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Les Essentiels (2002 Compilation)
PATRICK BRUEL

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Wednesday, May 27, 2015

Escribe: Andrés Avelino Delgado (alias "Loco Disco")

Cuando yo era pequeño, tener un buen equipo de sonido era casi como un símbolo de status. Normalmente los equipos de sonido tenían un espacio privilegiado en la sala de la casa. Estaban ahí, en la biblioteca o en la vitrina principal de la sala, junto con las porcelanas Capodimonte y unos platos ingleses azul celeste (frondios) que las mamas y abuelitas cuidaban como si se tratara de tesoros.

Las marcas mas reconocidas de componentes de sonido en aquella época eran Grundig, Technics, AIWA y JVC. Un sistema completo podía costar una fortuna. Así que los niños teníamos absolutamente prohibido acercarnos a menos de 2 metros del equipo. El mayor pecado que podíamos cometer era rayar un disco con la aguja del tocadiscos, algo que sucedía inexorablemente con solo dar una mirada al componente.

Un sistema de sonido completo era en realidad una colección de audiocomponentes, de los cuales 3, eran absolutamente críticos. El principal era el amplificador que en términos simples se encargaba de tomar la señal débil que venía del tocadiscos o sintonizador le daba potencia para luego entregarla a los parlantes. Los parlantes eran la parte mas visible del equipo. Unas cajas de madera horrendas, que podían incluso ser mas altas que uno y estaban localizadas en lugares estratégicos de la habitación donde mezclaban el sonido stereo de la mejor manera posible.

Quienes se tomaban en serio el asunto del audio, tenían ciertas piezas de altísimo valor como el ecualizador y el preamplificador y hablaban con propiedad de la calidad los transistores que eran los directos responsables de la pureza del sonido. Yo la verdad nunca descubrí muy bien la diferencia. Lo que si recuerdo es que si el equipo de sonido tenía uno de esos componentes, era una señal inequívoca de que el dueño de casa era audiófilo y tan solo verlos detrás de una vitrina merecía un resonado WOW!

Hoy, 30 años después, los equipos de sonido han desaparecido completamente del planeta. Es posible que pueda encontrar alguno acumulando polvo en la casa de sus abuelitos. Las marcas reconocidas de aquella época dieron paso a otras como Yamaha, Pioneer, Kenwood, Sony, pero al final o se quebraron o se concentraron en alguna otra actividad o nicho de mercado. En cuestión de 30 años (en realidad son como 10) esta industria desapareció del planeta. No es posible que se hayan desaparecido quienes disfrutaban de la música de esta manera. ¿Qué se hicieron los audiófilos?

Los mas jóvenes crecimos con sistemas de audio personal como el Walkman y posteriormente el Discman. Eran sistemas de bajo costo, que nos permitían llevar la música con nosotros. Inicialmente en cassettes y posteriormente en CDs. Estos últimos fueron especialmente transformacionales. La calidad de sonido digital, usando rayos de luz en lugar de agujas o magnetos significaron una pureza en el sonido nunca antes experimentada. Su aparición coincide con el principio del fin de los grandes equipos de sonido. No tengo claros los motivos, pero me imagino que era necesario hacer cambios radicales al sistema y la alta inversión dejó de ser sostenible.

En medio de ese recambio llegó la revolución de la música digital y la conveniencia de tener toda la música en un dispositivo que se puede llevar en la palma de la mano cambió radicalmente las costumbres de los aficionados al sonido. De un momento a otro, los grandes equipos de sonido fueron reemplazados por parlantes bluetooth con amplificador incorporado que son lo que vemos mayoritariamente hoy en los apartamentos

La era de los grandes sistemas de sonido profesionales se fue era siempre. Pero eso no quiere decir que debamos contentarnos con sistemas de audio personales y sonido de baja calidad. Las alternativas existen y aunque son costosas, si es un audiófilo posiblemente valga la pena la inversión.

Friday, April 10, 2015


We all know that Rubber Soul (Parlophone, 1965) by The Beatles is a masterpiece on its own right, but it has always been categorized as a great Beatles album under the shadow of Sgt. Pepper and Revolver. For some fans, this record is way, way better than these two and here we're going to prove their point.

In 1965 The Beatles were still touring, and before this record, they played at the ultimate venue, their peak in their concert career: a loud and pretty much unlistenable gig at Shea Stadium. They were getting tired of singing about boy-loves-girl songs and even if they already suggested introspectiveness in their previous hit single "Help!," they never explored more than male romance and sexuality. Rubber Soul was their breakthrough and a pivotal point in rock and roll in general. They changed the way of things being done, and everybody else followed.

Just imagine what was going on in London in 1965. Lots of tobacco and weed smoke going around the swinging nightclubs, plus sex, alcohol, pills, and acid, a substance that was not too far away. Paul McCartney was having fun with his brain, a fantastic machine spilling creativity all over. John Lennon was becoming a tortured soul under an unhappy marriage and everything he dreamed of was at his reach, yet so far away. Yoko Ono wouldn't enter the scene until the following year. At Abbey Road, George Martin was pushing the guys to produce high quality work, not bubble-gum or forgettable pop. Martin was disappointed with the results of Beatles For Sale, and he wanted to move forward with something, anything better. He was not getting the best of the Beatles if they were touring all over. George Martin wanted them in the studio. Well, Rubber Soul is a brilliant studio product made during the heyday of Beatle Touring. A transitional album from the Mersey Beat sound into unknown territory. The unmistakable link between the four rocking kids of "A Hard Day's Night" and the studio band that gave us "Penny Lane." Rubber Soul explains the transformation process to us.



Notice the Beatles rarely talked about God, but a lot about love. With the exception of George Harrison's approach to Hinduism in his music, Lennon and McCartney didn't want to explore the concept of God since they were agnostics in a nice way. For the first time on a Beatles song, Lennon preaches like a priest in "The Word," which for me is a song about the meaning of life (God for others). Before that, he confessed an affair he had with a mysterious woman in "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)". Like I said, she wasn't Yoko. But the song is full of inside clues about the girl's identity. Most likely the rest of the band knew who she was. Paul at that time was dating Jane Asher but he came out of himself as he usually does and sang "Michelle," giving the Beatles a Grammy for Song of the Year in 1966. He sang, tho, about Asher directly, in "I'm Looking Through You," in which a storm (in a teacup) warning was posted. McCartney was the only unmarried Beatle at the moment, and Jane probably started to feel she was not meant to be Mrs. McCartney.

Rubber Soul is also the first time when the Beatles look and sing like men, not like boys. Lennon remembers his tortured affair with a "Girl", who later John claimed it was Yoko , unarrived. The song made me think about Lennon's real vision of living a life being in love. Did he create the Yoko character in his mind even before the Avant Garde artist was introduced to him? Was he longing for a tortured love the same way he was longing for long gone friends and lovers in "In My Life"? How much nostalgia can a man stand without going nuts? Well, this record has the answers.

George Harrison contributed with two songs of his own, becoming a grumpy and wise old man and stripping himself completely off the happy-go-lucky character Paul McCartney wanted him to be. "Think For Yourself" and "If I Needed Someone" are different and caustic points of view on love and relationships, and George started to feel he wanted out, but George made fans love him even more.

Capitol Records would butcher and alter Rubber Soul for its sale in the U.S. "Drive My Car," "Nowhere Man," "What Goes On" and "If I Needed Someone" would be removed and replaced with "I've Just Seen A Face" and "It's Only Love" (both songs from the U.K. release of Help!) so the American album could cater to the new and growing Folk-rock audience generated by Dylan at Newport. The Beatles wouldn't let Capitol alter their product after the butchering of Revolver.

There's so much to talk about Rubber Soul it would take an entire blog or website. But you can enjoy the music almost anywhere. Buy the mono record on vinyl! Enjoy!

Friday, March 27, 2015

Vivo (EMI Odeón Chilena, 1999)
JOE VASCONCELLOS 
Atención fanáticos: este es un disco interesante, fresco y nuevo para tener en la colección. Si uno es chileno, definitivamente es imprescindible tenerlo. Si uno no es chileno, será un descubrimiento grato. Y les aseguro que el disco vivirá en sus reproductores por un buen tiempo. Vivo de Joe Vasconcelos es un disco que no defrauda. Vasconcellos es un músico brasilero-chileno (esto lo suponemos por su apellido) que nos ha dejado encantados en CacaoRock con este espectacular recital de Abril de 1999 en el teatro Providencia de Santiago de Chile.

Al grano: podría tratarse del disco más importante de música pop chilena de los últimos 10 años. Un talento portador de un ritmo contagiante y una sinceridad que no conoce localismos en el lenguaje. Joe Vasconcelos puede combinar aquel sabor chileno en la música rock -directamente relacionado con sus modismos- con el reggae y con los ritmos de samba y batucada brasileros ya que cuenta con una orquesta de primer nivel, en la que destacan definitivamente Sidney y Silbert Silva en el área de percusión.

Los temas fluyen rápido y el disco es muy fácil de escuchar. "Preemergencia" habla de la contaminación de la capital chilena y la indiferencia de las autoridades, nada del otro mundo porque en Perú estamos igual o peor. Una sorpresa es encontrar a "La Joya del Pacífico", un bolero popularizado en Chile por el peruano Lucho Barrios que es llevado a la Samba de Pagoda. ¡Qué bien! A mí no se me hubiera ocurrido. "Induce" tiene en su introducción algo de huayno andino acompañado con cierta instrumentación hindú -porque hay una sítara por ahí-. Vasconcelos nombra a Pablo de Roca y la chilenada reconoce a Neruda, el gran poeta mapocho. Joe nos invita a conocer más de cerca a Chile y su gente. "Mágico" tiene brillantes arreglos de vientos y de percusión que la hacen la canción mejor interpretada. ¿El ritmo? Reggae brasilizado. El concierto se cierra con "Hijo del Sol Luminoso", tema escrito por Joe y que fue un éxito del grupo chileno Congreso. Al haber escuchado Congreso con anterioridad, permítanme decir que esta versión es muchísimo más fresca y, de algún modo, más liberadora, aunque también hay que considerar el hecho de que la versión es en vivo y la audiencia también es parte de la canción en un 50%.

De lejos, los mejores temas son "Huellas", "Las Seis" y, mi favorita, "Una Fiebre". El tema de las tres recae es el mismo: decepción amorosa. La misma vieja historia contada con un ritmo contagiante y melodías creativas y pegajosas. "Huellas" tiene una frase simpática: Cuidado, vas a ver que no se juega con alma ajena mujer. Cuidado, puede ser que por las noches sueñes conmigo... una advertencia o una amenaza, ¿qué diferencia hay?. "Las Seis" tiene mucho de la música tropical-andina (léase chicha) que actualmente hace reventar los locales nocturnos de Buenos Aires y Santiago. En dicho tema, el héroe ha pasado una noche de pasión con una mujer que lo dejó más seco que escupo de momia... y él siente el picazón del amor, aunque sospecha que la chica no va a volver a dejarlo entrar en su cama. "Una Fiebre" cuestiona hasta qué punto uno se enamora del físico de una persona, y lo que implica: No hay que pensar, analizar ni cuestionar, sólo déjalo fluir sin pecado y sin temor... fue una fiebre, una obsesión, mensaje del corazón, ¿tal vez amor? el narrador se echó un polvo espectacular con la chica que se largó a la noche siguiente, a pesar de que le juró amor en el calor del momento. Un One Night Stand que le deja un sabor agridulce en la mañana del domingo (¿domingo? ¿por qué habré dicho domingo?). Es probable que la protagonista de las tres canciones sea la misma chica.

Vasconcelos ha metido en una licuadora muchos ritmos, ha hecho un fusionado con muy buen resultado, original y a la vez masivo, y dudo que se pueda copiar fácilmente.

Wednesday, February 18, 2015


...and it was a gas.
Sentarse a hacer una lista es una tarea tediosa si uno tiene tanta información y no sabe cómo acomodarla o se queda trabado con lo que se tiene que decir de cada canción.

Con la década de los ochenta, la tarea no solo es titánica porque no hubo forma de mantener una tabla de valores en dicha época. La música nos cayó a muy temprana edad y entre 1980 y 1990 nos pasamos más tiempo creciendo y aprendiendo que absorbiendo música de calidad, o valorándola para tal caso. Fuimos a la escuela pero la radio nos daba el programa extracurricular, que a veces nos llegaba durante el recreo y también durante las clases. 

Pero bueno, la década es para recordar musicalmente, pero en lo que respecta la realidad, es un desastre. Un profesor de historia universal la denominó, en 1989, "la década perdida", y vaya que tenía razón. Aquellos que dicen "extraño a los ochentas", pues no los vivieron, porque en todas partes la cosa estaba que ardía, y fue la música la que abrió mentes, puertas, brazos, piernas y derribó muros y creencias. La década empezó, en mi país, con un grupo terrorista llamado Sendero Luminoso empezando sus ataques a la población civil. La democracia regresó luego de 12 años solo para que se convierta en un infierno gracias al primer gobierno de Alan García. En EE.UU., Reagan era elegido presidente y John Lennon moría abaleado. Qué década para desoladora que se venía. Deprimente en muchas formas.
Hall and Oates, alta calidad
en su discografía.

Pero la situación mundial de la guerra fría, conflictos aquí y allá como el incidente Perú-Ecuador y el partido, perdón, conflicto entre Inglaterra y Argentina por las Islas Malvinas, no detuvieron a la música rock, ni a la de otros géneros. Pareciera que la tensión, el estrés, la preocupación y la paranoia dan buenos frutos en el aspecto musical. Paul McCartney lanzaría su mejor disco luego de la muerte de su amigo John: Tug Of War. El conflicto de Irlanda del Norte introduciría a una banda llamada U2, quienes se convertirían en la banda más longeva y exitosa (aunque personalmente no nos guste mucho). 

El "rock and roll" como género se graduó de la universidad y se puso a trabajar en política. El poliéster dio paso al plástico, a los hot pants, al pelo frizado. Conozco personas que vivieron con uso de razón la década de los ochenta y en lo que respecta a música, le pareció terrible. No sabían lo que se venía con la debacle de la industria discográfica aún. Y si hoy en día prenden la radio, parafraseando a Gardel: "...dime si no es pa' suicidarse".

Pero los ochentas tuvieron muy buena música y eso lo sabemos todos. ¿Cien canciones esenciales? Claro que sí. Aquí están:


Chilliwack, banda canadiense infravalorada.


100. Bon Jovi “Livin’ On A Prayer”: Sé que esta canción no debería ser cantada en los karaokes para evitar vergüenzas ajenas, ya que se trata de un trabajo vocal muy sólido: Jon Bongiovi es un excelente cantante y tuvo por años una banda muy, muy sólida con Richie Sambora en la guitarra y Tico Torres en la batería.



99. Freeway — “In My Heart (Mag, 1980)”: Esta canción es del grupo peruano que grabó en Nueva York en 1980 y de ahí se deshizo. Uno de ellos era Jean—Pierre Magnet, quien después formaría Perujazz. Totalmente subestimada, creo que es una de las mejores canciones jamás grabadas. Sinceramente no tiene nada que envidiar a producciones de calidad hechas en estudios profesionales con músicos profesionales. Una pena que se hayan esfumado en el tiempo y el espacio. Del 45RPM del mismo nombre, descatalogado totalmente.





98. Rita Lee & Roberto — “Pega Rapaz”: Verano de 1989. Mi padre nos lleva a pasar un fin de semana a Pisco, Perú (el pisco es peruano). En la radio suena esta canción. ¿Por qué ya no pasan canciones en portugués en radios como Panamericana? ¿Por qué “Pega Rapaz” tiene ese encanto coqueto y a la vez eroticón de Rita Lee, cantante legendaria de Brasil? Del álbum Flerte Fatal (EMI, 1986)



97. Berlin — “The Metro”: Sexo frío, dehumanizado y sintético. Casi como un acto masturbatorio a sabiendas que ninguna de las partes tendrá un contacto emocional con la otra. Teri Nunn canta con una voz desganada, apática y estándar sobre una nube de sintetizadores y una batería programada. La sensación es incómoda pero nos deja una sensación de haber presenciado un acto sexual en algún sistema de transporte urbano europeo, en un deprimente día gris de invierno. 

2 Live Crew finaliza la década con una
sarta de groserías que los lleva al
éxito instantáneo.


96. Robbie Dupree — “Steal Away”: Escuché en una clase de cómo escribir canciones que los Doobie Brothers casi le meten juicio a Dupree por plagio (“What A Fool Believes” es casi igual). Dupree suena más ingenuo que Michael McDonald, pero no hay que subestimarlo.



95. Thomas Dolby — “She Blinded Me With Science”: El concepto del “nerd” no se había afianzado en el inconsciente colectivo ni en la cultura popular todavía. Aún eran los gansos a quienes agarra de punto en la escuela y la universidad. Thomas Dolby creó la canción “hit” del científico loco y del estudiante chancón. Un físico/químico/ingeniero de sistemas se vuelve loco por una japonesa y no puede entender, descifrar, calcular su locura de amor. Sólo atina a gritar “¡Science!”. Las mujeres empezaron a salivar por un hombre tan inteligente como "Cerebrito" Dolby. 


Hair metal a cargo de Tora Tora.


94. Metallica — “Orion”: La instrumental del Master Of Puppets. Acordes poderosos, una batería marcando un ritmo brutal cuasi-castrista y un bajo raja-paredes a cargo del desaparecido Cliff Burton. Creí en Metallica hasta el álbum negro. Crecieron demasiado y supongo que se excedieron en crear un monstruo comercial que al final se desinfló en un bostezo de CDs de 80 minutos, poco punche y saturación digital.



93. Guns N’ Roses “Welcome To The Jungle”: ¿Es heavy metal? No, es puro rock and roll, agresivo y chillón a cargo de la banda heavy… bueno, ok heavy metal que más rápido alcanzó el éxito en los ochentas. Tuvieron suerte y tocaron en los lugares correctos de Los Ángeles. Pasaron hambre y dolor, pero a la vez la pasaron bomba macerados en alcohol y sumergiéndose en las mujeres mas bellas de Sunset Boulevard. Contaron sus historias en este tema y en otros del Appetite For Destruction.



92. Nirvana — “About A Girl”: Cuenta la leyenda que Kurt Cobain escribió esta canción luego de escuchar muchas veces el Meet The Beatles. Inspirado con los cuatro de Liverpool, el resultado es un rock sucio que al principio nos da la impresión de que Neil Young la hubiera escrito. Para que tengan idea de lo interconectado que está el Rock.





La última década que vio el furor de los 45 RPM (antes de su renacimiento 25 años después como obsesión de coleccionistas. Fotos cortesía de Hugo Loayza. 











91. Matt Bianco — “Half A Minute”: Basia solo estuvo en Matt Bianco para su primer disco, Whose Side Are You On? y su voz, perfecta, aguda, gatuna y a la vez sensual y pacífica recordaba en algo a la de Astrud Gilberto. Esta es una samba estilizada que cumple un efecto arrullador.

Una canción sobre una relación violenta en
la cual una mujer hace el uso de un arma blanca:
excelente 
tema de la banda alemana Propaganda.


90. Miguel Ríos — “Santa Lucía”: Cover de Roque Narvaja que se convirtió en un himno de la música rock en español pre-Charly y Soda. Honestamente es una canción triste y profunda.



89. John Lennon — “Nobody Told Me”: Seamos francos, prefiero a Paul McCartney mil veces a John Lennon solista. Wings es la banda que definitivamente heredó el sonido Beatle (junto con la ELO)... pero, John tenía esta canción magistral que rememora sus problemas de inmigración en los EE.UU. Fue grabada durante las sesiones de Double Fantasy y apareció en 1984, en el póstumo Milk and Honey.



88. ZZ-Top – “Legs”: la primera frase puede ser traducida al español como “ella tiene piernas y sabe cómo usarlas”, y con ella se inició toda una nueva ola en música para Strip Clubs. Es más, el concepto del Strip Club actual no puede existir sin canciones como “Legs” y “Pour Some Sugar On Me” de Def Leppard.



La despedida de Lennon,
La bienvenida a la década.
87. Gap Band – “You Dropped a Bomb on Me”: La version de 12 pulgadas es un estallido de emoción discotequera, junto con bombas, alarmas de bombardeo y ametralladoras. Una canción de amor sobre una mujer capaz de devastar a un hombre hasta los escombros de su alma. Con una mujer así uno desea toparse siempre, para luego arrepentirse de por vida.



86. Rod Stewart – “Passion”: un trabajo de estudio, de hecho. Sale sigilosamente y va creciendo cual pasión erótica, pero es más que nada un grito desesperado ante una soledad inminente y despiadada. ¿Quiénes son (somos) aquellos que en las madrugadas necesitamos un cuerpo ardiente a nuestro lado? Según Stewart y cía., todos.



El mejor disco de PMG,
lanzado en 1987.
85. Rubén Blades y Seis del Solar – “El Padre Antonio y el Monaguillo Andrés”: aunque se trata de una salsa de pies a cabeza, salió en 1984 bajo el sello Elektra/Asylum, no bajo el sello Fania, y la instrumentación carece de vientos y sí mucho arreglo vocal y un bajo espectacular: esos eran los Seis del Solar, el grupo de apoyo del panameño Blades allá por inicios de los ochenta. La canción es bailable pero cuenta una tragedia: el asesinato del sacerdote Oscar Romero perpetrado por un escuadrón de la muerte en El Salvador en 1980. Blades sabe componer canciones que sacan roncha: ya lo había hecho con “Tiburón” en 1981 y esta iba a ser otra, que terminó siendo el mejor tema del disco Buscando América.



84. Charly Garcia — “No Soy Un Extraño”: Esta es para mí una canción viejísima, de 1984. La he venido escuchando desde aquel año, y cada vez que la escucho me viene a la cabeza la imagen urbana de Buenos Aires, aquella ciudad que cuando la visité en 1999 respondió exactamente lo que había estado preguntándome con esta canción. El rock argentino con Charly García dió un salto enorme. Del CD Clics Modernos (también conocido como Modern Clix, Interdisc Argentina, 1984). Video aquí.



83. Sting — “Children’s Crusade”: Así como la ciencia ficción y el “futuro”, la lírica de Sting acusa hechos horribles de la realidad disfrazándola con imágenes del pasado. En este cuento de cuna, el cantante de Newcastle, recién salido de Police, narra cómo miles de niños vírgenes murieron en los campos de Francia durante la Gran Guerra. Hasta ahí nada de otro planeta, pero cuando Sting concluye su tema mencionando cómo otros niños vírgenes mueren víctimas de la droga, nadie osó a acusar a Sting de ser un matalafiesta... porque usó una sutil metáfora. Esta canción debió ser usada por Nancy Reagan en su inútil campaña para detener el consumo de drogas. “Just Say No” es menos efectiva que “Midnight in SoHo, 1984...”.



82. U2 – “With Or Without You”: Por un momento olvidémonos de Bono en la actualidad e imaginemos que nunca dejó aquella actitud… bueno, en verdad nunca la dejó: la actitud pedante y “bacancita”. El tema central de The Joshua Tree pareciera una continuación del “Every Breath You Take” de Police, ya que a Bono le fascinaba parecerse a Sting en todo.



81. Sheena Easton “Modern Girl”: ¿A cuántas chicas habrá inspirado esta canción para que busquen su independencia económica y emocional? Era toda una novedad ver a una chica que trabajaba para ganar su dinero y vivir con su novio (sin casarse) en una ciudad como Londres, y de eso no hace mucho.





80. Iron Maiden “The Trooper”: Muchos adolescentes se hicieron metaleros de un día para otro con este fantástico tema del Piece of Mind.



79. Crowded House – “Don’t Dream, It’s Over”: La banda fue un efluente de Split Enz, un muy buen y exitoso grupo australiano que data de 1972. Este single de diciembre de 1986 es hasta ahora su mayor éxito, logrando combinar melancolía y amargura en buenas dosis de melodías fáciles de recordar. Muchos hubieran querido haber escrito un tema como este, compuesto por Neil Finn, y llenarse los bolsillos de regalías por el resto de sus vidas.



78. Bruce Springsteen “I’m On Fire”: el tema más intenso de su también intenso Born In The USA., pone a Springsteen como un tipo tremendamente emocionado rumbo a secuestrar a su novia menor de edad de la casa de sus padres. Nadie se dio cuenta que era la historia de un hombre que, de ser capturado, podía pasar el resto de su vida en la cárcel, con una aparición breve en el noticiero de las once. La canción está mezclada de forma curiosa en estéreo: la batería en el canal izquierdo, la guitarra en el derecho y la voz en el centro, como si Bruce cantara mientras conduce el auto rumbo a la casa de su chica y nosotros en el asiento trasero somos algo así como cómplices. 

AC/DC, con el ya fuera de combate
Malcolm Young en pantalla, Oakland,
2008.


77. Depeche Mode — “Just Can't Get Enough”: Tema joya del primer LP de la banda, Speak & Spell, y joya también de toda la New Wave discotequera. La versión de seis minutos (Schizo Mix) aparecida en el LP estadounidense, es la que consideramos para este puesto. Vince Clarke escribió este y la mayoría de temas del debut de DM, para luego irse a formar Yaz(oo) y Erasure. Eso es carrera musical.



76. Prince Feat. Sheena Easton — “U Got The Look (Long Look)”: La versión extendida de este tema espectacular y sexy del disco Sign “” the Times es una asidua visitante a nuestra radio. Sheena Easton y Prince disfrutan de un agradable coloquio ochentero sobre trivialidades en la relación hombre—mujer. Mientras lo hacen, la guitarra de Prince demuestra una y otra vez ser la más funky y la más sucia de la década. Cabe mencionar que la versión que destacamos aquí es la versión extendida, con aquella guitarra de Prince preparando el terreno para las cochinadas que éste le dirá a Sheena Easton por los siguientes cinco minutos.



75. A Flock Of Seagulls “I Ran”: Majestuoso número bailable de discotecas New Wave de inicios de los ochentas, a cargo de una banda con un vocalista de peinado curioso, como si una jirafa le hubiera lamido el cuero cabelludo en el zoológico, mientras este se alejaba con un helado en la mano.



74. Who — “Eminence Front”: El 2002 se murió el bajista de los Who, y de los miembros originales sólo quedan dos. Si de los Beatles también quedan dos, ¿por qué no juntar los dos grupos y llamarlos “The Whotles” o “Beawho”? Pete Townshend en guitarras, Paul McCartney en el bajo, Ringo Starr en la batería y Roger Daltrey en la voz. En fin, mucho ego para un sólo grupo. Desde que ví el video en MTV clásico, quedé enamorado de la fuerza de esta canción. El riff de guitarra es pegajoso como una dona. Del CD It´s Hard (MCA, 1982)



73. Evelyn “Champagne” King “Love Come Down”: Un tema simple, funky, acomodado, pero a cargo de una vocalista de enorme talento. Ya nos había dado un tema disco muy bien logrado (“Shame”), pero esta canción para clubes nocturnos frente al mar la supera de lejos. Barry Biggs, cantante de reggae jamaiquino, hizo un cover de ésta que también tuvo algo de éxito en Holanda.



72. Daryl Hall & John Oates “Maneater”: Suelo pensar en este single sin olvidarme de su lado B, la épica “Adult Education”. Ambas son una disertación con tufo de advertencia sobre lo peligroso que puede ser involucrarse con chicas mayores “devoradoras de hombres” o menores “chibolas de escuela secundaria”.



71. Chris Rea – “On The Beach” (1988 Re-Recording): Bueno, si esta canción no te pone en una playa, ninguna otra lo hará. Hay otra que más o menos tiene la misma emoción, "Boys Of Summer" de Don Henley, pero Rea se lo lleva de encuentro cual resaca de playa.


Abracadabra de Steve Miller Band, 1982.



70. Indochine “3e Sexe”: Interesantísima banda francesa new-wave quienes conquistaron solo un país en Sudamérica, Perú, por motivos totalmente arbitrarios.



69. Culture Club “It’s A Miracle”: Boy George y su banda pusieron en aprietos a la pacatería inglesa y a muchos que se enamoraron de él creyendo que era mujer. Conozco a más de uno que se llevó un chasco, pero bueno, no sabían que “boy” en inglés significa “muchacho”.



68. Spandau Ballet — “Chant No 1 (I Don’t Need This Pressure On)”: Ah, Spandau Ballet. Qué grupo, qué presencia, qué estilo. Me importa un comino si son  maricones o no, creo que ésta versión de Chant es la más completa, dado que es la más larga. En las discotecas de SoHo, en el Londres de 1981, esto es lo que se bailaba. Del CD The Twelve Inch Mixes (Chrisalis, 1986)

Subvaluados por muchos como "one hit wonders": los Spandau Ballet.


67. Specials “Ghost Town”: Un amigo mío considera a Specials como la mejor banda de la historia, punto. No creo que lo sea pero sí es buenísima y popularacha, cargada de positivismo y sentido del humor.



66. Genesis “Abacab”: Sintetizadores a más no poder, batería electrónica saturando altos decibelios, y una voz muy familiar del calvo Phil Collins.



65. Pet Shop Boys  “West End Girls”: Vimos aquel desolador video de los Pet Shop Boys en el programa Disco Club, de Gerardo Manuel, allá por 1986 y de golpe entendimos que la música estaba cambiando más rápido de lo que esperábamos. Los PSB presentaban una propuesta bailable con un sonido mecánico firme y mantos de sintetizadores que invitaban a la reflexión social. Las West End Girls son las chicas pitucas de Londres que miran a los East End Boys con desdén y crean las bases de una desigualdad político-económica-sexual. Se da en todas partes, no solo en Londres, sino que los PSB siempre cantaron sobre lo que tenían más cerca. 



64. Police — “Don’t Stand So Close To Me”: Sting fue profesor de escuela y de seguro se habrá inspirado en algún incidente para contar la historia de un hombre que suda, tose y tiembla al ver a su alumna favorita acercársele. Y es que hay algunas… si, ya sé, ya sé, pero si son unas nenas.



63. Rolling Stones “Start Me Up”: El gran tema de los Stones de 1981 que no solo los puso de nuevo en carrera en una de sus giras más exitosas sino también abrió el Tattoo You, quizás el álbum mejor logrado del grupo. Era una canción antigua, de las sesiones del Black and Blue, que al acelerarse el estribillo y coro cobraban una fogosidad incontrolable.

¡Alan Parsons sigue dándole!


62. Madonna “Borderline”: Una estocada al corazón adolescente, sufriente de amor, escrita y producida por Reggie Lucas, el "mecenas" de la Reina del Pop allá por 1983.



61. Propaganda — “Duel”: Otra banda olvidada. Inclusive en su mejor momento era una cosa rara. Trevor Horn produjo el disco Secret Wish, del cual sale esta canción que generalmente se  cuela en las listas de programación de radios de oldies, felizmente. Trevor Horn produjo este tema, y con esto quiero agregar que Trevor Horn es el mejor productor que tuvo la década.



60. George Harrison “All Those Years Ago”: Un tributo muy sentido al Beatle Lennon, quien acababa de ser asesinado. Además, el único tema con George, Paul y Ringo tocando luego de la separación (no tocarían juntos hasta “Free As a Bird”).



59. Stevie Wonder “Do I Do”: Diez minutos de funk para completar con broche de oro su super-compilatorio Original Musiquarium Vol. I. Dizzie Gillespie se mete con su trompeta doblada y ejecuta un solo de los dioses.



58. Howard Jones “New Song”: Otro tema New Wave muy bien compuesto a cargo de un cantante y músico infravalorado. Se merece mucho más éxito.


Vangelis, 1982. Anotó goles con bandas sonoras como Bladerunner, Missing, Cosmos, Chariots of Fire y The Bounty. Una pena que esté semi-retirado.

57. Golden Earring “Twilight Zone”: Golden Earring es un grupo holandés que ya había llegado a la cima en Europa con su "Radar Love" (segunda mejor canción de los setentas, vean). Aquí vuelven con un tema rockerazo sobre un hombre que acaba de cometer un crimen y está a punto de pasar a la clandestinidad. Ya no se hacen canciones así, lamentablemente.



56. Black “Wonderful Life”: Balada sombría, tétrica y deprimente (no me dan ganas de creerle que la vida es maravillosa), escrita y cantada por el cantante inglés Black. Funciona porque precisamente está cargada de ironía y eso es exactamente lo que quiere transmitir.



55. Killer Pussy “Teenage Enema Nurses In Bondage”: Para esta banda punk de Arizona, el rock and roll consiste en una crítica social disfrazada de rudeza y groserías.



54. Church  “Under The Milky Way”: 1988 tuvo su momento "alucinante" con este tema de los australianos Church que tiene un toque escocés/celta en algunos pasajes gracias a unas gaitas que se oyen a la distancia, sumergidas entre guitarras acústicas de doce cuerdas.



53. Loverboy “Working for the Weekend”: Uno de esos temas que eran para fiestas bailables pero rara vez el jodido DJ lo ponía



52. Patrick Bruel “Marre de cette nana-là”: La música pop francesa tiene joyas como esta canción sobre un chico que en lugar de cantar que está loco de amor por una mujer, declara que no la soporta. ¿Habrá sido ésta la primera vez que muchos adolescentes podían considerar detestar al ser amado luego de unos cuantos meses... o semanas?



51. Styx — “Music Time”: Esta encierra todo lo que a mi me gusta en la vida: mujeres, buena comida y buena música a todo volumen. ¿Doctor, es malo pensar todo el día en culos y tetas? Si, señor, uno tiene que pensar en culos, tetas y no olvidarse de las hamburguesas, las papas fritas, la cerveza y la música bulliciosa. ¡Que no todo en la vida es lujuria, señor! Este tema tiene un mejor efecto en gente menor de 20 años. A partir de los 40 hay que pensar en el colesterol y la próstata. Del disco Caught In The Act (A&M, 1983)



50. Dire Straits — “Private Investigations”: Creo que Knopfler escribió esta canción profundamente enamorado de alguna mujer con la cual no debía estar involucrado. Puede ser una canción sobre un acosador.



49. AC/DC – “Who Made Who”: la banda australiana en su mejor punto con Brian Johnson en las cuerdas vocales.

En el frente latino-caribeño, tu sabes, Fania lanzó este disco.


48. Toto “Africa”: ¿Quedan aún nieves en el Kilimanjaro? Se preguntan los Toto con este tema muy bien cantado, ejecutado y grabado.



47. Paul Simon “You Can Call Me Al”: Graceland fue el disco que hizo que muchos en Europa y EE.UU. despierten un interés dormido en la música de África. Pero claro, la música africana de por sí no existe, ya que hay tantos géneros como tribus, países y regiones hay en aquel tremendo continente.



46. Cindy Lauper “Time After Time”: Cindy la escribió y se la dio a Miles Davis, quien hizo una bellísima versión con su trompeta asordinada. Pero Cindy la grabó también y el resultado fue devastador: una de las mejores canciones de amor de la historia.



45. Double “The Captain of Her Heart”: Una melodía de piano basada en el canto de un ave, una lírica sombría y voyeurista sobre una mujer esperando al amor de su vida, que probablemente nunca llegue porque no existe.



44. Michael Jackson “Thriller”: Antes que nada, el disco Thriller, el más vendido de la década, tiene el sello Quincy Jones de principio a fin y suena sobreproducido, aunque esto no sea malo.



43. Cars — “Since You’re Gone”: he oído muchas canciones sobre el amor no correspondido, pero esta de Cars es la que más se aproxima a un acto de autoflagelación y, por qué no, masturbatorio (bah, está en el disco Shake It Up y eso ya es decir algo). Ocasek es un excelente compositor New Wave, y poco a poco la banda va ganando un respeto musical que quizás en su momento de mayor fama no lo tenía.



42. Toni Basil “Mickey”: Parece una canción inocente y fácil, pero es increíblemente profunda y reveladora. Es un golpe directo a las emociones más primitivas del ser humano, y aquella batería tribal no es adrede. Basil era coreógrafa y aquel video de la canción con las porristas se imprimió en nuestras retinas jóvenes para siempre, haciendo la canción indivisible al video.



41. Madness — “One Step Beyond (Universal, 1980)”: A los que conocen Madness sólo por “Our House” no saben lo que se pierden si no han escuchado el instrumental mas poderoso de ska jamás grabado. Acordes menores de guitarra, saxofón barítono gruñendo a niveles extremos, y una voz media tarada que grita “One Step Beyond!” al final de cada coro.


No tenían dinero, uh oh oh.

Violent Femmes, 1983.

Whitney Houston: la voz de los ochentas.

Yes fue salvado por Trevor Horn y Trevor Rabin y se convirtió en un grupo de dance music con "Red and Blue Mix", una hipnotizante versión de "Owner of a Lonely Heart"


40. Men At Work — “Down Under” (CBS, 1982): Si uno no sabe cuál es el himno de Australia, bien puede cantar el coro de “Down Under” y es probable que los demás se lo crean. ¿El más grande éxito de rock australiano? Puede ser.



39. Imagination — “Just An Illusion” (MCA, 1982): Tres chicos muy atractivos se dedican a cantarle al público demasiado “gay” que se acaba de aburrir de los Spandau Ballet (ambos actos comparten los mismos productores).



38. Fixx “One Thing Leads To Another”: Del disco Reach The Beach, creo que era la canción que más me gustaba a mis diez años. Solo tiene un acorde, Si bemol menor.



37. Bob Marley and the Wailers — “Redemption Song”: Oir a Bob cantar esta canción, sin saber de quién se trata cuán cerca se encontraba de la muerte al momento de grabarla es una inocente experiencia que cualquier persona no familiarizada con Marley puede disfrutar tanto como aquellos fanáticos del reggae que lo han estado escuchando desde siempre. Marley canta sobre la libertad, la emancipación, la independencia, pero para mí que se está despidiendo. Sabía que iba a morir pronto y que ni su profunda fe rasta lo iba a salvar.

Loeb me do: Caroline y su "C'est La Ouate".


36. Steve Miller Band “Abracadabra”: 1982 sería el gran año de Miller en los ochentas, ya que el resto de la década fue baja para él y su banda. Lanza un single formidable pop que se convierte en uno de sus más grandes éxitos (y por qué no, quizás su mejor tema), sale de gira vestido de mago, la disquera, la crítica y el público lo aman. “Abracadabra”, que le da nombre al LP, es un tema fresco, con una guitarra rocanrolera bien marcada y una estructura simple pero a la vez contundente.



35. Alan Parsons Project — “Eye In The Sky”: Eric Woolfson y Alan Parsons, maestros, crean el mejor LP del concepto APP sobre una visión rockera sobre el pasado, especialmente sobre el concepto de un ser todopoderoso que vigila (pero no controla) todo lo que ocurre en el mundo. Llaman al disco Eye In The Sky y la canción título tiene una introducción llamada "Sirius" que es usada en los partidos de basketball de los Chicago Bulls cuando estos entran a la cancha. Woolfson canta y encanta. Parsons produce. Mejor imposible.



34. Blondie “Rapture”: Suena como si la hubiera producido Nile Rodgers (de Chic), pero la produjo Mike Chapman. Debbie Harry rapea y le sale bonito.



33. Missing Persons “Words”: Terry y Dale Bozzio lideran esta gran banda de corta duración, que dio este tema frío (tipo "Metro" de Berlin, ver más arriba) pero a la vez complaciente y atractivo para las radios. Los aullidos de Dale (¡oh!) son lo que más recordamos del tema cuando se nos lo menciona.




32. Romantics “What I Like About You”: Tiene mucho de Kinks, Ramones y Beatles ('63). Jimmy Marinos, baterista, canta como si estuviera actuando en vivo en un club nocturno. Les sale muy bien y nos dan ganas de buscar más cosas de ellos, como "Talking In Your Sleep" y "Rock You Up". 



31. Paul McCartney “Take It Away”: del Tug Of War, su mejor disco solista, sale una canción sobre lo difícil que es para una banda alcanzar un éxito moderado. Con la ayuda de su esposa Linda, Eric Stewart, Steve Gadd, Ringo Starr y George Martin, McCartney más bien pareciera lanzar un lamento nostálgico a la época en que su banda, Beatles, las pasaba negras tratando de obtener un contrato discográfico. 



30. Daryl Hall & John Oates — “I Can’t Go For That (No Can Do)”: Prueba de que Hall y Oates son de lo mejor que ha dado el soul.



29. Stevie Wonder “I Just Called To Say I Love You”: La versión original del disco Woman In Red incluye un verso en el que Wonder canta con su voz de vocoder.



28. Billy Idol – “White Wedding”: No es una canción, es una epopeya sónica. Fusión perfecta de punk, wave, rock y mogambo. Idol le canta a su hermana (?) quien está por casarse (?)... la letra no es muy específica.

Lewis y Cía.


27. AC/DC – “For Those About To Rock (We Salute You)”: Si en salsa hay "cañonazos súper-bailables", en el rock AC/DC nos dio sus "cañonazoa súper-rockeros y acojonudantes". Angus Young crea el riff de su vida, con el que ha estado cerrando conciertos desde este disco. ¡Fuego!



26. Robin Gibb — “Boys Do Fall In Love”: Perfecta, impecable y coqueta canción pop de amor en tercera persona sobre las vicisitudes del romance adolescente.




25. “The Queen Is Dead” — The Smiths: Todos queremos a los Smiths. Es la banda favorita para querer y afirmar que “son mejores que fulanito”. Que son mejores que Morrisey, su cantante, lo son. Que duraron muy poco también: quisieron hacerse leyenda rápidamente y apenas la gente los descubría, se iban enterando que se habían separado y que era más probable que se unan los Beatles con Lennon regresando de ultratumba a que lo hagan ellos. Morrisey es un crítico muy duro de la sociedad británica, más aún de la monarquía, pero eso lo hace ver como un viejo amargado.



24. “Persiana Americana” — Soda Stereo. Para mí los Soda Stereo son mejores que los Smiths. Ya sé que estos últimos son británicos pero qué importa, en este caso las Malvinas son argentinas. Primero que nada, Soda Stereo creó no sólo un género, sino un sonido inimitable, inseguible y hasta cierto punto incomprensible. El guitarrista/cantante Gustavo Cerati parecía sacar temas bellísimos como por arte de magia, y su música inundaba las FM de Sudamérica. “Persiana Americana” es el tema más exitoso de la banda, el más logrado, y el más abierto a compartir y celebrar.


Soda Stereo: la banda más importante de Sudamérica en 1987-1989.


23. Mötorhead — “The Chase Is Better Than The Catch”. Dicen que los niños duermen con pijamas de Superman, Superman duerme con pijamas de Chuck Norris y Chuck Norris duerme con pijamas de Lemmy, bajista y vocalista de Mötorhead, la banda más potente del mundo. Este tema es agresivo, erótico y a la vez desolador: un canto a la frustración sexual y a la liberación de hormonas en el torrente sanguíneo. Del formidable LP Ace of Spades.



22. John Fogerty — “The Old Man Is Down The Road”: es del disco Centerfield, una auténtica joya unipersonal del ex líder de Creedence Clearwater Revival quien con este tema abrió una caja de Pandora que le causaría dolores de cabeza: Saul Zantz, jefe de Fantasy Records, lo enjuiciaría por plagiarse a sí mismo al tener un riff similar a “Run Through the Jungle” de CCR (Zantz poseía los derechos de edición del tema). La canción y algunas otras del disco tienen un tema recurrente: un viejo traicionero y avaro que está dispuesto a todo por acaparar lo más que pueda. A más viejos los seres humanos, más crueles podemos ser.



21. Squeeze — “Tempted”: En Si mayor, y es fácil de encontrar los acordes en internet. Traté de cantarla en un Karaoke de los Ángeles, y obtuve el premio a la peor interpretación. Del CD East Side Story (A&M, 1981)



20. Men At Work — “No Restrictions” (CBS, 1983): Entramos a las 20 mejores con un tema que tiene como base a Colin Hay berreando sobre la importancia de la libertad del individuo. Pasa rápido y cierra el Cargo, de lejos el mejor momento de la banda. Men At Work era entre 1982 y 1983 un grupo cohesionado y feliz. Eran otros tiempos. La mezcla de esta canción, sus efectos, ecos... son exclusivos de los inicios de esta década tan contradictoria.




19. Queen — “Hammer To Fall”: Brian May escribe este tema altamente rockero sobre, supongo, la guerra fría. Cuando Queen la interpretó en Hungría, supongo que el efecto fue tan devastador como la llamada de Reagan a Gorbachev a derribar el Muro de Berlín. Es un single para obreros con blue-jeans importados, Levis, que luego los venderán en el mercado negro en 1990.



18. Rod Stewart – “Young Turks”: A ver, asumiendo que esta canción es el mejor momento del escocés, llegamos a la conclusión de que un artista puede incluso sacar obras maestras luego de los 25 años. Rod tenía 36 aproximadamente cuando grabó esta canción con su banda. Es rápida, urgente, y sobre todo cuenta una historia con un final pendiente e irresuelto: una pareja de quinceañeros se ama tanto que se escapan de sus hogares al no aguantar la incomprensión y el apoyo nulo de sus padres. La pasan mal tratando de sobrevivir, y no piden ayuda. El chico llama a su casa y les cuenta a sus padres que, aparte de que la vida es así, “Patty acaba de dar a luz a un niño de 10 libras”.



17. John Lennon – “Woman”: Un buen fanático de los Beatles puede romper a llorar si escucha la canción, especialmente viendo aquel video tributo que apareció poco después del asesinato de John. Radio Panamericana de Lima, Perú, la nombró “la Más Más de la década”. No es para menos, John antes de dejarnos nos dejó esta que puede ser junto a "Imagine" su mejor canción solista.



16. Daryl Hall & John Oates — “Kiss on My List”: Hay algo en el sonido de fondo de este tema funky pop que te hace vibrar y hasta sentir mariposas de patas peludas en el estómago.



15. Kim Carnes — “Bette Davis Eyes”: Una mujer rubia canta sobre otra mujer, más atractiva y seductora, advirtiéndole a un hombre quien está por ir a encontrarse con ella. La compara con la cocaína por lo adictiva que es y por cómo lo va a dejar luego de algún tiempo. El éxito de este tema fue tal que empezaron a correr rumores de que la aguardentosa voz de Carnes no era otra que la de Rod Stewart, haciéndose pasar por mujer para generar más dividendos en EMI Records, otra casa discográfica. Carnes tiene una voz formidable y única, aunque se entiende la similaridad con e influencia de la de Stewart.



14. Producers — “I Love Lucy”: cuatro tipos de Atlanta que armaron una banda que se les fué de las manos. En fin, de su primer disco, The Producers, lanzado en 1981, salió ésta que fue un éxito menor en las radios de Perú, según recuerdo.



13. Donald Fagen — “New Frontier”: Cualquier prejuicioso acusaría a “New Frontier” de ser un tema disco abultado y de difícil movimiento. Pero no lo es. Para comenzar, su contagioso ritmo con dosis de Calypso nos transporta a un pasado utópico en el cual la guerra fría era para un adolescente excusa para encerrarse en un búnker con la chica de tus sueños y beberse la cerveza que su padre había almacenado ahí “en caso de que los rojos presionen el botón”.



12. Gino Vannelli “Wild Horses”: 1987 dio luz a este positivo tema de amor y pundonor. los "caballos salvajes" son aquellos que nunca podrán arrastrar al cantante lejos de aquella chica hermosa de jeans cortos, botas y camisa amarrada en la pancita.





11. Pino D’Angio — “Ma Quale Idea”: Es la mejor canción disco jamás grabada en Italia. La más bailada de 1980 y todo un símbolo de la cultura disco europea. Impensable un verano de inicios de los ochenta en Capri sin este tema.



10. Rita Lee “Lança Perfume”: Fácil esta canción entraría en un top 10 de las melodías más logradas de Brasil en toda su historia.



9. Tom Petty —  “Runnin’ Down A Dream” Canción-persecusión que le debió haber llegado a Tom Petty en medio de un sueño luego de haber comido en exceso.



8. Tears For Fears -“Sowing The Seeds Of Love”: este tema le dio un soplo de vida a la alicaída música pop de finales de los ochentas. Se venía una tendencia a recordar lo ocurrido 20 años antes: Woodstock, Sgt. Pepper y la filosofía Beatle/Hippie. Esta vez la banda produce una balada pop política en contra de Margaret Thatcher y pidiendo a Paul Weller el retorno de The Jam.



7. Dire Straits  — “Money For Nothing”: El rock británico con Dire Straits logró un escalón más en lo que se podría llamar evolución. Mark Knopfler, guitarra, compositor y voz, sale fuera de sí y se convierte en un empleado de una tienda de electrodomésticos que se queja de lo bien que la pasan los rockeros de MTV. La canción carece de solo tradicional de guitarra: un riff que se pasea por todo el tema nos "actualiza" y a la vez "critica" a la nueva forma de entretención de televisión por cable.



6. Joe Jackson — “Steppin’ Out”: Otra canción de la época dorada de Panamericana Radio. Esta canción fue tomada del álbum Night And Day. A toda velocidad, Joe decide escaparse con su novia a disfrutar de la vida noctura en Nueva York, después de considerar que su relación es bastante monótona y "son jóvenes pero están envejeciendo antes de tiempo". Nos pasa a todos.



5. The Cure “A Forest” : Quien dude de la importancia de esta canción en marcar toda una era, pues no la escuchó jamás o le cae mal Robert Smith. Las guitarras de The Cure, evolucionadas del Punk, prácticamente crearon el Rock Gótico. El tema es sobre el frío, la desolación, la alienación... algo que toda una juventud se disponía a sentir en los próximos 10 años. Ninguna canción Goth o Wave ha alcanzado la calidad sónica de “A Forest”, y dudo que lo haga. Es la canción dark pop por excelencia.



4. “Right Between The Eyes” — Wax: Me he dado cuenta que a esta canción nunca la adelanto ni la dejo de escuchar, me soplo los siete minutos de la versión remixada. Es una magnífica obra pop hecha por dos perfectos genios”: Andrew Gold y el gran compositor y músico Graham Gouldman (de 10cc). Del CD Magnetic Heaven (Renaissance, 1985)



3. “Synchronicity II” — Police (A&M, 1983): Nos tomó 25 años darnos cuenta de que esta canción es sobre un padre que asesina a su familia luego de darse cuenta que nada en esta vida vale un céntimo. Luego de traicionar al sindicato yendo a trabajar en medio de la huelga y ser maltratado por sus jefes e insultado por una secretaria (a la cual califica de prostituta) éste regresa a su casa y simplemente acaba con todo organismo vivo. Sting no lo narra directamente, sino que más bien compara aquel suceso con la salida de “Nessie” de Loch Ness y su sigilosa entrada a una cabaña a orillas del lago, en donde hará lo mismo que el padre. Sting tenía 29 años, enfrentaba una de sus épocas más difíciles de su vida y vivía torturado por el amor que sentía por Trudy Styler, la mejor amiga de su esposa, quien le hacía padecer de insomnio. De ese dolor tuvo que salir esta canción-escape magnífica, rockera, eléctrica.



2. Alan Parsons Project — “Time” (Arista, 1980): Avanzando el tiempo, nuestra vida pasa por un río sin retorno... quién sabe cuándo nos volveremos a encontrar. Woolfson y Parsons escribieron un poema sobre el irremediable destino del ser humano”: la muerte. No le tienen miedo a ella misma, sino al hecho de perder amigos y amores. Quizás esta canción continúe donde termina “In My Life” de los Beatles, ahondando en el tema de la soledad que encierra una partida.  Del disco The Turn Of A Friendly Card (Arista, 1980)



1. Spandau Ballet “True”: Se reconoce a la primera nota, se deja oir en sus casi seis minutos de duración (en la versión del LP del mismo nombre) y solidifica a una banda, a un estilo, a una década. Es una canción de amor fuertemente influenciada por Motown y por el estilo de Marvin Gaye. Gary Kemp, el compositor, le pidió a Mark, su hermano, que deje de tocar el bajo en esta canción, ya que iba a ser sintetizado. Mark seguro protestó. El resultado fue un tema tan, tan perfecto y sólido que ni siquiera un puente con notas totalmente distintas a las del verso o coro pudo deshacerlo. La mejor canción de 1983 y de la década de los ochentas.