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Friday, June 29, 2007

ORIGINAL MOTION PICTURE SOUNDTRACK. MUSIC COMPOSED AND CONDUCTED BY JOHN WILLIAMS

Introducción y ajuste de cuentas
por Carlos Rivas Kubler

Muchos han acusado a "La Guerra de las Galaxias" de ser una historia medieval contada dentro de un escenario futurista, pues bien en la Venganza de los Sith esto se evidencia más que en ninguna otra película de la saga.

Para entender una obra medieval hay que entender el código de caballería primero: un código no escrito que ha sido común a muchas culturas y que lo encontramos en los samurai del Japón, el ramayana en la India, en la Iliada en Esparta, en el requerimiento y la América precolombina, y por supuesto en el mundo islámico, mas específicamente en el Corán, en el libro de las mujeres de donde los caballeros templarios (monjes guerreros) de Europa lo recogió.

Este código -responder a la necesidad de combatir el mal sin convertirse un en el mal mismo- ve a la guerra como la consecuencia de actos inmorales antes que una inmoralidad en si misma, tal como lo pensaba Platón y Maquiavelo, por lo que analizaré esta ultima película bajo la óptica de estos valores.En la película se ve claramente como los jedis (monjes guerreros) violentan su propio código de honor repetidamente, por que ésta se suponía que era la única manera de combatir a los malos, con lo que no consiguen otra cosa que convertir a Palpatine en la pobre victima de una rebelión, lo que lleva a Anakin Skywalker a pasarse al lado oscuro.

Si vemos la saga completa, Yoda y Windu hacen caso omiso de la masacre perpetrada por Anakin a los moradores de las arenas, pues se suponía que el joven Jedi los ayudaría a acabar con los Sith. La orden Jedi le pide que espíe al canciller, algo poco honorable pues no es hidalgo desconfiar de la palabra de otro caballero si no se tiene evidencia de lo contrario (así como el Quijote pensó que habían hechizado a la mujer barbuda;) también podemos ver como Padmé cuestiona la nobleza de Anakin cuando este le dice que juntos harán las leyes que les plazcan, cuando en principio ella le ayudo a romper sus votos de castidad.

Todo lo expuesto concluye con la caída política de los Jedi y de la República a favor del Imperio y de Palpatine, cumpliéndose lo que Maquiavelo decía “los dictadores no se vuelven tiranos hasta que el pueblo esta corrupto” y que mayor acto de corrupción que el ejército de clones, un ejercito de esclavos (¿que cosa mas corrupta que la esclavitud?) un ejercito que aceptaron por comodidad en lugar de pelear por uno mismo como hicieron los Wookies (considerados por toda la galaxia como supuestos salvajes;) un acto de corrupción no menor que el haberle permitido a un idiota como Jar Jar ejercer el mando de un ejercito y darle facultades ejecutivas.

Otra cosa que se ve en la película es la renovación de un elemento muy usado por los griegos y también por Shakespeare en Macbeth; de cómo al guiarse por una pseudo profecía se termina en desgracia pues se busca la promesa material de la misma y no su verdadera advertencia; pues en Star Wars la profecía también era cierta, ya que Anakin acaba con los Sith en el Regreso del Jedi, cosa que Luke no podía hacer pues se hubiera pasado al lado oscuro.Otro punto rescatable de la película es la violencia no tan solo física si no también filosófica, pues tanto los buenos como los malos le dicen a Anakin que confíe en sus instintos y sentimientos, cosa que ya sabemos como acaba, pues en realidad el amor (ágape) que se suponía era el sentimiento que Obi Wan intenta despertar en Anakin en su noción clásica tiene una importante dosis de racionalidad. Es también digno de rescatar en este aspecto la analogía entre la escena en que Skywalker mata a Dooku y la que Windu quiere matar a Palpatine.

Como sea esta ultima entrega resuelve una serie de interrogantes, ahora sabemos que gracias al exilio, Yoda y Obi-wan se elevan sobre los otros jedis pues no adoptan a Luke inmediatamente como su aprendiz, así no conocen la corrupción de la muerte si no que simplemente su cuerpo material se sublima; se sabe que es Chewbacca el que convence a Han Solo de regresar y unirse a la rebelión, se descubre que Vader solo podía ser rescatado del lado oscuro por su hijo ya que era por su hijo que se había pasado al lado oscuro y no tenia sentido seguir en el Sith matando a Luke, y también otras cosas menos importantes como la llegada de cada uno de los personajes al episodio IV y en caso de haber una nueva trilogía presenta una nueva pregunta: ¿podrá Luke recuperar su mano utilizando la Fuerza?Si bien uno puede ver retratadas en la película muchas de las instituciones más importantes que hoy hay en el mundo y ver la obra como una denuncia y señalar así los vicios de otros, yo creo que aquí se muestran virtudes (o vicios) universales, por lo que seria mas sabio hacer lo que decir Confucio: “Si ves a un hombre bueno síguelo, si ves un hombre malo pregúntate que de el tienes tu.”Aquella historia que todos amamos por la Fuerza.
Hace mucho tiempo, en una galaxia lejana, muy lejana...


Bueno, hace 30 años nada más, la historia del cine y la de éste en general cambió rotundamente, para bien para algunos, para mal para otros. La revolución que provocó la película Star Wars fue tan brusca que nada podía ni debía ser igual después. En Hollywood, los filmes ya no iban a poder ser comercializados de la misma forma que se había estado haciendo hasta antes de 1977. La película llegó al Perú con la frase "Nominada para ocho óscares y la más taquillera de la historia". Hasta ahora, si juntamos todas las ganancias que ha dado la trilogía de Star Wars más el reciente "Episodio I", incluyendo boletos de cine, juguetes, libros, discos y demás accesorios, podemos decir que sí, que el aviso publicitario de 1978 aún sigue vigente. Es el fenómeno cinematográfico más rentable hasta ahora.

"La Guerra de Las Galaxias" fue el título en español que se le asignó en 1978. Pero, en verdad no eran varias galaxias sino una sola en donde transcurría la historia. Lógicamente, ningun vehículo puede viajar de una galaxia a otra porque, bueno, se supone que es demasiada distancia y tiempo, inclusive atravesando el hiperespacio. El título es completamente equivocado, pero si es inspirador y suena bien. A ver, chicos, repitan conmigo: "La Guerra de las Galaxias".

George Lucas, el creador de este universo, tenía la idea de crear una serie de películas acerca de una gran fantasía espacial influenciada por los seriales de Flash Gordon, utilizando la influencia que recibió de las películas de Kurosawa mientras estudiaba cine. Hizo un cóctel interesante y muy atractivo para el público de todas las edades: Una historia de elementos medievales (hechicería y caballeros armados con sables de luz), intriga política (un Imperio Galáctico basado en el poder otorgado por una monopólica y gigantesca federación de comercio), ciencia, tecnología, acción y aventuras en el mejor estilo de los seriales antiguos de los cómics y de las matinés. Añádase un poco de Shakespeare y Dumas y voilá: tenemos la gran epopeya que mueve millones de dólares anualmente y que este año moverá más. El arte del siglo XX, el cine, tiene como fenómeno más exitoso y popular una historia que no ocurre en la tierra ni con gente "común", pero sus eventos son muy fáciles de metaforizar. Eso dice bastante de lo que a la audiencia le interesa.

El episodio revelado

El 16 de julio de 1999 se estrenó en Lima el Episodio I de la saga de George Lucas que intenta condensar todas las fantasías que han estado rondando el inconsciente colectivo de occidente en este último siglo. Los chicos que tenían diez años cuando vieron la primera película, el Episodio IV (La Guerra de Las Galaxias - Una Nueva Esperanza) fueron esta vez con treinta años a cuestas, veinte años de crecimiento y de golpes que la vida no intergaláctica les ha estado propinando. Con el Episodio I, Nos enteramos que la saga de seis películas de Star Wars consiste en la asención y caída al lado oscuro del Jedi más poderoso que haya dado la Fuerza: Anakin Skywalker, el futuro Darth Vader. Es interesante notar como a los chicos de 7 a 11 años la película La Amenaza Fantasma les atrae bastante y la saben disfrutar. Hay que considerar que el protagonista de la historia es un chiquillo de 10 años que cuando sea grande va a ser un villano muy malo -El villano más famoso de la historia del cine-. ¿Será Anakin un buen modelo a seguir?
Motivos para el éxito

El lenguaje de trilogía no insulta la inteligencia de nadie, y tanto niños como adultos (bien predispuestos y con la mente abierta, claro está) salen contentísimos de las salas de cine después de ver cualquiera de las cuatro películas. ¿Cuál es la razón del éxito? Es una película con una historia central simple, inocente por fuera, pero trascendental y metafísica por dentro. Lucas, además, siempre está buscando maravillarnos. La primera escena de La Guerra de las Galaxias muestra a una pequeña nave rebelde, diminuta, siendo perseguida por un enorme Destructor Imperial que irrumpe por encima de la pantalla y no termina de pasar. El sonido de los cañonazos no es agudo, sino bastante complejo y con muchas bajas frecuencias, lo cual hace estremecer a la audiencia y los murmullos de admiración corren por las butacas. Han Solo y su compañero Chewbacca se escapan de las tropas imperiales en el Millenium Falcon, la nave más rápida de la galaxia, y viajan a la velocidad de la luz por el hiperespacio en un salto impresionante. En El Imperio Contraataca, el público no puede cerrar los ojos ante los impresionantes Caminantes Blindados imperiales que atacan la base rebelde en el congelado planeta Hoth. El Millenium Falcon, piloteado por Solo, intenta burlar el bloqueo imperial al atravesar un campo de asteroides circundante al planeta helado. Estas dos fueron las secuencias que más tiempo y paciencia tomaron a los técnicos y artistas que trabajaron en la película. Pero el momento más importante de la película y de la trilogía no ocurre con un bombazo ni con una batalla: ocurre cuando Darth Vader cercena la mano de Luke en el mejor duelo de sables de las cuatro películas y le revela la verdad: Yo soy tu padre. La escena es sobrecogedora, tremenda y maravillosa: ¿Qué peor enemigo que alguien de tu propia familia, a quien se supone que deberías querer y tener de tu lado? Muchas veces, no es necesario para un padre medir dos metros.

Elementos de polémica

La polémica que puedan generar la trilogía y esta precuela siempre estará ligada a la realidad social del planeta Tierra, efectivamente. Según lo que nos da a entender La Amenaza Fantasma, antes del imperio, la república estaba corrompida por una federación de comercio llena de avaricia, dispuesta inclusive a bloquear planetas si éstos no se acomodaban a su régimen tributario. Controlaban las decisiones del congreso a su favor. ¿Vamos a ver a qué nos recuerda eso? Hasta en la galaxia lejana se cuecen habas. El Imperio no hizo nada más que eliminar el Senado para que lo que estaba pasando por lo bajo pueda pasar por arriba, es decir, mostrar la verdad: el dinero es lo que mueve a los poderes del gobierno. Lo que vemos en La Amenaza Fantasma es una maniobra muy astuta del senador Palpatine que, utilizando el poder militar de la federación de comercio y la ingenuidad de su representada, la reina Amidala, consigue ser nombrado Canciller -o presidente del Senado, por así decirlo-. Es un golpe de Estado. Lo vemos en los libros de historia, en los noticieros; ¡La única diferencia es que este golpe es a toda una Galaxia!

Otro elemento interesante, tomado de la vida real nos lo puede contar el propio y polémico ex-presidente de Estados Unidos, Richard Nixon: "el creador de la serie Star Wars, de tan fenomenal éxito, explicó recientemente que la escena culminante en una de sus películas [El Regreso del Jedi] - en la que las máquinas de guerra del malvado y gigante Imperio son destruídas por unos velludos y diminutos buenos chicos provistos sólo de arcos y flechas de madera- fue inspirada por la experiencia del Vietnam " (Richard Nixon, No Más Vietnams, pp. 21, Editorial Planeta, 1985).

Por lo pronto, está muy discutido el tema de la concepción de Anakin Skywalker. "No tuvo padre, fue concebido por la Fuerza", afirma Qui-Gon Jinn, el maestro Jedi. Es una clara referencia a la concepción de Jesucristo por la Virgen María. No es una burla, de ningún modo, pero sí está tomando un elemento importante de la Religión Católica y lo usa con respeto. La profecía dice que el que traerá el Balance a la Fuerza será concebido por obra y gracia de las Midiclorias, los organismos microcelulares que generan la fuerza en los seres vivos.

La forma de hablar del elemento "cómico" de La Amenaza Fantasma, Jar Jar Binks, ha sido considerada un insulto para los jamaiquinos y para las minorías inmigrantes de Estados Unidos que no saben hablar correctamente el inglés. Puede ser una exageración. No es la primera vez que se le acusa a La Guerra de las Galaxias de ser racista o xenofóbica. Los Jawas, seres bajitos y encapuchados que roban androides para revenderlos fueron vistos como una parodia de los japoneses. Lando Calrissian, un afroamericano, traiciona a Han Solo para entregarlo a Darth Vader, a cambio de que el Imperio deje en paz la turbia administración de la ciudad de las nubes. Luego se arrepiente, pero el daño ya está hecho. Lucas trató de arreglar esto y ser "políticamente correcto" al poner en La Amenaza Fantasma a una reina con un lugarteniente de color y a mujeres que pilotean naves espaciales. El mensaje subliminal: antes del "imperio" (antes de la supremacía blanca), la mujer y a la raza afroamericana estaban al mismo nivel que las demas razas.

La música de la película

Los críticos de cine pueden decir lo que quieran de Lucas: plagiario, vendido, fabricante de cartón, etcétera. Yo no creo que lo sea, pero estos críticos plumíferos siempre se han quedado mudos y con la boca abierta ante el brillante trabajo de John Williams en estas tres (y a partir del 2005 seis) películas. Williams utiliza un elemento interesante tomado de las óperas de Richard Wagner llamado Leit-Motif, que es el asignar a cada personaje de la obra una cierta melodía de acuerdo a su comportamiento. Así, Han Solo y la princesa Leia tienen un tema romántico, Darth Vader una marcha imperial siniestra, Luke una fanfarria esperanzadora, etcétera.

Lucas necesitaba una banda sonora dirigida no a la historia, ni a las naves espaciales, sino a los sentimientos de los espectadores. A aquellos inocentes basados en lo maravilloso que es deslumbrarse ante lo desconocido. Lucas presentaba paisajes y seres extraños, pero la música familiar nos hacía sentir acompañados por el narrador -la pantalla que no deja de maravillarnos-. Por ende, Lucas no nos dejaba solos ni incómodos ni con ese dolor de estómago que provocaba la música de ciertas películas de extraterrestres. Star Wars: A New Hope es una película maravillosa por eso. La Amenaza Fantasma es, además de una banda sonora ligeramente distinta a las anteriores, un buen negocio de la Sony Classical a LucasFilm. No se soltarán hasta el 2005, probablemente. Sony Classical entonces sería la compañía disquera de música clásica de más ganancias, con bandas sonoras como Titanic y ésta. Ambas películas, La Amenaza Fantasma y Titanic, quizás las más taquilleras de la historia del cine.

Por qué Lucas se demoró tanto?

Lucas afirma que la tecnología de la industria cinematográfica era bastante limitada para lo que él quería, por eso la diferencia de 16 años entre El Regreso del Jedi y La Amenaza Fantasma. Pero el resultado no es de todo convincente, si vemos a La Amenaza Fantasma como una película entretenida; porque para los fans de la trilogía, no lo es. El largo tiempo transcurrido entre ambas películas ha hecho que una generación nueva de fanáticos quizás pueda interesarle la película, más que todo por las tres anteriores; porque por sí sola no es más que un prólogo y, por tanto, desabrido y sin mayor interés. Hay que notar que 22 años después de La Guerra de las Galaxias, La Amenaza Fantasma tenía el reto de impresionar como lo hizo sus predecesoras. ¿Pero cómo lo iba a hacer con efectos especiales, después de un Titanic, de tres Indiana Jones, de dos Jurassic Park? La esperanza de éxito estaba en la historia, pero ésta peca de aburrida y simplona. Ewan McGregor está bien como Obi-Wan y el chiquillo Jake Lloyd no la hace mal como el futuro Darth Vader, aunque de Vader no tiene nada.
Pero Lucas no los ha dejado actuar. Los ha tratado de una manera simple y estereotipada. Faltó la química de las tres anteriores, la picardía de Han Solo, el miedo y la inocencia de Luke Skywalker, la fuerza interior de la Princesa Leia, la comicidad de C3PO (Jar Jar no es gracioso para nada. Nadie se ríe en el cine cuando hace sus payasadas. Es más, hasta se oyen pifias en el cine, carajo.) Ojo que también puede ser una trampa de Lucas. Quizás Jar Jar sea para el episodio II algo más importante, o más noble, y nos haga sentir culpables por haberlo despreciado en este episodio. Veremos eso dentro de tres años.*

Lucas se ha copiado a sí mismo para la historia, y eso se nota claramente y a simple vista: un viaje a Tatooine, un encuentro inesperado con un miembro de la familia Skywalker, un personaje supuestamente "gracioso" (Jar Jar Binks no le llega ni a los talones a C-3PO, y éste último hasta se da cuenta y se da el lujo de comentarlo con su compinche R2-D2). Los Gungan, una raza de indígenas que vive escondida bajo un planeta invadido por elementos extraños, se asemejan a los Ewoks de la luna de Endor. Y pelean bravamente contra los androides de la federación como los Ewoks hicieron con los contingentes imperiales. La lucha de sables de los caballeros Jedi contra el oscuro Darth Maul ocurre al borde de un abismo artificial, igual que en las tres películas anteriores. ¿Querrá significar algo? ¿Que el abuso de la tecnología puede ser peligroso?

El Futuro.

Los espectadores de La Amenaza Fantasma se preguntarán: ¿Cómo y por qué el pequeño Anakin se convertirá en un hombre vestido de negro que respira sonoramente y es capaz de matar por delivery, es decir, a distancia? ¿Qué lo motiva a hacer esto? La Amenaza Fantasma no ofrece muchas pistas fáciles a simple vista; quizás lo que haga convertirse a Anakin al lado oscuro sea el miedo y el odio a quienes lo alejaron de su madre cuando ésta lo necesitaba.

El gran año de Star Wars aún no llega y, si es que todo marcha sobre ruedas y Lucas corrige los errores de LA AMENAZA FANTASMA, probablemente sea el 2002; año capicua en el cual se celebran 25 años del estreno del Episodio IV y la aparición del Episodio II. Aquí, esperemos, que ya la historia vaya cuajando y podamos ver a Anakin Skywalker cortejando a la Reina Amidala, mientras es entrenado por Obi-Wan Kenobi para ser un caballero Jedi y poder luchar contra el malvado ejército de la Federación en las mentadas Guerras Clones. Y ni qué decir del año 2005, cuando se muestre el punto más fuerte de esta segunda trilogía: el episodio III, con Anakin Skywalker, probablemente ya atraído totalmente al lado oscuro, peleando contra su maestro, Obi-Wan Kenobi, cayendo a un pozo de Lava y volverse parte máquina y parte hombre. Será para no perdérselo. **

Al final, esto Lucas y sus espectadores tienen que saberlo, lo más importante que ofrece la saga de La Guerra de las Galaxias no es la abundancia de efectos especiales, ni la música ni el sonido estremecedor, ni las carreras de podracers ni los duelos de sables de luz. Es una historia que ha cautivado a la mayoría de gente por los valores morales y de heroismo que transmite: el bien siempre triunfa contra el mal. El individuo vale más que el Estado, la luz es más fuerte que las tinieblas. Cualquiera que se haya dado cuenta de este mensaje, sale contento del cine.

El acceso directo a la página de Star Wars, la oficial, está aquí: http://www.starwars.com/
Y la página de los fanáticos más fanáticos de la saga, aquí: http://www.theforce.net/
* Jar Jar se calló la boca en el episodio II y en el III no dijo ni pío. Felizmente.
** No fue un pozo sino el borde de un rio de lava donde Anakin se chamuscó al mejor estilo de Parrilladas El Sith. No sentí pena al verlo arder, la verdad, después de haberse portado como Atila el Huno.


(Atco, 1960)
Bobby Darin

He was, in my personal opinion -a very personal opinion-, a unique case in popular music. A chameleon who swinged between rock and easy-listening music with big bands, tuxedos, martinis and a lot of class.

Mr. Darin lived a fast life, because he already knew he was about to die in any moment. His rheumatic fever was killing him from the inside, but all his fans looked and listened to him like nothing bad was going on. Well, This album proves that sometimes "pretending" can get you to the real thing. In 1960, Darin was at the top of his professional career as an entertainer. He always took the music business seriously, and in the meantime he had fun with it because time was running out. In this collection of songs, he reinvents "Clementine" and Duke Ellington's "Caravan", and he shows his most heartful voice -a sad declaration of love to the departing girlfriend, but ironic in a ceirtain way- in "Don't Dream of Anybody but me", the best performance of Darin ever and the only reason you may have to go and buy this album.

Atlantic Records released this album in 1960, the perfect Vegas year for Bobby, and for the good old swinging gang of youngsters who were about to experience the most dramatic revolution in music ever four years later.
Tapestry (Ode, 1971)

CAROLE KING

Canciones de hace tiempo, sonido amistoso, una voz compañera. ¿Suena cursi? Lo cursi es tenerle miedo a los sentimientos. Carole, lo "cursi" nos ha hecho tan felices a veces. ¿El orgullo es lo que nos hace decir que alguien más es cursi?

Carole es la mujer de la música popular. La más grande, la más perfecta, la más inteligente... y la más inspirada. El disco Tapestry apareció en 1971 e inició toda la corriente del Intimismo, proveniente de músicos de California de la talla de James Taylor, Linda Ronstadt y de la costa Este como Billy Joel. Es un punto clave, y quizás podría ser una continuación femenina de lo que hicieron Los Beatles. Fue el tercer disco más vendido de los setentas, sólo por debajo de Rumours de Fleetwood Mac y la banda sonora de Saturday Night Fever. Fue hasta 1995 el disco más vendido por una intérprete femenina solista, hasta que llegó Alanis Morrisette con el Jagged Little Pill. Ahora no me nieguen que todo tiempo pasado fue mejor.

Pero, un momento, no estamos hablando de volúmenes de ventas. Este disco es para enamorados, para gente solitaria, para aquel que ya no tiene tiempo de pensar en romance porque el trabajo, los estudios, los fines de semana en la discoteca, le han quitado el gusto por aquellos pequeños detalles. ¿Es realmente necesario comprar el Tapestry? ¿Esperar un mes a que los de Amazon.com lo traigan a tu casa (si es que tu país no tiene una oficina de aduanas, claro) y archivarlo en una colección? La respuesta es no. No es necesario y no sería justo ni para Carole ni para nosotros. Para oir a Carole hay que prestarle mucha atención y de nada servirá comprar el CD para no escucharlo con detenimiento y entendiendo lo que trata de decirnos. Ella no está cantando para rellenar tiempo, ni para hacer éxitos en la radio que duren unas semanas y de ahí, al cajón de recuerdos. I Feel The Earth Move, So Far Away, It´s Too Late y la famosísima You´ve Got A Friend (hecha éxito por James Taylor, también) son unos cuantos adornos de este tapiz tremendamente bello.

Tuesday, June 26, 2007


Stravinski; Music For Two Pianos (Music For Four Hands)

Benjamin Frith & Peter Hill

Para revisar este disco, vayamos al teatro.


Variación del Ballet Rito de Primavera de Igor Stravinski.

Dirigida por Michael Sakamoto.Producida por Michael Sakamoto y Empire Of Teeth. Una obra de Yugen Presents. Lunes 21 de Marzo del 2005. Teatro NOHspace, 2840 Mariposa Street, San Francisco, CA 94110. 8:00pm.

Escrita y dirigida por el bailarín, coreógrafo y artista visual Michael Sakamoto, la obra Rite Of Spring, etc. es todo un reto para los sentidos. En primer lugar Sakamoto no nos presenta un reciclaje de aquel ballet de Stravinski de 1913 que provocó la ira de los críticos puristas franceses. 102 años después, la misma música difícil y supuestamente incoherente hace bailar a cuatro personajes diametralmente distintos una danza japonesa llamada Butoh (desarrollada a plenitud a mediados de los sesentas en Japón cuando el país aún no terminaba de recuperarse de dos bombas atómicas.) Los movimiendos de la danza son forzados, arrítmicos, nada suaves para los músculos y eso se nota, gracias al sudor y la tensión de los actores, desde la primera fila hasta la butaca más lejana del teatro.

En un escenario oscuro y vacío nacen cuatro arquetipos de la sociedad occidental y capitalista que Sakamoto está dispuesto a criticar y consolar en los siguientes noventa minutos. Una mujer payaso triste (Nurit Siegel), un actor que más bien parece vendedor de autos usados en los años setenta (Francesco Mazzini), un monje introspectivo que siempre tiene la respuesta correcta para todo (Sakamoto) y, finalmente, un espíritu libre encarnado en una bellísima mujer (Susan Averitt.) Los cuatro, tal cual las cuatro estaciones del año y siguiendo el ciclo natural de las cosas, contribuirán con sus respectivos monólogos a enseñarnos cuán lejos de la paz total –asiática, budista- nos encontramos.

El invierno está reflejado en la payasita triste, el verano en aquel actor hipócrita que interpreta aquella estación del año donde todos tenemos que desnudarnos para mostrar lo que no somos. El monje es otoñal y pretende saberlo todo y la primavera es aquella mujer “liberada” de caprichos y culpas. Entre cada monólogo o diálogo disfuncional sobre el amor, los cuatro danzan el Butoh, hacen
morisquetas, se empujan, se tocan a sí mismos en movimientos masturbatorios, para luego seguir razonando sobre la contínua crisis de identidad que asimilaron apenas las luces del teatro se apagaron.
Stravinski es contrapunteado por música popular occidental tal como “Save Me” de Amie Mann (en la escena cumbre del intento de suicidio de la bella libertina por razones amorosas) y “Bye Bye Love” de los Everly Brothers (en el incómodo y forzado strip-tease del actor frustrado.)

Sakamoto, tercera generación descendiente de inmigrantes japoneses, prepara un trabajo que a simple vista parece fácil de ejecutar, pero no lo es. Él y su elenco evalúan detenidamente a través de la música atonal del piano ejecutado a cuatro manos por Benjamin Frith y Peter Hill. Esta música está disponible en el CD Stravinsky: Music For Two Pianos (Music For Four Hands) (Naxos, 1995.)

El intenso diálogo y el esfuerzo físico de la danza obligará a los protagonistas a desenmascararse. El payaso triste se quitará sus vestimentas fúnebres que muy poca gracia hacen al mundo, el actor se desnudará y se dará cuenta que no todo en este valle de lágrimas es lograr un Oscar sino aceptarse tal cual es; un tipo cuya personalidad auténtica está a nivel “cero.” El monje dejará de predicar parado en una caja por sobre sus semejantes para volver a pisar tierra. La libertina deberá también deshacerse de sus prejuicios y obsesiones sobre el amor al comprender que la obsesión por los demás no es más que la obsesión por ella misma. El teatro quedará a oscuras y la pequeña pero aturdida audiencia los hara salir dos veces con sus aplausos para la ovación final.

Sakamoto, un artista muy avanzado, ha creado una obra donde todos tenemos en frente a nuestro más grande temor social: un espejo. Todos bailamos Butoh al ritmo despiadado de Stravinski. No esperemos un final para cardíacos, pero si una satisfacción culposa de saber que todos estamos en el mismo bote, en aparente sincronía.



Seal [Second Album] (ZTT/Sire/Warner, 1994)
SEAL

1994 Fue el año del colapso del grunge, del suicidio de Cobain... en fin, del fin de muchas cosas que habían estado vigentes y muy interesantes hacía meses atrás y de pronto se volvieron un enorme lastre. 1994 fue el año del golpe mortal a la industria discográfica, que tenía que descartar lo que ya no vendía, y poner a funcionar otras maquinarias de una u otra forma. Descubriendo grupos que grababan para sellos independientes (Green Day, Offspring) y avisándole a músicos de calidad que no habían tenido excesivo éxito que ya era hora de tenerlo. Ese fue el caso del cantante británico Seal, quien lanzó su segundo disco con el mismo productor (Trevor Horn, ex-Buggles y ex Yes del álbum Drama) y el resultado fue bastante bueno. Uno de los mejores discos del año en el cual Seal utiliza su voz como un instrumento adicional a los que lo acompañan, como el guitarrista Jeff Beck y el mismo Trevor Horn.

A Seal no le importa el significado semántico de las oraciones que canta, sino más bien el efecto terapéutico en cada uno de los oyentes. De ahí que no incluye en la funda del CD las letras de las canciones.
Temas como "Prayer For The Dying", "Kiss From A Rose" (nominada al Grammy de 1996 por ser canción de la película Batman Forever) y demás hacen de este un álbum muy consistente y recomendable.


Sunday, June 24, 2007

The Road To You—Recorded Live In Europe (Geffen Records/PMG Productions, 1993)

PAT METHENY GROUP

En 1993 Pat Metheny publicó lo que sería el disco en vivo más sólido de jazz moderno de la década del noventa. Un álbum "crossover" que hizo que fuera alcanzado, disfrutado y coleccionado por mucha más gente que la que lo venía escuchando desde 1976.

Lo descubrí por pura casualidad escuchando Radio Sol en Tacna, Perú, transmitiendo desde Arica, Chile. El locutor difundió el álbum entero mencionando a éste como la producción más reciente de la banda de Pat con el reconocido músico argentino Pedro Aznar en sus filas (Pat y Pedro habían tocado juntos aproximadamente desde 1982 y el Pat Metheny Group)

Si hay un album de jazz en vivo que se pueda considerar como sobresaliente, atractivo, íntimo y muy interesante es éste, lanzado por el Pat Metheny Group diez años después de su último álbum en vivo Travels. (ECM, 1983).

Me atrevo a afirmar que el título original de este disco iba a ser More Travels pero decidieron ponerle el título de la canción The Road To You ya que este disco no pretendía ser la continuación de Travels que era el último lanzamiento de la formación del PMG que incluía a Nana Vasconcelos en la percusión y en la voz y a Danny Gottelieb en la batería. More Travels era, además, el nombre del video lanzado un año antes con los mejores temas de la nueva formación.

The Road To You es un bellísimo álbum grabado en Francia e Italia durante la gira del Pat Metheny Group en 1992. Creo que jamás Lyle Mays, eterno colaborador de Metheny, estuvo mejor en el piano y los sintetizadores ni Pedro Aznar en los embrujantes arreglos vocales. Me atrevo también a decir, o mejor dicho apostar, que no hay mejor disco de jazz en vivo en todo el mundo en aquel 1993, aunque haya tenido que ser llamado Smooth Jazz en su momento. Se llevó un Grammy al mejor álbum de Jazz de grupo o dúo. Uno de muchos que Pat ganaría y aún sigue ganando.

No se trata de hacer chocar estilos porque se está refiriendo al virtuosismo y por sobre todo al efecto terapéutico de la música angelical que destila el álbum, sin ninguna sensiblería o comercialismo fácil. Pat Metheny ejecuta su guitarra con toda la perfección que los años y la práctica le han dado pero no se pavonea con sus intrincados arpegios y solos como hacen otros virtuosos, sin llegar a ninguna fibra del corazón de la audiencia. Pat se toma su tiempo en "Half Life To Absolution" para poner al oyente en meditación extrema, desde otro punto de vista.

Aquí Pat y su banda recorren sonidos de África occidental y Brasil, las verdaderas cunas del ritmo negro popularizado en todo el mundo, en busca de la redención con la ayuda del talento de Aznar, Mays, Metheny, los percusionistas Paul Wertico y Armando Marçal y el notable bajista Steve Rodby. Lo único cuestionable del álbum es la ausencia del nostálgico "Are You Going With Me?" Y algun tema con influencia meso-oriental del Secret Story. Pero sería exigir ya demasiado a un álbum indescriptiblemente bello e imprescindible en cualquier colección. No se arrepentirán.

Veamos y escuchemos a continuación el "First Circle" de este disco:




Pat en vivo:

Travels, Pat Metheny Group (ECM, 1982) Ver artículo sobre este disco doble, bastante caro en CD, pero imprescindible. Precuela del Road To You? Probablemente.

Live, Pat Metheny Trio (Warner, 2000) Pat regresa a tocar en lugares con menor número de asistentes, clubs como Yoshi's en Oakland. Esta vez Bill Stewart está en la batería y Larry Grenadier en el bajo. Lyle Mays se quedó en casa. Grabado impecablemente.

Revolver (Parlophone, 1966)
THE BEATLES
No hubiera habido Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band si no hubiera habido Revolver. Y no hubiera habido Revolver si no hubiera habido Rubber Soul. Es un álbum transitorio (no quiere decir que sea malo pero sí decepcionó a muchos fans en su momento) y fue el único lanzado en 1966 por los Beatles (el 63, 64 y 65 habían producido dos por año).
Pudo ser concebido como un proyecto experimental. Si no tenía aceptación, quizás Los Beatles se terminarían separando de una vez o seguirían sacando discos con su estilo único, mezcla de todos los sonidos que alguna vez llegaron a Liverpool. Es decir, de haber fallado, 1967 vería otro A Hard Day's Night.

Paul McCartney tenía proyectos musicales más elaborados, incluyendo cuartetos de cuerdas y arreglos de música de cámara, John quería explotar su elevada creatividad mental lograda con el ácido lisérgico, George quería usar la cítara en vez de su guitarra eléctrica y Ringo quería tocar la batería y cantar una canción sobre un submarino amarillo.

Nació Revolver, el disco que dejó a los antiguos beatles y a sus fanáticos y creó a otros nuevos. Debió haber sido muy difícil su grabación. George Martin se debe haber tragado muchas quejas, pero parece que confiaba en Lennon y McCartney. Confió y arriesgó en John Lennon con las cintas tocadas al revés en "Tomorrow Never Knows" y con George abriendo un álbum Beatle por primera y única vez con "Taxman," una de las canciones más influyentes en el rock de 1966 y 1967.
Al final, todos felices, todos contentos, todos satisfechos. Pero cosa curiosa, ningún tema del Revolver fue tocado en vivo, y eso que fue lanzado a inicios de Agosto del 66, el mismo mes en que los Beatles dejaron de tocar en escenarios. Parece que este álbum iba a ser la advertencia que los días de sus giras estaban contados y que mejores tiempos, aunque breves, se venían venir.

Reggatta de Blanc (A&M, 1979)

THE POLICE

Este es un disco multiusos: para escucharlo en el jardín un domingo por la tarde (gracias a sus frescas voces y melodías agradables), para bailarlo a toda cadera un sábado por la noche (por sus explosivas canciones tales como Message In A Bottle, Reggatta de Blanc y Deathwish) y para conservarlo muy bien en un lugar fresco y seco.

The Police había lanzado el año anterior su debut y el éxito en Inglaterra había sido instantáneo, pero aún no habían llegado al número uno en las listas y en Estados Unidos, Police era un producto importado y lejano. La gira promocional de éste álbum los puso en vitrina y generó otra gira, una mundial, consagrando al grupo como el más profesional y creativo surgido de las filas de los Punks, aunque ellos nunca se sintieron totalmente identificados con el movimiento.

Prefirieron explorar otros ritmos como el reggae traído por Andy Summers (Bed´s Too Big Without You, Walking On The Moon), mimetizándose con el cool jazz de Sting (Bring On The Night, Does Everyone Stare) y, al final, Stewart Copeland reventando tambores y Sting y Andy los amplificadores con algo de música punk agresiva (No Time This Time). Un superdisco injustamente subestimado a veces y únicamente considerado por ser el que lleva a Message In A Bottle; para muchos, la obra maestra de los tres amigos.

The Piper At The Gates Of Dawn (Columbia*/ EMI/ Harvest, 1967)

The Early Pink Floyd Singles - [incluido en la caja Shine On] (Columbia, 1992)

PINK FLOYD


Londres en 1966 era un Cabo Cañaveral musical. Los Beatles habían destapado con Revolver toda la creatividad juvenil cargada con Flower Power que venía del otro lado del Atlántico y elevadas dosis de ácido lisérgico. Ahí estaban los Floyd, a la carga bajo las órdenes de un líder que no tenía muchas ganas de serlo, el señor Roger Keith Barrett -Syd para los amigos. No era un guitarrista virtuoso, eso sí... pero sabía que cada nota y acorde, bajo el poder del ácido y las ideas del momento, lo podían hacer llegar muy lejos. Su carencia de virtuosismo se complementaba con una creatividad compositiva curiosa y atractiva.

Un poco de actitud a lo Beatle para el márketing y muchos efectos psicodélicos bañados con LSD y "listo el pollo": estaba el primer single de Pink Floyd: "Arnold Layne"/ "Candy and a current Bun" el 11 de marzo de 1967. Para el 16 de junio estaba "See Emily Play"/ "Scarecrow" y el 5 de agosto, en pleno Verano del Amor, el primer álbum de los Floyd y el único en donde Syd toca la guitarra en todos los temas, componiendo la mayoría de ellos: The Piper At The Gates Of Dawn. Todos los Floyd, Nick Mason, Roger Waters, Rick Wright y el propio Barrett contaban con menos de 23 años y estaban en un buen momento creativo; base para todo el material posterior que lanzarían (A Saucerful Of Secrets, Ummagumma, Atom Heart Mother, Meddle, The Dark Side Of The Moon); que no sería más que una suma de tributos a la personalidad de Syd Barrett.

Pero a Syd la responsabilidad de una carrera musical sólida y duradera le importaba dos (2) carajos. Para algunas actuaciones en las que Barrett estaba demasiado volado y no sabía ni donde estaba su cabeza, los Floyd prescindían de él y lo reemplazaban con David O´List, del grupo The Nice. La gira a Estados Unidos les dio buenos resultados, y los otros tres Floyds ya pensaban en retirar a su líder, no por mal guitarrista ni drogadicto ni nada de eso -no era el punto, además que sería un descaro-; sino por irresponsable con su banda a la hora de los loros. David Gilmour entra en enero de 1968 y el grupo ya es un quinteto. Roger Waters había decidido, siendo el segundo al mando, que Barrett toque en estudio con Pink Floyd, mas no en vivo por ser muy incumplido e inestable. Barrett aguantó un poco y en abril ya estaba fuera de los Floyd definitivamente.

En 1992, Sony Music editó Shine On, una caja conteniendo los 7 álbumes más importantes y básicos de la carrera de Pink Floyd; excepto, increíblemente, The Piper (EMI Records habrá puesto alguna traba, probablemente... pero así es el juego de poderes entre disqueras gigantescas). Están A Saucerful Of Secrets, Meddle, The Dark Side Of The Moon, Wish You Were Here, Animals, The Wall y (cosas de contratos) el flojo A Momentary Lapse Of Reason, el primer Lp sin Roger Waters. La caja es ideal para el que tenga suficiente dinero como para invertir en ella y pasarse una tarde alucinando con la evolución Floyd; pero lo mejor de la caja está en el Bonus CD, The Early Pink Floyd Singles, contando con los 5 primeros 45RPM con sus respectivos lados A y B. Toda una pieza de colección.

Pero dejemos que sea un amigo del canal de chat de Starmedia, cuyo nombre no nos lo dijo pero entró con el nick de Syd Barrett, el cual nos cuente sobre la vida de la cara oscura de los Floyd. Dicho amigo nos obsequió un alucinante tipo de letra para Office basado en la caligrafía del LP "The Wall" de Pink Floyd (Harvest/ Columbia, 1979). Quiero compartirlo con ustedes, además de dos archivos MIDI: "Have A Cigar" y "Shine On You Crazy Diamond", ambos temas del lp "Wish You Were Here" (Columbia, 1975), el álbum en el cual Waters, Gilmour, Mason y Wright le piden a su mentor que regrese a los estudios a demostrar su potencial como músico, compositor y artista que es (o que era).

Floyd.zip descargue el archivo con confianza! Requerirá después del programa Winzip 7.0 para ver y extraer el contenido. Si no lo tienes, anda a http://www.winzip.com/ y descargas de ahí una versión de prueba del programa.

Sacas el archivo floydian.ttf del floyd.zip y lo llevas al directorio c:\windows\fonts\ . luego de instalarlo, verás el tipo de letra que caracteriza a la portada del LP The Wall al usar cualquier programa de la familia Office.

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SYD BARRETT


Roger Keith Barrett nació en Cambridge, Inglaterra, el 6 de Enero de 1946, tiene dos hermanos mayores y una hermana menor de nombre Rosemary. Hijo de una acomodada familia, su padre murió cuando Syd tenia 12 anos, Syd fue un niño acosado por una gran cantidad de temores que le impidieron adaptarse adentro de su ambiente familiar y social. "Todo mundo se supone que es feliz durante la infancia, no se porque pero yo nunca lo fui". Sin embargo desde pequeño sintió inclinación el arte, tal vez como una válvula de escape, aunque inicialmente se había decidido por la pintura, su interés en la música también comienza a temprana edad. "Mi primer instrumento musical fue un Ukelele... Cuando tenia 11 anos mis padres me compraron un banjo... Un ano mas tarde les pedí que me compraran una guitarra. La primera que tuve fue una guitarra acústica Hoffner #12 la cual yo mantuve por un ano... Era una guitarra barata, yo aprendí a tocar a través de libros tutores y de amigos que podían tocar un poco..." Entre estos "amigos" se encontraba Dave Gilmour, de aquellos tiempos Dave recuerda "...Nosotros íbamos al departamento de arte a tocar guitarra durante la hora de la merienda, enseñándonos uno al otro, pero el estilo de Syd no era bastante fuerte y yo estaba un poco por delante de el en ese aspecto" Dave también recuerda "Syd era un tipo extraño aun en Cambridge, y en cierto modo ya era una figura respetada allí" Poco después Syd se interesó en la guitarra eléctrica "A los quince anos, di un paso adelante al convertirme en el orgulloso poseedor de una guitarra eléctrica, con un pequeño amplificador que fabrique yo mismo y con este equipo me uní a mi primer grupo "Geoff Mott and the Mottoes" y nos presentamos en el Futurama 2"


"Nosotros tocamos en fiestas privadas. Y algunas canciones eran originales, pero principalmente tocábamos canciones instrumentales de The Shadows y unas pocas canciones americanas. ...Geoff Mott era un gran cantante.... sabe alguien que paso con el?". Eventualmente el grupo se disolvió y Syd se movió hacia el blues, Esta vez tocando el bajo. "Por un par de años, desde que tenia 16, no estuve en ningún grupo en particular, durante este tiempo compre una guitarra de 12 cuerdas y un bajo Hofner el cual comencé a tocar mas tarde en otro grupo local. The Hollering Blues"


Poco después Syd inició sus estudios de secundaria (la Cambridge High School para varones) a la cual también asistía Roger Waters, aunque no compartían el mismo nivel ya este último estaba dos años por delante de Syd. A pesar de esto ambos se hicieron muy amigos, al respecto Peter Jenner, primer manager de Pink Floyd comenta "Syd era la unica persona que yo recuerde que le agradaba a Roger y a quien el buscaba" Sobre Roger Syd comentaría. "Roger era mayor que yo, teniamos una camioneta van y gastamos bastante dinero en pubs y fiestas..."


Roger estudíaba en la escuela de Arquitectura en Londres y Syd estudiaba en Cambridge, eran tiempos felices para Syd Barrett


1967


Después de asistir al colegio tecnico Syd se mudó a Londres con la intención de estudiar pintura en la escuela de arte Camberwell en Peckham, justo entre cambridge y Londres, pero durante ese periodo, se quedaba con Roger Waters en Highgate. ". Roger y yo compartiamos un piso en Londres. ...ambos estabamos interesados en tocar guitarra, yo decidi tocar la guitarra de pequeno, aunque no toque mucho en Cambridge porque estaba en la escuela de arte... Entonces decidi ir a Londres, ... Roger me habia dicho que cuando fuera a la London Art School formaramos un grupo. Y asi me hice miembro de los 'Abdabs'. Yo tuve que comprar otra guitarra porque Roger tocaba el bajo, un Rickenbacker, y nosotros no queriamos un grupo con dos bajistas, yo tocaba la guitarra lider y despues de varios nombres decidimos llamarnos Pink Floyd". A pocas semanas el nuevo line-up habia reparado en el Thompsan Private Record Company, un pequeño estudio en el sotano de una casa en Hemel Hampstead. Allí grabaron dos canciones; un tema original basado en el riff de la popular pieza 'Gloria' llamado 'Lucy Leave' y una versión del tema de Slim Harpo 'I'm a King Bee'. Puede que ambos temas sean rudimentarios pero muestra un sentido definido de propósito, particularmente para los antiguos Adbads quienes venian del pop R&B, ya en esos temas se nota una gran imaginación.


Sin embargo, pasaría un año antes de que le quitaran el sufijo 'Sound', y comenzaran a atraer notoriedad como parte de la contra cultura centrada en la Free London School que se reunía en el All Saint's Church Hall. El 15 de Octubre de 1966 en una fiesta en el Roundhouse; fue donde The Pink Floyd hizo su gran debut.


Las primeras composiciones originales de Barrett incluyeron 'Effervescing Elephant', escrito a los 16 años y 'Golden Hair', basado en el poema 'Chamber Music' de James Joyce al cual Syd le agregó musica. Syd estaba influenciado en aquellos dias por la música de los Stones, Beatles, Byrds y Love," en cuanto a la grabación de sus primeros temas, el primer manager del grupo, Pete Jenner, recuerda "...Yo estaba tratando de decirle acerca de una cancion de Arthur Lee que no podia recordar el titulo, asi que le tararee el riff principal. Syd tomo su guitarra, siguiendo lo que yo estaba tarareando y salio a trabajar en el patron de acordes que mas tarde se convirtio en 'Interstellar Overdrive."


'Interstellar Overdrive', fue la pieza que estableció la reputación experimental de Pink Floyd y fue una de las canciones que el grupo grabó durante sus primeras sesiones en el Chelsea's Sound Techniques en Febrero de 1967, también en estas sesiones se grabó el que sería el primer sencillo del grupo 'Arnold Layne'.


'Arnold Layne' fue acompañada de otro original de las primeras visitas al Sound Techniques', 'Let's Roll Another One', el cual mas tarde llevaría el nombre de 'Candy and a Currant Bun'. El par constituyó el debut en marzo de ese año y su entrada en el Top 30 hits confirmó al grupo como una atracción nacional. Lo cual significó para Barrett el dedicarse a componer nuevos temas


En Agosto de ese año lanzan su primer Álbum "The Piper at the gates of Dawn" el cual muestra a Barrett como el líder natural del grupo y como compositor de la mayoría de los temas. Sin embargo, para esa epoca, Syd había comenzado a dar muestras de comportamiento erratico, En Noviembre, a tan solo unos meses del lanzamiento de su primer disco Syd falló en doblar las voces durante un programa de televisión y en el show de Pat Boone, no fue capaz de contestar ninguna de las preguntas que se le hicieron.


Para ese entonces, el comportamiento de Syd era cada vez mas y mas impredecible; Quizás la mas conocida de las historias referentes a esta etapa lo constituya en incidente del peinado Mandrax. Aunque no existe una confirmación de que la historia sea verídica, muchos están plenamente convencidos de que si lo es. En fin cuanta la leyenda que en una de las ultimas presentaciones de Syd Barrett con Pink Floyd, los otros miembros del grupo salieron hacia el escenario dejando a Syd para que terminará su peinado, Syd usaba un estilo bastante complicado el cual en ese momento no podía ajustar, por lo que en el ultimo minuto, tomo una frasco de Mandrax y comenzó a pulverizar las pastillas y las mezcló con el contenido de una jarra de Brylcreem para vaciar completamente esa mezcla en su cabeza, acto seguido tomó su guitarra y salió al escenario. Bajo el calor de las luces del escenario la mezcla comenzó a escurrirse sobre su rostro dando la impresión de que se estaba derritiendo, no cuesta imaginar y comprender que sus compañeros no pudieran concentrarse en lo que estaban tocando.


1968


Este es el año mas oscuro para Syd Barrett. En Enero Dave Gilmour entró a la banda para sustituirlo cuando este tuviera alguno de sus cada vez mas frecuentes bloqueos mentales. Sin embargo, esta estrategia no funcionó ya que Syd se hizo totalmente incapaz de funcionar sobre el escenario. Hasta que por fin, el día 2 de Marzo de 1968. Syd abandonó definitivamente el grupo, ese día Syd y Roger se entrevistaron en Ladbroke Road y Roger convenció a Syd de convertirse en compositor del grupo pero sin tocar en vivo, Aunque esto nunca llegó a ser una realidad, porque Syd jamás volvió a escribir otra canción para Pink Floyd. Ese mismo año, comenzaron unas extrañas sesiones de grabación con Peter Jenner, las cuales no llegaron a nada, debido a lo erratico del comportamiento de Syd, No ostante, durante estas sesiones se grabaron varias canciones, entre ellas Opel, Terrapin, Swan Lee y Clowns and Jugglers; Aunque también hubo rumores sobre microfonos rotos y desordenes generalizados durante dichas grabaciones, lo que provocó que la compañía EMI decidiera no querer saber nada a cerca de Syd.


1969


Había pasado casi un año sin que se tuvieran noticias sobre Syd Barrett. Hasta que repentinamente, a finales de marzo de 1969, El mismo Syd llamó a la EMI y preguntó si podía volver a grabar; Como Syd Barrett había sido el líder de una de las principales atracciones de la compañía y que aún estaba bajo contrato, se comisionó a Malcoln Jones para que planificara la producción del nuevo material de Syd.


En esa epoca Syd parecía estar bastante lúcido y estable, en contraste con los rumores circulantes en ese momento. Syd le explicó a Malcoln Jones que tenía una gran cantidad de material nuevo y que deseaba rescatar parte del trabajo realizado en las sesiones de Peter Jenner, todo esto sonaba demasiado bueno para ser verdad. Inmediatamente Malcoln Jones habló con Roy Featherstone, (Su superior inmediato en la EMI) explicandole la conversación que había tenido con Syd y presionando a favor de recuperar artisticamente a Syd Barrett, aunque Featherstone fue muy positivo al respecto, el dijo que debía comnsultar con su jefe, Ron White (Gerente de Porducción), quien finalmente autorizó todas las grabaciones. A todo esto Malcoln Jones comenta "... Honestamente fue dificil convencer a ambos de dejar grabar a Syd otra vez a pesar de estar al tanto del potencial de syd y su exito.".


La estrategia de grabación consistía en grabar el nuevo material de Syd y ver si este podía ser lanzado en un álbum o si por el contrario solo se lanzaría como singles. El siguiente paso consistió en encontrar un productor con quien Syd se sintiera comodo y a quien la EMI pudiera aprobar, en caso de que la EMI argumentara que Syd no debiera grabar sin ayuda en vista de los eventos ocurridos en grabaciones anteriores. A todo esto Malcoln recuerda "...Yo nunca le pregunte a Syd si lo rumores de los danos al estudio eran ciertos, yo sospecho que si hay algo de cierto en esos rumores, probablemente hayan sido exagerados ya que ninguno de los ingenieros de grabacion en la EMI hizo nunca referencia a algun problema con Syd." La primera opción fue Norman Smith, pero declinó la oferta debido a que en ese momento estaba trabajando con los floyd. Peter Jenner pensó que era mas prudente permanecer fuera del proyecto, así que cuando Malcoln le preguntó a Syd quien podría ser el productor, Syd contestó simplemente "Hazlo tu." Es necesario recalcar que en 1969 nadie producía sus propios discos. Ni siquiera los Beatles.


Malcoln pidió a Syd que tocara las grabaciones de las sesiones con Peter Jenner, estas piezas fueron Silas Lang la cual fue re-titulada como Swan Lee "Syd nunca se refirio a esta cancion como Silas Lang, esto puede haberse ocasionado por un error de parte del ingeniero de la sesion de grabacion original", 'Rhamadan'), Lanky (partes 1 y 2) y 'Golden Hair', 'Silas Lang' o 'Swan Lee'. No tenia voces, pero era una pieza que prometía. La versión de 'Late Night' que tenía no fue la que finalmente se lanzó, pero también tenía cierto encanto, así que decidieron rehacerla. 'Lanky' y 'Rhamadan' eran largos instrumentales de percusión. El ingeniero Peter Bown había anotado "Lanky Parte 1, ... o mas bien, 5 minutos de tambores!". Esta pieza no era muy buena, igualmente "Rhamadan" duraba casi 20 minutos y además era bastante aburrida, pero en contraste, 'Golden Hair' era excelente, aunque necesitaba algo de limpieza. Ya para ese momento Malcoln sabía que había algo de material con que trabajar: "...Despues de escuchar las canciones, Syd y yo habiamos discutido con cuales continuar, despues toco las nuevas canciones. Una de las mas excitantes fue una cancion en tiempo de valz llamada Opel". Despues vino una canción llamada "Clowns and Jugglers". La cual mas tarde se llamaría "Octopus", seguidamente Syd tocó pedazos de otra canción 'Terrapin' la cual era similar a 'Opel', aunque menos desolada, finalmente tocó una canción vieja 'Love You' Después de escuchar todo esto no cabía duda que grabarían un álbum, sobre esto Malcoln recuerda: "...Ya nosotros teniamos suficiente para 3 cuartas partes de un album y ciertamente varias sesiones. Yo abandone el piso de Syd determinado a contratar tiempo de estudio inmediatamente y comenzar a grabar". Por coincidencia Malcoln vivía en la misma cuadra que Syd. Dave Gilmour tambien estaba viviendo en una cuadra cercana.


La primera sesión fue programada para el Jueves 10 de Abril en el estudio tres de la EMI, Malcoln recuerda: "Syd y yo pasamos solos la primera sesion, desde las 7 de la noche hasta las 12.30 escuchando las viejas cintas para ver si habia algo era utilizable. Primero grabamos guitarras y voces sobre 'Silas Lang' ('Swan Lee') y experimentamos con ideas para 'Clowns And Jugglers'.". Aunque ambos acordaron que las nuevas canciones eran mejores que las viejas, al menos ambos habíamos chequeado cada una y regresaron a sus casas listos para comenzar frescos la noche siguiente."


El Viernes 11 Syd estaba de buen humor y en excelente forma, en mas o menos 5 horas grabaron las voces y guitarras de cuatro canciones nuevas y dos viejas. La primera de ellas fue Opel, grabada por Peter Mew como ingeniero "Nosotros sentimos que era una de sus mejores canciones, pero despues Dave (Gilmour) y Roger (Waters) se hicieron cargo de la produccion y yo les deje decidir cuales canciones irian en el album".


La mayoría de las pistas fueron grabadas solamente con Syd y su guitarra, contrario a la tecnica usual de grabar las bases y añadir las voces despues. Posteriormente grabaron 'Love You' – haciendo 4 tomas, la primera fue muy rápida, la segunda fue muy lenta, la toma tres tuvo una entrada en falso y la toma cuatro fue la que finalmente salió en el álbum, sin embargo las tres tomas que salieron buenas, fueron perfectas, tanto así que la nota de estudio decía "La mejor toma sera decidida mas tarde". Todas las tomas se hicieron en menos de veinte minutos. Syd estaba en su mejor forma, estaba muy cuerdo y feliz y esta era su primera sesión con canciones nuevas.. La siguiente pieza fue "It's No Good Trying" fue casí igual. La primera toma fue buena, la dos una entrada en falso y la tres fue la que se usó en el álbum, los planes de Malcoln estaban dondo frutos. "...Yo mantuve a Syd en movimiento, evitando hacer demasiadas tomas y estaba funcionando. En dos horas entre las 7.30 y las 9.30 nosotros habiamos completado exitosamente tres canciones."


Durante un receso Syd y Malcoln hablaron de retomar algunas de las canciones del año anterior, en particular 'Golden Hair', y 'Late Night' aunque al parecer, la versión original de esta última había sido destruida, posteriormente regresaron al estudio y comenzamos a trabajar en Terrapin. Syd solo necesitó de una toma para tener el master de esta canción, Malcoln sugirió doble grabar las voces, posteriormente Syd tambien doble grabaría el solo de guitarra, Despues hicieron la pista basica de 'Late Night', mas la voz, para esto casí no gastaron tiempo y rapidamente comenzaron con 'Golden Hair' la cual se había transferido del original en 4 canales a una nueva cinta de 8 canales, de este tema en partiular Malcoln recuerda "Yo no se cuales fueron los musicos que habian trabajado en esa grabacion pero la instrumentacion era identica a la version que re-hicieron Dave y Roger".


Alrededor de la medianoche ya habían tenido suficiente por un día, ellos habían trabajado en siete piezas de una manera u otra y ambos sentían que habían hecho grandes progresos. Malcon y Syd hablaron sobre la próxima sesión "...Yo le dije a Syd que lo podia pasar buscando el Jueves siguiente y el me dijo que traeria algunos musicos para tocar en algunas de las piezas que estabamos planeando grabar, y con eso nos despedimos."


El Jueves siguiente comenzó tal como se había planeado, "Yo llame un taxi y fuimos a buscar a Syd, nos detuvimos un momento en casa de Dave (Gilmour) a buscar un amplificador y nos dirigimos a los estudios Abbey Road". En el estudio se encontraron con Jerry Shirley y 'Willie' Wilson, los musicos que Syd había invitado. La sesión de grabación fue "en vivo" (en directo). Como siempre, Syd tocó su Fender Telecaster azul, sin amplificación, como ritmo.


Syd y Dave habían estado en contacto, Dave le había preguntado a Macoln como progresaban las sesiones de grabación, y aunque en ese momento no mostró ningun interes en producir a Syd, ya para entonces Dave había terminado la mayoría de sus contribuciones al album Ummagumma y tenía mas tiempo disponible.


Las sesiones de grabación comenzaron con 'No Man's Land', Syd tocó la canción varias veces con Jerry y Willie siguiendolo para captar la secuencia. Después de uno ensayos intentaron una toma para escuchar como sonaba. Después de varias vueltas mas, decidieron intentar grabar el master, para el cual se hicieron tres tomas existosas, la última de ellas fue la mejor, aunque el bajo fue regrabado mas tarde en esa misma sesión, Malcoln explica el porqué de esto: "La pista original de bajo mostro espacio para ser mejorada despues que se le anadio la parte de guitarra" Syd grabó entonces la guitarra solista y la parte hablada "La cual era tan initelegible entonces como lo era ahora"


Las otras partes de guitarra fueron sobregrabadas mas tarde debido a que el estilo de Syd puede llegar a ser extremadamente erratico, cambiando frecuentemente entre la guitarra ritmica a la guitarra solista al doble de volumen y enviando los indicadores de grabación al rojo, con lo que se hacía necesario volver a realizar la toma, esto se debe al tener demasiadas ideas y querer grabarlas todas de una sola vez.


El 17 de Abril fue la primera sesión que se hizo en el estudio 2. Desde el 11 de Abril las sesiones habian sido principalmente voz y guitarra, sin músicos de fondo, estas iban a emplear a Jerry Shirley y John 'Willie' Wilson (quien también vivia en Earls Court!). la facilidad de usar un grabador de 8 canales les permitiría hacer mas sobregrabaciones si fuera necesario, especialmente a 'No Man's Land'. Además la acustica del estudio 2 era superior. 'Here I Go', la segunda canción que se grabó en la sesión, muestra a Syd en su mejor momento "Fue la unica cancion que yo recuerde que Syd no necesitara la hoja con las letras delante de el". Syd cambió de la guitarra ritmica a la solista al final y el cambio es notable. Toda la sesion duró solo tres horas (en la tarde), al final Malcoln le preguntó a Syd si tenía mas canciones "No, pero, eh... pero tengo una idea medio loca" fue todo lo que Syd acertó a decir "Bien, vas a necesitar otros musicos?" Preguntó Malcoln, Porque de ser así, necesitaría alquilar el estudio dos nuevamente "No" fue la respuesta de Syd. Dos dias mas tarde Malcoln aun no sabía que iban a hacer y se estaba poniendo nervioso "Por un lado yo no queria alquilar el estudio equivocado y por el otro no queria malgastar tiempo de estudio sin tener un plan verdadero" Syd eventualmente dijo que el no tenía canciones nuevas pero que quería intentar algo con 'Rhamadan'. La cual era una larga y aburrida canción de 18 minutos en la cual se escuchaban varias congas tocando sin ninguna dirección ritmica. "Con cierto recelo, estuve de acuerdo en intentar, pero le dije que no necesitariamos un estudio para eso, podriamos usar uno de los salones de mezlas, en tal caso pediria un grabador stereo en donde mezclar para escucharlo despues en mi casa o en la oficina." En La mañana de 23 de Abril, Syd y Malcoln estaban de vuelta en Abbey Road. Syd había traído un grabador de casette portatil, "... Yo asumi que lo habia traido para sacar una copia de 'Rhamadan', pero estaba equivocado" Syd Barrett le dijo "Yo quisiera grabar algunos sonidos de motocicletas en 'Rhamadan'', asi que sali al patio de un amigo con una motocicleta y el grabador. Ya todo esta listo para colocarlos sobre la grabacion de 'Rhamadan"' Cuando Syd tocó el cassette, fue terrible! El sonido simplemente era pesimo, pero Syd fue muy insistente "Asi que no dije nada hasta que llegamos a Abbey Road. Yo planaeba dejar que el ingeniero (Peter Mew) reforzara mi punto de vista".


Una de las muchas ventajas que poseían los estudios Abbey Road sobre los otros estudios de la epoca era su gran librería de efectos de sonido. "La siguiente hora la pasamos seleccionando la combinacion correcta de sonidos, esta vez en estereo". Finalmente lograron exactamente lo que Syd intentaba hacer. Sin embargo Rhamadan nunca llegó a ver la luz publica "Yo nunca sabre porque Syd cambio de parecer y abandono el proyecto, quizas todavia permanece, denegado en los archivos."


Las sesiones que se planearon los dos dias siguientes fueron abandonadas debido al estado de salud de Malcoln Jones. En todo caso, Malcoln sugirió a Syd que hiciera el trabajo de copiar las cintas originales grabadas en 4 canales a otras cintas de 8 canales para añadir mayores sobregrabaciones, especialmente porque habían decidido sobregrabar en 'It's No Good Trying', 'Clowns and Jugglers', 'Love You', y varias otras. "Yo note que cuando preparo el indice de canciones, 'Opel' estaba entre ellas. Era obvio que Syd no habia decidido excluirla del album en ese momento."


El 3 de marzo se comenzaron a producir unas asombrosas sobregrabaciones que contaron con la participación del grupo Soft Machine - Mike Ratledge (Teclados), Hugh Hopper (bajo) y Robert Wyatt (Batería) en las canciones 'Love You', 'No Good Trying' y 'Clowns and Jugglers'. - las cuales adquirieron un fondo avant-garde, mas que todo debido al tempo erratico de Syd el cual amplificó una sensación de desfase. De esos temas, las dos primeras aparecieron en el Madcap Laughs, mientras que 'Clowns and Jugglers' fue archivada hasta el lanzamiento de "Opel". Barrett añadió una guitarra al revés a 'No Good Trying' y una guitarra solista a las canciones 'Terrapin' y 'No Man's Land'. Fue en este punto que Dave Gilmour entró en escena. "Dave habia estado tomando casual interes durante la mayoria de las ultimas sesiones," Explica Malcom Jones en su libro 'The Making of "Madcap Laughs. "Fue solo un pequeno paso sugerir que el y Roger deberian producir algunas pistas tambien." Barrett había permanecido en terminos amistosos con sus antiguos compañeros, tanto así que hasta había aparecido entre bastidores durante la gira de Pink Floyd en Croydon.


Las sesiones restantes fueron terminadas en una jornada de tres dias - Junio 13, 14 y Julio 26 - parcialmente debido al compromiso de Gilmour y Waters en mezclar el "Ummagumma" y una gira de Pink Floyd por Holanda.


El 13 de Julio. Barrett comenzó una nueva version de 'Clowns and Jugglers', ahora con el nombre de 'Octopus'. Se requirieron once tomas completar el master, la ultima de ellas fue usada en el "Madcap Laughs". El mismo número de tomas fueron necesarios para 'Golden Hair', la versión final apareció en el álbum dejando de lado la versión en la que trabajaron Malcoln Jones y Syd Barrett."...Cuando yo escuche que Dave y Roger re-hicieron 'Golden Hair' yo estaba, por decirlo de alguna manera, sorprendido. La version del album, aunque es tecnicamente superior, tiene menos atmosfera que el original y yo todavia pienso que un re-make era innecesario." Comentó Malcoln Jones en su libro "The making of the Madcap Laughs". Dos nuevas canciones, 'Long Gone' y 'Wouldn't you Miss Me' (alias 'Dark Globe') fueron grabadas en esa sesión. pero ninguna de las dos parecía satisfactoria y la versión final fue completada hasta el siguiente mes.


El trabajo al final del dia resultó ser frenetico. Syd intento una nueva lectura de 'Wouldn't You Miss Me'. Y se grabaron tres composiciones mas: 'She Took a Long Cold Look at Me', 'Feel' y 'If Its in You' todas ellas fueron terminadas.


1970


"The Madcap Laughs" fue lanzado por Harvest en Enero de 1970, habiendo sido precedido las semanas anteriores por un single que incluyó 'Octopus' y 'Golden Hair'. Syd apareció el 24 de Febrero en vivo (directo) para el "Top Gear" de John Peel. De las cinco canciones, solo una, 'Terrapin', vino del "Madcap Laughs". Las restantes fueron todas composiciones nuevas, incluyendo 'Gigolo Aunt' y 'Baby Lemonade'. 'Two of a Kind', (una pieza que Syd no grabaría jamás) y 'Effervescing Elephant', que fue rescatada del repertorio primario de Barrett.


La aparición del Álbum motivó a un grupo de fanaticos a crear la "Syd Barrett Musical Apreciation Society" la cual comenzó la edición de una revista que llevó el nombre de Terrapin"


El 26 de Febrero Syd regresó nuevamente a Abbey Road, junto a Dave Gilmour, como productor para comenzar a trabajar en un proyectado segundo álbum con las piezas 'Baby Lemonade'. 'Maisie' y 'Gigolo Aunt'. Ese dia la sesion cualminó con 'Waving My Arms in the Air'. Un trio compuesto por Gilmour, Shirley y Richard Wright compañaron a Syd en esas grabaciones, que sugieren una sensacion de urgencia que prevalece en el album. Mientras "Madcap" fue dolorosamente grabado de una sola pieza, este segundo álbum resultó de periodicos arranques de actividad.


En 27 de Febrero el Syd grabó cuatro demos - 'Wolfpack', 'Waving my Arms in the Air', 'Living Alone' y 'Bob Dylan's Blues' - todos ellos parecen haber sido tomados por Dave Gilmour. Los ultimos dos titulos no reaparecieron, y aunque una grabación excelente de 'Dylan's Blues' circuló brevemente, esas grabaciones parecen ahora haberse perdido para siempre. El trabajo también continuó con 'Gigolo Aunt' pero todas las grabaciones fueron abandonadas hasta el 1ro de Abril cuando Barrett regresó a Abbey Road.


El 1ro de Abril se comenzaron una mezlas del trabajo en progreso antes de que Syd comenzara una nueva version de 'Wolfpack'; en el tercer intento se suspendió la grabación, Syd no regresaría al estudio sino hasta el mes siguiente.


Después de un periodo de inactividad Barrett regresó a Abbey Road el 15 de junio para completar tres demos: 'Rats', 'Wined and Dined', y 'Birdie Hop'. Cada una de esas grabaciones fue eventualmente lanzada en el "Opel", aunque la misma version de 'Rats' formó la base de la que está en "Barrett". Dos dias después Syd grabó una nueva canción, 'Milky Way', la cual también hizo su debut en "Opel". Syd también resusitó una composición de los primeros dias de Pink Floyd, 'She Was a Millionaire', retitulada simplemente 'Millionaire' grabandose dos intentos, ambos fallidos y ninguno de ellos con voces, el dia de trabajo terminaría con el grupo sobregrabando el tema 'Rats'.


Otro lapso ocurrió antes de retomar las grabaciones el 14 de Julio, estas incluyeron 9 nuevas lecturas de 'Effervescing Elephant' - la toma 2 se preservó junto al master final, mas numerosas sobregrabaciones de 'Winded and Dined'. Tres intentos en 'Dominoes', (una de las mas engañosas composiciones de Syd), fueran terminadas. Se comenzó la grabación de 'Love Song', conocida en ese monento como "Sin titulo". Barrett también grabó 'Dolly Rocker' y 'Let's Split' durante esta sesión pero, aunque estas últimas fueron archivadas, terminaron apareciendo finalmente en "Opel".


'Love Song' fue concluida en un periodo que se ubica del 17 al 21 de Julio. También se hicieron intentos rudimentarios de sobregrabar 'Dolly Rocker' pero fueron totalmente borrados antes de que Barrett comenzara a trabajar en otra pieza "Sin Titulo" que mas tarde fue conocida como 'Word Song', sin embargo esta encantadora cancion no vería la luz hasta su debut en "Opel". También en esta sesión se hicieron varias tomas de 'It is Obvious'.


El trabajo en "Barrett" se cerró con los remakes de 'Maisie' y 'Waving my Arms in the Air', a los cuales siguió una nueva pieza, 'I Never Lied to You'. El album, para el cual Syd diseñó la caratula fue lanzado en Noviembre de 1970 y si la reacción fue mas callada que la obtenida ante "Madcap Laughs", esto se debió parcialmente mas al tiempo transcurrido que al contenido. Era aparente que esta segunda selección, a pesar de tener un cuadro mas intimo, capturó un talento que se encontraba en proceso de desintegración. "Yo pienso que Syd estaba en buenas condiciones cuando hizo "Madcap"," comentó Pete Jenner a Nick Kent. "...El todavia estaba escrienbiendo buenas canciones." En contraste Dave Gilmour recuerda en el mismo articulo de la NME que durante las sesiones de "Barrett", "Principalmente teniamos el caso donde yo le decia: 'Bien, que tienes ahora Syd? Y el buscaria y eventualmente sacaria algo."


1971


Este año comenzó con rumores sobre un single y quizás un tercer álbum. Barrett completó una sesión para Radio 1 'Sounds of the Seventies', pero si en la presentación en el 'Top Gear' había elijido revelar nuevo material, aquí el artista ofreció 'Baby Lemonade', 'Dominoes' y 'Love Song'. Ciertamente Syd ya estaba deslizandose a una vida de reclusion aunque en una entrevista durante la navidad de 1971 en la revista 'Rolling Stone' Syd declaraba que estaba "Totalmente entero". A las pocas semanas de esta afirmación, la condición metal de Syd fue nuevamente puesta en tela de juicio cuando, en una aparición en el Kings College Cellar en Cambridge, el músico de blues Eddie 'Guitar' dijo "En el ultimo minuto vamos a juntar una banda de boogie". Aquí Barrett se unió a ex-bajista de Delivery Jack Monch y al baterista formador de Pretty Things/Pink Fairies drummer Twink para lo que fue, según cuentan todos, una improvisación. El trio que optó por permanecer unido (nada menos), se llamó Stars, ellos aparecieron con Skin Alley y MC5 en el Cambridge Corn Exchange. El resultado fue totalmente caotico, Syd faltó a la siguiente presentación y los shows siguientes fueron cancelados.


Barrett continúa como objeto de interes y especulación acerca de sus futuras actividades. Siguiendo al lanzamiento del álbum tributo de David Bowie, "Pin Ups", el cual incluyó una version de 'See Emily Play'. De hecho Bowie fue uno de los muchos nombres sugeridos el del misterioso benefactor que llevó a Barrett de vuelta a los estudios Abbey Road en el verano de 1974. A traves de los años esta sesion de cuatro dias ha sido sujeto de debate y de hecho las notas originales de "Opel" arrojan dudas sobre su existencia, ya que en ese momento, ni las cintas ni la hoja de trabajo han sobrevivido. Ellos eventualmente aparecen como tema de conversación, aunque el resultado tenga poco que ver con el trabajo en "Madcap Laughs" y "Barrett". En vez de eso Syd pasó tiempo trabajando en punteos y acordes de blues enfocados en la locura, solo uno de esos trabajos, que lleva el titulo de: 'If You Go' llegó hasta nosotros. El proceso fue abandonado antes de que se le intentara agregar alguna pista de voz.


1973 -1975


Pink Floyd lanza su obra cumbre "Dark Side of the moon" en donde el tema "Brain damage" hace clara referencia al antiguo líder de la banda. Debido al extraordinario éxito de este album, se produjo un repunte en el interes por el líder original que llevó a la EMI al re-lanzamiento de los dos primeros albumes de Syd Barrett, ambos empacados en una sola funda (caratula), al mismo tiempo que la revista Terrapin enviaba a la EMI una gran cantidad de cartas firmadas por una numerosos fanáticos solicitando por el lanzamiento del material archivado del artista. a pesar de la insistencia de los encargados de Terrapin, esos esfuerzo no darían fruto sino hasta 15 años despues. Mientras tanto el interés en las actividades de Barrett ha permanecido constante, a pesar o tal vez aumentado por el misterio que rodea al personaje. En 1975 Pink Floyd, comienza una serie de grabaciones que culminaron en el álbum Wish you were here, el tema 'Shine on You Crazy Diamond', que cubre mas de la mitad del álbum fue un tributo inequívoco, mientras que el re-empaque y re-lanzamiento de los dos primeros discos del cantante introdujo su trabajo a una nueva audiencia.


1987 - 1998 - 1989


Nada se había sabido sobre Syd Barrett en todo este tiempo, El artista permanecía totalmente fuera del ojo público, rumores sobre su estado de salud e incluso sobre las condiciones en que vivía circulaban por doquier, muchos pensaban que Barrett incluso había muerto, las especulaciones elevaban a Barrett a un nivel solo alcanzado por artistas como Morrison, Hendrix o Joplin. el 27 de Marzo del 87 año aparece un álbum llamado "Beyond the Wildwood. A tribute to Syd Barrett" en el cual varios artistas del underground ofrecian sus versiones sobre los temas del flautista loco como una forma de demostrar la influencia que el martir tuvo sobre ellos. Así mismo el sello Dutch East Ind. lanzó un álbum contentivo de los temas interpretados por el artista durante las sesiones en el programa de John Peel, el cual es el unico testimonio en vivo (directo) del artista. Esto motivó nuevamente al sello EMI-Capitol al lanzamiento de un álbum titulado "Wouldn't You Miss Me" en 1988 el cual sirvió como prefacio al lanzamiento del Álbum Opel.


Ya para 1989 el status mítico alcanzado por el artista obligó a la casa discografica a pensar en el lanzamiento del material rechazado del artista, 18 años después de la fecha de sus grabación original "Opel" mostró un espectro mucho más amplio de lo que sugieren sus lanzamientos oficiales, mostrando un talento intuitivo, de vertiginosa originalidad. Ciertamente Barrett no grabará nunca mas pero mientras tanto es difícil separar las frágiles imágenes de los traumas personales del creador.


1993


En 1991. El sobrino de Syd Barrett, concedió una entrevista en la cual se conocieron algunos detalles de la vida actual de Syd Barrett


Para 1992 se había lanzado una recopilación titulada "Optopus, The best of Syd Barrett" el cual contiene "lo mejor" de la producción artística del Diamante Loco, si es que se puede catalogar su trabajo como mejor o peor. En Julio del 93 apareció una nueva revista en tributo al artista, esta vez con el nombre de Anderson Council, (Cabe señalar que el nombre Pink Floyd se deriva de los nombres Pink ANDERSON y Floyd COUNCIL). Esta revista promete continuar el camino iniciado por la antigua revista Terrapin en 1970. Ese mismo año aparecieron los libros Crazy Diamond, de Mike Wartkinson & Pete Anderson y una caja con ese mismo nombre editada por EMI-Capitol, la cual encierra en un solo paquete los dos primeros discos del Artista, El álbum Opel así como varias tomas ineditas.


Los coleccionistas deben buscar el libro editado por UFO, 'Pink Floyd: The Syd Barrett Years - A Photographic Diary', el cual contiene un conteo de la historia de Pink Floyd con Syd Barrett virtualmente dia a dia desde 1966 hasta 1968, con mas de 100 fotgrafías nunca antes publicadas.


En 1997 se lanzó al mercado la edición 30 aniversario del álbum "The Piper at the Gates of Dawn", lo curioso de esta edición es que fue lanzada en monofonico, siguiendo la mezcla original que había sido aprobada por el propio Syd Barrett y que había sido desechada después de haberse realizado.


1998. Aparece el libro "Out of the Woods" escrito por Gian Palacios. El cual esgrime ser la mas completa biografía escrita sobre el artista y su obra. Al mismo tiempo que su sitio de la Internet mantenido por el mismo autor continua siendo la mayor fuente de información sobre el Diamante Loco. Mientras tanto aquí en Latinoamérica este sitio posee la única biografía en español disponible por los momentos.


Entrevista con Syd Barrett en febrero de 1983


Y aquí estoy, delante de esta vieja casa de Cambridge, espero respuesta a mi golpe de puerta. Nada. Vuelvo a llamar. En el jardín, una anciana corta rosas. Una sombra se perfila al fondo del pasillo, y avanza lentamente hasta la puerta.


"Hola". Estamos tan sorprendidos el uno como el otro y nuestras dos voces se superponen. "Te traigo esto, es tu ropa, ¿La recuerdas?. (Nota: el autor se refiere a unas prendas que Barrett dejó olvidadas en el apartamento de Londres en el que vivía hasta hacía un mes).


"¡Oh, sí! ¡de Chelsea! Sí..."


Es un hombre prematuramente envejecido, cansado. Con los cabellos muy cortos, los trazos endurecidos, los brazos caídos. Ha engordado. Su madre no me ha oído llegar, sigue en el jardín trasero. De vez en cuando, Syd lanza una mirada furtiva hacia esa parte del jardín.


Le explico que llevo días buscándole, que estuve en Chelsea y que allí me dieron la ropa para él.


"Gracias", me responde. ¿Pagaste algo? ¿Te debo algo por la ropa?.


"No", le pregunto que hace en la actualidad, ¿Quizá pinta?


"No, acaban de operarme, nada grave. Intento volver a Londres, pero debo esperar. Hay una huelga de trenes en estos momentos. No... no... Miraba la televisión eso es todo".


"¿Ya no sientes deseos de tocar música?"


"No. No tengo tiempo de hacer gran cosa. He de encontrar un apartamento en Londres, pero eso es difícil. Debo esperar...".


De vez en cuando mira el saco de la ropa y sonríe. Intenta continuamente poner fin a nuestra conversación, vigilando a su anciana madre, como si temiera que nos descubriera hablando. ¿Se acuerda todavía de Duggie?


"Euh... Sí... Nunca lo he vuelto a ver... No he vuelto a ver a nadie de Londres".


"Tus amigos te envían saludos".


"Ah... Gracias... Está bien".


Habla y reacciona como todos los desequilibrados que han sido sometidos a largos tratamientos psiquiátricos. Mirar parece haberse convertido en su única ocupación. No es tan extraño que la televisión represente gran parte de su vida.


"¿Puedo tomarte una foto?".


"Sí, claro..."


Sonríe mientras disparo la cámara y poco después...


"Ya basta. No me gusta que me vean... es penoso para mí... Adios".


Mira fijamente el árbol que se alza delante de la casa. Ya no se que decir. "Es bonito este árbol"


"Si, pero ya no... Lo han cortado hace poco... Antes me gustaba mucho..."


Desde el fondo de su casa se oye la voz de su madre. Roger Barrett se gira hacia mí, parece aterrorizado.


"Bien, a lo mejor nos volvemos a ver por Londres. Adiós"


Volviendo me cruzo con el hippy iluminado, que se esconde tras un periódico. Me siento angustiosamente vacío. Todo ha terminado.


Conclusión


La historia del arte en general se nutre de los creadores. Aquellos que su talento ha sido imposible contener y han dado a luz obras eternas, atemporales, que se burlan de los almanaques y las estúpidas modas. Syd Barrett, creador y primer compositor de Pink Floyd ha atravesado generaciones. Sus obras inmortalizadas y su legado de incalculable valor. El jazz , el rock sinfónico, y el despertar de la psicodélia conjugada con el pop de los años 60, eran los ingredientes básicos de los que se valió Syd en sus primeras composiciones. Pero he aquí el verdadero secreto. Barrett abrió las puertas que nadie pudo ni supo abrir en aquellos años. Sonaban los Beatles y los Stones . Nadie apostaba a los insipidos grupos del "underground" . En donde estaba el talento entonces??? . El que lleva 30 anos de solida e irrepetible vigencia . Los oidos de Syd escuchaban Astronomy Domine mientras el resto se embriagaba en melodias comerciales y de rapido retorno economico.


Roger Waters se hizo desde las entrañas de Syd , compartiendo su adolescencia y sus horas mas brillantes. Dave y el resto de banda, interpretaron durante toda su carrera, la luz que había encendido este artista indefinible , que rompió todos los esquemas, que ha soportado las humillaciones y difamaciones mas bajas, respondiendo solamente con su obra y su talento . Articulo de coleccion .-


El 20/10/94, el último concierto de Pink Floyd , en el Earls Court de Londres, conmovio a todos los que lo vieron, en vivo o por televisión, la imponencia de semejante espectáculo . En cada efecto especial, en cada luz, en cada laser, en cada arreglo, en cada voz, en cada texto y en cada músico, vivirá por siempre, Syd.

Esta biografía está basada en los textos de Brian Hogg, en el libro Out of the Woods de Gian Palacios, La Grabación del Madcap Laughs de Malcoln Jones y entrevistas aparecidas en las revistas Rock Especial, Rolling Stone, Melody Maker, además de comentarios aparecidos en las revistas tributo a Syd Barrett: Terrapin y Anderson Council.


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*esta compañía denominada Columbia no guarda relación alguna con Columbia Records, una división de Sony Music Entertainment.