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Wednesday, September 23, 2020

Decidí juntar mi crítica del álbum Live de Police junto a mi crítica severa sobre la presentación del grupo, reunificado pero sin sustancia, el 13 de junio pasado en Oakland como parte de su gira de reunión. Espero os guste. A la izquierda, Certifiable (2008), souvenir de dicha gira.



The Police
Miércoles 13 de Junio del 2007
McAffe Coliseum, Oakland, CA

Seré directo antes de que ustedes quieran seguir leyendo: la gira de Police del 2007 y 2008 resultó ser, como lo había afirmado el baterista Stewart Copeland ya hace unas semanas, un total desastre.

Creí que Copeland estaba siendo el mismo gringo pendenciero de hace veintiocho años, en donde usaba cada entrevista para burlarse de Sting, haciéndole sacar canas verdes. Lo tildaba de tortuga, arrogante, sex symbol pasado de moda y demás. Sting pisaba el palito y varias veces se agarraron a trompadas en pleno tour. Sin embargo, la música que tocaban en esa época, 1979-1981, era de primer nivel, perfectas obras maestras del rock y la música popular. Existía el compromiso y las ganas de dominar el mundo a como sea: ¿Quién puede negar que "Roxanne" es una canción mediocre? después del concierto del miércoles, más de uno.

Police es ahora trío que no ensaya antes de tocar, y de remate con un cantante que trataba de mantenerse lo más lejos posible de cómo sonaba en las grabaciones de hace casi 30 años. Si en 1978 Police triunfó fue debido a cuatro elementos de su música: melodías pegajosas de Sting, sus riffs de bajo igual de tarareables, la guitarra hipnótica de Andy Summers y la batería intricada de Copeland. Esta vez, los elementos estaban, pero Sting no quería repetirlos, sino mas bien, ups, experimentar con lo aprendido en las últimas dos décadas.

Craso error. O sea, en vez de cantar “Don’t Stand So Close To Me” como lo hacía en 1980, Sting le puso el tono melancólico de la versión de 1986, dandose el lujo de equivocarse de tiempo al entrar después de un redoble de Copeland. Catastrófico. "Synchronicity II" fue ejecutada con apatía por parte de Sting mientras Copeland se rompía los brazos tocando como un poseso. Andy estaba ahí, cumpliendo fielmente su rol de guitarrista pero también parecía que quería que la noche acabara para irse a dormir. Quizás ya se había dado cuenta que en "Message In A Bottle," su guitarra estaba desafinada.

Claro que hubieron buenos momentos en el que pareciera que el trío llegó a una tregua con su propia desgana: ahí estaba "Wrapped Around Your Finger" que hizo ver a Stewart Copeland como un percusionista virtuoso. El single de 1981, "Invisible Sun," ejecutado con la misma elegancia original, transpuso la referencia original de la ocupación de las tropas británicas en Irlanda a la actual guerra en Irak gracias a las enormes pantallas de video y luces. Aunque "Can't Stand Losing You" no tuvo la fuerza de la versión estudio ni la de los conciertos ochenteros, se dejó escuchar, aunque para entonces ya nos habíamos dado cuenta que Police, éstos Police, era una banda de covers.

El concierto ha quedado como parte de un tour que debió haber ocurrido, pero no de esta manera. Sting parecía que no le daba la gana cantar como cantaba antes.


Police triunfó y arrasó en los ochentas por una razón: la honestidad en sus canciones cuando la gente buscaba llenar un vacío de ídolos (tras la muerte de John Lennon), su visión clara de la realidad y, claro, una música y una performance enérgica, fuera de serie. Ninguno de sus discos puede ser considerado "malo," su mayor éxito ocurrió cuando ellos ya habían decidido separarse, y dejaron un buen recuerdo en la audiencia.

Creo que a pesar de haber vendido 22 millones de discos en Estados Unidos, Police debió haber vendido más. Debió haber causado mayor conmoción y la gente debió haber entendido que The Police era un trabajo de equipo, un ejercicio, un partido de fútbol a seguir, admirar e imitar. Lamentablemente ni Sting ni Andy Summers entendieron la idea de Stewart: tocar como un grupo de rock, en perfecta sincronía, como en 1979.



Live (A&M ,1995)
THE POLICE

La carrera de The Police podría compararse a una canción punk o new wave: desafiante, fuerte y rápida. Tan rápida que no tuvieron tiempo para lanzar un disco verdaderamente malo, como sí lo han hecho muchas grandes bandas, ni un álbum en vivo. Extraño, porque podían haber conquistado los puestos más altos de los rankings con un buen concierto grabado y editado a su tiempo; digamos en 1981 o 1982. Se tuvo que esperar 13 años después del lanzamiento del último disco, Synchronicity (1983) para que Andy Summers se anime a producir un disco doble en vivo. Como lo dice el slogan publicitario: "30 canciones. 150 minutos, y ningún idiota que piense que él puede cantar Roxanne" (¿una alución al decaimiento de la voz de Sting en su carrera solista?); se trata de dos conciertos claves en la historia de Police:

El primero, una actuación que fue difundida por en noviembre de 1979 en Boston. Contiene los deslumbrantes y movidos temas de sus dos primeros álbumes: Outlandos D´Amour y Reggatta De Blanc. Se trataba de la primera gira de Sting, Andy Summers y Stewart Copeland a los Estados Unidos y su sonido estaba en el mejor momento. Next To You, So Lonely, The Bed´s Too Big Without You, Bring On The Night, Fall Out y Can´t Stand Losing You—Reggatta De Blanc son las mejores canciones del disco 1. En este disco también hay algo de revancha de Andy Summers puesto que la producción no edita algunas frases que pudieron ser omitidas: en un momento Andy pide al ingeniero de sonido arreglar el sonido del bajo de Sting pero Copeland, sin importar lo que pasaba, daba la orden de arrancar Truth Hits Everybody. Sting en un momento dice: "esta canción es de mi última grabación. Se llama Walking On The Moon". Ni habían pasado dos años de la formación de Police y ya Mr. Cool se comportaba como si estuviera en medio de una gira solista. Me imagino a Andy y a Stewart mirarse las caras y sentir vergüenza ajena y algo de celos.

El segundo concierto es el ya famoso Synchronicity Concert, popular entre los fans de The Police por hallarse disponible en video. En Perú, el extinto canal 27 UHF lo pasaba hasta el cansancio entre 1987 y 1989. Sting y compañía ya eran famosos a nivel mundial, ganadores del Grammy por Every Breath You Take y ya se notaba cierto desgano en sus conciertos; pero esta actuación en el teatro Omni de Atlanta en noviembre de 1983 sería su Canto De Cisne. Es un buen show pero carece de la tenacidad de las primeras actuaciones, tal como se puede escuchar en el concierto de 1979. Aparecen dos temas que no salieron en el famoso video, Synchronicity II y Roxanne, ejecutadas con la misma calidad de siempre pero con la intromisión de ciertos coros fememinos que serían más útiles para los discos solistas de Sting que para The Police. Al final Sting, en otro acto de arrogancia, se da el lujo de presentar primero a las coristas antes que a su colega—rival Copeland y se da el lujo mayor de no presentarse, como si ya todos supieran quién es él y quién sobresale en el trio. Quería urgentemente un disco solista, y dos años después The Dream Of The Blue Turtles vio la luz.

En pocas palabras, The Police logró vencer, después de años, una batalla a los piratas a nivel económico y a la idea de que solamente Sting era la única estrella del show, lo cual es falso. Ahí están Andy y Stewart para demostrar que bien funciona un trio cuando no hay intereses personales de por medio.

(Artículo escrito en 1999)

Esto lo escribí hoy.... hay unas fotos en el San Francisco Chronicle que vale la pena ver. El artículo de Joe Selvin es bien interesante, también. Las fotos de aquí fueron tomadas por Andrés Fernández. ¡Gracias Andrés! 

Donald Fagen
Paramount Theater, Oakland, California
Martes 28 de Marzo del 2006, 8:00 PM

Según sabemos, Donald Fagen detestaba salir de giras con Steely Dan a inicios de los setentas. Detestaba sentirse limitado al tocar como telonero de bandas como Humble Pie y Slade al negociar su libertad creativa con su casa disquera ABC Records y con las tendencias de la musica popular del momento. Nunca se comprometió a tocar música que no le salga del alma. Resulta curioso que en 1993, después de lanzar su segundo álbum solista, Kamakiriad (Reprise), Donald decida convencer a Walter de salir de gira con una banda estable después de 19 años de no tocar en vivo debido a la pobre infraestructura y mala organización de los tours, que lo desesperaban. La responsable de sacar a Donald de su casa -donde ya empezaba a comportarse como un empleado bancario retirado- fue su flamante esposa Libby Titus, una cantante y compositora brillante pero totalmente desconocida de los setentas. Donald se inspiró y no sólo armó un tour brillante con un mediocre álbum en vivo incluído (Alive In America, 1995) sino que también sentó las bases para dos discos de Steely Dan bajo el sello Reprise: Two Against Nature (2000) y Everything Must Go (2003.) Estos dos últimos discos con un mejor staff de músicos que los del tour de 1993-1994. Donald ha salido de gira solo por primera vez en su vida, y el show de Oakland fue una ceremonia ruidosa celebrando su material solista que de por sí es excelente, aunque escaso.

Fagen nterpretó cinco de los ocho temas de su primer álbum, The Nightfly (Warner, 1982,) uno del segundo Kamakiriad (Reprise, 1993) y uno del tercero y probablemente último, Morph The Cat (Reprise, 2006). En 24 años, Donald Fagen ha creado una trilogía de álbumes que narran la evolución de un outsider en la música y en la sociedad. De sus años de infancia escondido en un búnker antinuclear en los años cincuenta, a un cuarentón con auto nuevo que sale a celebrar su reciente soltería para llegar a un hombre maduro a punto de cumplir sesenta y listo para lidiar con la paranoia y la Señora Muerte. Durante la noche Fagen nos paseó por su primer álbum y los éxitos de Steely Dan en los cuales su voz tuvo un mejor desempeño: “Black Friday,” “Black Cow” y “Third World Man.” El sonido fue pristino, perfecto y fuerte desde el inicio con una versión acelerada de una canción no muy conocida de los Dan: “Here At The Western World.”

Dos vientos, dos guitarras, dos pianos eléctricos provocando un estampido sónico totalmente comprometido con el sonido setentero de Steely Dan. Un brillante trompetista llamado Michael Leonhardt interpretó el solo de la noche en “Misery And The Blues,” un cover del trombonista Jack Teagarden. Regresó al escenario luego de una ovación de pie para interpretar “Pretzel Logic” y rematar la noche con una rareza total de Chuck Berry, “Viva Viva Rock And Roll.” El show fue corto y cuando salimos del bello Paramount Theater, ya daban las diez de la noche. Cuando Donald rechazó hacer giras para promocionar obras maestras como Aja (ABC, 1977) no se imaginó que las condiciones cambiarían veinte años después y que sentarse a tocar el piano eléctrico frente a una audiencia que se sabía las letras de memoria y que incluía un grupo de fanáticos que pagó más de 300 dólares por persona por estar en la zona VIP, oliéndole el aliento a uno de los genios musicales más importantes de Estados Unidos.

Los fanáticos de Donald Fagen y de Steely Dan son historia aparte: estudian sus líricas y las usan como frases en su vida diaria… en vez de cool, dicen “no static at all” e incongruencias filosóficas como esa. Son su mayoría cincuentones que fueron a la universidad en los setentas y que escucharon los siete discos de la banda en seguidilla mientras se vestían bien, iban al cine a ver películas “de esas para pensar” y de cada diez citas una o dos se repetirían con la misma persona. Steely Dan es música para nerds que gustan de acordes complicados pero de un ritmo bailable y una melodía coherente a pesar de las complicadas líricas. No en vano Fagen se parece cada día más al profesor Emmett “Doc” Brown de Back To the Future: Un científico loco obsesionado en viajar por el tiempo para “arreglarlo” a su gusto. Su material solista es más personal y canta en primera persona y esta gira del Morph The Cat es sobre él, sobre ser un ícono de la desadaptación social de un muchacho judío de Nueva York que adoraba el jazz irradiado de las emisoras AM de los cincuenta. Maravilloso.

Donald Fagen: The Nightfly (1982) Kamakiriad (1993) Morph The Cat (2006)
Con Steely Dan: Citizen Steely Dan (MCA, 1993): La colección completa de los 7 álbumes grabados para ABC/Dunhill Records y MCA. 

Monday, September 21, 2020


A Kind Of Magic (EMI, 1986)
The Miracle (EMI, 1989)
Innuendo (Hollywood, 1991)

The last five years of Queen as a band were way more successful with their audience than the twelve before; not with the critics because Queen never got along with the music press. But it seems that the lyrics of “Bohemian Rhapsody” worked as a fateful prophecy that applied to lead singer Freddie Mercury: a tragedy in which the fortunate man finds that there’s no life ahead, just a furious grim reaper approaching him at a tremendous speed. The speed of AIDS. We don’t know the exact moment in which Freddie Mercury found out he carried the HIV virus. It could have been a little after the apotheosis of the A Kind Of Magic tour, in which we find Freddie in his best shape, form and relationship with the audience; specially the one at Wembley Stadium on July 12, 1986. After that tour, and after recording the Miracle album, Mercury announced that Queen didn't have any plans to go around the world promoting it. The three records mentioned here, specially The Miracle, are way underestimated by the critics who thought Queen was repeating themselves each three years playing hymns for sold out stadiums, listening and admiring a singer who was a real showman, deeply in love with fame –not fortune- and the love of his audience, that invisible being that understood his troubles and tribulations everytime he hit the stage. A Kind Of Magic was, besides yet another Queen record in the eighties, the second effort of recovery after that bad joke called Hot Space. It came also with a fantastic movie, Russel Mulcahy’s Highlander, and some songs from the album were used in the film, like “Don’t Lose Your Head” and “One Year Of Love.” The movie tells the story of a Scotsman who belongs to an immortal warrior race that’s been fighting between themselves since Middle Age, and has to choose between immortality and a limited-time life of love with his beloved woman. In the case of Mercury there was no room for choice, but a quick rush to grandeur with this album and the spectacular tour of ’86, ending on August 9 at Knebworth Park in London, Queen’s last performance as a quartet.

The Miracle tunes, had being played live, would have delighted the masses. “I Want It All” is so strong we can find it on Digital TV commercials. It has a certain fatalistic touch probably because Mercury already knew by that time he was sick and also Brian May was divorcing his second wife, British actress Anita Dobson. The irony of this record is that, no matter how much pain and sorrow they could sing of, people loved them unconditionally, posting them on the top of the charts. Same curse Cobain suffered until his suicide, but in the case of Queen, they suffered it with quiet desperation, the English way.

Innuendo, released on February 1991, has so many hidden messages about the Grim Reaper that by May rumors were flying on Mercury’s counted days. The first single, “Innuendo,” was an analysis on time spent in fame and a chant to keep fighting until the end for life itself. November arrived, Mercury announced he was an HIV carrier and he was dying and two days later he died, entering the pantheon of Rock and Roll Glory. As simple as that, he kept the secret for a considerable amount of time and his fatalism and anger went beyond his own tragedy: “This is just the tip of the Iceberg,” said Freddie two days before he died. Elton John and David Bowie might have been sweating cold. The keys for the announcement of his premature departure can be found in “Headlong” and “I’m Going Slightly Mad,” where the unavoidability of sudden death is present in almost all verses. For “The Show Must go On,” Freddie regrets being close to death, but he takes it holding his head high, ready to die with the make-up on, entertaining his audience. The fans couldn’t have been in more pain on the next day of his departure, but Freddie left this world leaving a very, very strong musical legacy, full of personality and syle.


*****

Los últimos cinco años de Queen como banda fueron mucho más exitosos con la audiencia que los anteriores; de más está decir con la crítica porque Queen nunca se llevó bien con la prensa. Pero pareciera que la letra de la canción "Bohemian Rhapsody" se le cumplía a su vocalista Freddy Mercury cual profecía: una tragedia en la cual el hombre afortunado de tener toda una vida por delante ve que no hay más que una muerte que viene que bufa.

No sabemos el momento exacto en el cual Freddy Mercury se entera que es portador del virus del SIDA. Pudo haber sido después de la apoteósica gira del A Kind Of Magic, en donde a Freddie se le ve en su mejor forma y relación con la audiencia, especialmente la del estadio de Wembley en aquel 12 de Julio del '86. Después de aquella gira, Mercury anuncia que Queen no tiene planes de seguir paseándose por el mundo con el álbum que grabarían después, The Miracle.

Los tres discos mencionados aquí, especialmente The Miracle, están muy subestimados por la crítica quienes consideraban que Queen se repetía a sí misma cada tres años tocando himnos para estadios en donde no cabía un alfiler de llenos que estaban, escuchando y admirando a un verdadero showman quien estaba enamorado perdidamente de la fama -no de la fortuna- y del cariño de su público, aquel ente invisible que entendía sus tribulaciones cada vez que salía al escenario.

A Kind Of Magic fue, aparte de un disco más de Queen en los ochenta, el segundo esfuerzo de la banda al recuperarse de aquella broma de mal gusto llamada Hot Space. Vino a la par con una película fantástica, Highlander de Russell Mulcahy, y algunas canciones se usaron en dicho filme, como "Don't Lose Your Head" y si no me equivoco, "One Year Of Love." La película cuenta la historia de un Escocés que pertenece a una raza de guerreros inmortales que ha estado luchando entre sí desde el Medioevo, y tiene que decidir entre la inmortalidad o la vida de tiempo limitado junto a su amada. En el caso de Mercury no iba a haber decisión, pero sí un apresuramiento a la grandeza con este disco y la espectacular gira del 86, que finalizaría el 9 de Agosto con el último concierto de Queen como cuarteto en Knebworth Park, Londres.

Las canciones del Miracle, de haber sido tocadas en vivo por Queen, hubieran encantado a las masas. "I Want It All" por ejemplo, es tan fuerte que se usa ahora en comerciales de TV digitales. Tienen un cierto toque fatalista porque al parecer por ese entonces Freddie ya sabía de su enfermedad y Brian May se estaba divorciando de su esposa, la actriz Anita Dobson. Lo irónico de este disco, al igual que los otros dos, es que por más drama y tristeza que ponían, la gente los adoraba colocándolos en el número uno de la mayoría de listas. Es la maldición que Kurt Cobain sufrió hacia el fin de su vida de la misma forma, pero en el caso de Mercury y Queen, la sufrían con desesperación calmada, al típico estilo Inglés.
Innuendo, aparecido en Febrero de 1991, tiene tantos mensajes escondidos refiriéndose a la Pelona que para Mayo ya corrían rumores de que Mercury tenía los días contados. El primer single, "Innuendo," era un análisis al tiempo pasado en medio de la fama, y la arenga a seguir luchando hasta el fin por la vida misma. Noviembre llegó, Mercury anunció al mundo que era portador del VIH y el 24 de Noviembre el SIDA lo mandó al panteón de la Gloria del Rock And Roll. Así de simple, mantuvo el secreto durante un tiempo considerable y su fatalismo fue más allá de su propia persona: "Esto es la punta del Iceberg," dijo dos días antes de morir. David Bowie y Elton John debieron haber estado sudando frío. Las claves están en "Headlong" y "I'm Going Slightly Mad", en donde la inevitabilidad de la muerte intempestiva está presente en casi todos los versos. Para "The Show Must Go On," Mercury se lamenta estar al borde de la muerte, pero lo toma con la frente en alto, dispuesto a morir con el maquillaje puesto. Sus fans no pudieron estar más adoloridos al día siguiente de su partida, pero él se fue dejando un legado musical muy fuerte, lleno de personalidad y estilo.
Escribe: Luis Guadalupe.

Desde que QUEEN se convirtiera en mi banda favorita en 1981, siempre fue mi fantasía verlos en concierto. Al morir FREDDIE MERCURY en 1991, esa ilusión también moría y debí esperar 27 años para hacer realidad el sueño de ver en vivo a la dupla sobreviviente de QUEEN. Mis amigos pueden dar fe de ello: desde que murió Freddie, siempre insistí que la dupla de BRIAN MAY y ROGER TAYLOR debía seguir junta y no separada, ya que estaban juntos desde SMILE, cuando se unieron en Octubre de 1968. Ante el retiro voluntario de JOHN DEACON en 1997, a los fans de QUEEN solo nos quedaba esta dupla y tras el fracaso comercial de sus respectivos albums solistas en 1998, creo que se dieron cuenta que el camino a tomar era el de permanecer juntos en vez de seguir individualmente en sus carreras solistas. Se involucraron como productores en el musical teatral “WE WILL ROCK YOU”, tocando juntos en algunas performances con el elenco de la obra y en algunas presentaciones especiales como los shows en Ámsterdam y Buckingham en el 2002 y el concierto “46664” en Sudáfrica en el 2003. Cuando en el 2005 esta dupla se une a Paul Rodgers y forman la alianza o asociación denominada QUEEN + PAUL RODGERS, debo confesar que tuve mis dudas, pero mi opinión cambió totalmente cuando a fines del 2005, despojándome de todo tipo de prejuicio ví completo el DVD “RETURN OF THE CHAMPIONS” y quedé fascinado con el show y con lo hecho en vivo por esta alianza. Allí empezó a gestarse en mi interior este sueño de ver a esta dupla en vivo, y recuerdo que le dije a mi esposa, “este show está para no perdérselo y habrá que hacer todo lo necesario para verlos si vienen el 2006”.

Y este sueño agarró mucho más fuerza el 03.03.2006 cuando gracias a mi amigo Christian Arbulú pude, a través del celular, escuchar varios temas del concierto en Miami. Fue muy emocionante y luego de ello, me dije, “ahora me falta solo verlos”. Setiembre 2008. QUEEN + PAUL RODGERS lanzan el album “THE COSMOS ROCKS”, y anuncian la gira europea que comenzó el 12.09 en Ukrania y finalizó el 08.11 en Londres. Pero adicionalmente se anunció que después seguiría la gira sudamericana en noviembre. A partir de allí, comenzaron las especulaciones sobre dónde se presentarían. Se hablaba de Argentina y Brasil, se rumoreaba Chile, Colombia y Perú. Según supe, hubo la intención de traerlos a Perú, pero por temas de carácter técnico no se llegó a ningún acuerdo. Hasta que finalmente, el 25.09 salió el comunicado oficial en la web de Queenonline anunciando la gira sudamericana y comprendía Chile, Argentina y Brasil. Los rumores se convertían ya en una realidad: la dupla sobreviviente de QUEEN volvía a Sudamérica Ante ello, con dos amigos más, tomamos la decisión de ir a Santiago a verlos el miércoles 19 de noviembre en el Estadio de San Carlos de Apoquindo. El 04.10 salieron a la venta las entradas para el concierto en Santiago y desde ese día, transcurrieron 45 días hasta el martes 18 de noviembre cuando arribé a Santiago a las 3:20 am. En ese lapso, tuve que sortear dificultades y superar barreras que parecían insalvables, pero que gracias a Dios, a mis Angeles que me cuidan y a mis amigos chilenos Rocío y Brede, las cosas se alinearon de tal forma que fueron encaminándose por la vía correcta. Fueron 45 días en que fui definiendo diversas cosas, siendo la 1º el no ir solo sino acompañado de mi esposa Silvana, y luego, encargar las entradas para que nos las compren, enviar el dinero, esperar la llegada de las entradas vía correo, comprar los pasajes aéreos, hacer la reserva del hotel donde nos alojaríamos y negociar mis vacaciones en mi trabajo para esa semana. El lunes 17 ya estaba listo para emprender esta aventura y partimos a las 9:50 pm en el vuelo de TACA.

Martes 18 de Noviembre del 2008. Tras descansar algunas horas en el Hotel San Marino, donde nos alojamos, con mi esposa nos fuimos a recorrer el centro de la ciudad y tomarnos fotos, y en la tarde con nuestra amiga Mapi Zevallos -quien tambien viajó desde Lima al concierto- fuimos al Periférico y vimos desde arriba la ciudad y pasamos un momento muy grato. Pero lo mejor sucedió al final del día. Los 3 nos fuimos al Hotel Hyatt –donde se alojaba la banda- para encontrarme con varios amigos chilenos queeneros que tengo en el Facebook, y de paso ver si se daba el milagro de ver salir o entrar a algunos de los miembros de la banda. Y en un momento baja de un carro Sarina -la pareja de Roger- y Mapi la reconoció y me dijo, "Lucho, esa es Sarina", y luego baja del carro, alguien que se puso de espaldas y tenía el pelo claro. Voltea y era nada menos que Roger Taylor y mi amiga Mapi pegó el grito de su vida llamándolo a Roger -al igual que yo- y gritó su nombre y cuando Roger caminaba hacia la puerta del hotel, se sobreparó, volteó, se detuvo y nos sonrió y saludó levantando la mano y con muy buena onda. Y al poco rato, bajó de otro carro Spike Edney y todos corearon su nombre y volteó y sonrió, saludando a la gente. Al menos, pudimos ver en vivo y en directo a ROGER TAYLOR. Era un anticipo de viviríamos la noche siguiente.

Miércoles 19 de Noviembre del 2008. Día que JAMAS olvidaré mientras viva. Tras salir a hacer algunas llamadas a algunos amigos y familiares, con mi esposa regresamos al Hotel en donde nos encontraríamos entre 12 y 12:30 con Mapi y Abraham –otro amigo que viajó desde Perú para el concierto y donde los 4 estábamos en la misma fila e íbamos a compartir esta experiencia juntos. Salimos a almorzar juntos y comimos una Pizza y luego regresamos al apartamento a alistarnos para salir hacia el estadio San Carlos de Apoquindo. A las 5 pm comenzamos nuestro recorrido y fuimos al Metro y tomamos el Metro hacia la Estación de Baquedano y de allí empalmamos para tomar el Metro hacia la Estación de la Escuela Militar, y en donde tomaríamos un taxi hacia el estadio. Recuerdo que llegando a ésta última estación, alguien desde lejos grita mi nombre en plena estación generando la sorpresa de mi esposa y mis amigos y era mi linda amiga Rocío que me había reconocido por el polo que llevaba puesto y a quien le debo el habernos apoyado bastante para el tema de las entradas. Luego subimos con la idea de tomar un taxi, pero vimos cierta viveza de varios taxistas y como Abraham tenía una tarjeta para subir a un ómnibus que nos llevaría al estadio y subimos en este último tramo que nos llevaría a la “tierra prometida”. Algo como el camino amarillo del film “El Mago de Oz”, el cual recorrimos desde que salimos del apartamento, y curiosamente recuerdo que en el Metro las escaleras estaban pintadas de amarillo y los 4 nos reíamos evocando esa escena en la que los 4 personajes de “El Mago de Oz” recorrían el camino amarillo. A las 6:15 pm, bajamos del ómnibus, y procedimos a caminar hacia el estadio. En ese momento, mi preocupación era poder ingresar la cámara fotográfica que tenía. Me encomendé al de arriba y que sucediera lo que tuviera que pasar. Al llegar a la puerta donde correspondía el ingreso para nuestra localidad comprada, VIP TOP CENTRAL, vimos que no había la colaza que había para tribuna, y procedimos a entrar y no me revisaron absolutamente nada y sentí que me quitaba un peso de encima y que gracias a Dios, iba a poder tomarme fotos con mis amigos chilenos y sobretodo, fotos del concierto.

Cuando ingresamos, sentimos la emoción de ya estar adentro del estadio. Eran las 6:30 pm cuando arribamos a nuestra localidad, VIP TOP CENTRAL, y estábamos en la Fila 17, y a solo 5 filas de la parte del escenario donde se llevaba a cabo del set acústico. Cuando estábamos allí, no podíamos creer lo tan cerca que estábamos. Imagínense estar en un lugar, den 5 pasos y allí verán cuan cerca hemos estado anoche. Esos momentos previos al concierto, casi 2 horas 45 minutos, fueron inolvidables para mí. Tuve la dicha de conocer a muchos de mis amigos y amigas queeneros chilenos que tengo tanto en el Facebook como en un foro chileno de QUEEN y fue maravilloso sentir el cariño y afecto de todos estos amigos, en forma sincera y auténtica y en casi todos los casos, no era yo quien me acercaba a saludarlos, sino al revés, eran ellos se acercaban a saludarme y darme un abrazo fraterno. Fue algo increíble y lleno de sentimiento, y nos tomamos fotos en grupo e individuales como testimonio de ese momento único. Conocer personalmente a amigos que antes eran solo amigos virtuales fue emocionante, y así conocí a muchos amigos como Sandrita, Piero, Isabel, Nicole, Nancy, Rocío, Yocelyn, Brede, John, Ismael, Matty y Adriana, entre otros. Francamente me sentí en la gloria y experimenté una felicidad intensa y verdadera. A tal punto que cuando mi esposa y mi amiga Mapi se pararon un ratito para ir al baño, y el tipo de seguridad le preguntó a mi esposa, “si ese señor de canas era alguien importante porque veía que todos se acercaban a saludarlo y se tomaba fotos con todos”. Ni en mis más delirantes sueños de grandeza, podía haberme imaginado algo así. También nos encontramos con Wilson, amigo peruano que había venido para el concierto. 

Francamente el ambiente que se vivía en esos momentos previos era una VERDADERA FIESTA, y se respiraba hermandad queenera por todos los lados, sin importar las edades y las nacionalidades. Realmente fue el mejor preludio que se pudo haber tenido antes del concierto. Estadio San Carlos de Apoquindo. Hora: 9:15 pm. Se apagan las luces y comienzan a aparecer en la mega pantalla, imágenes del cosmos y los planetas y rayos y truenos. El sentir en la gente era vibrante, y cuando se escucha el intro de “Surf’s Up, School’s Out” del nuevo album, la emoción se va incrementando porque ya significaba que la banda comenzaba a ponerse en escena. Cuando concluye esta introducción y se prenden las luces, y se ve a los seis miembros de la banda en el escenario fue sencillamente increíble, YA ESTABAN ALLI! Y EN VIVO Y EN DIRECTO! Y arrancan con “Hammer To Fall” y la emoción de la gente fue total. Era estar viviendo por primera vez un tema de QUEEN ejecutado musicalmente por dos de sus miembros originales y con el sonido clásico de QUEEN. Y la emoción de ese preciso momento fue indescriptible. Era ver en carne y hueso, en persona, en esos precisos instantes y compartiendo el mismo espacio que uno, a BRIAN MAY y ROGER TAYLOR. Y cuando Brian se acercó a tocar su solo hacia esa parte del escenario, de la cual solo nos separaban 5 filas fue más que emocionante. Ver a alguien que a lo largo de los últimos 27 años, solo lo había escuchado por radio, por LPs, cassettes o CDs, o visto en TV, en videos o en DVD, o visto en revistas o magazines, y que ahora lo teníamos al frente y en vivo, sin tener que apretar un boton de Stop o Rewind para volver a ver su imagen en una pantalla de TV. Era la señal que a partir de ese momento y en las siguientes dos horas y media, viviríamos algo fuera de este mundo. Era el momento de creernos lo que estábamos viviendo y que nos encontrábamos POR FIN ya ante una hermosa realidad: teníamos a QUEEN + PAUL RODGERS sólo para quienes nos encontrábamos en el estadio y sentiríamos la magia de la música de QUEEN en nuestras venas. Termina “Hammer To Fall” y es empalmado de inmediato con ese clásico de QUEEN de 1976, “Tie Your Mother Down” con el riff clásico de Brian al comenzar el tema y la euforia se desata totalmente entre los fans. Era el sonido de QUEEN a todo meter.

Lo que seguiría luego fue una serie de recordados temas de QUEEN como Fat Bottomed Girls, Another One Bites The Dust –en donde Paul se lució con el público-, I Want It All y I Want To Break Free, como para que la gente reviviera las épocas queeneras y de paso, comenzaran a destrozar sus gargantas –como yo comenzaba ya a hacer religiosamente. Acto seguido, y en el momento oportuno, vienen dos temas del nuevo album “THE COSMOS ROCKS”, “C-Lebrity” y “Surfs Up…Schools Out!”, con harta cosecha rockera como para mover al público hasta agotarse. De inmediato, Brian presentó a Paul Rodgers, quien interpretó con su guitarra acústica el clásico de Bad Company, llamado “Seagull”, hermoso tema y que sirvió como un descanso tras la adrenalina derramada, y asimismo como un preludio para lo que vendría inmediatamente después. Antes de entrar a esa parte, quiero resaltar la figura de Paul Rodgers, quien demostró su enorme calidad y su innegable dominio de escena. En ningún momento del concierto intentó a imitar o siquiera parecérsele a Freddie, y eso se le agradece. El tiene su propio estilo, admirado y reconocido por sus colegas de profesión y por sus fans en todo el mundo y no en vano, se ha mantenido durante casi 40 años en el mundo del rock y el blues. Todos sabemos que Freddie es insustituible y que nadie JAMAS podrá ocupar su lugar. Pero tampoco estamos ante la figura que alguien haya venido a usurpar su lugar. Tras este paréntesis, y al culminar el tema Seagull, Paul se retiró del escenario, dando paso al inicio del segmento que todos los que nos encontrábamos en VIP TOP tanto CENTRAL como LATERAL estábamos esperando desde que adquirimos nuestra entrada: El Set Acústico y a escasas 5 filas del escenario. Llegó Brian y se sentó en una silla con su guitarra acústica, para comenzar con lo que sería uno de los momentos más emotivos de la noche. Tras decir en su entendible español “Finalmente estamos aquí”, lo que provocó al aplauso del público chileno. Tras decir algunas palabras, llegó lo que el fan de QUEEN latino tanto esperaba, el tema “Love Of My Life”, que Brian dedicó expresamente a Freddie Mercury. Demás está decir que el tema fue cantado por todo el estadio en forma emotiva y provocó las primeras lágrimas que comenzaron a caer de mis ojos. Cómo no evocar a Freddie en los 70’s y 80’s haciendo corear este tema. Fue sencillamente indescriptible.

Pero la cosa recién comenzaba, termina el tema y Brian le dice al público que para el siguiente tema necesita un baterista, y presenta a Roger, quien se acerca caminando a este lado del escenario. Era fantástico, teníamos a la dupla sobreviviente de QUEEN, a escasos metros y los veíamos, tan, pero tan cerca, que no lo podíamos creer. Y cuando arranca 39, a muchos fans setenteros de QUEEN nos invadió la nostalgia y las lágrimas de emoción siguieron haciendo su trabajo en nuestros ojos. Pero a la mitad del tema, Brian dice que no es suficiente y que necesita más músicos e invita a Spike Edney –el 5º QUEEN-, Jamie Moses y Danny Miranda, a unirse a ellos y vuelven a interpretar 39. Cómo explicarles, teníamos a casi toda la banda –menos Paul-, allí tan, pero tan cerca. Termina el tema, y todos salen del escenario, dejando solos a Roger y Danny Miranda y se mandan con una especie de solo de bajo, en donde se llegaron a escuchar las partes características de Antoher One Bites The Dust y Under Pressure en el bajo, y que sin duda, nos hizo evocar al ausente, John Deacon. Luego queda Roger solo y se manda con un pequeño solo de batería, mientras le van armando la batería y cuando queda lista, se manda con todo con su clásico “I’m In Love With My Car”. Otra vez la adrenalina regresa con todo. De inmediato, Roger se manda con un tema de QUEEN de los 80’s, composición suya, hoy escuchada bastante en un comercial de telefonía celular, “A Kind Of Magic”.

El remate del solo de guitarra de Brian en este tema fue espectacular y una vez más, tuvimos a la dupla tan, pero tan cerca. Si el set hubiera terminado allí, hubiera quedado más que satisfecho con ese segmento, pero esta dupla es especialista en el arte de hacerte moquear y sin anestesia. Y vino uno de los números más esperados por el fan latino, el tema que Brian dedicara a los fans latinos en 1982, “Las Palabras de Amor”. Ya la habían incluido en Madrid y teníamos la esperanza que sucediese lo mismo en Sudamérica. Y ocurrió. La gente lo coreó al unísono y ellos mismos se sorprendieron de la reacción de los fans chilenos. Gran momento de la noche. Acto seguido, una vez más la dupla queenera en acción con “Say It’s Not True”, cantado primero por Roger, luego por Brian y la 3º parte por Paul y ahora teníamos al frente al trío que conforma esta alianza denominada QUEEN + PAUL RODGERS. Eso fue el cierre del set acústico. Con eso, ya daba por pagada mi entrada y si me hubieran dicho, hasta acá nomás duró el concierto, me hubiera ido de lo más feliz a mi hotel y con el corazón en la mano. Pero no, había mucho más por venir. Continuaron los temas “Voodoo” –un simpático blues del nuevo album-, “Bad Company” –tema del grupo del mismo nombre que Paul liderara en los 70’s, con Paul en el piano y en la pantalla gigante se veían imágenes de Paul de sus época setenteras- y “We Believe” –en mi opinión, el mejor tema del nuevo album y magistralmente interpretado por Paul. Y siguió otro momento emotivo. Brian arranca con su característico solo de guitarra con los acordes de “Keep Yourself Alive”, y prosigue con sus riffs característicos, hasta que se escuchan los acordes del hermoso tema “Bijou” –de 1991 y proveniente del album “INNUENDO”-, y cuando Brian termina su parte, llega otro momento lacrimógeno para el fan. En la pantalla aparece el puño de Freddie y sale su rostro e imágenes de él, mientras se escuchaba su parte cantada del tema “Bijou”. La imagen, el recuerdo y la memoria del inmortal FREDDIE MERCURY se instaló en el estadio San Carlos de Apoquindo. Disculpen, pero una vez más moqueé duro, y ya iban 4 temas de ojos humedecidos. De inmediato, Brian se manda con el tema instrumental “Last Horizon” de su cosecha solista, pero de tan buena calidad como para no quedarse perdida en el baúl de los recuerdos. El sentimiento puesto por Brian en este tema es sencillamente conmovedor, y se acercó hacia nuestro sector y tocó la última parte del tema y una vez más, estuvimos tan cerca. Otro momento sublime del concierto. Pero faltaba lo mejor. Y comienzan los clásicos temas de QUEEN. Primero “Radio Ga Ga”, en donde cumplí mi fantasía de que algún día aplaudiría con las palmas en alto y al unísono, al ritmo de “All you hear is Radio Ga Ga…”. Todo el estadio aplaudía en este tema, fue impresionante. Siguió otro clásico, “Crazy Litle Thing Called Love”, rock and roll a toda máquina, y se sintió más que nunca el grito de “Ready Freddie”. Y para seguir disparando directo al corazón del fan, vino “The Show Must Go On”. Otro momento para evocar a Freddie y también por que no decirlo, para humedecer un poco los ojos. Pero si antes había moqueado en 5 temas, lo que vino a continuación fue como abrir sin asco un caño en mis ojos. Se apagan las luces y aparece Freddie Mercury en la pantalla gigante, comenzando a cantar “Bohemian Rhapsody”, y en el escenario, Roger en la batería y Brian en la guitarra compartiendo conjuntamente con él. Fue el momento mas emotivo de la noche para mí, mi tema favorito de siempre estaba allí con Freddie en pantalla y Brian y Roger en escena. Si cuando lo escuché por celular 20 meses atrás, moqueé duro, imagínense vivirlo allí, en vivo y en directo. Lloré como un niño de la emoción y mi esposa me agarraba mi hombro, porque sabía lo que significaba ese momento para mí. La parte operática fue un delirio y en la pantalla, imágenes de Freddie y John y en la parte rockera, Paul Rodgers en acción. Y en la parte final del tema, Paul cantando a dúo con Freddie la parte de “nothing really matters” y Paul nos regala al público cantar esa línea final “nothing really matters to me” -Gracias Paul!- y luego canta esa misma línea rindiendo en su estilo su tributo a Freddie, y cuando se escucha el “anyway the wind blows” en la voz de Freddie, la imagen de Freddie despidiéndose. Podía uno contenerse y hacerse el duro en ese momento? El fan que no se conmueve en ese momento, es porque está hecho de hielo o de piedra, o porque no es fan. Al terminar el tema, el grupo abandona el escenario. Típico de los conciertos para que luego regresen a escena. Y vaya manera de hacerlo. Retornaron con el tema “Cosmos Rockin”, con el cual metieron rock and roll hasta quebrar las cinturas. Un muy buen tema del nuevo album. Y luego, el clásico de Free de 1970 –cuando QUEEN recién se acababa de formar-, “All Right Now”. Paul se lució a su antojo y la gente coreó a todo motor este tema con Paul, y Brian se acercó a nuestro sector para tocar con harto sentimiento el solo de este inmortal himno rockero. Segundos después, el golpe en la batería de Roger para el clásico “We Will Rock You”, que generó el destrozo de muchas gargantas como la mía, y cuyo solo de guitarra fue algo que anhelaba ver en vivo toda mi vida, y por lo cual, no me tomé la molestia de tomar ninguna foto para vivir esos segundos de gloria rockera en todo su esplendor. Y el cierre, el clásico, el himno, la epopeya musical llamada “We Are The Champions”. Que fan queenero no se ha imaginado entonar este tema, abrazado entre amigos y con una cerveza en la mano? Ese tema llegó directo al alma del fan de QUEEN, y cuando entonábamos abrazados este tema con mi esposa y mis 2 amigos peruanos, eso era hermandad queenera pura y las lágrimas no dejaban de correr por mis ojos. Y el final, al compás de God Save The Queen, el sexteto se despide y luego Brian, Roger y Paul se acercan a nuestro sector –a esas alturas de la noche, ese lado del escenario ya lo habíamos adoptado, ya era nuestro-, y allí sí me paré en mi asiento para verlos mas cerca y pude ver más cerca al trío y romper mis palmas de tantos aplausos dados. Y Roger lanzó sus palos de batería y cayó cerca de donde me encontraba y un afortunado amigo los capturó. Eran las 11: 55 pm y era el final. No lo podíamos creer.

Lo habíamos vivido y al 100 %. Habíamos visto a BRIAN y ROGER en vivo y tocando los clásicos de QUEEN. Y muy bien acompañados por Paul Rodgers y apoyados por Spike Edney, Jamie Moses y Danny Miranda. A diferencia de lo que pudimos ver en los DVD del 2005 en los conciertos de Sheffield y Japón, esta vez el show fue mucho mejor, y de mayor duración, ya que duró casi 2 horas y 40 minutos. Y la banda se le vio mucho más cohesionada, en donde hay un respeto del uno por el otro. Nadie quiere pretender opacar al otro ni robarle el show. Fue un show muy variado con segmentos bien equilibrados y en donde se respiraba en todo momento una atmósfera de QUEEN. Y lo sorprendente fue la entrega de los fans chilenos, fue TOTAL y corearon hasta los temas del nuevo album y los solistas de Paul Rodgers. Al terminar el concierto, nadie se movía de su sitio, y ya cuando empezaron a desarmar el escenario, era la señal que el show había terminado. Entre todos nos abrazábamos con la emoción muy adentro tras haber vivido la experiencia de nuestras vidas. Y nuevamente abrazarnos con los amigos y amigas de Chile, y tomarnos más fotos como recuerdo de este momento imborrable.

Fue muy emotivo ver que un momento cuando nos tomábamos una foto, un amigo chileno que estaba en la 1º fila, al vernos gritó con emoción “Grande Perú!” . En ese momento, el que habla, literalmente, no tenía voz. Mi garganta estaba hecha puré y era mi medalla tras haber vivido un momento espectacular. Al final, había una junta post concierto del foro chileno, pero como mis amigos Mapi y Abraham se iban al día siguiente y habían dejado sus cosas en el apartamento, nos fuimos todos juntos allá, y como había traido de Lima una botella de pisco Queirolo para celebrar y ya nos quedamos allí celebrando hasta las 2 am, con la emoción de lo vivido horas atrás y la satisfacción de decir, “¡Misión Cumplida!”. Finalizo esta crónica, señalando que el 19 de noviembre logré hacer realidad un sueño y ha sido el día más feliz de mi vida. Algo que no me imaginaba que me sucedería. Cuando veo hacia atrás y veo todo lo que se hizo para llegar a esta meta, superando diversas barreras, me emociona saber que VALIO LA PENA TODO SACRIFICIO Y ESFUERZO Y LO VALIO CON CRECES. Y no viví solo, lo compartí con mi adorada esposa Silvana. Tengo mucho por agradecer. Primero que nada, agradezco a Dios y a mis ángeles que me cuidan desde arriba, que SE que ellos han movido los hilos para que pueda vivir este sueño. No en vano el día que se anunció la gira sudamericana en la web oficial de QUEEN fue el 25.09, día del cumpleaños de mi padre -QEPD. A mi adorada esposa Silvana, por estar a mi lado y compartir conmigo este momento maravilloso. A mis amigos Rocío y Brede porque sin su ayuda, no hubiéramos vivido esta experiencia única. A mis amigos Mapi y Abraham, que luego de compartir juntos esta experiencia desde el mediodía, estoy seguro que nuestra amistad ha quedado más fortalecida que nunca. A mis amigos chilenos tanto del Facebook como del foro chileno de QUEEN, llamado “Queenero”, a quienes conocí personalmente por haberme hecho sentir como en casa por todo el cariño brindado en forma auténtica y sincera. Y por supuesto a BRIAN y ROGER por darnos lo mejor de ellos y hacernos vivir la magia de la música de QUEEN durante esta inolvidable noche. Y a PAUL RODGERS, porque si no fuera por él, esta dupla sobreviviente de QUEEN jamás se hubiera juntado para hacer giras y con ello, hizo posible que muchos fans de QUEEN que no vimos a QUEEN en sus años de esplendor, pudiéramos ver lo más cercano a un concierto de QUEEN, a la dupla sobreviviente de QUEEN y en plena forma. Y por último a todos mis amigos que compartieron conmigo esa alegría en Lima al saber que me enrumbaba hacia esa aventura y me expresaban sus buenas vibras. Ahora, después de haber vivido este concierto, puedo decir que ya puedo morir tranquilo. He cumplido el sueño de mi vida. Es el mejor concierto que he asistido en mis 45 años de existencia. JAMAS creí presenciar un show de tal magnitud y sobretodo, estar tan, pero tan cerca a ellos. He visto a BRIAN MAY y ROGER TAYLOR a solo 5 filas y eso es mucho más cerca de lo que alguna vez me hubiera imaginado. He vivido LA EXPERIENCIA MAS ESPECTACULAR DE TODA MI VIDA. ¡¡SUEÑO CUMPLIDO!!

Luis Guadalupe, nuestro amigo de Lima y fanático de Queen hasta el tuétano, reporta la difusión de Queen en la radio y TV de Perú, especialmente en Lima, desde 1978 a 1993. Algunos se preguntarán, ¿Qué tan importante es este artículo? ¿Qué trascendencia tiene Queen en Perú? Bueno, lean para ver cómo una banda puede crear fanaticada en lugares tan exóticos como el Cuzco. Se lo van a leer todo y les va a gustar para colmo.

Portada del Greatest Hits (1981), quizás el disco más famoso de Queen en Perú.


LA DIFUSION MUSICAL DE QUEEN EL PERU (1978-1995) Por Luis Guadalupe

Aunque el grupo británico QUEEN, integrado por Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon, se forma en 1971 y alcanza la fama a nivel mundial en 1975, recién empiezan a hacerse conocidos aquí en el Perú en 1978. La razón de este retardo estuvo en el auge de la música Disco y su alta popularidad aquí, con cantantes como Gloria Gaynor, Donna Summer, Jesse Green y Tina Charles entre 1974 y 1977, lo que impidió que la música de QUEEN se difundiera por la radio en esos años. Como antecedente a 1978, en Diciembre de 1976, en un programa de TV llamado “Perú 76” como reseña musical de ese año, se vio por primera vez a QUEEN con el video de “You’re My Best Friend” y en 1977 se pasó por TV el tema “Tie Your Mother Down” en vivo.

1978 es el año en que QUEEN llega a la radio a través del tema “We Are The Champions” y alcanzó poca difusión debido a que en esos momentos, la música del soundtrack de los films “Saturday Night Fever” y “Grease” causaba furor en la radio, acaparando las programaciones de todas las estaciones de radio. Sin embargo, en Radio Atalaya AM, se empezó a escuchar a QUEEN, llegándose a transmitir en sus especiales diarios de una hora, y en algunos casos 30 minutos con los Beatles y 30 minutos con QUEEN, y Radio Panamericana hizo lo mismo, concediéndole media hora en sus especiales diarios.

Llega 1979 y “Don’t Stop me Now” se convierte en un gran éxito en la radio en el verano, y a partir de allí, QUEEN comenzó a ser escuchado en todas las radios y con más frecuencia que antes, aumentando los especiales de QUEEN y haciéndose conocidos sus temas más antiguos, como “Bohemian Rhapsody” y “Somebody To Love”. El video de “We Are The Champions” apareció en pantalla gigante en la Elección de la Más Más del Verano en Radio Panamericana en el mes de Marzo. Al lanzarse el LP “LIVE KILLERS”, varias canciones de dicho album se transmitieron por la radio y finalmente en Diciembre en la Elección de la Más Más de 1979, “Don’t Stop Me Now” llegó a ubicarse en el 2º lugar, apareciendo su video en pantalla gigante.

1980 es el año en que QUEEN llega a su máximo nivel de popularidad aquí en nuestro medio. “Crazy Little Thing Called Love” llegó a ser un hit en el verano. Meses después el LP “THE GAME” logró un rotundo éxito tanto en difusión radial como en ventas, y “Play The Game” y “Another One Bites The Dust” se convirtieron en verdaderos hits radiales, difundiéndose sus videos con bastante frecuencia en la TV. Con ello QUEEN obtiene el éxito masivo, bailándose su música en fiestas y aumentando considerablemente los especiales de QUEEN en la radio. A fin de año, en los Rankings Anuales “Crazy Little Thing Called Love” logró una buena ubicación, llegando al 4º lugar en Radio Inca y el LP “THE GAME” fue elegido el Album del Año en Radio Miraflores. En Navidad se estrenó el film “FLASH GORDON”, con QUEEN en el Soundtrack, llegando así a un público cinéfilo. Finalmente, en el programa “Disco Club” en Canal 7, en el recuento final del año, “Play The Game” fue incluido entre los mejores temas de 1980.

En 1981, QUEEN mantuvo intacta su popularidad. El tema “Flash” alcanzó difusión, estrenándose su video en “Disco Club”. El 8 de marzo, en dicho programa se transmitió el primer especial de QUEEN por TV hecho por un programa local, de una hora de duración, llamado “Somos Los Campeones” y conducido por Gerardo Manuel, incluyéndose los videos de sus más grandes éxitos. A pedido de público, se repitió dicho especial en los meses de Abril, Julio y Noviembre. Los especiales de QUEEN en la radio continuaron durante el año y el 22 de noviembre Radio Miraflores transmitió un especial de 60 minutos, conducido por Javier Lishner, e incluyó por primera vez los temas “Keep Yourself Alive”, “Seven Seas Of Rhye” y “Killer Queen”.

1982 ve la salida de “Under Pressure”, el cual solo se difundió en Radio Doble Nueve y Radio Super FM, pero sin alcanzar el éxito de otros temas. En Marzo se transmitió por TV en Canal 4, en el programa mexicano “Noche a Noche” un especial de una hora –dividido en 2 partes de 30 minutos cada una- del concierto de QUEEN en Sao Paulo realizado el 20 de marzo de 1981, y en Abril, se estrenó en TV en “Disco Club” en Canal 7, el especial “QUEEN GREATEST FLIX” con bastante éxito. En Mayo, “Body Language” llegó a la radio, difundiéndose masivamente y su video se estrenó en Canal 7. El LP “HOT SPACE”, así como los temas “Back Chat”, “Las Palabras de Amor” y “Calling All Girls” se difundieron por las radios, pero sin éxito ni acogida alguna, debido al cambio radical en su estilo musical, algo que no gustó muchos a los fans de QUEEN, que quedaron algo decepcionados. La popularidad de QUEEN empezaba a decaer.

En 1983 lo único destacado fue la repetición del especial “QUEEN GREATEST FLIX” el Primero de Enero, manteniéndose en silencio el resto del año.

1984 ve la aparición del LP “THE WORKS”. El single “Radio Ga Ga” llegó primero a Radio Doble Nueve y se difundió constantemente, así como después en otras radios, pero sin llegar a ser un gran hit. El 18 de febrero Canal 4 transmitió por TV y en directo, el Festival de San Remo, siendo QUEEN el número final y tocando “Radio Ga Ga”. El video de “Radio Ga Ga” se estrenó en Abril en “Disco Club” y en Canal 4 se transmitió un especial con el Festival de Montreaux con la actuación de QUEEN. El LP “THE WORKS” se difundió por diversas radios, así como algunos temas como “I Want To Break Free”, “Keep Passing The Open Widndows” y “Hammer To Fall”, pero sin conseguir el éxito de años anteriores, pese a ser un brillante album, siendo “Radio Ga Ga” el último tema de QUEEN que se difundiera masivamente en las radios.

Llega 1985 y se realiza el Festival “ROCK IN RIO” y del 15 al 30 de enero se transmitió por TV y en Canal 5, de lunes a viernes de 6 a 7 pm, especiales sobre dicho Festival siendo QUEEN uno de los grupos cuya actuación se difundiera más. En Enero se estrenaron los videos de “It’s A Hard Life” y “Hammer To Fall” en Canal 27 UHF. En Agosto, en Canal 4 en el programa “La Máquina del Rock” se transmitió un especial durante 3 semanas del concierto “LIVE AID”, pero sin embargo, no fue incluida la actuación de QUEEN en dicho Festival. En Noviembre, “One Vision” llegó solo a Radio Doble Nueve y Radio Miraflores, siendo difundida en dichas radios.

Para 1986 el single “A Kind Of Magic” se estrena en Radio Doble Nueve y se escucha también en otras radios, pero sin alcanzar figuración alguna. “Friends Will Be Friends” sólo se escuchó en Radio Telestereo, pero muy levemente. En Agosto se estrenó el video de “One Vision” en Canal 7 y “A Kind Of Magic” en Canal 33 UHF. Debido a que el film “HIGHLANDER” no fue estrenado en Perú, el LP “A KIND OF MAGIC” pasó totalmente desapercibido en la radio, editándose recién en Diciembre y con diferente carátula a la original.

1987 y 1988 fueron años de silencio total. Lo único rescatable fue que en Febrero de 1987, en Canal 11, se inician una serie de especiales de 2 horas, los sábados a las 9 pm, siendo QUEEN el primer invitado, incluyéndose como estreno una hora del concierto de QUEEN en Wembley realizado el 12 de julio de 1986, y repitiéndose dicho especial en Mayo. De igual forma, en Diciembre de 1988, en Radio América se transmitió un especial sobre la historia de QUEEN en partes de 90 minutos cada una, incluyéndose temas del LP “A KIND OF MAGIC”, y por primera vez en la radio, los temas “Earth” de Smile y “I Can’t Hear Music” de Larry Lurex.

Con 1989 llega un nuevo album de QUEEN. En Mayo, “I Want It All” llegó a Radio Doble Nueve como lo Nuevo de la Semana y a Radio Miraflores, siendo un éxito rotundo en dichas radios y estrenándose su video en Canal 9 en el programa “Hits” el 22 de Julio, sin volverse a difundir después en la TV. Asimismo, “Breakthru” llegó a ambas radios y “The Invisible Man” llegó al 1º lugar del Ranking Semanal en Radio Doble Nueve y su video se estrenó en Canal 11, difundiéndose relativamente. El LP “THE MIRACLE” fue ampliamente difundido en Radio Doble Nueve y en menor grado en Radio Miraflores, pero pasó absolutamente desapercibido en las otras radios. En Octubre, se produjo el retorno del programa “DISCO CLUB” y en el primer programa, el video clip de “Bohemian Rhapsody” fue el encargado de iniciar esta nueva etapa. En Diciembre, durante 3 semanas seguidas Canal 11 transmitió un especial de QUEEN de una hora cada uno, y Canal 7 difundió un especial de 90 minutos de QUEEN en el programa “Los Grandes Momentos del Rock”, estrenándose los videos de “Princes Of The Universe” y “Friends Will Be Friends”.

En 1990, a pedido del público, Canal 7 repitió en Febrero dicho especial. En Marzo, Canal 2 estrenó en TV, el film “HIGHLANDER” con el título de “Los Inmortales”, el cual fue repetido posteriormente dos veces más a lo largo del año. En Octubre, dicho film recién fue estrenado en los cines de Lima, permaneciendo solamente una semana en las carteleras de cine limeñas.

1991 ve la salida de un nuevo album. El single “Innuendo” se estrenó en Radio Doble Nueve, así como los temas “Headlong” -se transmitió como lo Nuevo de la Semana- y “Bijou”, difundiéndose constantemente esos temas en dicha radio. El video de “Innuendo” fue estrenado el 2 de Marzo en Canal 2 en el programa “Video Laser” y también es ampliamente difundido en “Disco Club” con bastante frecuencia. El album “INNUENDO” solo obtuvo difusión en Radio Doble Nueve y en menor grado, en Radio Miraflores, siendo nuevamente ignorado en las otras radios. Pero, lamentablemente 1991 constituyó el año más triste en la trayectoria del cuarteto. El 11 de noviembre, en el Diario “El Comercio” apareció una noticia en la que se informaba que Freddie Mercury, vocalista del grupo, estaría enfermo con SIDA, basándose en una publicación del diario londinense “The Sun”. En la siguiente semana, esta noticia volvió a circular tanto en Canal 5, en su noticiero “24 horas”, como en Canal 4 en su programa “1991”. El sábado 23, Canal 5 en su noticiero “24 Horas” informó sobre el comunicado en el que Freddie Mercury anunciaba que debido a las conjeturas dadas en las últimas dos semanas, admitía que padecía del mal del SIDA, noticia que que fue reproducida al día siguiente en los diarios “Expreso” y “La República”. El día 24 de Noviembre, el cantante británico Freddie Mercury, líder y voz principal del grupo QUEEN, fallecía de una bronconeumonía, como consecuencia del SIDA, 24 horas después de anunciar al mundo que tenía dicha enfermedad. El lunes 25. la noticia fue reproducida en el diario “El Peruano”, siendo el único diario en dar la noticia ese día. Asimismo, las radios se encargaron de propagar la noticia durante el día y dedicaron especiales con música de QUEEN, como Doble Nueve, Miraflores, Studio 92, América, entre otros. Ese mismo día, Canal 7 transmitió por TV en “Disco Club”, un especial de una hora con lo mejor de su música, el cual fue repetido posteriormente. Todos los canales de TV en sus respectivos noticieros dieron la noticia entre sus titulares y con amplia información e imágenes de archivo. Al día siguiente, todos los diarios resaltaron la noticia de su muerte y el miércoles 27, en los noticieros de los canales 2, 4 y 9 transmitieron entre las noticias internacionales, imágenes de la ceremonia de incineración de sus restos. Durante toda esa semana, Radio Doble Nueve dedicó en su programación, sets con música de QUEEN. El domingo 1º de Diciembre, Radio Studio 92 y América transmiten un especial de una hora respectivamente, con lo mejor de QUEEN, así como Stereo 100 en su programa “Rock Clásico”. En TV ese mismo día, Canal 2 difunde en su magazine “Ayer y Hoy” un informe sobre la muerte de Freddie Mercury, con amplia información e imágenes; asimismo el Canal 11, en el programa “Video Retro” transmite un especial de una hora con QUEEN. El sábado 7 de diciembre, el canal 9 en su programa “Hits” dedicó un set a QUEEN, con imágenes de archivo y por vez primera, escenas del clip de “These Are The Days Of Our Lives”, último video filmado por Freddie Mercury Este tema fue constantemente difundido en Radio Doble Nueve, después de la muerte de Mercury, así como “The Show Must Go On” en Radio Miraflores. De igual forma, suplementos y revistas como “Si”, “Oiga”, “La Revista” y “El Suplemento”, entre otras, publicaron artículos dedicados a la memoria de Freddie Mercury.

1992 vió una especie de resurgimiento de la popularidad de QUEEN en los medios radiales. El 20 de Abril fue el Tributo a Freddie Mercury en el estadio Wembley y la noticia del concierto fue propalada ese mismo día en Canal 5 en el noticiero “24 Horas”. Días después, el programa “Disco Club” transmitió diariamente en sus programas lo mejor de dicho concierto. Asimismo, a raiz de su inclusión en el film “Wayne’s World”, el tema “Bohemian Rhapsody” volvió a escucharse con fuerza en las radios, en especial en Radio Miraflores y en el mes de Octubre, en Radio Miraflores aparece el programa “Cinco Noches” de lunes a viernes de 7 a 8 pm, conducido por Hugo Salazar, dedicando cada noche a un grupo o género distinto, y dedicando los días miércoles íntegramente a la música de QUEEN, llenando así un vacío reclamado por los fans de QUEEN. Era la primera vez que se emitía un programa radial sobre QUEEN, y donde se difundía, además de los hits conocidos del grupo, temas de su discografía, rarezas y exclusividades como canciones inéditas, temas de conciertos no oficiales, temas solistas y mucha información actualizada y fidedigna, y contó con bastante acogida. Finalmente en el Ranking Anual de Radio Miraflores, “Bohemian Rhapsody” obtuvo una mención honrosa por su gran éxito obtenido en su relanzamiento.

En 1993 el interés por la música de QUEEN continuó y el 6 de Marzo en el Pub “Cementerio de Animales” fue proyectado el video “RARE LIVE” junto con los 5 videoclips del album “INNUENDO”, con mucha acogida. En Abril se difundió en Radio Miraflores “Somebody To Love” de George Michael & QUEEN, extraído del tributo a Freddie Mercury, y el 20 de Abril el programa “Cinco Noches” dedicó un especial al año de dicho tributo difundiendo en 2 días todo el concierto completo. En Junio, se proyectó en pantalla gigante el concierto “We Will Rock You” –realizado en noviembre de 1981- en el Estadio Municipal de San Isidro y en 2 fechas, con bastante éxito. Durante el tiempo que estuvo en el aire hasta el mes de Agosto, el programa “Cinco Noches” emitió también especiales de Brian May, Roger Taylor y John Deacon en sus respectivos cumpleaños, con los mejor de sus composiciones dentro del grupo y como solistas. Finalmente, al cumplirse 2 años de la muerte de Mercury, el 24 de noviembre se difundió un miniespecial en Telestereo 88 FM en el programa “Memories” con la recordada Diana García, de 30 minutos, y otro especial de 90 minutos en Radio Uno, con mucha acogida.

En 1994 bajó un poco el interés por QUEEN, y sólo Telestereo difundió en forma constante en su programa “Memories” la música de QUEEN, y dedicó especiales a QUEEN, tanto el 19 de Julio por Brian May, como el 5 de setiembre y el 24 de noviembre por Freddie Mercury, así como también se difundió bastante en el programa “Tu, Yo y Mis Discos”, el clásico tema de QUEEN “Love Of My Life” extraído del album solista de Brian May “LIVE AT THE BRIXTON ACADEMY”.

En 1995 Telestereo continuó difundiendo la música de QUEEN en los programas de Diana García y siguiendo con los especiales de QUEEN tanto el 19 de julio como el 5 de setiembre y el 24 de noviembre. En Agosto se publicó en el Suplemento “Ozio” del diario “El Peruano”, un artículo sobre la historia del video clip de “Bohemian Rhapsody”. Finalmente en Noviembre se edita el largamente esperado album póstumo de QUEEN, “MADE IN HEAVEN”, el cual es estrenado en Radio Telestereo. “Heaven For Everyone” fue difundido en Radio Doble Nueve y Telestereo y “You Don’t Fool Me” sonó bastante en el programa “Tu, Yo y Mis Discos” en Telestereo. Con este album se ponía punto final a la brillante trayectoria musical y discográfica de QUEEN con su formación completa.

A 17 años de su aparición en las radios locales, QUEEN sigue siendo conocido por la gente, y con mas fuerza desde la muerte de Freddie Mercury, pero a un nivel mas reducido que antes y menos masivo. QUEEN es considerado como un grupo antiguo y ya clásico, y no como un grupo actual o de moda, pero a pesar de todo, QUEEN ya pertenece a esa clase de bandas legendarias que forman parte de la Historia del Rock de todos los tiempos, y por derecho propio.

Sunday, September 20, 2020


Time And Tide (Epic, 1987) BASIA

Alright then, before I go telling you, as usual, how good this album is, you need to hear this woman, at least via YouTube:



We mentioned before that Basia has an angel's voice. That voice is as good today as it was in 1987, when Time And Tide came out. Two years earlier, Basia left the Matt Bianco group along with her bandmate -and then boyfriend- Danny White and went to pursue a solo career. That was a very bold move for the splendid female singer after just one album with the band -which continued as a good act led by the sole survivor founder, Mark Reilly- to jump into a pool that might have been empty. But she was so good and innovative her success was assured. Also, her fan base was growing dramatically, waiting to hear something fresh from her. Basia Trzetrzelewska, a Polish immigrant to the U.K., had her story told in an enhanced and suggestive way in the masterpiece Whose Side Are You On (WEA, 1984) by Matt Bianco. She jumped the Iron Fence for better pastures in the British Shire and sunny beaches in the United States. A few years after this adventure, she's settled in the land of the free to keep singing, and her voice is warmer, smoother and comforting. She has a record deal with Epic (now Sony/BMG) and her first solo album, Time And Tide presents Basia on the spotlight, and having her way completely, although there's almost no difference in style between this album and Matt Bianco's; just a smoother, calmer theme in the lyrics, no spy and sneaky stories and no instrumentals.

It's an excellent pop album about love. Some music purists criticize Basia for her crossover-ness, mixing pop, jazz and bossanova rhythms in a reckless way that might affect her final score in Billboard... "it sounds too Pop" some might say, or "that isn't real Brazilian." Categorizations here are useless. Just play her melancholic tribute to Mrs. Gilberto, "Astrud" to a Brazilian national and he or she will love the contrast between her contralto voice and the baritone saxophone's seductive triads. "From Now On's" acoustic guitar will make that Brazilian listener shed a tear and then a miracle will occur: East Europe's vocal tradition will blend along with South America's poly-rhythms in a honest musical polinization. It was an East-West crossover, successfully made the same way 25 years earlier when Charlie Byrd and Stan Getz recorded Jazz Samba and introduced the Bossa Nova to American listeners who wanted to hear something different than the Beatles. Both Basia and White are big fans of "The Sound" Getz. It's useless to resist pop music of this level when the production balances instruments so well it never becomes dull or boring. There are a lot of synthesizers but not on a single moment they overcrowd the speakers, and there are saxophones and trumpets but you won't feel like you're listening a lame Smooth Jazz station. "Moderation, Basia" said her mother and seems like she learned the lesson in the swinging "Miles Away" (whose finger-snaps and tempo suggest a tribute to Miles Davis) and the funked-up "Prime Time TV." Her high pitched voice dominates over the instruments in the final mix and she's directly loud and clear. Her intense vocal chords, without that annoying vibrato, are the primal musical instrument, and the saxes, bouncing synth basses and horns are her faithful sidekicks. Pretty much like Snow White and her dwarfs. Most of the time we remember her voice double-tracked on the choruses, but when she blasts those fragile longings as in "Promises" and "Time And Tide," we realize she represents the everyday honest woman who wants something more in life other than health, money and love. Consider me a Basia fan. No matter what they say.

Saturday, September 12, 2020



(Columbia, 1975)

Dear Wish:

With so much Dark Side Of The Moon and The Wall being written on “greatest Rock and Roll records ever made” lists and being considered the best material Pink Floyd ever recorded, it is kind of rare to find an honest review about you: A cosmic, adorable, passionate collection of tunes about the fall of a poet, the late Syd Barrett, founder of the group. After all you are just a postcard of bittersweet memories and hopes for the future, and they called you Wish You Were Here.

Piano player Rick Wright, who also left us, called you his "favorite Pink Floyd album". He was on top form playing your haunting calls and he mentioned he felt unusually comfortable with you. As you have it in your grooves, tension was high between him and the rest of the band; Guitarist David Gilmour, drummer Nick Mason and Bass player and lyricist Roger Waters. You could cut the stress with a knife but nevertheless, they managed to produce you in 7 months: A rock masterpiece about alienation of an individual and how sometimes the music industry treats musicians like disposable plastic.

You were born as a beautiful and coherent set of five tunes so well intertwined it's impossible to separate them now with “tracks” on a Compact Disc, or even when FM radio plays your title track by itself. you want to listen to some more, to continue the path these guys are taking

For once, Pink Floyd understood the earthiness of the listener and connected with them on an emotional level. Sadly, they wouldn't be able to do it again since a Wall started to being built between Roger Waters and the rest of the band and between the band and the audience who was also changing and growing apart. You sang about the wall Syd Barrett was behind and how his friends missed him. With "Shine On You Crazy Diamond" you put us in the studio while the four members were looking at a completely bald –including eyebrows shaved-, spaced out Syd holding a burning cigarette and looking at the soundproof glass, or at the infinite. With your plea for recovery, return to the arts, and even male bonding, "Shine On You Crazy Diamond" held you together from beginning to end.

You brought us two surprises in a minor key about how show business de-personalizes the individual: "Welcome To The Machine" is dedicated to Syd by the band: "where have you been, it's all right, we know where you've been, we told you what to dream..." "Have A Cigar" is sung by a record company executive (Pink Floyd even invited Roy Harper to sing the lead vocals so the differentiation would be complete) who doesn't have a clue about the band member's personal lives: "The Band Is Just Fantastic, that's really what I think... oh, by the way, Which One's Pink?" Lyricist Waters was angry at the music industry of the seventies -he didn't know what was coming up, obviously-, but at least he had three friends to support and back him up. You know he later turned his frustration and anger to them during the making of Animals and The Wall.

When your title song arrives it goes softly on us, like a country song. Your line "We're just two lost souls swimming in a fish bowl, year after year" is not just about Syd and the others but about us listeners and the rest of the World. It’s about how circumstances and our own alienation turn friends into acquaintances and later into plaintiffs and defendants. The nostalgia you cast then becomes tense calm when "Shine On" is reprised with a pounding bass and synthesizers being more haunting than the beginning. Gilmour then plays the solo of his life, a defining moment on his career. Then you make the last call to Barrett's senses, and with the help of Rick you finish the postcard with an instrumental paraphrase of Syd’s poem "See Emily Play;" the complete, round tribute to a long, lost friend.

I miss Rick and Syd and I feel you’re there to give me some consolation and hope for the future. Thank you, Wish. If someone asks me what rock album everyone should have in their collection, you are the one. Darky and The Wall can wait.

Tuesday, September 1, 2020


(Fontana, 1989)

21 años después, la obra maestra que cerraba la década de los ochenta recibe el tratamiento "box". Pop británico perfecto y ameno.

fue como un chorro de agua fría para nuestra sensibilidad dormida. Puede ser considerado por algunos como un álbum de protesta, pero más que nada es un disco sobre amor incondicional. Algo difícil de encontrar por estos días de libre mercado, recesión y capitalismo salvaje. En los tiempos del acero y de la presión del desempleo, es bueno recordar a los Tears For Fears cuando dicen que el amor es el arma más fuerte. ¿Por qué? Porque el odio y la indiferencia no logran nada.

La década de los ochenta no fue socialmente líricamente muy creativa que digamos -es decir, el mercado no prestó mucha atención a los temas sociales, salvo dignas excepciones- y relativamente todo fue entretenido y romántico, pero sin sustancia política.


1989 incluyó una revolución bastante drástica en el mundo: el muro de Berlín se derrumbó y se convirtió en una larga tienda de desmonte, el bloque comunista de Europa del Este se disolvió, Gorbachev mandó a la Unión Soviética a los libros de historia, y en Inglaterra Margaret Tatcher se disponía a dejar el cargo de Primera Ministro. Roland Orzábal se sintió iluminado por Los Beatles y por la parafernalia colorida hippie de los sesentas -especialmente 1967- y enfiló su guitarra para entrar de lleno en el problema más grande del mundo: la carencia de amor entre la gente. Lo innovador del análisis es que Orzábal considera a este problema como un problema político.

El álbum empieza con un comentario sobre mujeres atadas a hombres que se olvidaron de seguir enamorándolas; pero siguen con ellas porque, bueno, estar solo para un hombre puede ser lo peor del mundo. "Woman In Chains" es el primer llamado de atención a la mujer para que evite la resignación de las cicatrices del alma por una relación larga y monótona. No necesariamente hablamos de relaciones difíciles, de golpes ni de gritos. Es la monotonía la que se acusa aquí, en una especie de diálogo entre ambos sexos. La voz maravillosa de Oleta Adams dice Calls her man the Great White Hope... Says she´s fine, She´ll always cope... Woman In Chains... La garganta de Orzabal contesta: Well I feel deep in your heart there are wounds Time can´t heal. Es decir, la parte masculina del asunto se da cuenta que el corazón de una mujer es un enorme libro lleno de secretos, y para leerlo hay que tener bastante paciencia -y saber ceder y contar hasta 10, como dice mi abuelo-. El final es bellísimo: So free her ... es cantada ad lib to fade por Oleta, Roland y Curt Smith. En un momento, Orzabal murmura: the sun and the moon...

A partir de este momento, la lírica que se oirá será valiente, directa y orgullosa; pero en ningún momento triste. "Badman's Song" está dedicada a los chicos del cuarto del hotel 628, quienes eran los músicos y roadies de Smith y Orzábal. Este último escuchó la conversación entre ellos en la cual lo criticaban duramente. Estaba en shock y furioso. Pero de pronto, decidió perdonarlos y decirles en la funda del disco, todo está perdonado. "Badman's Song" Dura poco más de ocho minutos con interludios de piano y batería a cargo de Oleta Adams y de Manu Katché, respectivamente. Orzábal usa su sentido común y sus intenciones de paz, pero siempre parado firme y valiente contra los agresores.

Orzábal quizo expandir más sus horizontes líricos y no dar puntada sin hilo. Estaba harto del cargo de la Tatcher ocupando el puesto de primer ministro británico y escribió inspirado una canción sobre... el amor: "Sowing The Seeds Of Love" tiene un cierto parecido a "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de los Beatles . En una parte se hace referencia al gran músico Paul Weller - líder de Jam y Style Council- y Orzábal le pide que regrese a la palestra con la música de protesta de su primer grupo (...kick out the Style, bring back the Jam!). En verdad es más que nada un grito de despertar. Se cuestiona sobre todo el cinismo de las leyes y de los estatutos al afirmar la existencia de libertad de expresión cuando no hay nada de qué protestar. El lado A del vinilo se cierra con "Advice for the Young at Heart", otro grito de advertencia a la juventud sobre lo terrible que puede ser el tiempo como enemigo.

El lado B es más político, sutilmente hablando. "Standing at The Corner Of The Third World" y "Swords and Knives" se refieren indirectamente a la presión de organismos del norte -como el Banco Mundial y el FMI- a las pobres economías endeudadas del sur. Claro, que perdonen la deuda es fácil. Okey, no tienen que pagar más... ¿pero, volverán a prestar nuevamente? Un círculo vicioso del cual es difícil de salir para cualquier economía empobrecida -si los economistas del mundo no saben cómo salir del meollo, creo que menos lo va a saber Orzábal-.

"Year of The Knife" es la batalla en nombre de las causas justas y está dedicada a los jovenes que mueren en esas batallas, creyendo que lo que hacen está bien. No necesariamente serán miembros del IRA, pueden ser soldados de la patria, mineros de carbón, etcétera. I made my bed on love denied, now I ain´t gonna sleep tonight.

"Famous Last Words" cierra el conjunto de ocho canciones del alma y habla de la paz después de la guerra, del día después de la noche. Si de nada sirven las guerras, ¿servirá entonces una guerra en nombre del amor? La respuesta de Orzábal y compañía es si. Nadie muere en una guerra así.

The Seeds of Love tiene canciones con mucho contenido sentimental y político, que a la larga son la misma cosa. Hergé, el dibujante creador de Tin Tin, dijo que la única diferencia entre la gente de derecha e izquierda es que los primeros son pragmáticos, en cambio, los de izquierda son más idealistas. Bueno, después de 1989, esa fue la diferencia de las clases políticas en el mundo. Todas las economías son de mercado, así no lo parezcan, y los "derechos sociales" que reclamaban los socialistas ahora pueden ganarse, si es que los trabajadores aportan al Seguro Social, público o privado. ¿Quieres celeste? Que te cueste.

Tuvo que derramarse tanta sangre sobre Europa, América y Asia para que recién nos demos cuenta que la violencia, la indiferencia y la injusticia no son la solución. ¿Por qué nos demoramos tanto? Porque siempre creemos que somos el centro del universo, y que nuestros problemas son los únicos que interesan, mas no los de los demás; pero cada uno tiene que ponerse las pilas y matar sus propias pulgas antes de matar las pulgas de otros. Totalmente cierto. Además, The Seeds of Love es una denuncia a la falta de valores morales de la gente; eso es clarísimo. Fue una llamada de atención que, al parecer, el mundo atendió a medias. Aún queda mucho por hacer, y sería bueno ir haciéndolo, ya que esperar la intervención divina para solucionar nuestros problemas no nos ayudará en nada, puesto que no llegará.

Este LP es de lejos el mejor disco de 1989; año del redescubrimiento de los sesentas y de la psicodelia. Uno de los más influyentes en los grupos de rock alternativo de inicios de los noventa y, por todo lo anteriormente comentado, galardonado con el premio a la perfección de CacaoRock.