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Wednesday, February 18, 2015


...and it was a gas.
Sentarse a hacer una lista es una tarea tediosa si uno tiene tanta información y no sabe cómo acomodarla. Con los ochenta la tarea es titánica porque no hubo forma de mantener una tabla de valores. La música nos cayó a muy temprana edad y entre 1980 y 1990 nos pasamos más tiempo creciendo y aprendiendo que absorbiendo música de calidad, o valorándola para tal caso. Fuimos a la escuela pero la radio nos daba el programa extracurricular, que a veces nos llegaba durante el recreo y también durante las clases. 

Aquellos que dicen "extraño a los ochentas", pues no los vivieron, porque en todas partes la cosa estaba que ardía, y fue la música la que abrió mentes, puertas, brazos, piernas y derribó muros y creencias. La década empezó, en mi país, con un grupo terrorista llamado Sendero Luminoso empezando sus ataques a la población civil. La democracia regresó luego de 12 años solo para que se convierta en un infierno gracias al primer gobierno de Alan García. En EE.UU., Reagan era elegido presidente y John Lennon moría abaleado. Qué década para desoladora que se venía. Deprimente en muchas formas.

Pero la situación mundial de la guerra fría, conflictos aquí y allá como el incidente Perú-Ecuador y el partido, perdón, conflicto entre Inglaterra y Argentina por las Islas Malvinas, no detuvieron a la música rock, ni a la de otros géneros. Pareciera que la tensión, el estrés, la preocupación y la paranoia dan buenos frutos en el aspecto musical. Paul McCartney lanzaría su mejor disco luego de la muerte de su amigo John: Tug Of War. El conflicto de Irlanda del Norte introduciría a una banda llamada U2, quienes se convertirían en la banda más longeva y exitosa (aunque personalmente no nos guste mucho). 

El "rock and roll" como género se graduó de la universidad y se puso a trabajar en política. 

¿Cien canciones esenciales de los ochenta? Claro que sí. Aquí están:


Chilliwack, banda canadiense infravalorada.


100. Bon Jovi “Livin’ On A Prayer”: Sé que esta canción no debería ser cantada en los karaokes para evitar vergüenzas ajenas, ya que se trata de un trabajo vocal muy sólido: Jon Bongiovi es un excelente cantante y tuvo por años una banda muy, muy sólida con Richie Sambora en la guitarra y Tico Torres en la batería.



99. Freeway — “In My Heart (Mag, 1980)”: Esta canción es del grupo peruano que grabó en Nueva York en 1980 y de ahí se deshizo. Uno de ellos era Jean—Pierre Magnet, quien después formaría Perujazz. Totalmente subestimada, creo que es una de las mejores canciones jamás grabadas. Sinceramente no tiene nada que envidiar a producciones de calidad hechas en estudios profesionales con músicos profesionales. Una pena que se hayan esfumado en el tiempo y el espacio. Del 45RPM del mismo nombre, descatalogado totalmente.



98. Rita Lee & Roberto — “Pega Rapaz”: Verano de 1989. Mi padre nos lleva a pasar un fin de semana a Pisco, Perú (el pisco es peruano). En la radio suena esta canción. ¿Por qué ya no pasan canciones en portugués en radios como Panamericana? ¿Por qué “Pega Rapaz” tiene ese encanto coqueto y a la vez eroticón de Rita Lee, cantante legendaria de Brasil? Del álbum Flerte Fatal (EMI, 1986)



97. Berlin — “The Metro”: Sexo frío, dehumanizado y sintético. Casi como un acto masturbatorio a sabiendas que ninguna de las partes tendrá un contacto emocional con la otra. Teri Nunn canta con una voz desganada, apática y estándar sobre una nube de sintetizadores y una batería programada. La sensación es incómoda pero nos deja una sensación de haber presenciado un acto sexual en algún sistema de transporte urbano europeo, en un deprimente día gris.



96. Robbie Dupree — “Steal Away”: Escuché en una clase de cómo escribir canciones que los Doobie Brothers casi le meten juicio a Dupree por plagio (“What A Fool Believes” es casi igual). Dupree suena más ingenuo que Michael McDonald.



95. Thomas Dolby — “She Blinded Me With Science”: El concepto del “nerd” no se había afianzado en el inconsciente colectivo ni en la cultura popular todavía. Aún eran los gansos a quienes agarra de punto en la escuela y la universidad. Thomas Dolby creó la canción “hit” del científico loco y del estudiante chancón. Un físico/químico/ingeniero de sistemas se vuelve loco por una japonesa y no puede entender, descifrar, calcular su locura de amor. Sólo atina a gritar “¡Science!”. Las mujeres empezaron a salivar por un hombre tan inteligente como "Cerebrito" Dolby. 


Hair metal a cargo de Tora Tora.


94. Metallica — “Orion”: La instrumental del Master Of Puppets. Acordes poderosos, una batería Siempre creí en Metallica, me parecieron muy buenos hasta el álbum negro. Crecieron demasiado y supongo que se excedieron en crear un monstruo comercial que al final se desinfló en un bostezo de CDs de 80 minutos, poco punche y saturación digital.



93. Guns N’ Roses “Welcome To The Jungle”: ¿Es heavy metal? No, es puro rock and roll, agresivo y chillón a cargo de la banda heavy… bueno, ok heavy metal que más rápido alcanzó el éxito en los ochentas. Tuvieron suerte y tocaron en los lugares correctos de Los Ángeles. Pasaron hambre y dolor, pero a la vez la pasaron bomba macerados en alcohol y sumergiéndose en las mujeres mas bellas de Sunset Boulevard. Contaron sus historias en este tema y en otros del Appetite For Destruction.



92. Nirvana — “About A Girl”: Cuenta la leyenda que Kurt Cobain escribió esta canción luego de escuchar muchas veces el Meet The Beatles. Inspirado con los cuatro de Liverpool, el resultado es un rock sucio que al principio nos da la impresión de que Neil Young la hubiera escrito. Para que tengan idea de lo interconectado que está el Rock.




La última década que vio el furor de los 45 RPM (antes de su renacimiento 25 años después como obsesión de coleccionistas. Fotos cortesía de Hugo Loayza. 











91. Matt Bianco — “Half A Minute”: Basia solo estuvo en Matt Bianco para su primer disco, Whose Side Are You On? y su voz, perfecta, aguda, gatuna y a la vez sensual y pacífica recordaba en algo a la de Astrud Gilberto. Esta es una samba estilizada que cumple un efecto arrullador.



90. Miguel Ríos — “Santa Lucía”: Cover de Roque Narvaja que se convirtió en un himno de la música rock en español pre-Charly y Soda. Honestamente es una canción triste y profunda.



89. John Lennon — “Nobody Told Me”: Seamos francos, prefiero a Paul McCartney mil veces a John Lennon solista. Wings es la banda que definitivamente heredó el sonido Beatle (junto con la ELO)... pero, John tenía esta canción magistral que rememora sus problemas de inmigración en los EE.UU. Fue grabada durante las sesiones de Double Fantasy y apareció en 1984, en el póstumo Milk and Honey.



88. ZZ-Top – “Legs”: la primera frase puede ser traducida al español como “ella tiene piernas y sabe cómo usarlas”, y con ella se inició toda una nueva ola en música para Strip Clubs. Es más, el concepto del Strip Club actual no puede existir sin canciones como “Legs” y “Pour Some Sugar On Me” de Def Leppard.



87. Gap Band – “You Dropped a Bomb on Me”: La version de 12 pulgadas es un estallido de emoción discotequera, junto con bombas, alarmas de bombardeo y ametralladoras. Una canción de amor sobre una mujer capaz de devastar a un hombre hasta los escombros de su alma. Con una mujer así uno desea toparse siempre, para luego arrepentirse de por vida.



86. Rod Stewart – “Passion”: un trabajo de estudio, de hecho. Sale sigilosamente y va creciendo cual pasión erótica, pero es más que nada un grito desesperado ante una soledad inminente y despiadada. ¿Quiénes son (somos) aquellos que en las madrugadas necesitamos un cuerpo ardiente a nuestro lado? Según Stewart y cía., todos.



85. Rubén Blades y Seis del Solar – “El Padre Antonio y el Monaguillo Andrés”: aunque se trata de una salsa de pies a cabeza, salió en 1984 bajo el sello Elektra/Asylum, no bajo el sello Fania, y la instrumentación carece de vientos y sí mucho arreglo vocal y un bajo espectacular: esos eran los Seis del Solar, el grupo de apoyo del panameño Blades allá por inicios de los ochenta. La canción es bailable pero cuenta una tragedia: el asesinato del sacerdote Oscar Romero perpetrado por un escuadrón de la muerte en El Salvador en 1980. Blades sabe componer canciones que sacan roncha: ya lo había hecho con “Tiburón” en 1981 y esta iba a ser otra, que terminó siendo el mejor tema del disco Buscando América.



84. Charly Garcia — “No Soy Un Extraño”: Esta es para mí una canción viejísima, de 1984. La he venido escuchando desde aquel año, y cada vez que la escucho me viene a la cabeza la imagen urbana de Buenos Aires, aquella ciudad que cuando la visité en 1999 respondió exactamente lo que había estado preguntándome con esta canción. El rock argentino con Charly García dió un salto enorme. Del CD Clics Modernos (también conocido como Modern Clix, Interdisc Argentina, 1984). Video aquí.



83. Sting — “Children’s Crusade”: Así como la ciencia ficción y el “futuro”, la lírica de Sting acusa hechos horribles de la realidad disfrazándola con imágenes del pasado. En este cuento de cuna, el cantante de Newcastle, recién salido de Police, narra cómo miles de niños vírgenes murieron en los campos de Francia durante la Gran Guerra. Hasta ahí nada de otro planeta, pero cuando Sting concluye su tema mencionando cómo otros niños vírgenes mueren víctimas de la droga, nadie osó a acusar a Sting de ser un matalafiesta... porque usó una sutil metáfora. Esta canción debió ser usada por Nancy Reagan en su inútil campaña para detener el consumo de drogas. “Just Say No” es menos efectiva que “Midnight in SoHo, 1984...”.



82. U2 – “With Or Without You”: Por un momento olvidémonos de Bono en la actualidad e imaginemos que nunca dejó aquella actitud… bueno, en verdad nunca la dejó: la actitud pedante y “bacancita”. El tema central de The Joshua Tree pareciera una continuación del “Every Breath You Take” de Police, ya que a Bono le fascinaba parecerse a Sting en todo.



81. Sheena Easton “Modern Girl”: ¿A cuántas chicas habrá inspirado esta canción para que busquen su independencia económica y emocional? Era toda una novedad ver a una chica que trabajaba para ganar su dinero y vivir con su novio (sin casarse) en una ciudad como Londres, y de eso no hace mucho.





80. Iron Maiden “The Trooper”: Muchos adolescentes se hicieron metaleros de un día para otro con este fantástico tema del Piece of Mind.



79. Crowded House – “Don’t Dream, It’s Over”: La banda fue un efluente de Split Enz, un muy buen y exitoso grupo australiano que data de 1972. Este single de diciembre de 1986 es hasta ahora su mayor éxito, logrando combinar melancolía y amargura en buenas dosis de melodías fáciles de recordar. Muchos hubieran querido haber escrito un tema como este, compuesto por Neil Finn, y llenarse los bolsillos de regalías por el resto de sus vidas.



78. Bruce Springsteen “I’m On Fire”: el tema más intenso de su también intenso Born In The USA., pone a Springsteen como un tipo tremendamente emocionado rumbo a secuestrar a su novia menor de edad de la casa de sus padres. Nadie se dio cuenta que era la historia de un hombre que, de ser capturado, podía pasar el resto de su vida en la cárcel, con una aparición breve en el noticiero de las once. La canción está mezclada de forma curiosa en estéreo: la batería en el canal izquierdo, la guitarra en el derecho y la voz en el centro, como si Bruce cantara mientras conduce el auto rumbo a la casa de su chica y nosotros en el asiento trasero somos algo así como cómplices. Brillante como la siguiente canción con tema similar:



77. Christopher Cross “Run Like The Wind”: que trata de un hombre huyendo de la ley, tratando de alcanzar la frontera con México. Imaginamos que está escapando de alguna prisión en la cual estaba en el pabellón de condenados a muerte, por haber quitado diez vidas (teniendo él nueve). Otra canción que nos pone en un automóvil, cómplices de un crimen; sin embargo, Cross no tiene pinta de criminal, es más bien un gordito simpaticón incapaz de matar a una mosca.



76. Prince Feat. Sheena Easton — “U Got The Look (Long Look)”: La versión extendida de este tema espectacular y sexy del disco Sign “” the Times es una asidua visitante a nuestra radio. Sheena Easton y Prince disfrutan de un agradable coloquio ochentero sobre trivialidades en la relación hombre—mujer. Mientras lo hacen, la guitarra de Prince demuestra una y otra vez ser la más funky y la más sucia de la década.



75. A Flock Of Seagulls “I Ran”: Majestuoso número bailable de discotecas New Wave de inicios de los ochentas, a cargo de una banda con un vocalista de peinado curioso, como si una jirafa le hubiera lamido el cuero cabelludo en el zoológico, mientras este se alejaba con un helado en la mano.



74. Who — “Eminence Front”: El 2002 se murió el bajista de los Who, y de los miembros originales sólo quedan dos. Si de los Beatles también quedan dos, ¿por qué no juntar los dos grupos y llamarlos “The Whotles” o “Beawho”? Pete Townshend en guitarras, Paul McCartney en el bajo, Ringo Starr en la batería y Roger Daltrey en la voz. En fin, mucho ego para un sólo grupo. Desde que ví el video en MTV clásico, quedé enamorado de la fuerza de esta canción. El riff de guitarra es pegajoso como una dona. Del CD It´s Hard (MCA, 1982)



73. Evelyn “Champagne” King “Love Come Down”: Un tema simple, funky, acomodado, pero a cargo de una vocalista de enorme talento. Ya nos había dado un tema disco muy bien logrado (“Shame”), pero esta canción para clubes nocturnos frente al mar la supera de lejos. Barry Biggs, cantante de reggae jamaiquino, hizo un cover de ésta que también tuvo algo de éxito en Holanda.



72. Daryl Hall & John Oates “Maneater”: Suelo pensar en este single sin olvidarme de su lado B, la épica “Adult Education”. Ambas son una disertación con tufo de advertencia sobre lo peligroso que puede ser involucrarse con chicas mayores “devoradoras de hombres” o menores “chibolas de escuela secundaria”.



71. Chris Rea – “On The Beach” (1988 Re-Recording): Bueno si esta canción no te pone en una playa, ninguna otra lo hará.



70. Indochine “3e Sexe”: Interesantísima banda francesa new-wave quienes conquistaron solo un país en Sudamérica, Perú, por motivos totalmente arbitrarios.



69. Culture Club “It’s A Miracle”: Boy George y su banda pusieron en aprietos a la pacatería inglesa y a muchos que se enamoraron de él creyendo que era mujer. Conozco a más de uno que se llevó un chasco, pero bueno, no sabían que “boy” en inglés significa “muchacho”.



68. Spandau Ballet — “Chant No 1 (I Don’t Need This Pressure On)”: Ah, Spandau Ballet. Qué grupo, qué presencia, qué estilo. Me importa un comino si son  maricones o no, creo que ésta versión de Chant es la más completa, dado que es la más larga. En las discotecas de SoHo, en el Londres de 1981, esto es lo que se bailaba. Del CD The Twelve Inch Mixes (Chrisalis, 1986)



67. Specials “Ghost Town”



66. Genesis “Abacab”: Sintetizadores a más no poder, batería electrónica saturando altos decibelios, y una voz muy familiar del calvo Phil Collins.



65. Thompson Twins “Hold Me Now”



64. Police — “Don’t Stand So Close To Me”: Sting fue profesor de escuela y de seguro se habrá inspirado en algún incidente para contar la historia de un hombre que suda, tose y tiembla al ver a su alumna favorita acercársele. Y es que hay algunas… si, ya sé, ya sé, pero si son unas nenas.



63. Rolling Stones “Start Me Up”



62. Madonna “Borderline”: Una estocada al corazón adolescente, sufriente de amor.



61. Propaganda — “Duel”: Otra banda olvidada. Inclusive en su mejor momento era una cosa rara. Trevor Horn produjo el disco Secret Wish, del cual sale esta canción que generalmente se  cuela en las listas de programación de radios de oldies, felizmente. Trevor Horn produjo este tema, y con esto quiero agregar que Trevor Horn es el mejor productor que tuvo la década.



60. George Harrison “All Those Years Ago”: Un tributo muy sentido al Beatle Lennon, quien acababa de ser asesinado. Además, el único tema con George, Paul y Ringo tocando luego de la separación (no tocarían juntos hasta “Free As a Bird”).



59. Stevie Wonder “Do I Do”: Diez minutos de funk para completar con broche de oro su super-compilatorio Original Musiquarium Vol. I. Dizzie Gillespie se mete con su trompeta doblada y ejecuta un solo de los dioses.



58. Howard Jones “New Song”



57. Golden Earring “Twilight Zone”



56. Black “Wonderful Life”



55. Killer Pussy “Teenage Enema Nurses In Bondage”: Para esta banda punk de Arizona, el rock and roll consiste en una crítica social disfrazada de rudeza y groserías.



54. Church  “Under The Milky Way”: 1988 tuvo su momento "alucinante" con este tema de los australianos Church que tiene un toque escocés/celta en algunos pasajes gracias a unas gaitas que se oyen a la distancia, sumergidas entre guitarras acústicas de doce cuerdas.



53. Loverboy “Working for the Weekend”: Uno de esos temas que eran para fiestas bailables pero rara vez el jodido DJ lo ponía



52. Patrick Bruel “Marre de cette nana-là”



51. Styx — “Music Time”: Esta encierra todo lo que a mi me gusta en la vida: mujeres, buena comida y buena música a todo volumen. ¿Doctor, es malo pensar todo el día en culos y tetas? Si, señor, uno tiene que pensar en culos, tetas y no olvidarse de las hamburguesas, las papas fritas, la cerveza y la música bulliciosa. ¡Que no todo en la vida es lujuria, señor! Este tema tiene un mejor efecto en gente menor de 20 años. A partir de los 40 hay que pensar en el colesterol y la próstata. Del disco Caught In The Act (A&M, 1983)



50. Dire Straits — “Private Investigations”: Creo que Knopfler escribió esta canción profundamente enamorado de alguna mujer con la cual no debía estar involucrado. Puede ser una canción sobre un acosador.



49. AC/DC – “Who Made Who”: la banda australiana en su mejor punto con Brian Johnson en las cuerdas vocales.



48. Toto “Africa”: ¿Quedan aún nieves en el Kilimanjaro? Se preguntan los Toto con este tema muy bien cantado, ejecutado y grabado.



47. Paul Simon “You Can Call Me Al”: Graceland fue el disco que hizo que muchos en Europa y EE.UU. despierten un interés dormido en la música de África. Pero claro, la música africana de por sí no existe, ya que hay tantos géneros como tribus, países y regiones hay en aquel tremendo continente.



46. Cindy Lauper “Time After Time”



45. Double “The Captain of Her Heart”: Una melodía de piano basada en el canto de un ave, una lírica sombría y voyeurista sobre una mujer esperando al amor de su vida, que probablemente nunca llegue porque no existe.



44. Michael Jackson “Thriller”: Antes que nada, el disco Thriller, el más vendido de la década, tiene el sello Quincy Jones de principio a fin y suena sobreproducido, aunque esto no sea malo.



43. Cars — “Since You’re Gone”: he oído muchas canciones sobre el amor no correspondido, pero esta de Cars es la que más se aproxima a un acto de autoflagelación y, por qué no, masturbatorio (bah, está en el disco Shake It Up y eso ya es decir algo). Ocasek es un excelente compositor New Wave, y poco a poco la banda va ganando un respeto musical que quizás en su momento de mayor fama no lo tenía.



42. Toni Basil “Mickey”: Parece una canción inocente y fácil, pero es increíblemente profunda y reveladora. Es un golpe directo a las emociones más primitivas del ser humano, y aquella batería tribal no es adrede.



41. Madness — “One Step Beyond (Universal, 1980)”: A los que conocen Madness sólo por “Our House” no saben lo que se pierden si no han escuchado el instrumental mas poderoso de ska jamás grabado. Acordes menores de guitarra, saxofón barítono gruñendo a niveles extremos, y una voz media tarada que grita “One Step Beyond!” al final de cada coro.



40. Men At Work — “Down Under” (CBS, 1982): Si uno no sabe cuál es el himno de Australia, bien puede cantar el coro de “Down Under” y es probable que los demás se lo crean. ¿El más grande éxito de rock australiano? Puede ser.



39. Imagination — “Just An Illusion” (MCA, 1982): Tres chicos muy atractivos se dedican a cantarle al público demasiado “gay” que se acaba de aburrir de los Spandau Ballet (ambos actos comparten los mismos productores).



38. Fixx “One Thing Leads To Another”: Del disco Reach The Beach, creo que era la canción que más me gustaba a mis diez años. Solo tiene un acorde, Si bemol menor.



37. Bob Marley and the Wailers — “Redemption Song”: Oir a Bob cantar esta canción, sin saber de quién se trata cuán cerca se encontraba de la muerte al momento de grabarla es una inocente experiencia que cualquier persona no familiarizada con Marley puede disfrutar tanto como aquellos fanáticos del reggae que lo han estado escuchando desde siempre. Marley canta sobre la libertad, la emancipación, la independencia, pero para mí que se está despidiendo. Sabía que iba a morir pronto y que ni su profunda fe rasta lo iba a salvar.



36. Steve Miller Band “Abracadabra”: 1982 sería el gran año de Miller en los ochentas, ya que el resto de la década fue baja para él y su banda. Lanza un single formidable pop que se convierte en uno de sus más grandes éxitos (y por qué no, quizás su mejor tema), sale de gira vestido de mago, la disquera, la crítica y el público lo aman. “Abracadabra”, que le da nombre al LP, es un tema fresco, con una guitarra rocanrolera bien marcada y una estructura simple pero a la vez contundente.



35. Alan Parsons Project — “Eye In The Sky”: Eric Woolfson y Alan Parsons, maestros, crean el mejor LP del concepto APP sobre una visión rockera sobre el pasado, especialmente sobre el concepto de un ser todopoderoso que vigila (pero no controla) todo lo que ocurre en el mundo. Llaman al disco Eye In The Sky y la canción título tiene una introducción llamada "Sirius" que es usada en los partidos de basketball de los Chicago Bulls cuando estos entran a la cancha. Woolfson canta y encanta. Parsons produce. Mejor imposible.



34. Blondie “Rapture”: Suena como si la hubiera producido Nile Rodgers (de Chic), pero la produjo Mike Chapman. Debbie Harry rapea y le sale bonito.



33. Missing Persons “Words”: Terry y Dale Bozzio lideran esta gran banda de corta duración, que dio este tema frío (tipo "Metro" de Berlin, ver más arriba) pero a la vez complaciente y atractivo para las radios. Los aullidos de Dale (¡oh!) son lo que más recordamos del tema cuando se nos lo menciona.




32. Romantics “What I Like About You”: Tiene mucho de Kinks, Ramones y Beatles ('63). Jimmy Marinos, baterista, canta como si estuviera actuando en vivo en un club nocturno. Les sale muy bien y nos dan ganas de buscar más cosas de ellos, como "Talking In Your Sleep" y "Rock You Up". 



31. Paul McCartney “Take It Away”: del Tug Of War, su mejor disco solista, sale una canción sobre lo difícil que es para una banda alcanzar un éxito moderado. Con la ayuda de su esposa Linda, Eric Stewart, Steve Gadd, Ringo Starr y George Martin, McCartney más bien pareciera lanzar un lamento nostálgico a la época en que su banda, Beatles, las pasaba negras tratando de obtener un contrato discográfico. 



30. Donald Fagen — “New Frontier”: Cualquier prejuicioso acusaría a “New Frontier” de ser un tema disco abultado y de difícil movimiento. Pero no lo es. Para comenzar, su contagioso ritmo con dosis de Calypso nos transporta a un pasado utópico en el cual la guerra fría era para un adolescente excusa para encerrarse en un búnker con la chica de tus sueños y beberse la cerveza que su padre había almacenado ahí “en caso de que los rojos presionen el botón”.



29. Stevie Wonder “I Just Called To Say I Love You”: La versión original del disco Woman In Red incluye un verso en el que Wonder canta con su voz de vocoder.



28. Billy Idol – “White Wedding”: No es una canción, es una epopeya sónica. Fusión perfecta de punk, wave, rock y mogambo. Idol le canta a su hermana (?) quien está por casarse (?)... la letra no es muy específica.



27. AC/DC – “For Those About To Rock (We Salute You)”: Si en salsa hay "cañonazos súper-bailables", en el rock AC/DC nos dio sus "cañonazoa súper-rockeros y acojonudantes". Angus Young crea el riff de su vida, con el que ha estado cerrando conciertos desde este disco. ¡Fuego!



26. Robin Gibb — “Boys Do Fall In Love”: Perfecta, impecable y coqueta canción pop de amor en tercera persona sobre las vicisitudes del romance adolescente.




25. “The Queen Is Dead” — The Smiths: Todos queremos a los Smiths. Es la banda favorita para querer y afirmar que “son mejores que fulanito”. Que son mejores que Morrisey, su cantante, lo son. Que duraron muy poco también: quisieron hacerse leyenda rápidamente y apenas la gente los descubría, se iban enterando que se habían separado y que era más probable que se unan los Beatles con Lennon regresando de ultratumba a que lo hagan ellos. Morrisey es un crítico muy duro de la sociedad británica, más aún de la monarquía, pero eso lo hace ver como un viejo amargado.



24. “Persiana Americana” — Soda Stereo. Para mí los Soda Stereo son mejores que los Smiths. Ya sé que estos últimos son británicos pero qué importa, en este caso las Malvinas son argentinas. Primero que nada, Soda Stereo creó no sólo un género, sino un sonido inimitable, inseguible y hasta cierto punto incomprensible. El guitarrista/cantante Gustavo Cerati parecía sacar temas bellísimos como por arte de magia, y su música inundaba las FM de Sudamérica. “Persiana Americana” es el tema más exitoso de la banda, el más logrado, y el más abierto a compartir y celebrar.


Soda Stereo: la banda más importante de Sudamérica en 1987-1989.


23. Mötorhead — “The Chase Is Better Than The Catch”. Dicen que los niños duermen con pijamas de Superman, Superman duerme con pijamas de Chuck Norris y Chuck Norris duerme con pijamas de Lemmy, bajista y vocalista de Mötorhead, la banda más potente del mundo. Este tema es agresivo, erótico y a la vez desolador: un canto a la frustración sexual. Del formidable LP Ace of Spades.



22. John Fogerty — “The Old Man Is Down The Road”: es del disco Centerfield, una auténtica joya unipersonal del ex líder de Creedence Clearwater Revival quien con este tema abrió una caja de Pandora que le causaría dolores de cabeza: Saul Zantz, jefe de Fantasy Records, lo enjuiciaría por plagiarse a sí mismo al tener un riff similar a “Run Through the Jungle” de CCR (Zantz poseía los derechos de edición del tema). La canción y algunas otras del disco tienen un tema recurrente: un viejo traicionero y avaro que está dispuesto a todo por acaparar lo más que pueda. A más viejos los seres humanos, más crueles podemos ser.



21. Squeeze — “Tempted”: En Si mayor, y es fácil de encontrar los acordes en internet. Traté de cantarla en un Karaoke de los Ángeles, y obtuve el premio a la peor interpretación. Del CD East Side Story (A&M, 1981)



20. Men At Work — “No Restrictions” (CBS, 1983): Entramos a las 20 mejores con un tema que tiene como base a Colin Hay berreando sobre la libertad del individuo. Pasa rápido y cierra el Cargo, de lejos el mejor momento de la banda. Men At Work era un grupo cohesionado y feliz. Eran otros tiempos.



19. Queen — “Hammer To Fall”: Brian May escribe este tema altamente rockero sobre, supongo, la guerra fría. Cuando Queen la interpretó en Hungría, supongo que el efecto fue tan devastador como la llamada de Reagan a Gorbachev a derribar el Muro de Berlín. Es un single para obreros con blue-jeans importados, Levis, que luego los venderán en el mercado negro en 1990.



18. Rod Stewart – “Young Turks”: A ver, asumiendo que esta canción es el mejor momento del escocés, llegamos a la conclusión de que un artista puede incluso sacar obras maestras luego de los 25 años. Rod tenía 36 aproximadamente cuando grabó esta canción con su banda. Es rápida, urgente, y sobre todo cuenta una historia con un final pendiente e irresuelto: una pareja de quinceañeros se ama tanto que se escapan de sus hogares al no aguantar la incomprensión y el apoyo nulo de sus padres. La pasan mal tratando de sobrevivir, y no piden ayuda. El chico llama a su casa y les cuenta a sus padres que, aparte de que la vida es así, “Patty acaba de dar a luz a un niño de 10 libras”.



17. John Lennon – “Woman”: Un buen fanático de los Beatles puede romper a llorar si escucha la canción, especialmente viendo aquel video tributo que apareció poco después del asesinato de John. Radio Panamericana de Lima, Perú, la nombró “la Más Más de la década”. No es para menos, John antes de dejarnos nos dejó esta que puede ser junto a "Imagine" su mejor canción solista.



16. Daryl Hall & John Oates — “Kiss on My List”: Hay algo en el sonido de fondo de este tema funky pop que te hace vibrar y hasta sentir mariposas de patas peludas en el estómago.



15. Kim Carnes — “Bette Davis Eyes”: Una mujer rubia canta sobre otra mujer, más atractiva y seductora, advirtiéndole a un hombre quien está por ir a encontrarse con ella. La compara con la cocaína por lo adictiva que es y por cómo lo va a dejar luego de algún tiempo.



14. Producers — “I Love Lucy”: cuatro tipos de Atlanta que armaron una banda que se les fué de las manos. En fin, de su primer disco, The Producers, lanzado en 1981, salió ésta que fue un éxito menor en las radios de Perú, según recuerdo.



13. Daryl Hall & John Oates — “I Can’t Go For That (No Can Do)”: Prueba de que Hall y Oates son de lo mejor que ha dado el soul.



12. Gino Vannelli “Wild Horses”: 1987 dio luz a este positivo tema de amor y pundonor. los "caballos salvajes" son aquellos que nunca podrán arrastrar al cantante lejos de aquella chica hermosa de jeans cortos, botas y camisa amarrada en la pancita.





11. Pino D’Angio — “Ma Quale Idea”: Es la mejor canción disco jamás grabada en Italia. La más bailada de 1980 y todo un símbolo de la cultura disco europea. Impensable un verano de inicios de los ochenta en Capri sin este tema.



10. Rita Lee “Lança Perfume”: Fácil esta canción entraría en un top 10 de las melodías más logradas de Brasil en toda su historia.



9. Tom Petty —  “Runnin’ Down A Dream” Canción-persecusión que le debió haber llegado a Tom Petty en medio de un sueño luego de haber comido en exceso.



8. Tears For Fears -“Sowing The Seeds Of Love”: este tema le dio un soplo de vida a la alicaída música pop de finales de los ochentas. Se venía una tendencia a recordar lo ocurrido 20 años antes: Woodstock, Sgt. Pepper y la filosofía Beatle/Hippie. Esta vez la banda produce una balada pop política en contra de Margaret Thatcher y pidiendo a Paul Weller el retorno de The Jam.



7. Dire Straits  — “Money For Nothing”: El rock británico con Dire Straits logró un escalón más en lo que se podría llamar evolución. Mark Knopfler, guitarra, compositor y voz, sale fuera de sí y se convierte en un empleado de una tienda de electrodomésticos que se queja de lo bien que la pasan los rockeros de MTV.



6. Joe Jackson — “Steppin’ Out”: Otra canción de la época dorada de Panamericana Radio. Esta canción fue tomada del álbum Night And Day



5. The Cure “A Forest” : Quien dude de la importancia de esta canción en marcar toda una era, pues no la escuchó jamás o le cae mal Robert Smith. Las guitarras de The Cure, evolucionadas del Punk, prácticamente crearon el Rock Gótico. El tema es sobre el frío, la desolación, la alienación... algo que toda una juventud se disponía a sentir en los próximos 10 años. Ninguna canción Goth o Wave ha alcanzado la calidad sónica de “A Forest”, y dudo que lo haga. Es la canción dark pop por excelencia.



4. “Right Between The Eyes” — Wax: Me he dado cuenta que a esta canción nunca la adelanto ni la dejo de escuchar, me soplo los siete minutos de la versión remixada. Es una magnífica obra pop hecha por dos perfectos genios”: Andrew Gold y el gran compositor y músico Graham Gouldman (de 10cc). Del CD Magnetic Heaven (Renaissance, 1985)



3. “Synchronicity II” — Police (A&M, 1983): Nos tomó 25 años darnos cuenta de que esta canción es sobre un padre que asesina a su familia luego de darse cuenta que nada en esta vida vale un céntimo. Luego de traicionar al sindicato yendo a trabajar en medio de la huelga y ser maltratado por sus jefes e insultado por una secretaria (a la cual califica de prostituta) éste regresa a su casa y simplemente acaba con todo organismo vivo. Sting no lo narra directamente, sino que más bien compara aquel suceso con la salida de “Nessie” de Loch Ness y su sigilosa entrada a una cabaña a orillas del lago, en donde hará lo mismo que el padre. Sting tenía 29 años, enfrentaba una de sus épocas más difíciles de su vida y vivía torturado por el amor que sentía por Trudy Styler, la mejor amiga de su esposa, quien le hacía padecer de insomnio. De ese dolor tuvo que salir esta canción—escape magnífica, rockera, eléctrica.



2. Alan Parsons Project — “Time” (Arista, 1980): Avanzando el tiempo, nuestra vida pasa por un río sin retorno... quién sabe cuándo nos volveremos a encontrar. Woolfson y Parsons escribieron un poema sobre el irremediable destino del ser humano”: la muerte. No le tienen miedo a ella misma, sino al hecho de perder amigos y amores. Quizás esta canción continúe donde termina “In My Life” de los Beatles, ahondando en el tema de la soledad que encierra una partida.  Del disco The Turn Of A Friendly Card (Arista, 1980)



1. Spandau Ballet “True”: Se reconoce a la primera nota, se deja oir en sus casi seis minutos de duración (en la versión del LP del mismo nombre) y solidifica a una banda, a un estilo, a una década. Es una canción de amor fuertemente influenciada por Motown y por el estilo de Marvin Gaye. Gary Kemp, el compositor, le pidió a Mark, su hermano, que deje de tocar el bajo en esta canción, ya que iba a ser sintetizado. Mark seguro protestó. El resultado fue un tema tan, tan perfecto y sólido que ni siquiera un puente con notas totalmente distintas a las del verso o coro pudo deshacerlo. La mejor canción de 1983 y de la década de los ochentas.

Thursday, January 1, 2015

Gaucho (MCA, 1980)

Steely Dan, probablemente el mejor acto de rock setentero, comprendió que había llegado la hora de un decente retiro porque sus dos principales miembros querían emprender proyectos solistas y la MCA estaba contando las horas para finalizar el contrato.

Es típico que los artistas a los que les falta un disco para finalizar contrato con una casa discográfica produzcan uno flojo y mediocre (o peor aún, uno en vivo), pero Water Becker y Donald Fagen no querían dejar un mal recuerdo a sus fans que se habían maravillado con su disco anterior Aja e hizo el mayor acto de amor y respeto hacia sus fans: grabar un excelente y elaborado álbum conceptual sobre las peripecias de uno que otro inmigrante en California.

Los músicos que participaron en Gaucho serían, posteriormente, la crema de los músicos de estudio en los Estados Unidos durante los 80 y muchos formarían parte del clan de músicos de la compañía GRP; entre ellos: Anthony Jackson (bajo); Jeff Porcaro, de Toto, y Steve Gadd (Batería); Joe Sample y Don Grolnick (Piano); Rick Derringer, Larry Carlton, Hiram Bullock, Steve Kahn y Mark Knopfler de Dire Straits (Guitarras); David Sanborn, Tom Scott y los hermanos Randy y Michael Brecker (saxofon y arreglos de vientos) y la presencia de la maravillosa voz de Patti Austin en los coros. Todos bajo la dirección precisa y exigente de Becker, Fagen y el genial productor de todos los álbumes de Steely Dan, Gary Katz. Seremos francos al afirmar que ninguno de ellos, ni siquiera Mark Knofler ni Jeff Porcaro, volverían a participar en un disco más notable e inteligente que éste; verdaderamente una obra maestra.

Gaucho es el nombre con el que se designa al campesino que, en los siglos XVIII y XIX habitaba en las llanuras rioplatenses de Argentina, en Uruguay y en Rio Grande Do Sul en Brasil. El gaucho era diestro en los trabajos ganaderos y buen jinete. Pues bien, el gaucho aventurero de este disco es un experto en los trabajos "ganaderos" de los aeropuertos y cabalga con mucha clase autos que ya tenían teléfono a fines de los 70; conquista esposas aburridas de sus frios maridos y tiene tiempo para contar como se sufría de hambre y pena en su país natal, que podría ser cualquiera al sur de México.

El Gaucho nos invita a conocer los vientos de Santa Ana en Babylon Sisters y a conquistar mujeres de mundo; aunque una diecinueveañera lo vuelva loco en Hey Nineteen y tenga que recurrir a su tequila y a sus líneas de coca para salir adelante. La canción más grande del disco, en duración y en calidad, es Glamour Profession, una descripción irónica y sutil de las aventuras del latin—lover un viernes por la noche en California. Coge su Chrysler y sale a conquistar la noche. Se menciona a una novia euroasiática —podría ser una referencia a la heroína— especialista en artes amatorias, colombianos recién llegados llenos de mercancía y Películas de motociclistas son parte de lo que ocurre en dicha noche. Con una lírica narrativa digna de Arthur Miller o Tom Wolfe, Glamour Profession es, con seguridad, la mejor canción jazz—rock—disco que he escuchado en mi corta vida.

El lado B —o las cuatro últimas canciones, si se trata de un CD— es un poco más tranquilo y reflexivo. La canción título del álbum, inspirada en un riff de Keith Jarrett que terminó metiendo su nombre en los créditos, es la respuesta del americano promedio a la amenaza del latino que viene a robarle sus oportunidades de triunfar en su propia sociedad. Es una canción seria que nos lleva a pensar hacia donde conduce la inmigración latina en Estados Unidos; a cómo se manifiesta su rechazo y qué soluciones se podrían proponer.


Time Out Of Mind es un tema sobre la adicción a la heroína, aunque suena como una canción de esas para inspirar a la superación personal. My Rival es una continuación del tema tratado en la canción Gaucho pero un poco más intimista y esta vez con un ritmo algo más bailable; esta vez el narrador se entera de que su mujer lo engaña y le pide compararlo a él con el dichoso amante, que sin duda es latino. Third World Man cierra el disco tristemente recordando las miserias que tuvo que dejar el protagonista en busca de un mejor modo de vida.

Hablar de la temática que trata Gaucho es hablar un poco de nuestros temores ante el futuro, de nuestra nostalgia ante el pasado, de nuestros prejuicios y odios; en fin, de nosotros mismos. Es, después de todo, una simple mirada a nuestro comportamiento cuando tratamos de ser adultos pero nos comportamos peor que niños, en medio de los excesos y de las limitaciones a nuestro criterio que la sociedad nos presenta.


Becker y Fagen escribieron y grabaron, utilizando casi tres años de ardua labor, una obra injustamente olvidada por los críticos; quizás porque ya habían encontrado en Aja (1977) una obra maestra y no necesitaban otra. No fue una grabación revolucionaria porque las ideas de la música rock de los 80 tomaron otros rumbos; fue mas bien el testamento de la más creativa y notable asociación de los setenta y probablemente de la historia. No volverían a grabar como Steely Dan en estudio hasta 20 años después.

Música sofisticada y una lírica irónicamente crítica pero sobre todo amigable y muy fácil de entender gracias al brioso inglés en que está cantada. Gaucho es el álbum que cualquier buen músico hubiera deseado grabar. Sobresaliente.

Steely Dan tiene más, mucho más que ofrecer que Gaucho. Pueden ubicarlos en http://www.steelydan.com/.



Gaucho is a masterpiece maybe because it was recorded in a very bad moment for the two members of SD. Fagen was having a Creative Crisis and Becker was becoming a total Junkie. Becker was hit by a car and spent several days at the hospital, not being able to record some of the tracks he and Don wrote. The best song of Gaucho, The Second Arrangement, was unintentionally erased by the assistant Engineer, and they never recorded it again. A variation of it, Third World Man, was included at the end. But, nevertheless, SD's Gaucho is my favorite album because it's a conceptual album about what we do with ourselves, being prophets in far-away lands. Obsessed with youth -Hey 19-, with Drugs -Glamour Profession-, with Art and Fashiion -Time Out Of Mind-, with Cheating -Gaucho-, and, of course, with threesomee sex -Babylon Sisters-. I could say also that Gaucho is a Political album about the end of the innocense for Western Culture. It's a neverending source of wisdom, musically and lyrically.

About "Glamour Profession" - a deep analysis

“Glamour Profession” could be, in my opinion, the best song ever recorded on analog tape. Walter Becker and Donald Fagen put in this work their peak level of creativity; musically and lyrically. In the Book Reelin’ In The Years by Brian Sweet, “Glamour Profession” is described as “yet another song about Hollywood highlife; a famous basketball star is hooked on cocaine, smuggling in large quantities from Colombia and throwing very expensive parties with the profits” (RITY, pp. 143-144).

The song is a disco attempt to reach the high levels of the Los Angeles nightlife. It sets up the mood for the beginning of a big party night on Hollywood or Sunset Boulevard. It also features, in seven minutes, some of the best instrumental works ever recorded for American Popular Music. It’s a masterpiece, and it’s my favorite song.

If I were a Universal exec, I would release it as a single. It’s amazing it wasn’t included in any of the Steely Dan’s Greatest Hits albums. This is the best Steely Dan song they ever recorded.

The Lyrics:

The narrator, a suddenly rich drug-dealer making it big in L.A., wishes desperately to be part of the glamour of Hollywood. He feels that he is already a part of the show, but in the shadows of the Illegal business. He looks good, and he considers himself also an entertainer, in a very special point of view. He “entertains the entertainers”:

Six o five
Outside the stadium
Special delivery
For Hoops McCaan
Brut and charisma
Poured from the shadow where he stood
Looking good
He's a crowd pleasing man

Everybody wants to be somebody, and in L.A., the most important "somebodies" are the movie and music entertainers, being Hollywood the self-called entertainment capital of the World. In this verse we find he is –or he wants to be- a Basketball player. “Crashing the backboard,” means he’s a Basketball player, and during that time there were a lot of drug scandals regarding basketball players; Len Bias is the most important example. “Jungle Jim” may describe, in two words, his physical appearance: white, tall, black hair, just the way Johnny Weismuller was (or probably he only wants to be like him).

One on one
He's schoolyard superman
Crashing the backboard
He's Jungle Jim again.

The song was written and recorded between 1979 and 1980, and there were no cellular phones at that time. Therefore, it took a lot of money to have a telephone connection in a car. The profits of being a drug dealer impress his dates, again.

When it's all over
We'll make some calls from my car
We're a star

The chorus describes his business and how the famous people accept it. “To shine the silver bowl” can mean a trophy –a girl, or a coke spoon-. To have fun in this town, you must have money to spend –a quarter can be also fifteen minutes, a reference to Andy Warhol’s fame time-. “If you work hard, you must have fun the hard way”, can be the moral message:

It's a glamour profession
The L.A. concession
Local boys will spend a quarter
Just to shine the silver bowl
Living hard will take its toll

This is the most important phrase of the song, compressing the entire meaning of the lyrics, so the listener doesn’t get lost:

Illegal fun
Under the sun

Second part: He goes for some sexual references describing himself as a “Carib Cannibal”, a member of a group of American Indian peoples of northern South America, the Lesser Antilles, and the eastern coast of Central America. The entire “Jack with his radar…” phrase locates our narrator in his car, having a hand-job (“Stalking’ the dread moray eel”) high on Morphine (the Eurasian Bride).

All aboard
The Carib Cannibal
Off to Barbados
Just for the ride
Jack with his radar
Stalking the dread moray eel
At the wheel
With his Eurasian Bride

“We Dress for Action” is a line borrowed from Kraftwerk’s “Showroom Dummies” (from the album Trans-Europe Express, Capitol, 1977) and it means the dealer care too much about his looks and the looks of the people he hangs around with. He talks about a recent movie -“Celluloid Bikers…” can be a reference to Marlon Brando’s The Wild One, comparing himself with the actor, as he is looked in his famous car.

On the town
We dress for action
Celluloid bikers
Is Friday's theme
I drove the Chrysler
Watched from the darkness while they danced
He’s the one.
I'm the one
It's a glamour profession
The L.A. concession
Local boys will spend a quarter
Just to shine the silver bowl
Living hard will take its toll
Illegal fun
Under the sun

Middle section: Instrumental with a piano solo by Rob Mounsey. Good moment for reflection. The Bridge is spectacular: He aggressively declares himself the real source of Hollywood Inspiration.

Hollywood
I know your middle name
Who inspire your fabled fools
That's my claim to fame

Third verse: Miguel is his partner, bringing more cocaine from Colombia. He’ll go to Mr. Chow, one of the most expensive and high-classed Chinese restaurants in the seventies- to serve his customers. He’ll be having dinner by midnight, before continuing his adventures in the night. Szechuan Dumplings can mean the code word for the cocaine packs he’s going to get. Dumped from a plane coming from Bogotá, Colombia.

Jive Miguel
He's in from Bogotá
Meet me at midnight
At Mr. Chow
Szechuan dumplings
After the deal has been done
I'm the one
It's a glamour profession
The L.A. concession
Local boys will spend a quarter
Just to shine the silver bowl
Living hard will take its toll
Illegal fun
Under the sun, boys

We are left with a brilliant instrumental fade-out recalling the initial hook. At the end of the song, one can do nothing but stand up and applause. It’s so colorful, so descriptive it can be extended to be a movie or a Broadway musical. A great but illegal adventure. A seven-minute chant. that tells us how shallow can be somebody’s life and to be proud of it, by the deep meaning of its lyrics. Illegal or not, a great experience to listen to!

That’s why I like it, because it goes way beyond lyric and musical interpretation.

The Recording: Gaucho credits

“Glamour Profession” was produced by Gary Katz, Horns Arranged by Tom Scott. Rhythm Arrangements by Walter Becker and Donald Fagen with Rob Mounsey, Don Grolnick and Paul Griffin. Recorded at: Soundworks N.Y.C./A & R Studios, N.Y.C./Sigma Sound Studios, N.Y.C./Automated Sound Studios N.Y.C./ Village Recorder, West L.A./ Producers Workshop, Hollywood. Mixdown at: A & R Studios and Village Recorder. Executive Engineer: Roger Nichols
Tracking: Elliot Scheiner, Bill Schnee. Overdub: Roger Nichols, Jerry Garszza. Mixdown: Elliot Scheiner. Sequencing and Special Effects: Roger Nichols and WENDAL

Bonus text provided by noise_floor@yahoo.com, changing the whole perspective:

Hey!

As a Steely Dan fan, I saw your webpage at glamourprofession and even followed the links back to your other webpage.  After listening to this song for years, something bothered me.  I kept reading all of the song meanings and interpretations...and while they were on the right track, they just weren't satisfying.  So I went a little deeper and came up with something else entirely.  I don't know if you're still maintaining your page(s), but let me know what you think of this:

I have read "homages to the 70s and 80s", but never seen a real analysis of this song.  Like most Steely Dan songs, it isn't as simple as it seems and a lot of the references are obscure even in the age of the internet.

Glamour Profession is about the misadventures of SPECIFIC LA folks with illegal drugs.

FIRST STANZA:

The "6:05 - Outside the stadium" verse refers to Pittsburgh Pirate Dock Ellis' no-hitter against the San Diego Padres on June 1, 1970.  Supposedly he had flown to LA to try LSD and came back STILL under the influence at 6:05, when the game started at San Diego Stadium. The basketball references are there to obscure just WHOM Steely Dan are talking about.  And Dock Ellis was a high school basketball star in Gardena, California.

Maybe they got Ellis some cocaine from a local dealer to get him amped up to play.  And this dealer had a type of mobile car phone (which would have used the Dial system) on the Con-Tel Bell affiliate.

So the first stanza is clearly about the ball player Dock Ellis.


SECOND STANZA:

The "Jack with his radar, stalking the dread moray eel" is a reference to Jack Carlton Reed, a pilot and distributor for Carlos Lehder cocaine transports during his heyday.  On some flights, it was said Jack would check the radar constantly to see if they were being followed or intercepted.  The flights at the time  in question would have been when Lehder was operating at Norman's Cay, and small Bahamian island he bought for it's proximity to the United States (and lack of drug enforcement presence) and then chased off the residents.

But the song isn't about Jack.  If you want more on him, read the book Buccaneer by MayCay Beeler.  It is about LA DJ Russ O'Hara.

Russ O'Hara was a popular DJ for LA radio station KROQ and well known for introducing stars as they went onstage at local LA concerts.  In 1978, he met Jack Carlton Reed and started flying for Jack in a Piper Navajo for "adventure".  At one point in 1980, he even quit being a DJ to work full time for Jack and Carlos, flying drugs into Norman's Cay.  Russ got the full 'Norman's Cay experience', even videoing Carlos and company having fun on the island.  The only thing that soured Russ on the experience was a sexual tryst he observed between his girlfriend, Reed and Reed's girlfriend Michelle.  Which (according to Steely Dan) he watched from the darkness.

After testifying against Carlos Lehder and Jack Reed, O'Hara went back to spinning records - in 1981 at KRLA.

Second stanza is about disc jockey Russ O'Hara.


THIRD STANZA:

The third stanza starts differently than the rest.  After the refrain, there is the "Hollywood, I know your middle name" part that is sung by background singers.  Fagan jumps in on the "..That's my claim to fame" line.

From that part, we know this stanza is about someone big in Hollywood.  Someone who eats (or can afford to eat) at Mr. Chow in Beverly Hills and hobnob with the stars.  An agent?  A producer?  A movie executive?

In 1980, former Paramount movie executive Robert Evans, his brother Charles Evans and his brother-in-law Michael ("Jive Miguel") were set up in an FBI sting to buy and traffic cocaine.  Robert ended up making an anti-drug commericial funded by Charles as part of his sentencing.

Third and last stanza is about the movie producer Robert Evans.

So these three successful guys all get involved in the drug business when it was 'the next big thing' and glamourous...get burned and get out.

Most of the information is obscured to NOT mention these folks by name because they were BIG names when Gaucho came out.  (And who wants law suits and the like.)  What is pure genius is HOW obscured they were; I've seen posts where folks are talking about Thomas "Hollywood" Henderson and the like - when that definitely isn't the case.  Or some where they say the song just talks about the  drug culture in L.A.  

The thing about this song is that it is both incredible and credible at the same time!
(Totally awesome, right?)




Sunday, November 23, 2014



The Beatles (Apple, 1968)

THE BEATLES

Por más que sea el LP más vendido de los sesentas, el Disco Blanco de los Beatles puede ser un álbum sobreestimado por aquellos que gustan hacer listas de los mejores discos del cuarteto. Sabemos que es fascinante y muy bueno, pero no supera a la magia del trabajo en conjunto de Pepper o de Rubber Soul. Es un álbum de talentos individuales, pero aún así continúa atrayendo la imaginación de los amantes del rock clásico (nosotros).

Que es un álbum heterogéneo y con temas muy variados, del rag al heavy metal, es cierto; pero considerarlo un álbum conceptual podría ser un error (la carátula, vacía, muestra que es solamente una colección de canciones). ¿El mejor álbum de los fab four? Depende, porque no eran Los Beatles juntos como solían tocar y grabar. Los Beatles, con este álbum doble, lanzaron por primera vez un producto en el cual la unidad del grupo se encontraba fracturada. Se encontraban en una época de crisis creativa muy grande y tuvieron que hacer esfuerzos sobrehumanos para sacar adelante un proyecto tan grande y sobre todo hacer creer al mundo que eran, aún, un cuarteto cohesionado llamado Beatles. La historia es conocida: al volver de su peregrinaje a la India tenían material para grabar un álbum doble. McCartney tomó las riendas del grupo y empezó a ladrar órdenes incluso hasta a George Martin, a quien en un momento mandó a la mierda. Martin se fue de vacaciones y dejó que los Beatles y los ingenieros de grabación se las arreglen por su cuenta, creando, sin quererlo, el concepto de sesiones modernas de grabación.

Los Beatles habían dejado de ser un grupo de rock desde el momento en que Brian Epstein murió (o desde que dejaron de tocar en vivo), pero de cualquier manera dieron la idea de que lo que estaban haciendo era un esfuerzo grupal al evitar incluir detalles de la producción en la funda del disco. Las sesiones fueron arduas y penosas e implicaron retrasos de todo tipo. Existía un desgaste emocional y una apatía que se venía venir desde el primer fracaso a gran escala, la película Magical Mystery Tour.

Para evitar discusiones decidieron componer y grabar por separado y esto se nota claramente: Ringo tira la toalla cansado de la arrogancia de Paul y simplemente se va. Paul completa las partes de batería tocando él mismo y evitando que John se escape con Yoko y que George Harrison meta más de una canción por lado. George seguía cosechando amargura en su relación con Lennon y McCartney y eso se nota en las cuatro canciones que le dejaron meter, de las cuales la mejor es "While My Guitar Gently Weeps" (¿el mejor tema del disco?). George Harrsion demostraría tener un archivo de canciones maravillosas, inmediatamente después de la disolución oficial de la banda, sacando su magistral All Things Must Pass en 1970.

John metió a Yoko a cantar en "The Continuing Story of Bungalow Bill" y cuando pensamos que ya no volverá a estorbar, oímos voces al reves, chirridos y música electrónica sin sentido mientras una voz repite number nine...number nine... "Revolution 9" llega y el disco blanco de Los Beatles nos dá la razón de su funda: No es que no sean buenas canciones, sino que no fueron preparadas por una banda, sino por cuatro miembros buscando salir de ésta.


Las canciones hasta podrían ser parte de un concept album sobre la decepción de los líderes espirituales modernos, considerando el fiasco que fue el viaje a la India, o quizás una prolongada meditación sobre las relaciones entre líderes y seguidores. John Lennon considera al Maharishi como un vendedor de aceite de víbora al enterarse que el maestro le tenía ganas a la hermana de Mia Farrow y le canta "Sexy Sadie." What have you done? You made a fool of everyone... A la hermana de Mia, Lennon le dedica una canción-consuelo llamada "Dear Prudence," una super-canción que no envejece en lo absoluto. Es más, si retiramos todas las canciones de Paul, George y Ringo del álbum, tendríamos una colección roquerísima de Lennon, quien estaba en una etapa de cambios, al igual que Paul.


Paul rompería dentro de unos meses con Jane Asher y escribiría en 1968 la canción country-británica más famosa: "Hey Jude." No la incluirían en el Blanco pero sería lanzada como single (yo que George Martin, hubiera sacado "Revolution 9" y puesto "Hey Jude"... ¿se imaginan qué clásico de disco sería el Blanco?).


El álbum doble tiene mucho de Paul, "Mother Nature's Son" y "Rocky Raccoon" son guiños al country tremendos. ¿"Martha My Dear"? ¿"Honey Pie"? Nostalgia de los años veinte. Ninguna de las canciones de McCartney en el álbum doble son profundas, sino más bien recargadas de un propósito de distraer. El álbum blanco, señores, es un triunfo absoluto de John Winston Lennon. Es más, retiremos las canciones de McCartney, Harrison y Starr y tenemos el mejor álbum rock que Lennon jamás grabó, lleno de ácida furia, enamorado hasta el tuétano de Ono y "colocado" al máximo.


El disco, sin embargo, es para mucha gente superior inclusive al Pepper: ahí están "Back In The U.S.S.R.," la parodia a los Beach Boys y la respuesta al "Going to U.S.A." de Chuck Berry; Lennon explorando sus manías y temores de infancia junto con las falsas pistas dejadas en "Glass Onion;" "O-bladi, O-blada" con Paul celebrando la vida en familia (Linda estaba a algunos meses de distancia); "Blackbird," formidable trabajo de Paul con su guitarra de palo tratando de repetir el éxito de "Yesterday" (no lanzarla en single fue un error). "Blackbird" sería usada el 2006 para el álbum remixado Love, esta vez, conectada con "Yesterday" para elevar su categoría a hiper-clásica.


En fin, hay bastantes temas buenos y alguno que otro bajón fruto de la apatía en los estudios. Es un disco en el que Lennon presenta sus primeros trabajos verdaderamente independientes frente a McCartney, gracias a su relación con Yoko. En verdad fue toda una terapia para él poder tener a una musa que le haga escribir canciones como "Julia" y "Yer Blues." Para George Harrison, el blanco fue una experiencia frustrante: de 30 canciones, sólo tuvo la oportunidad de incluir cuatro composiciones (si era un álbum individualista, ¿por qué no le dieron por lo menos siete u ocho espacios?) y la presión para salirse de esa jaula de oro fue creciendo. Ocho meses después del lanzamiento de este álbum doble, los Beatles tocarían en un estudio por última vez. The End.


No es por ser negativo a la labor Beatle pero cuando admiramos a un grupo tenemos que reconocer sus defectos para ver la belleza natural de sus demás trabajos. Paul cobraría la revancha en Abbey Road (una verdadera obra maestra y base para todo el rock inglés de los setentas) y su primer trabajo solitario McCartney. Luego vendría Wild Life y el romance de Paul con el buen gusto se acabaría de golpe; pero mejor no hablemos de discos bajetones.