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Here at CacaoRock we have been translating technical papers, accounting and financial texts, software, immigration certificates, adoption letters, books, movie scripts and official foreign documents for a long time. We even worked translating documents for the military and creating movie subtitles! What is so special about our English to Spanish translations? Our localization skills. Besides our accuracy, we are able to apply to these translations the neutralism of standard Spanish or specific Spanish-speaking countries. For more information about our rates, our previous work experience and how can we help you, contact us via email at Info@CacaoRock.com or visit our ProZ.com profile page.

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Sunday, December 27, 2009

If you read Keith Knight's cartoons is like you've known the guy all your life. The Knight Life is just plain funny but, besides funny, it's incredibly cool and it's been enhancing the cartoon pages of several newspapers in the U.S.

His work reminds me a little bit of the one of Tex Avery and John Kricfalusi , but his exaggerations go beyond structures and drawing classes. Somehow he has developed his own style and he definitely is a role model for lots of cartoonist wanna-be's, including myself. I honestly don't see anything he could have copied or based his style from, although his character's expressions seem to have been present in cartooning and comics. His characters aren't supposed to criticize your life or make "social comments". They're busy living their lives and dealing with their own issues. We, the readers, are the ones who comment on these stories, and laugh at the same time.

This Mexican Coca-Cola series is one of the funniest things I've ever read on a newspaper in my entire life. In five innocent strips, Knight describes a laughable situation, creating parallels with the current drug war in Mexico and keeping the political comment out of the vignettes, for us to make it. For my spanish-speaking readers, I'll translate it:


-¿Estás vendiendo qué?
-¡Coca-Cola mexicana! ¡Es mejor que la versión de Estados Unidos!

-¡Viene en botellas de vidrio! ¡Tiene azúcar de verdad en vez de jarabe de maíz de alta fructosa! ¡Puedes en verdad saborear la diferencia!

-Guau, está buena.
-Sólo tengo que vender doce cajas para pagar por las que ya he consumido.


EN EL TELÉFONO CON PAPÁ
-¿Ya conseguiste algún trabajo extra?
-Estoy ayudando a mi vecino a vender cajas de Coca-Cola que trae de Tijuana.

-¿Estás en un negociado con un traficante de coca mexicana?
-Sí, creo que sí.


-¡Qué bien! Así no tendré que mentirle a mis amigos sobre cómo te ganas la vida.



-OK, nena, nos vamos a recoger más coca mexicana
-Ten cuidado

-Gunther, ¿en verdad vale la pena ir hasta la frontera por una caja de gaseosas?
-En realidad no vamos. ¡Es sólo finta!

-¿Qué quieres decir?
-¡Le compro mis provisiones a una taquería a tres cuadras de aquí!



VENDIENDO COCA-COLA MEXICANA
-¿Keith? ¿Eres tú?
-¡Disfruta!

-Quiero agradecerte por la clase de caricaturas que diste en el orfanatorio.
-No hay problema, hermana Fran.
-¡Hey!

-Eres un gran ejemplo para los niños.
-Gracias.
-¿Dónde está el sorbete para la coca que me vendiste?


-¡Gunther! ¡Necesito otra caja! ¡Se agotaron!
-Se acabó. Nuestros días de vender coca-cola mexicana se han terminado

-¿Por qué?
-Aparentemente, estamos entrometiéndonos con algunos elementos del tráfico de coca mexicana.

-¿Cómo sabes?
-¡Alguien decapitó mi gnomo en mi patio frontal!



Visit his site, http://www.knightlifecomic.com/ and find out more about him.

Monday, December 21, 2009


La chica de la foto no es modelo de profesión; aunque es muy bella y déjenme contarles que, en sus buenas épocas, su mamá hacía delirar con su despampanante belleza, la cual no ha perdido tampoco. La mamá se llama Susy Dyson y la hija, la de la foto, se llama Kina Malpartida. Es la campeona femenina de la Asociación Mundial de Boxeo, en la categoría Super Pluma. Y es peruana.

Peruana y australiana también. Esta es la historia típica del triunfo de un peruano en el exterior y del profundo sentimiento de envidia y amargura que existe entre los que nacimos en la parte central y occidental de América del Sur. Pero Kina no es una del montón, para nada. Es más, por su humildad, por su actitud positiva y por sus ganas de vivir la vida al máximo, hasta pareciera que no es peruana.

Aunque la envidia y rencor al éxito ajeno no son típicas o exclusivas del Perú, pareciera que son oriundas del país que vio a Kina y a mí nacer. En todas partes se cuecen habas, es verdad, pero me pareció el colmo que el Instituto Peruano del Deporte, al principio, haya minimizado el título que ganó Kina por haber representado a Australia en vez de al Perú en aquella batalla que le dio el título, el cual defendió hace algunos días con todo éxito. "No le vamos a dar los laureles porque no es peruana". Kina demostró tener más fuerza en su boca y cabeza que en sus puños al mandar al IPD a freir monos. "Yo peleo por mí misma, no por Australia o por el Perú. Australia me dio la oportunidad de entrenarme y ser una boxeadora profesional. ¿Ustedes, qué?". En Lima, los dirigentes deportivos ya estaban preparando, con la ayuda de los periodistas de siempre, una serie de respuestas crueles para arruinarle la fiesta a esta chica.

Pero se les viró la tortilla porque la gente peruana le empezó a tomar cariño, al ser una chica que no tiene pelos en la lengua y, sobre todo, es capaz de derribar a quien se le ponga en su camino. Podrán decir, para minimizar sus méritos, que la chica tiene mucho de la tenacidad de su padre, el desaparecido deportista de aventuras, surfista y karateka Oscar "Chino" Malpartida, y de la belleza y carisma de su madre, la modelo Susy Dyson (aunque en verdad, ver a Kina flexionando los deltoides es el equivalente a un anti-viagra. De ahí que colocamos una foto más bella).

Kina ya dijo que su plan es boxear por unos cuantos años más y de ahí retirarse para evitar consecuencias mayores -sabe del drama de los boxeadores que aguantaron puñetazos por varios años y quiere dedicarse a otras cosas. Tiene un enemigo más fuerte y poderoso que tres boxeadoras de Samoa al frente de ella en un ring "vale todo": el egoísmo y oportunismo de mucha gente que ahora la adora, cuando no hace mucho, la ignoraban por ser "australiana". Pero como ya dije, la chica se deja querer y nos provoca un orgullo muy grande; no por ser peruana, aussie o marciana o por ser una dama muy bella, sino por ser simplemente un modelo de mujer a seguir, a querer y respetar. Ella ha demostrado que si una no se valora a sí misma, nadie lo va a hacer ni le van a decir "Kina, eres el Perú". Lo demás, es vanidad.

Desde CacaoRock.com, nuestra pleitesía y adoración a Kina Malpartida, la mujer del Año.


Sunday, December 20, 2009

La década se acaba y es hora de nombrar a los ganadores, a los más destacados y a los que nos hicieron sonreír al menos más de una vez.

Me he dado cuenta que en las páginas web y en publicaciones en general es muy común hacer listas. Listas de discos, películas, eventos, etcétera. Yo, hace diez años, hice una parecida sobre las mejores canciones de la década del noventa, que fue técnicamente la última gran década prodigiosa antes del colapso de la industria musical. Esta vez armare una lista de ideas sobre la década del cero cero, el inicio del milenio, los primeros diez años del siglo. Y esta vez, sin números. La lista responde a la pregunta: ¿Qué nos impresionó? ¿Qué te impresionó a tí?

A mí, esto: 







  • YouTube y Facebook. Pecaré de inconforme pero a estos sitios web, aunque hayan logrado una verdadera revolución y sean el caballo de batalla de la Internet, les faltas mucho. YouTube aún está en pañales en lo que respecta a calidad de imagen y sonido; y yo a veces creo que los comentarios deberían ser moderados por los autores o encargados de subir los videos; esto para evitar una andanada de insultos entre fanáticos de John y Paul, de Universitario y Alianza, de rubias y morenas y de McDonald's y Burger King. El 2005, cuando lo descubrimos por primera vez, el sitio estaba en pañales y aún las corporaciones de entretenimiento no se habían puesto a perder el tiempo tratando de eliminar los videos subidos "sin permiso". Ahora, la cosa es distinta: Mientras uno ve el video en una calidad pobre, uno puede comprar la canción en MP3, o el álbum de donde viene ésta. También se pueden ver ciertos videos con un previo comercial de autos o seguros. Youtube fue vendida a Google por un billón de dólares, así que algo de rentable debe tener. Facebook es un concepto parecido pero en vez de subir videos, subimos nuestras vidas y las exhibimos a todos nuestros amigos y a aquellos que pueden no serlo. Consta de tres lados: un lado voyeurista, un lado informativo y un lado nostálgico. Queremos ver fotos de nuestros amigos y amigas pasándola bien, informarnos de sus vidas y comentar sobre nuestro bello pasado que con cada año que pasa se vuelve mejor. Nota: mantener a tus compañeros de trabajo y tus actividades privadas lejos del sitio.
  • Don't Be Afraid, Wolff, 2007. Un chico que no toca la guitarra, ni la batería, ni el bajo ni el piano. Toca la tuba. Y grabó este disco de música electrónica que es una sacudida de cabeza, digna de los mejores elementos espaciales de Pink Floyd y Tangerine Dream.
  • 24 Hour Party People, Michael Winterbottom, 2002. La mejor película de la década del 2000 es un homenaje a aquella pasión por la música que todos llevamos dentro. Tony Wilson, interpretado por Steve Coogan, descubre y promueve bandas de Manchester que se vuelven legendarias en menos de un lustro: Joy Division, New Order y Happy Mondays.
  • Arepa 3000: A Venezuelan Journey Into Space (2000) y The Venezuelan Zinga Son, Vol 1 (2003), Amigos Invisibles. La mejor banda de la década sacó dos discos que al principio creí que eran distintos, pero en verdad son más que la suma de sus partes.
  • “Crazy”, Gnars Barkley (2006). La canción más importante y ejemplar de la década del 2000 es este número funky-psicológico del dúo conformado por el DJ Danger Mouse y el rapero Cee-Lo. En serio, esos son sus nombres de batalla.
  • Storm & Her Balls. Banda de Portland, Oregon que el 2004 nos sorprendió con su “mash-up” de “In-A-Gadda-Da-Vida” de Iron Butterfly con “Take A Chance On Me” de Abba. La vocalista, Storm Large, resultó ser toda una sorpresa y una revelación: uno de los mejores actos en vivo jamás vistos en cabaret alguno. Ella va viento en popa con su carrera solista que incluye el teatro musical. Pero la joya de su carrera es el disco Hanging With The Balls del 2004, además de sus conciertos, descargables en www.stormlargedownloads.com
  • Utopía y República Cromañón: dos discotecas, una en Lima y la otra en Buenos Aires, que se incendiaron en el 2002 y el 2004, respectivamente. Las víctimas, más de 200, nos recuerdan que la muerte ronda siempre, y más cuando no pensamos en la seguridad de los demás y queremos ahorrar unos pesos aquí y allá. Dos tragedias que nos hicieron ver nuestra propia fragilidad, al alcance de la pelona.
  • El 11 de Septiembre del 2001. Esta fecha es el equivalente al asesinato del Archiduque Francisco Fernando en 1914 o al ataque de Polonia por parte de la Alemania Nazi en 1939. Cambió la historia, la política, la sociedad en general. Estados Unidos se hizo más paranoico y permitieron que Bush y su pandilla se queden por 8 años. Menos mal que Obama fue elegido, aunque en verdad cualquiera era mejor que Bush.
  • iPod / iPhone: la revolución interna. Nadie escucha lo que los otros están escuchando. el primer iPod ahora parece un artefacto arqueológico pero en verdad creó un punto de referencia y una nueva forma de difusión. A diferencia del Walkman, no se trataba de llevar una docena de canciones sino centenas, y ahora millares. El concepto de álbum se volvió obsoleto, al igual que el pagar por él. iTunes se volvería la tienda de música más grande del mundo, y cerraría Tower Records, Sam Goody, Virgin… todo gracias al MP3. Otro desastre. La idea de una tienda de discos en donde la gente podía descubrir música y compartir gustos y opiniones quedó obsoleta.
  • Napster/ Limewire/ Kazaa/ bitTorrent/ Rapidshare... las razones por las cuales los tickets para los conciertos han subido de precio de manera brutal. Un artista ya no obtiene ganancias con un disco sino con el dinero recaudado de conciertos y de mercadería que no se puede copiar en una computadora (todavía): camisetas, gorros, bolsos, tazas para café. Los de Metallica nunca pensaron que el verdadero demonio se les iba a aparecer en forma de un adolescente que se dió cuenta de una manera de compartir la música que tenía en su computadora con sus amigos, creando una comunidad global en donde cualquiera podía conseguir la música que le venga en gana y... gratis. Napster ahora es un servicio pagado, y después de complicadas batallas legales en las cuales las grandes corporaciones del entretenimiento llegaron a enjuiciar a los que osaban descargar música gratis de Madonna o Nirvana, ahora parece que estan aceptando nuevas formas de obtener ingresos: el cobro de cuotas a los proveedores de internet y uno que otro cargo adicional, aquí y allá. De cualquier manera, la década del 2000 representa el fin de una era en la industria musical, para bien o para mal.
  • 1, The Beatles (2000). El disco más vendido de la década en la cual el disco, el CD, quedó obsoleto. Una colección de los singles que fueron número uno, en Estados Unidos e Inglaterra, por la mejor banda que jamás haya existido. El álbum rojo brillante de los Beatles.
  • Elephant, The White Stripes (2003). Adiós al bajo. Un dúo de ex esposos que terminaron convirtiéndose en la banda favorita secreta de mucha gente. Jack y Meg White, guitarra y batería respectivamente, se lucen mostrando una creatividad minimalista basada en la simplicidad de la distorsión. A destacar: "Ball & Biscuit."
  • If I Were A Highway, pickPocket Ensemble (2002). Rick Corrigan es un acordeonista del área de la Bahía de San Francisco que ha estado tocando con varios músicos bajo el nombre de "grupo de carteristas" desde 1998. Música de gitanos, de europeos del este, embrujadores... como para escucharla sentado en un café en el centro de Praga, la ciudad que da título al tema más creativo y contagioso de este disco.
  • La Meglio Gioventú, Marco Tullio Giordano (2003). Una de las diez mejores películas de la década según nuestro crítico favorito de cine Mick LaSalle. En 6 horas que se pasan volando, la película nos cuenta la historia de dos hermanos que son afectados por los eventos que afectan cuarenta años en la Italia de la segunda mitad del siglo XX. Como para tenerla y verla cuando les venga en gana.

  • Los que se fueron: Tony Wilson, Eric Woolfson, Marlon Brando, Ray Charles, Michael Jackson, James Brown, Barry White, Paul Newman. Jorge Cox, Diana García.

Monday, December 7, 2009

Hay una tumba sin cruces en la autopista Altamont al norte de California que anuncia a los cuatro vientos que hace cuarenta años, sucedió la "peor tragedia en el Rock And Roll"; ésto entre comillas porque todos sabemos, cuarenta años después, que la peor en realidad fue el asesinato de John Lennon. Las comillas van porque hace cuarenta años, la peor tragedia en el Rock and Roll fue el concierto gratuito de los Rolling Stones en California, un intento de copiar el festival de Woodstock con Grateful Dead y los Jefferson Airplane de teloneros.

Cuatro meses antes, el festival de Woodstock –al cual los Stones no asistieron- dio un mensaje al mundo de paz, amor y música; pese a que la organización del festival estuvo lejos de ser perfecta y las cantidades de drogas consumidas fueron de niveles medibles por toneladas. En aquel festival, 400,000 almas amontonadas en Bethel, Nueva York, detuvieron al mundo por un fin de semana y; pese a que se reportaron muertos por sobredosis y demás, la contracultura hippy no se esperaba un descenlace tan trágico como el asesinato de Meredith Hunter, un asistente al show de los Stones, por miembros de la pandilla Hell's Angels, contratados por los Stones (o, bueno, por el mánager de la gira) para ofrecer "seguridad", entre comillas.

Los ánimos estaban caldeadísimos aquel anochecer del sábado 6 de diciembre de 1969, cuando Mick Jagger y compañía saltaron al escenario. Los Hell's Angels ya habían dado una soberana paliza a Marty Balin, el vocalista de Jefferson Airplane. La paliza no fue porque dentro de 12 años sacaría una canción llamada "Hearts", sino porque el mismo Balin había hecho un pedido de calma tratando de separar una pelea en el escenario. Balin devolvió puños también, pero él salió perdiendo a la larga: No pudo tocar con los Airplane.

Meredith Hunter, temeroso de que la situación empeore, supuestamente se dirigió a su auto para agarrar su revólver en caso de que algo malo le pase a su novia o a él. Durante la interpretación de "Under My Thumb", uno de los Ángeles creyó que Hunter iba a dispararle a Jagger y se le abalanzó apuñalándolo varias veces. Hunter, poco después, expiró. Jagger nunca se lo perdonó a sí mismo y esto se puede ver cuando mira una y otra vez el filme del concierto y el apuñalamiento en la película Gimme Shelter. La versión de los Angels establece que Hunter ya había avisado que iba a dispararle a Jagger y que ellos lo apuñalaron y golpearon hasta matarlo para evitar una catástrofe mayor.

Con la muerte de Hunter (y de otros dos más atropellados en aquel fatídico día) no sólo murió el sueño de la contracultura: se iniciaron los setentas con todo su arcoiris de contradicciones, logros y fracasos. La misma juventud que pedía un cambio en Monterrey y Woodstock se dejó llevar por las drogas y por una dejadez tan profunda que conllevó a la reelección de Nixon, al bombardeo de Cambodia en la navidad del 72 y, en general, a una mediocridad inmensa. Al final parecía que todo el movimiento Hippy y el Verano del Amor fue una orgía de sexo, drogas y rock and roll sin ningún propósito para cambiar al mundo y hacer de éste un mejor lugar para vivir. Y nadie se cuestionaba en qué había quedado ese propósito noble. El fin de la Era de Acuario, que la Luna estaba en Escorpio… fueron solo frases astrológicas de excusa para justificar una violencia inesperada y brutal. El mismo tipo de excusa que dieron los Angels para justificar el uso de tacos de billar: "nos estaban arruinando las motocicletas, y si nos tocan las motocicletas, se jodió todo". Los mánagers de los Rolling Stones no debieron nunca haber contratado a los Ángeles del Infierno como seguridad; es más, eso de contratar servicios de seguridad que no sean oficiales (como la policía) siempre me ha dado mala espina. A miles de millas de distancia, en Londres, Allen Klein estaba contando sus ganancias como mánager de los Stones y futuro mánager de los Beatles. Los Stones poco después lo mandarían a rodar.

Se venían tiempos oscuros. Diciembre de 1969 es considerado como el inicio de una de las etapas más tristes en la música popular: poco después los Beatles anunciarían su desbande, Jimi Hendrix y Janis Joplin morirían de sobredosis, y una corriente nueva, el intimismo, liderada por James Taylor y Carole King, aparecería como opción válida para los que ya se habían aburrido de ruidos estruendosos como los de Deep Purple o Black Sabbath. La masacre de estudiantes en Kent State protestando contra la guerra de Vietnam estaba a varios meses de distancia, y esa también sería una tragedia, por supuesto.


Altamont fue el inicio de la era de las catástrofes en los eventos masivos por negligencia, avaricia, o por ahorrarse unos pesos. Se organizó un festival en un sitio, para luego ser cambiado a otro a cuatro días de anticipación. Se pusieron muy pocos baños portátiles (pensando en 30,000 personas cuando en verdad se aparecieron 300,000), un sistema de sonido pésimo, un escenario y un público rodeados de automóviles estacionados en círculo... y al final, después de la debacle, todos  los involucrados se terminaron o acusando los unos a los otros o negando el haber sido informados.

¿Creen ustedes que 40 años es mucho tiempo y que los eventos organizados así de mal han quedado en la historia? Les tengo dos palabras clave: "Cromañón" y "Utopía." Ustedes saben de qué hablo.

Cambiar al mundo con un festival, un disco o una película es imposible. Se ha demostrado también que cambiarlo uno solo también lo es. Sin embargo, cada uno puede contribuir un poco y hacer que por lo menos cambie de rumbo de una forma u otra. Uno puede cambiar el mundo pero primero tiene que cambiar uno mismo.

Los que no cambian son los Stones: cuarenta años después de Altamont, Ron Wood es arrestado por intentar estrangular a su novia, una modelo rusa increíblemente bella. Mi opinión es que de ésta él no se salva y puede quedar hasta vetado de los Rolling Stones. Éste no fue un arresto por drogas, o alcohol, o por conducir ebrio o intentar meterle mano a la esposa del primer ministro canadiense, que en verdad son arrestos pues, menores y hasta cierto punto celebrables en el rock and roll. Ronnie ha entrado en la categoría de esposos/novios hipercelosos/abusivos a la cual pertenece gente como Jackson Browne o Chris Brown. En verdad, uno nunca sabe qué puede pasar con los Rolling Stones, así que hacer pronósticos está de más.



Friday, December 4, 2009

Eric Woolfson has died and my musical world is suddenly smaller. I feel sad, shocked and surprised. I couldn't believe it when I found out about this after somebody mentioned it in comment entry of one of the sites I visit (Luis Guadalupe's Royal Trilogy). I was shocked and saddened on that winter morning.

I've written a lot about him and his work with the Alan Parsons Project all over this website. It would be very redundant to write about his work. Here are two recent entries about him. They're in Spanish:

  • The Alan Parsons Project Remastered Catalog: http://www.cacaorock.com/2009/08/standing-on-higher-ground.html
  • Eric Woolfson's Freudiana: http://www.cacaorock.com/2009/11/kentucky-freud-chicken-pink-freud.html 
The Alan Parsons Project was one of the first rock bands I took and made my own. It was my personal favorite, along with Police, Pink Floyd and Emerson Lake & Palmer. This back in 1989, when music was starting for me and everything seemed to change dramatically, in me and around me. It was a good year for the world because lots of things were also changing, and it seems it was for the good. It was a good year for me because I discovered the Parsons sound and at the same time I discovered who I was supposed to be in the future. To say that Woolfson and Parsons were my teachers might be an understatement. They lived with me and I learned to be who I wanted to be thanks in part because of their records.


Eric Woolfson sang about time, friends that come and go, unrequited love, requited love and passion for the arts. He loved to explore works of art of famous writers, thinkers and even architects. He was a songwriter, keyboardist and vocalist who penned, with Alan Parsons, all the tunes of the Alan Parsons Project. Their songwriter-manager/producer collaboration started with 1976's Tales Of Mystery And Imagination (a musical flash of Edgar Allan Poe) and ended with 1990's Freudiana (Eric's own Psychoanalisis mirroring Freud's work). Eric went into musical theater and earned quite success in Germany, Austria and South Korea.

I still think that "Time" is one of the best songs ever recorded in popular music history, and I'm glad to have found that "Limelight" was Eric Woolfson's personal call to become a household name in musical theatre (see Alan Parsons' statement below.) That song sounds in my head every time I'm about to try to accomplish something.

From the Alan Parsons Project official website: http://www.alanparsonsmusic.com/

Eric Woolfson, the co-founder, songwriter and manager of The Alan Parsons Project has died at his home in London. He was 64. He had been suffering with cancer for a number of years.

Alan Parsons has issued the following statement:

"I knew of Eric's illness, but bravely, he always asked that it not be made public."

"Eric was one of the most generous, musically gifted and knowledgeable people I ever met. He was also - and I mean no disrespect - the most stubborn individual to set foot on the planet - a trait which made him a great businessman."

"His songwriting talent speaks for itself. He not only wrote the majority of the songs we recorded together but after we had two or three albums under our belts he proved - contrary to my own opinions - that he had a singing voice that would be loved by millions. He never let me forget that I actually disliked Eye In The Sky when he first played it to me - arguably my most famous mistake."

"One newspaper rather cruelly, but nevertheless to Eric's amusement, referred to him as 'The Songwriting Accountant'. It was also once said that in his music business dealings he managed to achieve the sale of the Eiffel tower and then having done it, sold it again."

"It is a regret to me that after 15 years of million-selling successes, that his decision to step from the shadows and into the limelight for his first real solo moment of musical glory - Freudiana - was so plagued with personal conflicts with his business partners. Ultimately and sadly, Freudiana was the last occasion we worked together. Speaking of Limelight - my favourite song of Eric's - was according to him no reflection on his own reaction to stardom or the lack of it. But anyone who knew him will surely agree that upon hearing Limelight's lyrics that there is a message about his feelings in his chosen profession."

"The hiccup that the Freudiana debacle caused, fortunately had no long-lasting effect and he continued in musical theatre with notable success, particularly in Germany, Austria and the Far East."

"I look back upon our times together making The Alan Parsons Projects very fondly. The legacy that Eric created as half of The Alan Parsons Project lived on with a lasting power few artists have ever enjoyed - and I will always be grateful for that."

I also will always be grateful for Eric's music. For his work made me.


Eric's Facebook page:

http://www.facebook.com/EricWoolfson?v=wall&viewas=1806172376

Sunday, November 22, 2009






Me enseñaron todo mal, me contaron otra historia,
Me llenaron de palabras, que aprendieron de memoria.
Los deseos controlados,los recuerdos del pasado,
Y el temor a los que digan los demas.


Me enseñaron todo mal,siempre habia algun pretexto,
Pero nadie me explicaba de una vez,lo que era el sexo,
Para parecer normal,yo debia ser igual,
A los que me han enseñado todo mal.


Para parecer normal,yo debia ser igual,
A los que me han enseñado todo mal.


Me enseñaron todo mal,quisieron cortar mis alas,
Disfrazaron el amor, para que no pasara nada,


No fue facil el camino, pero pude despegar,
Aunque me hayan enseñado todo mal.


Me enseñaron todo mal, al final abrí la puerta,
Y mientras el mundo gire voy a seguir, dando vueltas.


Yo no quiero repetir con los que vienen atrás,
Eso de andar enseñando todo,todo mal...

Escrita e interpretada por Julia Zenko.
Del álbum Cambios (Polygram, 1986). Disponible en Mis 30 Mejores Canciones (Polygram, 1991)

Saturday, November 21, 2009



"Raros Peinados Nuevos" (Del disco Piano Bar, Interdisc, 1984)
CHARLY GARCÍA

Hay muy pocas canciones redondas en el rock en español, y "Raros Peinados Nuevos" de Charly García entra en esa categoría no sólo como una gran canción pop en español, sino una gran canción pop, punto. Estructurada como cualquier canción pop, no lo es en sí. García tenía tres minutos y medio para mostrar a su audiencia, el argentino promedio, lo difícil que era ser jóven y tomar decisiones. Sobre todo en una sociedad tan contradictoria, hipócrita y sin rumbo como la latinoamericana.

Charly García felizmente se acaba de reencontrar a sí mismo y salió de gira en busca del tiempo perdido. De aquel público que esperaba o su recuperación de las drogas o su muerte por sobredosis. Felizmente esto último no pasó. García es un genio y tiene sus causas para serlo. En esta canción las podemos apreciar, pero a vista de pájaro. Quien no haya descubierto el universo García aún está a tiempo.

Monday, November 16, 2009



Off The Coast Of Me (ZE, 1980)

KID CREOLE & THE COCONUTS

Con el paso de los años, porque como ustedes sabrán nadie se hace más joven salvo Cher o Mick Jagger, uno incrementa en su cabeza lo que yo denomino "librería musical", una colección interminable de sonidos que se quedan en nuestras neuronas y sistema nervioso central y que generan reacciones psicosomáticas diversas y abundantes. A más reacciones, mayores pruebas de que nuestra librería está bien pertrechada y que somos, pues, conocedores y sentidores de la música: tenemos respuestas emocionales a un diverso rango de musicalidades que van, por ejemplo, de los Carpenters a Jimi Hendrix, o de Kraftwerk a Jorge Cafrune. Sabemos qué vamos a sentir o experimentar con ellos. Pero nunca sabremos qué sentiremos al escuchar por primera vez a Kid Creole & The Coconuts. De seguro.

Primeramente, no sabremos si es una banda creada por Prince, el cual que decidió experimentar con sonidos afro-latino-caribeño-americanos (parafraseando al doctor Luis Delgado Aparicio). Tampoco estaremos de acuerdo si se trata de algún caficho Nuyorriqueño que a último momento decidió crear un combo musical para lavar sus ingresos ilícitos. Nuestras emociones, en el aspecto intelectual, estarán divididas. En lo que sí estaremos de acuerdo, tú y yo, es que es una banda de la puta madre y que es música netamente bailable, como la canción que abre su primer álbum Off The Coast Of Me, la potente oda a la impotencia, "Mr. Softee":




Kid Creole (más conocido en los prontuarios legales como August Darnell) es un cantante y guitarrista que explora, escucha y absorbe. Sabe que la música del ser humano es oriunda de África y se estacionó en el Caribe durante su ruta a las Américas. Sabe que se "refino" y se creó una estructura estable en las Europas y que para 1980, la música tendía a ser una sola, un sólo género. Darnell es un unificador. Un amante de la música, de las mujeres y de la buena vida. Pero sobre todo, un artista capaz de crear una pequeña obra maestra como este disco. Recoge el estilo de Chuck Berry, de Prince, de Cab Calloway y de Little Richard al moverse, al jaranearse, al hablar de sexo en doble sentido, y al igual que ellos, muestra un lado sensible y romántico, como en el número disco "Maladie D'Amour", en donde sus chicas, las Coconuts, se lanzan con todo en una irresistible conversación amorosa.


Coati Mundi es el vibrafonista con quien Darnell había participado en una banda disco/funk de los setentas (Dr. Buzzard's Original Savannah Band) y él inspira un acercamiento más latino de la banda con "Yolanda", una hojeada disco a las trompetas de la Sonora Matancera, incluyendo una muestra de "Ay! Cosita Linda" (Anoche, anoche soñé contigo... qué cosa maravillosa) Es música para literalmente hacer el amor a una mujer mulata después de una salvaje noche de baile, tragos y karaoke. Para cuando la pasión y el desenfreno haya acabado, los Coconuts entregan el tema título del disco, un embrujante pulso de congas y guitarra con una voz principal que viene de una pequeña radio AM, acompañada por un coro embrujante y embriagador de sirenas. Riesgosa y pegajosa, el lado A termina con las Coconuts tarareando "I'm takin' a trip off the coast of me", algo que todos estamos haciendo en ese momento. Estamos escuchando música diferente, pero a la vez familiar, estamos paseando por altamar sin perder de vista la costa de nuestras propias emociones y tendencias musicales. Estamos amando la música tanto como la vida. Así de bueno es este disco debut, y el lado B sólo continúa con esta parranda: "Darrio..." es otro tema que nos hace pensar que este es un álbum dirigido al gusto Disco, como un homenaje al Studio 54, aquella discoteca famosa por sus bacanales y mal-buen gusto. "Lili Marlene", la canción tradicional alemana de las Guerras Mundiales, es revisitada por Adriana Kaegi con mucho brío y gusto en una veloz versión disco que conduce a "Bogotá Affair", una samba discotequera que degenera en cha-cha-chá con sabor latino de club neoyorquino. "Calypso Panamerican" cierra el álbum en tono fiestero con mucha más velocidad. y hasta Kid Creole tiene que pagar tributo a los reyes del rock, los Beatles, lanzando el sonido de la morsa de John Lennon. Más no se puede pedir.

Kid Creole & The Coconuts tuvo mucho más éxito en Europa que en Estados Unidos, por lo visto debido a que las radios yanquis no estaban dispuestas a arriesgar con un estilo fusionado como el de la banda. Su música es una de las más subvaloradas en la industria, pero desde el punto de vista de audiencia, no de la crítica, que ha adorado sus discos, generalmente. La crítica, en ocasiones desafortunadas, se distancia del gusto popular para ubicarse en un plano snob que desestima los motivos artísticos de bandas como Kid Creole & The Coconuts para promover actos similares pero con poses diferentes; como por ejemplo, Prince, quien estoy seguro admira a Darnell y su pandilla.

Saturday, November 14, 2009


"When You Lose Someone So Young" de John Miles (1976) es aquella canción con la cual uno no desea sentirse identificado en ningún momento, pero tarde o temprano tendremos que enfrentar a aquella vieja amiga de la Vida llamada Muerte visitando a un ser querido. Aunque se trata de un tema musicalizado de forma espectacular y cantado con una fuerza sobrehumana, es una canción que para algunos puede parecer ridícula por ser demasiado directa, sobrepasando el nivel metafórico. No todos estamos listos para una franqueza musicalizada sobre la pelona. Pero se trata de un tema honesto y áspero sobre la muerte inesperada de alguien cercano y sobre cómo se lidia y se lidiará con el dolor. Miles al parecer experimentó algo parecido (o de no haberlo hecho, dio en el clavo) y creó esta joyita del disco Rebel, producido por el gran Alan Parsons. Con los años y con los giros de los discos, uno puede darse cuenta que "When You Lose Someone So Young" es quizás uno de los mejores momentos de Parsons como joven productor y una de las canciones más desgarradoras sobre la muerte jamás cantadas por inglés alguno. Ayer, la madre de un gran amigo mío dejó de existir, y no se me ocurrió mejor tarjeta de condolencias que este tema. Los amigos estamos en las buenas (momentos que deseamos que sean muy, muy frecuentes) y en las malas (momentos que esperamos nunca ocurran).

Sunday, November 8, 2009


Yoshi's en Oakland, Noviembre 8, 2009


A sus 67 años, el francés Jean-Luc Ponty ha demostrado saber llevar con mano firme la batuta, el arco o posta que le dejó su paisano Stéphane Grappelli cuando partió a mejor vida en 1997. "El mejor violinista de Jazz" es un término un poco tramposo, porque violinistas de jazz no hay muchos y el jazz  estándar cada día se va disolviendo como género, fusionándose imparablemente. Jean-Luc Ponty ha venido haciendo desde fines de los sesenta exactamente eso: una fusión jazz-rock intensa, cargada de melodías coherentes y bien estructuradas. Sobre todo, Jean-Luc Ponty tiene una carrera de casi 35 años produciendo y componiendo la totalidad de su obra. Sus discos son, en su mayoría, poco menos que obras maestras; y alcanzaron su mejor momento a mediados de los setentas.

Nosotros personalmente apreciamos la época intensa y espacial de 1975 hasta 1983, un período en el cual Jean-Luc Ponty experimentó a diestra y siniestra con los más grandes del jazz para lograr un sonido evolucionante y accesible al oído común y silvestre. Ponty no intenta apabullar al oyente con solos interminables y sin gracia. Cada movimiento de su arco apunta a una conceptualidad y a una narrativa musical la cual ha sido estudiada previamente por él y compartida con los miembros de su banda.

Ponty afirmó que hoy fue su primer show Matinee, en su primer grupo de conciertos en Yoshi's de Oakland (que espero no sea el último). Ponty se acerca a base 7 pero su música se mantiene joven y fresca, e interpretando "New Country" aún mantiene la misma fuerza y vitalidad  que hace 29 años, cuando la interpretó en el Festival de Jazz de Montreux. Temas de sus últimas producciones salieron con la misma intensidad que los "antiguos" (entre comillas porque hablar de antigüedad con Ponty es un cliché, su música es atemporal) y el público de Oakland alabó la tenacidad evolutiva de Ponty. Siendo él el más viejo del grupo, sigue reclutando músicos de primera de canteras europeas y norteamericanas, sin importar su edad sino cuán eficientes son capaces de ayudarle a llevar su mensaje. (Nota: olvidé los nombres de los músicos que lo acompañan en esta gira pero apenas obtenga sus nombres, borraré este paréntesis.)

Hay mucho que escuchar de Jean-Luc Ponty: sus colaboraciones con Grappelli,  Frank Zappa, Mahavishnu Orchestra ("Pastoral" es simplemente sobrecogedora), el gran Chick Corea ("Armando's Rhumba" es Ponty y su violín arando y cosechando ritmos latinos) y Elton John. Pero son sus producciones propias de la era Atlantic, desde la gloriosa Upon The Wings Of Music hasta la un poco floja Fables, las que destacan y hacen de él una joya en cualquier colección. Esta tarde, Jean-Luc Ponty interpretó dos temas de Enigmatic Oceans, lo cual nos indica que él considera a este disco su obra más importante.

Thursday, November 5, 2009


I, as a Beatles fan, thought this was a joke someone was pranking over the internet and I thought it would be completely unfair if it was real. After going to the Beatles' official website, I found that unfortunately, it is real. On December 8, “remembering” John Lennon’s death, Apple Corps. and EMI will release the whole Beatles catalog, again, remastered, again, on a USB device.

From the Beatles.com site:

Following the 9.9.09 debut of the digitally re-mastered catalogue on CD, Apple Corps Ltd. and EMI Music are pleased to announce the worldwide release of a limited edition of 30,000 Beatles Stereo USB apples on December 8th.

This unique, apple-shaped USB drive is loaded with the re-mastered audio for The Bealtes' 14 stereo titles, as well as all of the re-mastered CDs' visual elements, including 13 mini-documentary films about the studio albums, replicated original UK art, rare photos and expanded liner notes. A specially designed Flash interface has been installed, and the 16GB USB's audio contents will be provided in FLAC 44.1 Khz 24 bit and MP3 320 Kbps formats, fully compatible with PC and Mac.



Now, for the fans that already bought the Stereo or Mono Box sets (last one being the best thing ever), it would be just overkill, but it’s really not: The USB drive will include the whole stereo catalog on FLAC and MP3 formats. The FLAC format will be coded on 44.1Khz/24 bits and the MP3 format on 320 kbps. FLAC files, being 24 bit-coded, will have a better resolution than the CDs (which are 16 bit-coded) the fans spent all their savings on. Therefore, Apple is “forcing” the fans into buying something that will sound “better” in your computer’s small and puny speakers. They are targeting the audiophiles and beatlemaniacs, thinking they can get away with, once again, the line "limited edition of 30,000". Screw them.


I personally think this is outrageous and it seems EMI wants to milk the beatles cow tit as hard as possible. I can understand the fact that they want to fight bootlegging and piracy over the internet; but by doing this they are just proving they’re an enemy of the people they’re supposed to please. Why didn’t they release this USB on 09/09/09 along with the Mono and Stereo boxes? Why did they have to wait? They know there are fans out there who will buy this piece of plastic. It’s more than a rip off, it’s a slap on our faces and proof that Apple and EMI have learned not only from Allen Klein but also from the most leecherous and money-grabbing HMOs and insurance companies.

The price of this "apple" ranges in the $200, and of course, it’s just a thumb drive with the coolest music ever recorded. And those high quality FLAC files will be found by mid december over the internet. I am a supporter of fair trade policies, anti bootlegging and I bought my Beatles Mono Box Set. But in this case, I have to say: Don’t buy this junk. The sound quality will be better and you’ll have a better listening experience if you plug your computer to your Hi Fi audio system, but you’ll know EMI just stole you blind. Stick to those CDs you bought last september, in Mono or Stereo, and to those beautiful vinyl and cassette records.

Now, EMI can redeem themselves. How? They know how: by RELEASING THE BEATLES CATALOG ON BLU-RAY 192/24, the highest audio quality available, and let the music of the Beatles play on forever, or until a better format comes along.

They would be able to make more money than what they are expecting to make with the USB junk and even with the CDs. Blu-Ray format is not too widespread over the internet and it's way hard to make illegal copies of. Paul McCartney kinda suggested it on Rolling Stone: "there's always time". I guess he still needs to fix that hole in his bank account after Heathergate.

John Lennon’s ashes are spinning in a dirt devil now. George Harrison's soul will cast a Shiva curse not even Indiana Jones will be able to stop. We fans deserve better. Don't buy this USB junk.



Monday, November 2, 2009



It is true: you have to live like it's your last day and make plans like you're gonna live forever. Norton Buffalo has become immortal. Rest in Peace, maestro.





(11-01) 21:11 PST PARADISE (BUTTE COUNTY) -- Norton Buffalo, harmonica virtuoso, one-of-a-kind performer and consummate accompanist to the stars, died Friday night from cancer in Feather River Hospital, near his home in Paradise (Butte County). He was 58.

Mr. Buffalo, who appeared on more than 180 albums and spent 33 years as a member of the Steve Miller Band, was diagnosed with cancer in September. His life will be celebrated Jan. 23 at the Fox Theater in Oakland in a benefit concert starring the Steve Miller Band and the Doobie Brothers, with special guests Huey Lewis, George Thorogood, Charlie Musselwhite and Bonnie Raitt.

"He was the antithesis of East Coast cynical," said Raitt, who spent Sunday morning watching Buffalo videos on YouTube. "He was always in funny mode without being too gooey about it. He's been that guy all this time. In one guy, you got all the hope and optimism of the '70s."

Mr. Buffalo played on the Grammy-winning Doobie Brothers album "Minute by Minute," and the recent children's music CD by Kenny Loggins. With Bette Midler, he played in the band and acted in the film "The Rose." He collaborated on tours and a series of recordings for more than 20 years with blues guitarist Roy Rogers. One of their songs, "Ain't No Bread in the Breadbox," was a cornerstone in the '90s live repertoire of the Jerry Garcia Band.

"Norton Buffalo was a character and a half," Rogers said. "He had a sense of humor. He liked to have a good time, and the joy of his playing came out."

Miller said: "He was a complete original. He worked with all kinds of people. He did tons and tons of projects. Everybody who worked with him loved him, really enjoyed working with him."

Mr. Buffalo joined the Steve Miller Band in 1976 at the beginning of the "Fly Like an Eagle" tour and has remained a constant presence in Miller's music ever since. Miller invariably introduced Mr. Buffalo to concert audiences as "my partner in harmony."

"He had way more music in him than I could use," Miller said. "I just had more work for him than everybody else."

Mr. Buffalo's own recordings include his 1977 Capitol Records release, "Lovin' in the Valley of the Moon," an album that maintains a strong cult following, and a 2000 blues-based release, "King of the Highway." He recently released a joint CD with Hawaiian slack key guitarist George Kahumoku Jr. He was a virtuosic and technically accomplished chromatic harmonica player who could play anything - blues, rock, pop, country, folk, show tunes.

Born in Oakland and raised in Richmond, Mr. Buffalo was raised in a musical family. His father played harmonica, and his mother sang in '40s San Francisco nightclubs. His great-uncle, Herbert Stothart, was a Hollywood soundtrack composer who won an Academy Award for his work on "The Wizard of Oz."
"His harp could become the valley of the moon, Krakatoa, a storm out at sea, then the sweetest sound this side of heaven," said Grateful Dead drummer Mickey Hart, who played with Mr. Buffalo in a project called High Noon in the '70s and '80s.

Mr. Buffalo joined one of the final editions of Commander Cody and his Lost Planet Airmen on a 1976 European tour, before returning to the Bay Area and forming the Norton Buffalo Stampede, a band that headlined Bay Area clubs for several years. In between tours with Miller and Rogers, Mr. Buffalo had been appearing recently with the Norton Buffalo Trio with his third wife, Lisa Flores.

He is survived by his wife; children, Aisah of Lake Tahoe and Elias of Sonoma; stepchildren, Sierra Ruelas of Sonoma and Bo Winterburn of San Diego; father, Ken Jackson of Paradise; and five brothers and sisters.
Roy Rogers and the Delta Rhythm Kings, Tom Rigney and Flambeau and the Carlos Reyes Band will appear Nov. 22 in a benefit and memorial at the Paradise Performing Arts Center in Paradise. Funeral and other memorial plans are pending.

E-mail Joel Selvin at datebookletters@sfchronicle.com.

This article appeared on page C - 1 of the San Francisco Chronicle

Sunday, October 25, 2009



The Beatles Mono and Stereo Box Sets (Apple, 2009)


A los Beatles no los pondría dentro del bolso de nostalgias porque para mí nunca se fueron, ni quedaron en el pasado ni necesito “recordarlos.” Los Beatles son eternos, forever, y prueba de esto es que hoy 9 de septiembre del 2009, sus cajas de 200 o más dólares con toda su discografía remasterizada y re-potenciada se están vendiendo como pan caliente en Amazon.com. 



Comprendo el amor del mundo hacia los Beatles porque es el que yo siento por ellos. A los Beatles los conocí por los LPs que mi padre tenía (y que ahora yo conservo muy bien protegidos contra la inclemencia del tiempo y la acidez del papel) y tocaba en el tocadiscos de la sala de mi casa. Puedo decir que EMI Odeón del Perú hizo muy bien al editar las ediciones originales británicas de los álbumes. Por eso es que el Perú tuvo el Rubber Soul, el Help! y el Revolver en sus versiones inglesas y completas. A Hard Day’s Night se llamó Yeah! Yeah! Yeah! John, Paul, George y Ringo y la funda era distinta: una foto de los Beatles durante una conferencia de prensa. (más información, comentarios y agarradas de mechas entre fans peruanos en nuestra página de facebook: http://www.facebook.com/group.php?gid=38307983837 ) Yo adoraba el Beatles For Sale y la voz de Ringo en “Honey Don’t”, que era mi canción favorita de los Beatles cuando tenía cinco años. “Yesterday” me parecía aburrida. Claro, no entendía inglés y no sabía lo que Paul cantaba (ésa debería ser tu canción, Pedrito) y si ahora “Yesterday” es una de las mejores canciones pop jamás hechas, a mis cinco años yo la salteaba con la aguja para poner “Dizzy Miss Lizzy”, con la voz rockeraza de John enseñando cómo se debe cantar una canción rock y cómo vivir la vida: al máximo y como si fuera el último día de tu vida, porque allá afuera puede haber un Mark David Chapman listo a terminártela en dos minutos.



En 1988 empecé a comprar los cassettes de discos hispanos que estaban copiados de los CDs que se acababan de remasterizar en 1987. También los compré en Chile, aunque los cassettes chilenos no duran mucho… menos que los peruanos. Aprendí que a los Beatles se les escucha en vinilo o en CDs como los que han salido hoy. Los CDs del 87 suenan muy mal. La transferencia digital fue un desastre y todo salió por las patas de los caballos. Aún en los textos de la caja de Monaurales, EMI no reconoce que estas ediciones en CD fueron muy mal hechas. Pero a los catorce años eso yo no lo sabía y ni tenía el oído que tengo ahora,  pero igual gozaba con mi Rubber Soul, mi Magical Mystery Tour, mi Please Please Me (que cuando se me atracó la cinta en el tocacassette por poco me dieron convulsiones y náuseas) y claro, mi Álbum Blanco (un saludo al ejecutivo de Discos Hispanos que tuvo las bolas grandes y peludas como las de un chimpancé al hacer los cassettes de color blanco e incluir el poster original en la funda del cassette).



Pero creo que mi momento beatle más trascendental ocurrió cuando escuché Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band por primera vez, en el verano de 1988. Me senté en frente del tocadiscos de mi abuelo y puse el vinilo chileno, monaural. Era increíble, magistral, interesante, fuera de lo común… esa experiencia de haber escuchado Pepper por primera vez se la deseo a todo aquel que quiera saber qué hay más allá. Pepper le dio madurez al rock and roll y nos hizo más introspectivos en general, más analíticos y críticos de nuestra sociedad al mismo tiempo que nos entretuvo muchísimo.



Lennon murió víctima de las balas de Mark David Chapman, el cual espero termine sus días en la cárcel (no creo que dure mucho fuera de ser liberado, la verdad) gracias a los abogados de Yoko Ono que cada cierto tiempo le ponen otra llave al candado para evitar que se escape. y Harrison se fue en paz con el mundo para re-encontrarse con Vishnu o Krishna. ¿Quedan dos, el narigón y el zurdo? No, están los cuatro presentes en los discos, películas, posters… en fin, aquí.



El mismo aquí que el 2009, o el 2019 o el 2099. El hecho que los Beatles lanzaron sus discos entre 1962 y 1970 es sólo un “accidente cronológico,” parafraseando al escritor Mario Vargas Llosa. Su música es atemporal por muchas razones, para mí el hecho de que se hicieron muy buenos muy pronto: tocando sin parar el rock and roll que estalló apenas unos años antes, y poco a poco mejorándolo, haciéndolo más asequible, melodioso y sobre todo innovador. No fueron los únicos, por supuesto. Algún ignorante me dijo hace 20 años que los Beatles se hicieron famosos porque en esa época, los sesentas, no habían grupos de rock. En ningún momento le creí. Los Beatles se hicieron lo que son porque compitieron duramente con bandas de todo calibre. Es más, sacrificaron a su primer baterista, Pete Best, para llegar más alto sabiendo que Ringo Starr les iba a ayudar para este propósito.



Lograron una fama mundial no por su pinta ni por sus vidas personales, como ocurre ahora, sino por su música maravillosa. Por su obra entregada al pueblo, no por sus opiniones ni estilo de vida; aunque es verdad que la Beatlemanía vio su ocaso cuando Lennon afirmó que la juventud prefiere a los Beatles que a Jesucristo en una entrevista tomada fuera de contexto. No fue un signo de arrogancia sino una llamada a la cordura que tuvo poco eco en la sociedad paranoica Norteamericana y en las mismas Iglesias Anglicana y Católica. Cuando se creía que los Beatles estaban acabados en 1966, sorprendieron a propios y extraños en 1967 con “Strawberry Fields Forever/ Penny Lane” y el álbum Pepper. El verano del amor tuvo como banda sonora aquella música maravillosa que aún no deja de sonar, ni para de crecer.



En muchos foros de música, incluído el que tenemos en Facebook, hemos discutido las causas por las cuales los Beatles se separaron. John y Yoko, Allen Klein, Paul y su manía por controlarlo todo, George y su apatía, la muerte de su mánager Brian Epstein… son sólo excusas. De haber querido seguir, los cuatro hubieran continuado juntos, pero decidieron dedicarse a carreras en solitario interesantes más no Pepperables. Apple Records y la EMI acaban de darnos un regalo invalorable: el mejor sonido posible para las canciones de los Beatles en disco compacto. Es algo para agradecer y celebrar, porsupuesto. Los Beatles demuestran 40 años después de su última sesión de grabación conjunta que, en verdad, nunca se separaron y su obra es una sola, incólume e indivisible: la historia de la madurez de la juventud. Ahora, si tan solo los pudiéramos oir en BluRay...



Compra recomendada: La caja The Beatles In Mono, mas Yellow Submarine, Abbey Road, Let It Be y, de chiripa: Past Masters. La caja de los Beatles en Stereo es buena también, pero no se compara a la experiencia de tener los discos en el formato original, con los cuales los Beatles sacudieron al mundo.



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Happy the Beatles fan who reads the news today, oh boy. 51 years after John Lennon and Paul McCartney met for the first time, 45 years after that magic sunday night performing at the Ed Sullivan Show, 40 years after their last actual release Abbey Road, 29 years after Lennon's death, 22 years after the release of their catalog on crappy CDs, 7 after George Harrison's passing into Nirvana and 2 years after Paul McCartney's nasty divorce with a gold digger, The Beatles will release the remastered catalog of their material in Stereo and Monaural sound. Damn is this good news and a good way to stimulate the music industry's economy! We've been waiting for this announcement for a long, long time and we're happy to know the exact date of the release: 09/09/09 (why didn't they do it on September 9th, 1999? Technology wasn't good enough for a remastering project like this one).

We are going to listen to the Beatles like we never heard them before and that's a treat. from hearing Lennon and Harrison's guitars wailin' around in the clean strumming of "Baby's In Black," to hear Ringo's brilliant and underrated drumming in "Matchbox," if this release meets the fans and sound purists expectations alike, it shall save the music industry crisis with a single hand. The Beatles have done it again.

Anyway, we still have to actually listen to what the "dedicated team of engineers" at Abbey Road have done restoring the albums. You bet you can start getting rid of your original 1987
Rubber Soul CD, because I'm sure what's coming out in September is going to sound ten thousand times better. The following is the press release found at www.thebeatles.com. I am not including anything regarding that Beatles RockBand game since... hey, it's just a game. Revolver isn't.

April 7, 2009: Apple Corps Ltd. and EMI Music are delighted to announce the release of the original Beatles catalogue, which has been digitally re-mastered for the first time, for worldwide CD release on Wednesday, September 9, 2009 (9-9-09), the same date as the release of the widely anticipated "The Beatles: Rock Band" video game. Each of the CDs is packaged with replicated original UK album art, including expanded booklets containing original and newly written liner notes and rare photos. For a limited period, each CD will also be embedded with a brief documentary film about the album. On the same date, two new Beatles boxed CD collections will also be released.

The albums have been re-mastered by a dedicated team of engineers at EMI's Abbey Road Studios in London over a four year period utilising state of the art recording technology alongside vintage studio equipment, carefully maintaining the authenticity and integrity of the original analogue recordings. The result of this painstaking process is the highest fidelity the catalogue has seen since its original release.


The collection comprises all 12 Beatles albums in stereo, with track listings and artwork as originally released in the UK, and 'Magical Mystery Tour,' which became part of The Beatles' core catalogue when the CDs were first released in 1987. In addition, the collections 'Past Masters Vol. I and II' are now combined as one title, for a total of 14 titles over 16 discs. This will mark the first time that the first four Beatles albums will be available in stereo in their entirety on compact disc. These 14 albums, along with a DVD collection of the documentaries, will also be available for purchase together in a stereo boxed set packaging.


Within each CD's new packaging, booklets include detailed historical notes along with informative recording notes. With the exception of the 'Past Masters' set, newly produced mini-documentaries on the making of each album, directed by Bob Smeaton, are included as QuickTime files on each album. The documentaries contain archival footage, rare photographs and never-before-heard studio chat from The Beatles, offering a unique and very personal insight into the studio atmosphere.


A second boxed set has been created with the collector in mind. 'The Beatles in Mono' gathers together, in one place, all of the Beatles recordings that were mixed for a mono release. It will contain 10 of the albums with their original mono mixes, plus two further discs of mono masters (covering similar ground to the stereo tracks on 'Past Masters'). As an added bonus, the mono "Help!" and "Rubber Soul" discs also include the original 1965 stereo mixes, which have not been previously released on CD. These albums will be packaged in mini-vinyl CD replicas of the original sleeves with all original inserts and label designs retained.


Discussions regarding the digital distribution of the catalogue will continue. There is no further information available at this time.


This is definetly a nice, although late, move from Apple and EMI to kick off sales and also blow
Purple Chick's head off, a bootleg company that's been remastering Beatles music using original vinyl and transferring the albums into high quality WAV files. Each brand new compact disc will feature a documentary about the making of the record and of course, they will be available for box set purchasing.

And CNN had, of course, to report it:

Digitally remastered Beatles coming in September.

The Beatles' remastered catalogue will be released in September. Release includes all 12 Beatles albums and two later works

  • Beatles expert says music now more accessible to digital music fans



  • Release date of 09/09/09 could be a nod to "One After 909" song




  • By Lisa Respers/ France/ CNN
    (CNN) -- For fans of The Beatles, 09/09/09 will mark a new invasion.
    Apple Corps Ltd. and EMI Music have announced that as the date for the release of the entire original Beatles catalogue, digitally remastered.
    That includes all 12 Beatles albums in stereo, with track listings and artwork as originally released in the UK. The package will also contain the LP version of "Magical Mystery Tour" (initially released as a double-EP in Britain, though available on CD since 1987) and the collections "Past Masters Vol. I and II" combined as one title.

    The release marks the first time that the first four Beatles albums are being made available in their entirety on compact disc, and it also coincides with the release of "The Beatles: Rock Band" video game.



    Robert Levine, executive editor for Billboard, said the timing is genius in terms of marketing.
    "Most bands, when they do a big project like this they pay for publicity," Levine said. "The Beatles got paid for 'Rock Band' and then they are using that for publicity to rerelease a catalogue. It's pretty amazing." Blog: A Beatles fan reflects on the news
    Levine pointed out that media have evolved tremendously since 1964, when the band first burst onto the American scene with an appearance on "The Ed Sullivan Show."
    Back then, there were only three major television networks, and engineering of albums was much less sophisticated, Levine noted. Previous rereleases have sold well in the past -- indeed, Beatles albums have sold steadily for decades -- and Levine said he expects this one to do even better.
    "I think if you were to look at pure catalogue, old bands selling old albums, the Beatles are the kings -- commercially as well as artistically," Levine said. "A lot of [music] has been remastered better in the past 22 years, and remastering technology has come a long way."
    Piers Hemmingsen, the author of two books on Beatles music and head of the Web site Capitol6000.com, said there has long been a clamor among fans for good, high-quality versions of Beatles songs.



    "The technology that was available back then was very limited, and with the newer technology they are able to do far more with what they have than they have ever been able to do before," he said. "For people who are plugged into iPods and the whole digital music scene, it's going to be a lot better for them."
    In acknowledgment of the more technologically advanced listeners, each CD will contain, for a limited time, an embedded brief documentary film about the album.
    The documentaries contain archival footage, rare photographs and never-before-released studio chat from the Beatles.
    The remastering project was four years in the making. Engineers used de-noising technology and cleaned up glitches like electrical clicks and microphone vocal pops, so long as it didn't affect the original integrity of the songs.
    They also slightly boosted the volume levels. Andrew Croft, publisher of Beatlology Magazine, said the announcement of the release of the remastered recordings "is long overdue in the Beatles community and for music fans alike."



    He also said the quest to improve the original recordings is not new.

    Croft said bootleg releases over the years used rare and obscure vinyl pressings from countries like Japan and Germany to compile the best of the best recordings of The Beatles songs, presenting to the public a better sound that Apple could not offer prior to the remastering.
    "While the new remasterings will replace a library full of bootlegs of their commercial releases, there remains a massive market for their more obscure tracks, outtakes and live performances," Croft said.
    The 14 remastered albums, along with a DVD collection of the documentaries, will also be available for purchase together in a stereo boxed set.
    A second boxed set, "The Beatles in Mono," includes all of the Beatles recordings that were mixed for a mono release. It will contain 10 of the albums with their original mono mixes, plus two additional discs of mono masters (covering similar ground to the stereo tracks on "Past Masters").
    The mono "Help!" and "Rubber Soul" discs also include the original 1965 stereo mixes, which have not been previously released on CD. These albums will be packaged in mini-vinyl CD replicas of the original sleeves with all of the original inserts and label designs.



    Even with the release date, what is old has become new.

    Diehard Beatle-ologists may take note that the release date could be viewed as a nod to the Beatles track "One After 909" from the "Let It Be" album -- or a reference to the White Album's "Revolution 9." (John Lennon, who was born on October 9, occasionally talked about his fondness for the number 9.)



    Hemmingsen said making the music more accessible and attractive to a younger audience helps spread Beatlemania to a new generation.
    "Their music is catchy, memorable, interesting and listenable," said Hemmingsen, who was a youngster in England when the Beatles hit the scene and has been a fan ever since. "The time that they evolved their music was an interesting time and their music reflected that time."
    Levine said the band has always captured fans from across generations.
    "The songs have lasted for a long time because they are great songs," he said. "It's just that simple. Those are amazing, amazing albums."