Back For Good", recibiendo cuatro estrellas en la Rolling Stone en 1995.

El caso más dramático, a nivel latinoamérica, es el de Luis Miguel, que pasó repentinamente de ser un chiquillo cantante de canciones-dolor-de-estómago a un adolescente que llega a registros altísimos con un dramatismo excepcional al interpretar "Palabra de Honor", o "La Incondicional". El cover de "Blame It On The Boogie" ("Será que no me Amas") de los Jacksons era un entremés a lo que Luis Miguel haría con los boleros en su álbum "Romance"; de la misma forma que José Feliciano lo hizo en 1966. ¿Las seguidoras de Micky coreando "La Barca", "Inolvidable", "Mucho Corazón"? Me quito el sombrero por el CD "Romance", de Micky, y por los que vinieron después, también. Había que ponerles a las seguidoras de Melody y Televisa algo de buen sonido, pues, si no... no me imagino qué catástrofe cultural pudiera haber sucedido (¿o está sucediendo?).

Una vez a las quinientas.

La sociedad occidental, bañada en un pegajoso machismo que a veces está más incrustado en nuestros hipotálamos de lo que pensamos, considera que un hombre escucha "buena música", pero una mujer tiene demasiadas ocupaciones para escucharla. "El fin de la mujer es escuchar la música, si, pero la que le canta el hombre, enamorándola. Ella no tiene por qué cantar canciones románticas, porque los hombres no las escucharán". Por eso es que nos parece agradablemente extraño el auge no de cantantes femeninas, sino de grupos femeninos de rock con mujeres colocándose guitarras eléctricas y bajos y sentándose en baterías para tocar música de hombres. Liz Phair, Courtney Love y su banda Hole, L7, etcétera. La primera mujer solista que tomó un rol masculino en el rock and roll fue, en mi modesta opinión, Chrissie Hynde de Pretenders. Ella tenía una guitarra, arma aluciva al falo del hombre, tan común en los grupos de rock masculinos. La cojuda sufría de amor heterosexual por ser rechazada por un ciego imbécil. Luego llegaron las Go-Gos y el asunto fue ya cobrando fuerza. Un grupo femenino puede ser excelente o malísimo, dependiendo de la calidad de ellas como músicos y compositoras. Tampoco hay que caer en los prejuicios así de fácil.

Por lo tanto, yo no estoy diciendo que todas las chicas tienen mal gusto por no escuchar Emerson, Lake & Palmer. Lo que estoy afirmando es que hay una tendencia social a encasillar o agrupar sexos, según su gusto. A un rockero de los clásicos no le puede gustar, por ningún motivo, la música de Enrique Iglesias, ni mucho menos la de LocoMía, aquel grupo español de cuatro tipos, más gays que los Hobbits, con buena pinta que dominó las pistas de baile a inicios de los noventa. LocoMía era buena música, a mi parecer.

En una discusión así, está mejor el que cede, dice mi abuelo.

Seguro se pensará que estoy generalizando, pero eso es falso. Conozco chicas con gustos musicales muy buenos, y que no se tragan todo lo que los galanes de telenovelas graban ni tampoco son fanáticas de cualquier mequetrefe con cara de niño que triunfa por ser hijo de papá. Estaría bien decir, al final, que a ellas no les vendría mal comprarse una vez a las quinientas, en vez de ropa linda, un buen disco como Led Zeppelin III o el Chronicle de los Creedence Clearwater Revival.

A nosotros, los fanáticos, tampoco nos vendría mal comprarnos ropa más decente. Una vez a las quinientas, y ordenar nuestro closet, que los discos no están en orden alfabético.

*Huachafa: femenino de "huachafo". En Perú, significa obsoleto, pasado de moda, anticuado, fuera de contexto, ridículo, etc. Se trata, obviamente, de algo subjetivo.
**Magneto: grupo vocal mexicano de inicios de los noventa. No confundir con el villano de los X-Men.

Tuesday, November 20, 2007

Next stop: ban all those horrible Peanuts TV specials! Great Pumpkin is anti-christian! See what I mean? We live in a paranoid society. See below:

November 18, 2007
The Medium
Sweeping the Clouds Away

Sunny days! The earliest episodes of “Sesame Street” are available on digital video! Break out some Keebler products, fire up the DVD player and prepare for the exquisite pleasure-pain of top-shelf nostalgia.

Just don’t bring the children. According to an earnest warning on Volumes 1 and 2, “Sesame Street: Old School” is adults-only: “These early ‘Sesame Street’ episodes are intended for grown-ups, and may not suit the needs of today’s preschool child.”

Say what? At a recent all-ages home screening, a hush fell over the room. “What did they do to us?” asked one Gen-X mother of two, finally. The show rolled, and the sweet trauma came flooding back. What they did to us was hard-core. Man, was that scene rough. The masonry on the dingy brownstone at 123 Sesame Street, where the closeted Ernie and Bert shared a dismal basement apartment, was deteriorating. Cookie Monster was on a fast track to diabetes. Oscar’s depression was untreated. Prozacky Elmo didn’t exist.

Nothing in the children’s entertainment of today, candy-colored animation hopped up on computer tricks, can prepare young or old for this frightening glimpse of simpler times. Back then — as on the very first episode, which aired on PBS Nov. 10, 1969 — a pretty, lonely girl like Sally might find herself befriended by an older male stranger who held her hand and took her home. Granted, Gordon just wanted Sally to meet his wife and have some milk and cookies, but... well, he could have wanted anything. As it was, he fed her milk and cookies. The milk looks dangerously whole.

Live-action cows also charge the 1969 screen — cows eating common grass, not grain improved with hormones. Cows are milked by plain old farmers, who use their unsanitary hands and fill one bucket at a time. Elsewhere, two brothers risk concussion while whaling on each other with allergenic feather pillows. Overweight layabouts, lacking touch-screen iPods and headphones, jockey for airtime with their deafening transistor radios. And one of those radios plays a late-’60s news report — something about a “senior American official” and “two billion in credit over the next five years” — that conjures a bleak economic climate, with war debt and stagflation in the offing.

The old “Sesame Street” is not for the faint of heart, and certainly not for softies born since 1998, when the chipper “Elmo’s World” started. Anyone who considers bull markets normal, extracurricular activities sacrosanct and New York a tidy, governable place — well, the original “Sesame Street” might hurt your feelings.

I asked Carol-Lynn Parente, the executive producer of “Sesame Street,” how exactly the first episodes were unsuitable for toddlers in 2007. She told me about Alistair Cookie and the parody “Monsterpiece Theater.” Alistair Cookie, played by Cookie Monster, used to appear with a pipe, which he later gobbled. According to Parente, “That modeled the wrong behavior” — smoking, eating pipes — “so we reshot those scenes without the pipe, and then we dropped the parody altogether.”

Which brought Parente to a feature of “Sesame Street” that had not been reconstructed: the chronically mood-disordered Oscar the Grouch. On the first episode, Oscar seems irredeemably miserable — hypersensitive, sarcastic, misanthropic. (Bert, too, is described as grouchy; none of the characters, in fact, is especially sunshiney except maybe Ernie, who also seems slow.) “We might not be able to create a character like Oscar now,” she said.

Snuffleupagus is visible only to Big Bird; since 1985, all the characters can see him, as Big Bird’s old protestations that he was not hallucinating came to seem a little creepy, not to mention somewhat strained. As for Cookie Monster, he can be seen in the old-school episodes in his former inglorious incarnation: a blue, googly-eyed cookievore with a signature gobble (“om nom nom nom”). Originally designed by Jim Henson for use in commercials for General Foods International and Frito-Lay, Cookie Monster was never a righteous figure. His controversial conversion to a more diverse diet wouldn’t come until 2005, and in the early seasons he comes across a Child’s First Addict.

The biggest surprise of the early episodes is the rural — agrarian, even — sequences. Episode 1 spends a stoned time warp in the company of backlighted cows, while they mill around and chew cud. This pastoral scene rolls to an industrial voiceover explaining dairy farms, and the sleepy chords of Joe Raposo’s aimless masterpiece, “Hey Cow, I See You Now.” Chewing the grass so green/Making the milk/Waiting for milking time/Waiting for giving time/Mmmmm.

Oh, what’s that? Right, the trance of early “Sesame Street” and its country-time sequences. In spite of the show’s devotion to its “target child,” the “4-year-old inner-city black youngster” (as The New York Times explained in 1979), the first episodes join kids cavorting in amber waves of grain — black children, mostly, who must be pressed into service as the face of America’s farms uniquely on “Sesame Street.”

In East Harlem and Bedford-Stuyvesant in 1978, 95 percent of households with kids ages 2 to 5 watched “Sesame Street.” The figure was even higher in Washington. Nationwide, though, the number wasn’t much lower, and was largely determined by the whims of the PBS affiliates: 80 percent in houses with young children. The so-called inner city became anywhere that “Sesame Street” played, because the Children’s Television Workshop declared the inner city not a grim sociological reality but a full-color fantasy — an eccentric scene, framed by a box and far removed from real farmland and city streets alike.

The concept of the “inner city” — or “slums,” as The Times bluntly put it in its first review of “Sesame Street” — was therefore transformed into a kind of Xanadu on the show: a bright, no-clouds, clear-air place where people bopped around with monsters and didn’t worry too much about money, cleanliness or projecting false cheer. The Upper West Side, hardly a burned-out ghetto, was said to be the model.

People on “Sesame Street” had limited possibilities and fixed identities, and (the best part) you weren’t expected to change much. The harshness of existence was a given, and no one was proposing that numbers and letters would lead you “out” of your inner city to Elysian suburbs. Instead, “Sesame Street” suggested that learning might merely make our days more bearable, more interesting, funnier. It encouraged us, above all, to be nice to our neighbors and to cultivate the safer pleasures that take the edge off — taking baths, eating cookies, reading. Don’t tell the kids.

Points of Entry

Caveat teletor: Volumes 1 and 2 of “Sesame Street: Old School” are available on DVD, which you can sample and buy on With a few episodes, extras and celebrity appearances by the likes of Richard Pryor and Lou Rawls, “Old School” sounds harmless enough. But are you ready to mainline this much ’70s nostalgia?

The Way Old: YouTube is great for performance art. If 1969 is not far back enough for you, how’s 1935? The Oscar-winning short film “How to Sleep,” by the Algonquin Round-Tabler Robert Benchley, can be found here in sumptuous black-and-white; search for his name and the film’s title on YouTube.

Come of Age: Marshall Herskovitz and Edward Zwick, the men of “My So-Called Life” and “thirtysomething,” have at last introduced their online-only young-adult series, “Quarterlife.” It started Nov. 11 on, and it marks the first time a network-quality series — a long indie film, really — has been produced directly for the Internet. If the old times unnerve you, welcome to the new times.

Sunday, November 18, 2007

(Swan Song, 1976, Re-released 2007)
Led Zeppelin, 1973. The biggest rock and roll act of the seventies, beloved by their fans and hated by the music critics. Capable of filling stadiums ad maximum summoning crowds starving for electric blues and out-of-their-bodies experiences. The supergroup, an acid electric blues band that freaked out the hippie crowd into the unknown, was on tour in the U.S. and played a night at the Madison Square Garden. The idea of the band and their producers was to create their own, twisted A Hard Day's Night. A tale of an angry manager, Peter Grant, arguing with a promoter about -what else- the division of the pie, in the meantime, the band would play and each of their four members would have a "video clip" section. Pretty cool! There was adventure, horses, ocultism, a hermit and even drag racing. But most important of it was the music, the soundtrack.

The world famous hotel trashers were called satanic, mischevious and even mediocre (this due to some poor performances around the 1973 tour) but they standed the generational test. Nowadays, more and more teenage kids want to listen the superb first four Led Zeppelin albums and at this moment, lots of them are trying the guitar intro of "Stairway To Heaven" for the first time. Around the globe.

So this remastered CD is made for the new generation of Zep fans and the teenagers like I was, 20 years ago, discovering the monstruous bass-guitar riff of "Dazed And Confused." A reminder that it's time for some of us to get rid of that mossy cassette copy. And hey! there are bonus tracks too! At last I can listen to the live version of "Since I've Been Loving You" that wasn't included in the first release of the soundtrack. It's Zeppelin during their druggiest and heaviest years.

Drummer John Bonham always was the key of the Zeppelin Sound. A gigantic and perfect drum playing offering Jimmy Page the field he needed to create an overwhelming, creative guitar sound. Robert Plant had the musical background he needed to chant his beautiful poetry and blues interpretations. The perfect Zeppelin moment for us happens on their debut album: The two blues tracks connected together: Willie Dixon's "You Shook Me" and Page's own "Dazed And Confused," which is performed on 27 minutes of metal psychedelia and allucination in the movie. Page plays the guitar with an arc!

The live album, with the bonus tracks or not, is a decent introduction for future Led Zeppelin fans that will carry the Classic Rock torch, a flame that is fading away faster each and every day. But, no worries, Atlantic keeps it by releasing Zep material every three or four years: The Song Remains The Same, How The West Was Won (2004), The BBC Sessions (2000), and just now, with Song Remains The Same, the Mothership anthology. There's so much Zeppelin out there in the music section of your favorite department store now that there's no excuse not to find at least a copy of Led Zeppelin IV. The one with the ballsy "Rock And Roll" in it.

Regarding the film, there's a collector's edition of the DVD available as well! this includes the film, remastered under the supervision of the band (I think it was Page only, since he's the mastering-producing buff of the three,) bonus footage, pictures, commentary, interviews, you name it. Enough to keep us classic rock fans and future music buffs entertained. With this DVD/CD and the upcoming London performance, It's pretty obvious Zep is looking into the future. Something other bands and acts from old should start doing. Hopefully, Led Zeppelin rehearsed enough and won't make a ridiculous scene like The Police last summer.