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Monday, July 13, 2015



Muerto el cantautor de la venus afro...leches!

La muerte de Javier Krahe se suma a otras que este año nos están pescando por sorpresa, y esta vez la sorpresa es amarga porque Krahe se merece, o mereció, haber tenido más fama en Latinoamérica, aunque creo que para él la fama que obtuvo en su tierra España fue la justa. Un infarto acabó con su vida el 12 de julio del 2015, y el mundo ha perdido a un formidable cantautor y poeta.

También podríamos llamarle trovador, aunque él pareciera que no se entendía muy bien con la guitarra acústica y más bien le gustaba cantar y mover las manos. Era ahí en las fronteras de la ironía y la sordidez, a las cuales cantantes como Joaquín Sabina o Pablo Carbonell no cruzaban, en donde Javier Krahe se aparecía con micrófono en mano y simplemente las borraba. Le cantaba al cuerpo desnudo de aquella amante efímera que no volverá a ver, a la falta de dinero, a la soledad; pero nunca se lamentó ni lamió sus heridas pidiendo la compasión del oyente: se reía a carcajadas y, con ironía, la pasaba muy bien fumando y bebiendo en unas noches de bohemia que hacían caer a todos bajo la mesa, menos a él. Era un viejo loco, y su poesía lo mantenía como el último recodo de la sanidad antes de pasar a la demencia total.

Su principal tema lírico era el sexo y la búsqueda del amor de la mujer perfecta. Estaba obsesionado con la belleza femenina y con la pasión que arranca un beso o algo más. Su primer LP, Valle de Lágrimas, incluye un cover de “Marieta” de Georges Brassens (su máxima influencia) en la cual la chica siempre lo deja plantado o haciendo el ridículo, incluso hasta en el día en que ella muere y se le da por resucitar frente a él, quien sostiene lloroso una corona de flores (“hecho un gilipollas... madre”, atina a decir luego del milagro). Al parecer, las mujeres lo dejaron perplejo luego de haber salido del colegio de curas. Se preguntó por qué algunas, como su esposa, iban diciendo por ahí que la tenía chiquita (“Un Burdo Rumor”), y con poesía escandalosa y asimétrica nos convenció de que era un romántico empedernido que no se callaba nada. De más está decir que influenció a Joaquín Sabina, Javier Gurruchaga (el líder de la fantástica Orquesta Mondragón) y a Pablo Carbonell (vocalista de Toreros Muertos).

Sin embargo, no fueron las letras cargadas de erotismo las que le parcharon la boca en la España ochentera. Se burló del gobierno democrático en 1986 cantando “Cuervo Ingenuo”, la primera canción censurada post-Franco. En ella, Krahe habla como indio norteamericano y le dice a Felipe González, en su cara, que es un hipócrita al haber prometido sacar a España de la OTAN y luego decir que “esa alianza ser de toda confianza”. La TV española censuró el tema durante un concierto de Sabina, y le costó mucho a Krahe conseguir tocar en vivo luego, mientras que otros artistas “rebeldes” de la movida española se llenaban los bolsillos.

Krahe fue muy crítico de la religión católica y al parecer conocía sus puntos débiles (como en “San Cucufato”). El 2012 fue absuelto por un tribunal civil luego de ser acusado de “herir susceptibilidades religiosas” al hacer un video sobre cómo cocinar un crucifijo (cosa curiosa, cada domingo se les recuerda a los feligreses que la cristofagia es la piedra angular del catolicismo), y la relación estrecha iglesia-estado español volvió a relucir gracias a los medios, recordándonos que el franquismo aún no había muerto del todo. Sabía que las guerras eran hechas para matar jóvenes y evitar que éstos cambien las cosas (“Carne de Cañón al Chilindrón”) y que la pena de muerte era el punto más bajo del ser humano (“La Hoguera”, su canción más lúgubre y prueba de que en España algo se tuvo que aprender luego de la Guerra Civil).

"La Hoguera", de su primer disco, también apareció en una compilación llamada "Homenaje a las Víctimas del Franquismo":


Krahe no se vendió jamás a un partido político, a una marca de cerveza ni a una marca de ropa. De eso su vida puede dejar testamento. El documental del 2004 Esta No Es La Vida Privada de Javier Krahe lo pinta como un tipo simpático, sarcástico y a la vez respetuoso de su público (la mayoría mujeres muy jóvenes), aunque siempre tocando en lugares muy pequeños que se llenaban a tope. La fama le fue esquiva, pero a él no le importó: tenía a bellas damitas frente a él en sus conciertos íntimos. Sabina, frente a él, tenía a su personal de seguridad de amarillo, en locales para más de 20,000 personas.

Anarquista, contestatario y sin bandera, en una de sus últimas entrevistas se le puede ver renegando contra la mala calidad de ciertos licores y contra Spotify, mencionando que desea estrangular o lesionar físicamente al director de dicho servicio digital en España. Krahe ha muerto súbitamente, pero en dicha entrevista ya se le notaba enfermo y su corazón no tuvo más remedio que abandonarle.

Nos deja una vasta discografía muy similar a la de su ídolo Georges Brassens: 15 discos, con uno último llamado Las Diez de Últimas (el decimocuarto y último de Brassens se llamó Nouvelles Chansons, a propósito). En dicho LP dejó una postdata formidable llamada “Puzzle” que hasta ahora tratamos de descifrar, pero imaginamos que hay una mujer bella de por medio en la historia.

No queda más que despedirnos de Javier y decirle gracias. Aquí la traducción que hizo de “La Tormenta” (“L’Orage”) de Brassens, cantada por Alberto Pérez. El final de la historia fue una invención de Krahe para dejar la llaga herida, la pasión ardiendo, y las nubes cargadas de electricidad ante la amante que partió.




Gracias de nuevo.

Aquí nuestra crítica a aquel magnífico LP en vivo La Mandrágora.

Sunday, June 28, 2015

Chris Squire, 2010.

En 1999, cuando empezamos con esta página Web que degeneró en blog y luego en radio por Internet, tuvimos a Chris Squire, bajista y fundador de Yes, y a su Fish Out Of Water como primer álbum a comentar descaradamente como uno de los mejores discos de la historia del rock. Chris ha muerto ayer víctima de una terapia contra una leucemia aguda que mejor hubiera sido dejada en paz, puesto que Chris ya estaba viejo y obviamente no estaba listo para un tratamiento tan fuerte. Mucha gente que conocemos y queremos ha muerto por estos tratamientos asesinos. Esta vez, Squire encontró la muerte en Arizona, Estados Unidos, lejos de cualquier masa de agua considerable. El pez murió fuera del agua, efectivamente.

Queremos celebrar su vida y música recordando aquel comentario que hicimos hace ya bastante tiempo y ver lo mal que escribíamos y lo mucho que hemos mejorado. Recordamos que, una vez en Facebook, le preguntamos a Squire el motivo por el cual decidió sacar este disco y nos respondió que en ese entonces todos los miembros de Yes estaban sacando álbumes solistas como decisión unánime de la banda. El de Squire parecía ser, a simple escucha, el más logrado. Y lo era. 


Descanse en paz, oh príncipe del bajo eléctrico. 




(Atlantic, 1975)

Este es el primer y hasta ahora único álbum solista de aquel monstruo del bajo. Disco que muy bien podría ser considerado uno más de Yes pero sin la voz de Jon Anderson (que ni falta hace) ya que Chris desempeña un buen ejercicio de sus cuerdas vocales a la vez que controla todas las cuerdas, gruesas y finas, en cinco tremendas canciones, muy contundentes.

Debido a su signo zodiacal Piscis y a su afinidad por pasar horas en el agua, A Chris le decían Fish y él ya había usado el sobrenombre en el disco Fragile (Atlantic, 1972) en un tema suyo, "The Fish (Schindleria Praematurus)," compuesto solo de bajos tocando uno sobre otro. En 1975 Chris, tomándose un sabático de Yes, decide grabar un álbum personal sobre su infancia y las cosas que lo apasionan: El número 7 ("Lucky Seven"), la música sacra ("Hold Out Your Hand") y la experimentación sónica ("Safe" y la perfecta "Silently Falling".) Squire quería contar una historia sin tanto aspaviento como Anderson pero sí con mucho órgano de iglesia y gusto por el jazz.

Lo acompañan Patrick Moraz en los teclados, Bill Bruford en la batería y su ex compañero del grupo Syn Andrew Pryce Jackman en el piano y las orquestaciones. Al ser un LP totalmente suyo, Squire se exorcisa de la influencia de Anderson, Wakeman, Howe y Eddy Offord para hacer un disco como solo él quería que fuera, y le fue muy bien. La crítica y los Yes-Fans lo adoraron. "Hold Out Your Hand" es un tema formidable que confirma quién era el creativo de Yes; ya que los primeros discos solistas de Anderson, si bien escuchables, no demostraron tamaño nivel de genialidad. "Silently Falling" contiene once minutos del más puro rock progresivo, con los mejores exponentes del momento, acompañando al bajista más desarrollado de los setentas en el mundo del rock.

Fish Out of Water es un disco sobresaliente del rock progresivo con canciones largas, fugas a estilos barrocos, paisajes musicales relajantes continuando los temas desarrollados en Fragile y Close To The Edge y el sello inconfundible de Atlantic Records coronando el centro del vinilo. Estén también pendientes de la nueva versión a ya a la venta, incluyendo un DVD extra.

Wednesday, May 27, 2015

Escribe: Andrés Avelino Delgado (alias "Loco Disco")

Cuando yo era pequeño, tener un buen equipo de sonido era casi como un símbolo de status. Normalmente los equipos de sonido tenían un espacio privilegiado en la sala de la casa. Estaban ahí, en la biblioteca o en la vitrina principal de la sala, junto con las porcelanas "Capodimonte" y unos platos ingleses azul celeste ("frondios") que las mamas y abuelitas cuidaban como si se tratara de tesoros.

Las marcas mas reconocidas de componentes de sonido en aquella época eran Grundig, Technics, AIWA y JVC. Un sistema completo podía costar una fortuna. Así que los niños teníamos absolutamente prohibido acercarnos a menos de dos metros del equipo. El mayor pecado que podíamos cometer era rayar un disco con la aguja del tocadiscos, algo que sucedía inexorablemente con solo dar una mirada al componente.

Un sistema de sonido completo era en realidad una colección de componentes de audio, de los cuales tres, eran absolutamente críticos. El principal era el amplificador, que en términos simples se encargaba de tomar la señal débil que venía del tocadiscos o sintonizador para darle potencia y luego enviarla a los parlantes. Los parlantes eran la parte mas visible del equipo. Unas cajas de madera horrendas, que podían incluso ser mas altas que uno y estaban localizadas en lugares estratégicos de la habitación donde mezclaban el sonido estéreo de la mejor manera posible.

Quienes se tomaban en serio el asunto del audio, tenían ciertas piezas de altísimo valor como el ecualizador y el pre-amplificador y hablaban con propiedad de la calidad los transistores que eran los directos responsables de la pureza del sonido. Yo la verdad nunca descubrí muy bien la diferencia. Lo que si recuerdo es que si el equipo de sonido tenía uno de esos componentes, era una señal inequívoca de que el dueño de casa era audiófilo y tan solo verlos detrás de una vitrina merecía un resonado "¡WOW!"

Hoy, 30 años después, los equipos de sonido han desaparecido completamente del planeta. Es posible que pueda encontrar alguno acumulando polvo en la casa de sus abuelitos. Las marcas reconocidas de aquella época dieron paso a otras como Yamaha, Pioneer, Kenwood, Sony, pero al final o quebraron o se concentraron en alguna otra actividad o nicho de mercado. En cuestión de 30 años (bueno, en realidad son como diez) esta industria desapareció del planeta. No es posible que se hayan desaparecido quienes disfrutaban de la música de esta manera. ¿Qué se hicieron los audiófilos?

Los mas jóvenes crecimos con sistemas de audio personal como el Walkman y posteriormente el Discman. Eran sistemas de bajo costo, que nos permitían llevar la música con nosotros. Inicialmente en cassettes y posteriormente en CDs. Estos últimos fueron especialmente transformacionales. La calidad de sonido digital, usando rayos de luz en lugar de agujas o magnetos significaron una pureza en el sonido nunca antes experimentada. Su aparición coincide con el principio del fin de los grandes equipos de sonido. No tengo claros los motivos, pero me imagino que era necesario hacer cambios radicales al sistema y la alta inversión dejó de ser sostenible.

En medio de ese recambio llegó la revolución de la música digital, y la conveniencia de tener toda la música en un dispositivo que se pueda llevar en la palma de la mano cambió radicalmente las costumbres de los aficionados al sonido. De un momento a otro, los grandes equipos de sonido fueron reemplazados por parlantes Bluetooth con amplificador incorporado que son lo que vemos mayoritariamente hoy en los apartamentos

La era de los grandes sistemas de sonido profesionales se fue era siempre. Pero eso no quiere decir que debamos contentarnos con sistemas de audio personales y sonido de baja calidad. Las alternativas existen y aunque son costosas, si uno es un audiófilo posiblemente valga la pena la inversión.

Friday, April 10, 2015


We all know that Rubber Soul (Parlophone, 1965) by The Beatles is a masterpiece on its own right, but it has always been categorized as a great Beatles album under the shadow of Sgt. Pepper and Revolver. For some fans, this record is way, way better than these two and here we're going to prove their point.

In 1965 The Beatles were still touring, and before this record, they played at the ultimate venue, their peak in their concert career: a loud and pretty much unlistenable gig at Shea Stadium. They were getting tired of singing about boy-loves-girl songs and even if they already suggested introspectiveness in their previous hit single "Help!," they never explored more than male romance and sexuality. Rubber Soul was their breakthrough and a pivotal point in rock and roll in general. They changed the way of things being done, and everybody else followed.

Just imagine what was going on in London in 1965. Lots of tobacco and weed smoke going around the swinging nightclubs, plus sex, alcohol, pills, and acid, a substance that was not too far away. Paul McCartney was having fun with his brain, a fantastic machine spilling creativity all over. John Lennon was becoming a tortured soul under an unhappy marriage and everything he dreamed of was at his reach, yet so far away. Yoko Ono wouldn't enter the scene until the following year. At Abbey Road, George Martin was pushing the guys to produce high quality work, not bubble-gum or forgettable pop. Martin was disappointed with the results of Beatles For Sale, and he wanted to move forward with something, anything better. He was not getting the best of the Beatles if they were touring all over. George Martin wanted them in the studio. Well, Rubber Soul is a brilliant studio product made during the heyday of Beatle Touring. A transitional album from the Mersey Beat sound into unknown territory. The unmistakable link between the four rocking kids of "A Hard Day's Night" and the studio band that gave us "Penny Lane." Rubber Soul explains the transformation process to us.



Notice the Beatles rarely talked about God, but a lot about love. With the exception of George Harrison's approach to Hinduism in his music, Lennon and McCartney didn't want to explore the concept of God since they were agnostics in a nice way. For the first time on a Beatles song, Lennon preaches like a priest in "The Word," which for me is a song about the meaning of life (God for others). Before that, he confessed an affair he had with a mysterious woman in "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)". Like I said, she wasn't Yoko. But the song is full of inside clues about the girl's identity. Most likely the rest of the band knew who she was. Paul at that time was dating Jane Asher but he came out of himself as he usually does and sang "Michelle," giving the Beatles a Grammy for Song of the Year in 1966. He sang, tho, about Asher directly, in "I'm Looking Through You," in which a storm (in a teacup) warning was posted. McCartney was the only unmarried Beatle at the moment, and Jane probably started to feel she was not meant to be Mrs. McCartney.

Rubber Soul is also the first time when the Beatles look and sing like men, not like boys. Lennon remembers his tortured affair with a "Girl", who later John claimed it was Yoko , unarrived. The song made me think about Lennon's real vision of living a life being in love. Did he create the Yoko character in his mind even before the Avant Garde artist was introduced to him? Was he longing for a tortured love the same way he was longing for long gone friends and lovers in "In My Life"? How much nostalgia can a man stand without going nuts? Well, this record has the answers.

George Harrison contributed with two songs of his own, becoming a grumpy and wise old man and stripping himself completely off the happy-go-lucky character Paul McCartney wanted him to be. "Think For Yourself" and "If I Needed Someone" are different and caustic points of view on love and relationships, and George started to feel he wanted out, but George made fans love him even more.

Capitol Records would butcher and alter Rubber Soul for its sale in the U.S. "Drive My Car," "Nowhere Man," "What Goes On" and "If I Needed Someone" would be removed and replaced with "I've Just Seen A Face" and "It's Only Love" (both songs from the U.K. release of Help!) so the American album could cater to the new and growing Folk-rock audience generated by Dylan at Newport. The Beatles wouldn't let Capitol alter their product after the butchering of Revolver.

There's so much to talk about Rubber Soul it would take an entire blog or website. But you can enjoy the music almost anywhere. Buy the mono record on vinyl! Enjoy!