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Here at CacaoRock we have been translating technical papers, accounting and financial texts, software, immigration certificates, adoption letters, books, movie scripts and official foreign documents for a long time. We even worked translating documents for the military and creating movie subtitles! What is so special about our English to Spanish translations? Our localization skills. Besides our accuracy, we are able to apply to these translations the neutralism of standard Spanish or specific Spanish-speaking countries. For more information about our rates, our previous work experience and how can we help you, contact us via email at Info@CacaoRock.com or visit our ProZ.com profile page.

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Sunday, December 27, 2015

Monday, December 21, 2015

John Williams, 83, produces one of his best works in years for the new J.J. Abrams directed Star Wars movie. This is possibly his darkest work so far.

#StarWars #TheForceAwakens #Soundtrack is our #AlbumOfTheWeek. Star Wars Episode VII: The Force Awakens (soundtrack) . #GoSeeThisMovie!
Posted by CacaoRock Online Radio / CacaoRock.com on Sunday, December 20, 2015

Sunday, December 13, 2015


Steppin' Out with Joe Jackson, Night and Day (Joe Jackson album)'s our #AlbumOfTheWeek!
Posted by CacaoRock Online Radio / CacaoRock.com on Sunday, December 13, 2015

Sunday, December 6, 2015


Sergio Mendes and Brasil '66 - #TheVeryBest (A&M Records, 1986) is our #AlbumOfTheWeek. One of the definitive sounds of mid to late sixties produced by the great Herb Alpert.
Posted by CacaoRock Online Radio / CacaoRock.com on Sunday, December 6, 2015

Sunday, November 29, 2015



Saturday, November 28, 2015

Au Zenith (Ariola, 1986)

INDOCHINE


Túnel del tiempo. Primavera de 1987 en Lima, Perú. Tengo 13 años. Estoy en una fiesta en casa de un amigo del colegio. Muchas chicas (la mayoría amigas de la hermana de mi amigo) y pocos chicos. El estéreo ha venido tocando sólo tres discos en las últimas horas, un mediocre ¿Estamos Locos O Qué? de los Hombres G, El magnífico, influyente y pivotal Signos de Soda Stereo, y una novedad, o mejor dicho rareza francesa, llamada Indochine, con un álbum en vivo llamado Au Zenith. El cassette no para de ser tocado una y otra vez, especialmente una canción que ponía a bailar a todos sin excepción, la imparable "3e Sexe". 

Si pensaban que iba a escribir sobre la historia de Indochine y su música, se equivocaron. Para eso, vayan a Wikipedia o AllMusic o YouTube y busquen "Indochina Amauta".

Esta vez quiero referirme al impacto que tuvo este disco entre 1987 y 1988 en cierto país de Sudamérica: no eran tiempos difíciles para el Perú, mi país de origen, sino imposibles. Tiempos que ahora se recuerdan como de horror. El gobierno de turno, un desastre llamado Primer Régimen Aprista de Alan García, se disponía a estatizar los bancos y aseguradoras a la fuerza, so pretexto de una mejor administración. Esto generó, junto con la producción de billetes sin fondos y una pésima política de comercio exterior, una hiper-inflación monstruosa y un caos bárbaro, y si no colapsamos fue porque Dios es grande y porque Alan García quería dejar algo de país para volver a re-elegirse como presidente 21 años después.



Sendero Luminoso, el grupo terrorista de ideología Maoísta, dinamitaba torres de energía eléctrica y asesinaba campesinos y funcionarios públicos en la Sierra. En Lima, vivíamos en un estado de negación total, todos. Y a tanta mala noticia, lo mejor era escapar, irse a otro lado, aunque sea escuchando la Radio. ¿Cuál? Pues Panamericana, por supuesto. Fue esta radio la que empezó a propagar a Indochine por costa, sierra y selva. A ningún ser humano, peruano o francés, con dos dedos de frente se le habría pasado por la cabeza que un grupo New Wave-Gótico de París iba a ser la sensación de 1987 en un país donde nadie habla el idioma de Dumas ni tiene nada en común con la realidad Francesa. ¿El primer encontrón del Perú con la Globalización? Claro que sí, por qué no.

"3e Sexe," el caballo de batalla del disco, por primera vez puso al Perú en una encrucijada cuestionando su propia masculinidad machista. Claro, antes habían canciones como "El Loco" de los Yorks que hacían burla de los gays pero en este caso, la banda cantaba aceptando la homosexualidad como vía válida de vida. Los peruanitos y peruanitas bailaban una canción pop muy bien hecha, tocada en vivo, que hablaba de la vida de ambiente; nada del otro mundo ahora, pero en 1988, un senador del partido político en el poder, APRA, consideró la canción como inmoral y pidió, en conferencia de prensa, que se impida el concierto de un grupo de rock que venía del mismo país que la Marsellesa, el himno que su partido había copiado. Los peruanos en ese entonces estábamos hartos de aquel gobierno desastroso, y mandamos al senador al carajo con dos súper-conciertos de Indochine en el Coliseo Amauta. Esto, desafortunadamente, no pasó en 1971 cuando el régimen del general Juan Velasco, un dictadorcete al estilo de Chávez en Venezuela y Tito en Yugoslavia, consideró a Santana como una banda descarriada y portadora de un mal ejemplo para la juventud peruana.

Según nos cuenta Gastón Medina (Wolfie para los radioescuchas), la Embajada de Francia invirtió su buen puñado de Francos para traer a la banda que solo tenía en sus planes ir a Canadá y otras partes de Europa para su gira mundial. ¿Perú? ¿Qué es eso? ¿Ah, de donde viene la cocaína? ¡Trés Bien!

Yo fui al primero de dos conciertos de la banda y aunque el sonido fue desastroso, bailé y salté con "Canary Bay." Disfruté con "Les Zars" y con "L'Opportuniste." Pero más que nada, me alegraba ver cómo una banda de desconocidos de un país que no tenía presencia radial en absoluto lograba conquistar a un pueblo harto de crisis y violencia y, por qué no, harto del Rock en inglés.


Indochine era lo máximo para toda la juventud peruana, de todo estrato social, ya que todos nos queríamos largar del país y en masa. Desde las casas de la Molina hasta las barriadas como Pamplona, todos escuchábamos música con letras que no entendíamos, quizás esperando a lo que traería Soda Stereo en los próximos meses. La canción "A'Lassault" llegó a ser la "Más Más" de 1987, por sobre "3e Sexe" y la popularísima "Persiana Americana" de Soda Stereo. ¿Una canción sobre cabros la más votada? ¡Parecería que hubo fraude, y eso que Fujimori aún no incursionaba en la política! Yo recuerdo que "3e Sexe" era más tocada en la radio que otros temas de Soda hacia fines del 87. País de cabros, pues.

Indochine le devolvió el favor al Perú con una canción llamada "Bienvenue chez les nus" ("Bienvenida en el País de los Desnudos") en su disco Un Jour Dans Notre Vie (1993). Los integrantes de la banda no se olvidarían de esta experiencia en su vida. Nosotros tampoco.

La ruta será larga aún hasta la luna
Los indios lo habían predicho bajo las nubes de la bruma
La nariz en el polvo de las barricadas
Bajo protección policial cuando la libertad
Nunca oh ! nunca más olvidar
Es el cielo

Hola hola Lima
Bienvenida en el país de los desnudos
Bienvenido al festín
Nosotros con amigos
Bienvenida en el país de los desnudos

¡Viva el Perú!

Muchachas uniformadas nos miraban
Con sensaciones fuertes aquí los carros están muertos
Como el humo azul que se levanta de sus cuerpos
Todos los poderes se equivocaron Villa San Salvador
Pero nunca nunca más olvidar
Es el cielo

Monday, November 23, 2015

Ilegales (banda española). #TodosEstánMuertos, 1985. Fuerte, #agresivo, veloz punk #asturiano. De lo mejor que ha salido de #España en lo que es #RockandRoll. Álbum de la semana.

Posted by CacaoRock Online Radio / CacaoRock.com on Sunday, November 22, 2015

Sunday, November 15, 2015


Kick (INXS album) by #INXS, tight and fun LP of this outstanding #Australian Rock band. our #AlbumOfTheWeek. Really good! Seriously!
Posted by CacaoRock Online Radio / CacaoRock.com on Sunday, November 15, 2015

Sunday, November 8, 2015


 A crazy French New Wave duo with a kick for making you dance.



Sunday, November 1, 2015


#IntheEyeoftheStorm, Roger Hodgson's solo debut LP released in #1984, is our #AlbumoftheWeek. Supertramp #TakesaToll and a #DIY #pop #masterpiece is #born
Posted by CacaoRock Online Radio / CacaoRock.com on Sunday, November 1, 2015

Sunday, October 25, 2015


A collection of well crafted pop songs, one better than the other. Descanso Dominical by Mecano. #AlbumOfTheWeek.
Posted by CacaoRock Online Radio / CacaoRock.com on Sunday, October 25, 2015

Saturday, October 17, 2015


Ghost B.C's Opus Eponymous, outstanding debut of a #Swedish #Metal band, is our #AlbumOfTheWeek!
Posted by CacaoRock Online Radio / CacaoRock.com on Friday, October 16, 2015

Saturday, October 10, 2015


Frog Brigade doing Pink Floyd Animals Live! Les Claypool and his Colonel Les Claypool's Fearless Flying Frog Brigade! #AlbumOfTheWeek!
Posted by CacaoRock Online Radio / CacaoRock.com on Saturday, October 10, 2015

Tuesday, October 6, 2015

PIXIES > Bossanova, #1990. #UFO #Surf rock setting ground for the #Grunge #alternative sounds of the future. #AlbumOfTheWeek.

Posted by CacaoRock Online Radio / CacaoRock.com on Saturday, October 3, 2015

Friday, September 25, 2015


Amazing, catchy and direct pop-rock from early 80's. This is OXO's one and only LP.
OXO (band), #1983. Featuring Ish Ledesma. The only album they recorded. Pop a-la The Cars, Menudo, FOXY... #WorksForUs. #AlbumOfTheWeek for a #WhirlyGirl.
Posted by CacaoRock Online Radio / CacaoRock.com on Friday, September 25, 2015

Friday, September 18, 2015


VINICIO CAPOSSELA's #Debut album, All'UnaeTrentacinqueCirca (1990) is our #AlbumOfTheWeek!
Posted by CacaoRock Online Radio / CacaoRock.com on Friday, September 18, 2015

Saturday, September 12, 2015


Donald Fagen's #Kamakiriad (1993). The funkiest #RoadTrip on a #JapaneseCar of the Future. Album of the Week.
Posted by CacaoRock Online Radio / CacaoRock.com on Saturday, September 12, 2015

Monday, July 13, 2015



Muerto el cantautor de la venus afro...leches!

La muerte de Javier Krahe se suma a otras que este año nos están pescando por sorpresa, y esta vez la sorpresa es amarga porque Krahe se merece, o mereció, haber tenido más fama en Latinoamérica, aunque creo que para él la fama que obtuvo en su tierra España fue la justa. Un infarto acabó con su vida el 12 de julio del 2015, y el mundo ha perdido a un formidable cantautor y poeta.

También podríamos llamarle trovador, aunque él pareciera que no se entendía muy bien con la guitarra acústica y más bien le gustaba cantar y mover las manos. Era ahí en las líneas de frontera de la ironía y la sordidez, las cuales cantantes como Joaquín Sabina o Pablo Carbonell no se atrevían a cruzar, en donde Javier Krahe se aparecía con micrófono en mano y simplemente las borraba. Le cantaba al cuerpo desnudo de aquella amante efímera que no volverá a ver, a la falta de dinero, a la soledad; pero nunca se lamentó ni lamió sus heridas pidiendo la compasión del oyente: se reía a carcajadas y, con ironía, la pasaba muy bien fumando y bebiendo en unas noches de bohemia que hacían caer a todos bajo la mesa, menos a él. Era un viejo loco, y su poesía lo mantenía como el último recodo de la sanidad antes de pasar a la demencia total.

Su principal tema lírico era el sexo y la búsqueda del amor de la mujer perfecta. Estaba obsesionado con la belleza femenina y con la pasión que arranca un beso o algo más. Su primer LP, Valle de Lágrimas, incluye un cover de “Marieta” de Georges Brassens (su máxima influencia) en la cual la chica siempre lo deja plantado o haciendo el ridículo, incluso hasta en el día en que ella muere y se le da por resucitar frente a él, quien sostiene lloroso una corona de flores (“hecho un gilipollas... madre”, atina a decir luego del milagro). Al parecer, las mujeres lo dejaron perplejo luego de haber salido del colegio de curas. Se preguntó por qué algunas, como su esposa, iban diciendo por ahí que la tenía chiquita (“Un Burdo Rumor”), y con poesía escandalosa y asimétrica nos convenció de que era un romántico empedernido que no se callaba nada. De más está decir que influenció a Joaquín Sabina, Javier Gurruchaga (el líder de la fantástica Orquesta Mondragón) y Pablo Carbonell (Toreros Muertos).

Sin embargo, no fueron las letras cargadas de erotismo las que le parcharon la boca en la España ochentera. Se burló del gobierno democrático en 1986 cantando “Cuervo Ingenuo”, la primera canción censurada post-Franco. En ella, Krahe habla como indio norteamericano y le dice a Felipe González, en su cara, que es un hipócrita al haber prometido sacar a España de la OTAN y luego decir que “esa alianza ser de toda confianza”. La TV española censuró el tema durante un concierto de Sabina, y posteriormente le costó mucho a Krahe seguir tocar en vivo, mientras otros artistas “rebeldes” de la movida española se llenaban los bolsillos.

Krahe fue muy crítico de la religión católica y al parecer conocía sus puntos débiles (como en “San Cucufato”). El 2012 fue absuelto por un tribunal civil luego de ser acusado de “herir susceptibilidades religiosas” al hacer un video sobre cómo cocinar un crucifijo (cosa curiosa, cada domingo se les recuerda a los feligreses que la cristofagia es la piedra angular del catolicismo), y la relación estrecha iglesia-estado español volvió a relucir gracias a los medios, recordándonos que el franquismo aún no había desaparecido del todo. Sabía que las guerras eran hechas para matar jóvenes y evitar que éstos cambien las cosas (“Carne de Cañón al Chilindrón”) y que la pena de muerte era el punto más bajo del ser humano (“La Hoguera”, su canción más lúgubre y prueba de que en España algo se tuvo que aprender luego de la Guerra Civil).

"La Hoguera", de su primer disco, también apareció en una compilación llamada "Homenaje a las Víctimas del Franquismo":


Krahe no se vendió jamás a un partido político, a una marca de cerveza ni a una marca de ropa. De eso su vida puede dejar testamento. El documental del 2004 Esta No Es La Vida Privada de Javier Krahe lo pinta como un tipo simpático, sarcástico y a la vez respetuoso de su público (la mayoría mujeres muy jóvenes), aunque siempre tocando en lugares muy pequeños que se llenaban a tope. La fama le fue esquiva, pero a él no le importó: tenía a bellas damitas frente a él en sus conciertos íntimos. Sabina tenía en frente a su personal de seguridad de amarillo, en locales para más de 20,000 personas.

Anarquista, contestatario y sin bandera, en una de sus últimas entrevistas se le puede ver renegando contra la mala calidad de ciertos licores y contra Spotify, mencionando que desea estrangular o lesionar físicamente al director de dicho servicio digital en España. Krahe ha muerto súbitamente, pero en dicha entrevista ya se le notaba enfermo y su corazón no tuvo más remedio que abandonarle.

Nos deja una vasta discografía muy similar a la de su ídolo Georges Brassens: 15 discos, con uno último llamado Las Diez de Últimas (el decimocuarto y último de Brassens se llamó Nouvelles Chansons, a propósito). En dicho LP dejó una postdata formidable llamada “Puzzle” que hasta ahora tratamos de descifrar, pero imaginamos que hay una mujer bella de por medio en la historia.

No queda más que despedirnos de Javier y decirle gracias. Aquí la traducción que hizo de “La Tormenta” (“L’Orage”) de Brassens, cantada por Alberto Pérez. El final de la historia fue una invención de Krahe para dejar la llaga herida, la pasión ardiendo, y las nubes cargadas de electricidad ante la amante que partió.


Aquí nuestra crítica a aquel magnífico LP en vivo La Mandrágora.

Sunday, June 28, 2015

Chris Squire, 2010.

En 1999, cuando empezamos con esta página Web que degeneró en blog y luego en radio por Internet, tuvimos a Chris Squire, bajista y fundador de Yes, y a su Fish Out Of Water como primer álbum a comentar descaradamente como uno de los mejores discos de la historia del rock. Chris ha muerto ayer víctima de una terapia contra una leucemia aguda que mejor hubiera sido dejada en paz, puesto que Chris ya estaba viejo y obviamente no estaba listo para un tratamiento tan fuerte. Mucha gente que conocemos y queremos ha muerto por estos tratamientos asesinos. Esta vez, Squire encontró la muerte en Arizona, Estados Unidos, lejos de cualquier masa de agua considerable. El pez murió fuera del agua, efectivamente.

Queremos celebrar su vida y música recordando aquel comentario que hicimos hace ya bastante tiempo y ver lo mal que escribíamos y lo mucho que hemos mejorado. Recordamos que, una vez en Facebook, le preguntamos a Squire el motivo por el cual decidió sacar este disco y nos respondió que en ese entonces todos los miembros de Yes estaban sacando álbumes solistas como decisión unánime de la banda. El de Squire parecía ser, a simple escucha, el más logrado. Y lo era. 


Descanse en paz, oh príncipe del bajo eléctrico. 




(Atlantic, 1975)

Este es el primer y hasta ahora único álbum solista de aquel monstruo del bajo. Disco que muy bien podría ser considerado uno más de Yes pero sin la voz de Jon Anderson (que ni falta hace) ya que Chris desempeña un buen ejercicio de sus cuerdas vocales a la vez que controla todas las cuerdas, gruesas y finas, en cinco tremendas canciones, muy contundentes.

Debido a su signo zodiacal Piscis y a su afinidad por pasar horas en el agua, A Chris le decían Fish y él ya había usado el sobrenombre en el disco Fragile (Atlantic, 1972) en un tema suyo, "The Fish (Schindleria Praematurus)," compuesto solo de bajos tocando uno sobre otro. En 1975 Chris, tomándose un sabático de Yes, decide grabar un álbum personal sobre su infancia y las cosas que lo apasionan: El número 7 ("Lucky Seven"), la música sacra ("Hold Out Your Hand") y la experimentación sónica ("Safe" y la perfecta "Silently Falling".) Squire quería contar una historia sin tanto aspaviento como Anderson pero sí con mucho órgano de iglesia y gusto por el jazz.

Lo acompañan Patrick Moraz en los teclados, Bill Bruford en la batería y su ex compañero del grupo Syn Andrew Pryce Jackman en el piano y las orquestaciones. Al ser un LP totalmente suyo, Squire se exorcisa de la influencia de Anderson, Wakeman, Howe y Eddy Offord para hacer un disco como solo él quería que fuera, y le fue muy bien. La crítica y los Yes-Fans lo adoraron. "Hold Out Your Hand" es un tema formidable que confirma quién era el creativo de Yes; ya que los primeros discos solistas de Anderson, si bien escuchables, no demostraron tamaño nivel de genialidad. "Silently Falling" contiene once minutos del más puro rock progresivo, con los mejores exponentes del momento, acompañando al bajista más desarrollado de los setentas en el mundo del rock.

Fish Out of Water es un disco sobresaliente del rock progresivo con canciones largas, fugas a estilos barrocos, paisajes musicales relajantes continuando los temas desarrollados en Fragile y Close To The Edge y el sello inconfundible de Atlantic Records coronando el centro del vinilo. Estén también pendientes de la nueva versión a ya a la venta, incluyendo un DVD extra.

Wednesday, May 27, 2015

Escribe: Andrés Avelino Delgado (alias "Loco Disco")

Cuando yo era pequeño, tener un buen equipo de sonido era casi como un símbolo de status. Normalmente los equipos de sonido tenían un espacio privilegiado en la sala de la casa. Estaban ahí, en la biblioteca o en la vitrina principal de la sala, junto con las porcelanas "Capodimonte" y unos platos ingleses azul celeste ("frondios") que las mamas y abuelitas cuidaban como si se tratara de tesoros.

Las marcas mas reconocidas de componentes de sonido en aquella época eran Grundig, Technics, AIWA y JVC. Un sistema completo podía costar una fortuna. Así que los niños teníamos absolutamente prohibido acercarnos a menos de dos metros del equipo. El mayor pecado que podíamos cometer era rayar un disco con la aguja del tocadiscos, algo que sucedía inexorablemente con solo dar una mirada al componente.

Un sistema de sonido completo era en realidad una colección de componentes de audio, de los cuales tres, eran absolutamente críticos. El principal era el amplificador, que en términos simples se encargaba de tomar la señal débil que venía del tocadiscos o sintonizador para darle potencia y luego enviarla a los parlantes. Los parlantes eran la parte mas visible del equipo. Unas cajas de madera horrendas, que podían incluso ser mas altas que uno y estaban localizadas en lugares estratégicos de la habitación donde mezclaban el sonido estéreo de la mejor manera posible.

Quienes se tomaban en serio el asunto del audio, tenían ciertas piezas de altísimo valor como el ecualizador y el pre-amplificador y hablaban con propiedad de la calidad los transistores que eran los directos responsables de la pureza del sonido. Yo la verdad nunca descubrí muy bien la diferencia. Lo que si recuerdo es que si el equipo de sonido tenía uno de esos componentes, era una señal inequívoca de que el dueño de casa era audiófilo y tan solo verlos detrás de una vitrina merecía un resonado "¡WOW!"

Hoy, 30 años después, los equipos de sonido han desaparecido completamente del planeta. Es posible que pueda encontrar alguno acumulando polvo en la casa de sus abuelitos. Las marcas reconocidas de aquella época dieron paso a otras como Yamaha, Pioneer, Kenwood, Sony, pero al final o quebraron o se concentraron en alguna otra actividad o nicho de mercado. En cuestión de 30 años (bueno, en realidad son como diez) esta industria desapareció del planeta. No es posible que se hayan desaparecido quienes disfrutaban de la música de esta manera. ¿Qué se hicieron los audiófilos?

Los mas jóvenes crecimos con sistemas de audio personal como el Walkman y posteriormente el Discman. Eran sistemas de bajo costo, que nos permitían llevar la música con nosotros. Inicialmente en cassettes y posteriormente en CDs. Estos últimos fueron especialmente transformacionales. La calidad de sonido digital, usando rayos de luz en lugar de agujas o magnetos significaron una pureza en el sonido nunca antes experimentada. Su aparición coincide con el principio del fin de los grandes equipos de sonido. No tengo claros los motivos, pero me imagino que era necesario hacer cambios radicales al sistema y la alta inversión dejó de ser sostenible.

En medio de ese recambio llegó la revolución de la música digital, y la conveniencia de tener toda la música en un dispositivo que se pueda llevar en la palma de la mano cambió radicalmente las costumbres de los aficionados al sonido. De un momento a otro, los grandes equipos de sonido fueron reemplazados por parlantes Bluetooth con amplificador incorporado que son lo que vemos mayoritariamente hoy en los apartamentos

La era de los grandes sistemas de sonido profesionales se fue era siempre. Pero eso no quiere decir que debamos contentarnos con sistemas de audio personales y sonido de baja calidad. Las alternativas existen y aunque son costosas, si uno es un audiófilo posiblemente valga la pena la inversión.

Friday, April 10, 2015


We all know that Rubber Soul (Parlophone, 1965) by The Beatles is a masterpiece on its own right, but it has always been categorized as a great Beatles album under the shadow of Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band and Revolver. For some fans, this record is way, way better than these two and here we're going to prove their point.

In 1965 The Beatles were still touring, and before this record, they played at the ultimate venue, their peak in their concert career: a loud and pretty much unlistenable gig at Shea Stadium. They were getting tired of singing about boy-loves-girl songs and even if they already suggested introspectiveness in their previous hit single "Help!," they never explored more than male romance and sexuality. Rubber Soul was their breakthrough and a pivotal point in rock and roll in general. They changed the way of things being done, and everybody else followed.

Just imagine what was going on in London in 1965. Lots of tobacco and weed smoke going around the swinging nightclubs, plus sex, alcohol, pills, and soon to arrive, a substance called LSD. Paul McCartney was having fun with his brain, a fantastic machine spilling creativity all over. John Lennon was becoming a tortured soul under an unhappy marriage and everything he dreamed of was at his reach, yet so far away. Yoko Ono wouldn't enter the scene until the following year. At Abbey Road, George Martin was pushing the guys to produce high quality work, not bubble-gum or forgettable pop. This was envelope-pushing to the max. Martin was disappointed with the results of Beatles For Sale, and he wanted to produce something better. He was not getting the best of the Beatles if they were under the stress of touring. George Martin wanted them in the studio. Well, Rubber Soul is a brilliant studio product made during the heyday of Beatle touring, recorded on a tight deadline. A transitional album from the Mersey Beat sound into unknown territory. The unmistakable link between the four rocking kids of "A Hard Day's Night" and the studio band that gave us "Penny Lane." Rubber Soul explains the transformation process to us.



Notice that the Beatles rarely talked about God, but a lot about love. With the exception of George Harrison's approach to Hinduism in his music, Lennon and McCartney didn't want to explore the concept of God since they were agnostics, in a nice way. For the first time on a Beatles song, Lennon preaches like a priest in "The Word," which for me is a song about the meaning of life (God for others). Before that, he confessed an affair he had with a mysterious woman in "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)", ending it by setting her apartment on fire. Like I said, she was no Yoko, but the song is (must be) full of inside clues about the girl's identity. Most likely, the rest of the band knew who she was. Paul at that time was dating Jane Asher but he came out of himself, as he usually does, and sang a love song to a French girl named "Michelle," giving the Beatles a Grammy for Song of the Year in 1966. He also sang, tho, about Jane directly in "I'm Looking Through You," posting a storm (in a teacup) warning of what would happen in 1968. McCartney was the only unmarried Beatle at the moment, and Jane probably started to feel she was not meant to be Mrs. McCartney.

Rubber Soul is also the first time when the Beatles look and sing like men, not like boys. Lennon remembers his tortured affair with a "Girl", who later John claimed it was Yoko. Well, although it may not be the girl of "Norwegian Wood", most likely she was the "Day Tripper". The song made me think about Lennon's real vision of living a life in love with a woman. Did he create the Yoko character in his mind even before the Avant Garde artist was introduced to him? Did he shape Yoko to his will? Or did she to hers? Was he longing for a tortured love the same way he was longing for long gone friends and lovers in "In My Life"? How much nostalgia can a man stand without going nuts? The answers are here.


George Harrison contributed with two songs of his own, suddenly becoming a grumpy and wise old man and stripping himself completely off the happy-go-lucky character Paul McCartney wanted him to be. "Think For Yourself" and "If I Needed Someone" are different and caustic points of view on love and relationships, and George started to think it'd be a good thing to leave, but George made fans love him even more.

Capitol Records would butcher and alter Rubber Soul for its sale in the U.S. "Drive My Car," "Nowhere Man," "What Goes On" and "If I Needed Someone" were replaced with "I've Just Seen A Face" and "It's Only Love" (both songs from the U.K. release of Help!) so the American album could cater to the new and growing Folk-rock audience generated by Dylan at Newport. The Beatles wouldn't let Capitol alter their products after the butchering of Revolver, the last straw.

There's so much to talk about Rubber Soul it would take an entire blog or website. But you can enjoy the music almost anywhere. Buy the mono record on vinyl! Enjoy!

Friday, March 27, 2015

Vivo (EMI Odeón Chilena, 1999)
JOE VASCONCELLOS 
Atención fanáticos: este es un disco interesante, fresco y nuevo para tener en la colección. Si uno es chileno, definitivamente es imprescindible tenerlo. Si uno no es chileno, será un descubrimiento grato. Y les aseguro que el disco vivirá en sus reproductores por un buen tiempo. Vivo de Joe Vasconcelos es un disco que no defrauda. Vasconcellos es un músico brasilero-chileno (esto lo suponemos por su apellido) que nos ha dejado encantados en CacaoRock con este espectacular recital de Abril de 1999 en el teatro Providencia de Santiago de Chile.

Al grano: podría tratarse del disco más importante de música pop chilena de los últimos 10 años. Un talento portador de un ritmo contagiante y una sinceridad que no conoce localismos en el lenguaje. Joe Vasconcelos puede combinar aquel sabor chileno en la música rock -directamente relacionado con sus modismos- con el reggae y con los ritmos de samba y batucada brasileros ya que cuenta con una orquesta de primer nivel, en la que destacan definitivamente Sidney y Silbert Silva en el área de percusión.

Los temas fluyen rápido y el disco es muy fácil de escuchar. "Preemergencia" habla de la contaminación de la capital chilena y la indiferencia de las autoridades, nada del otro mundo porque en Perú estamos igual o peor. Una sorpresa es encontrar a "La Joya del Pacífico", un bolero popularizado en Chile por el peruano Lucho Barrios que es llevado a la Samba de Pagoda. ¡Qué bien! A mí no se me hubiera ocurrido. "Induce" tiene en su introducción algo de huayno andino acompañado con cierta instrumentación hindú -porque hay una sítara por ahí-. Vasconcelos nombra a Pablo de Roca y la chilenada reconoce a Neruda, el gran poeta mapocho. Joe nos invita a conocer más de cerca a Chile y su gente. "Mágico" tiene brillantes arreglos de vientos y de percusión que la hacen la canción mejor interpretada. ¿El ritmo? Reggae brasilizado. El concierto se cierra con "Hijo del Sol Luminoso", tema escrito por Joe y que fue un éxito del grupo chileno Congreso. Al haber escuchado Congreso con anterioridad, permítanme decir que esta versión es muchísimo más fresca y, de algún modo, más liberadora, aunque también hay que considerar el hecho de que la versión es en vivo y la audiencia también es parte de la canción en un 50%.

De lejos, los mejores temas son "Huellas", "Las Seis" y, mi favorita, "Una Fiebre". El tema de las tres recae es el mismo: decepción amorosa. La misma vieja historia contada con un ritmo contagiante y melodías creativas y pegajosas. "Huellas" tiene una frase simpática: Cuidado, vas a ver que no se juega con alma ajena mujer. Cuidado, puede ser que por las noches sueñes conmigo... una advertencia o una amenaza, ¿qué diferencia hay?. "Las Seis" tiene mucho de la música tropical-andina (léase chicha) que actualmente hace reventar los locales nocturnos de Buenos Aires y Santiago. En dicho tema, el héroe ha pasado una noche de pasión con una mujer que lo dejó más seco que escupo de momia... y él siente el picazón del amor, aunque sospecha que la chica no va a volver a dejarlo entrar en su cama. "Una Fiebre" cuestiona hasta qué punto uno se enamora del físico de una persona, y lo que implica: No hay que pensar, analizar ni cuestionar, sólo déjalo fluir sin pecado y sin temor... fue una fiebre, una obsesión, mensaje del corazón, ¿tal vez amor? el narrador se echó un polvo espectacular con la chica que se largó a la noche siguiente, a pesar de que le juró amor en el calor del momento. Un One Night Stand que le deja un sabor agridulce en la mañana del domingo (¿domingo? ¿por qué habré dicho domingo?). Es probable que la protagonista de las tres canciones sea la misma chica.

Vasconcelos ha metido en una licuadora muchos ritmos, ha hecho un fusionado con muy buen resultado, original y a la vez masivo, y dudo que se pueda copiar fácilmente.

Wednesday, February 18, 2015

...and it was a gas.
Sentarse a hacer una lista es una tarea tediosa si uno tiene tanta información y no sabe cómo acomodarla o se queda trabado con lo que se tiene que decir de cada canción. Con la década de los ochenta, la tarea no solo es titánica porque no hubo forma de mantener una tabla de valores en dicha época. La música nos cayó a muy temprana edad y entre 1980 y 1990 nos pasamos más tiempo creciendo y aprendiendo que absorbiendo música de calidad, o valorándola para tal caso. Fuimos a la escuela pero la radio nos daba el programa extracurricular, que a veces nos llegaba durante el recreo y también durante las clases.

Pero bueno, la década es para recordar musicalmente, pero en lo que respecta la realidad, es un desastre. Un profesor de historia universal la denominó, en 1989, "la década perdida", y vaya que tenía razón. Aquellos que dicen "extraño a los ochentas", pues no los vivieron, porque en todas partes la cosa estaba que ardía, y fue la música la que abrió mentes, puertas, brazos, piernas y derribó muros y creencias. La década empezó, en mi país, con un grupo terrorista llamado Sendero Luminoso empezando sus ataques a la población civil. La democracia regresó luego de 12 años solo para que se convierta en un infierno gracias al primer gobierno de Alan García. En EE.UU., Reagan era elegido presidente y John Lennon moría abaleado. Qué década para desoladora que se venía. Deprimente en muchas formas.

Thursday, January 1, 2015

Gaucho (MCA, 1980)

Steely Dan, probablemente el mejor acto de rock setentero, comprendió que había llegado la hora de un decente retiro porque sus dos principales miembros querían emprender proyectos solistas y la MCA estaba contando las horas para finalizar el contrato.

Es típico que los artistas a los que les falta un disco para finalizar contrato con una casa discográfica produzcan uno flojo y mediocre (o peor aún, uno en vivo), pero Water Becker y Donald Fagen no querían dejar un mal recuerdo a sus fans que se habían maravillado con su disco anterior Aja e hizo el mayor acto de amor y respeto hacia sus fans: grabar un excelente y elaborado álbum conceptual sobre las peripecias de uno que otro inmigrante en California.

Los músicos que participaron en Gaucho serían, posteriormente, la crema de los músicos de estudio en los Estados Unidos durante los 80 y muchos formarían parte del clan de músicos de la compañía GRP; entre ellos: Anthony Jackson (bajo); Jeff Porcaro, de Toto, y Steve Gadd (Batería); Joe Sample y Don Grolnick (Piano); Rick Derringer, Larry Carlton, Hiram Bullock, Steve Kahn y Mark Knopfler de Dire Straits (Guitarras); David Sanborn, Tom Scott y los hermanos Randy y Michael Brecker (saxofon y arreglos de vientos) y la presencia de la maravillosa voz de Patti Austin en los coros. Todos bajo la dirección precisa y exigente de Becker, Fagen y el genial productor de todos los álbumes de Steely Dan, Gary Katz. Seremos francos al afirmar que ninguno de ellos, ni siquiera Mark Knofler ni Jeff Porcaro, volverían a participar en un disco más notable e inteligente que éste; verdaderamente una obra maestra.

Gaucho es el nombre con el que se designa al campesino que, en los siglos XVIII y XIX habitaba en las llanuras rioplatenses de Argentina, en Uruguay y en Rio Grande Do Sul en Brasil. El gaucho era diestro en los trabajos ganaderos y buen jinete. Pues bien, el gaucho aventurero de este disco es un experto en los trabajos "ganaderos" de los aeropuertos y cabalga con mucha clase autos que ya tenían teléfono a fines de los 70; conquista esposas aburridas de sus frios maridos y tiene tiempo para contar como se sufría de hambre y pena en su país natal, que podría ser cualquiera al sur de México.

El Gaucho nos invita a conocer los vientos de Santa Ana en Babylon Sisters y a conquistar mujeres de mundo; aunque una diecinueveañera lo vuelva loco en Hey Nineteen y tenga que recurrir a su tequila y a sus líneas de coca para salir adelante. La canción más grande del disco, en duración y en calidad, es Glamour Profession, una descripción irónica y sutil de las aventuras del latin—lover un viernes por la noche en California. Coge su Chrysler y sale a conquistar la noche. Se menciona a una novia euroasiática —podría ser una referencia a la heroína— especialista en artes amatorias, colombianos recién llegados llenos de mercancía y Películas de motociclistas son parte de lo que ocurre en dicha noche. Con una lírica narrativa digna de Arthur Miller o Tom Wolfe, Glamour Profession es, con seguridad, la mejor canción jazz—rock—disco que he escuchado en mi corta vida.

El lado B —o las cuatro últimas canciones, si se trata de un CD— es un poco más tranquilo y reflexivo. La canción título del álbum, inspirada en un riff de Keith Jarrett que terminó metiendo su nombre en los créditos, es la respuesta del americano promedio a la amenaza del latino que viene a robarle sus oportunidades de triunfar en su propia sociedad. Es una canción seria que nos lleva a pensar hacia donde conduce la inmigración latina en Estados Unidos; a cómo se manifiesta su rechazo y qué soluciones se podrían proponer.


Time Out Of Mind es un tema sobre la adicción a la heroína, aunque suena como una canción de esas para inspirar a la superación personal. My Rival es una continuación del tema tratado en la canción Gaucho pero un poco más intimista y esta vez con un ritmo algo más bailable; esta vez el narrador se entera de que su mujer lo engaña y le pide compararlo a él con el dichoso amante, que sin duda es latino. Third World Man cierra el disco tristemente recordando las miserias que tuvo que dejar el protagonista en busca de un mejor modo de vida.

Hablar de la temática que trata Gaucho es hablar un poco de nuestros temores ante el futuro, de nuestra nostalgia ante el pasado, de nuestros prejuicios y odios; en fin, de nosotros mismos. Es, después de todo, una simple mirada a nuestro comportamiento cuando tratamos de ser adultos pero nos comportamos peor que niños, en medio de los excesos y de las limitaciones a nuestro criterio que la sociedad nos presenta.


Becker y Fagen escribieron y grabaron, utilizando casi tres años de ardua labor, una obra injustamente olvidada por los críticos; quizás porque ya habían encontrado en Aja (1977) una obra maestra y no necesitaban otra. No fue una grabación revolucionaria porque las ideas de la música rock de los 80 tomaron otros rumbos; fue mas bien el testamento de la más creativa y notable asociación de los setenta y probablemente de la historia. No volverían a grabar como Steely Dan en estudio hasta 20 años después.

Música sofisticada y una lírica irónicamente crítica pero sobre todo amigable y muy fácil de entender gracias al brioso inglés en que está cantada. Gaucho es el álbum que cualquier buen músico hubiera deseado grabar. Sobresaliente.

Steely Dan tiene más, mucho más que ofrecer que Gaucho. Pueden ubicarlos en http://www.steelydan.com/.



Gaucho is a masterpiece maybe because it was recorded in a very bad moment for the two members of SD. Fagen was having a Creative Crisis and Becker was becoming a total Junkie. Becker was hit by a car and spent several days at the hospital, not being able to record some of the tracks he and Don wrote. The best song of Gaucho, The Second Arrangement, was unintentionally erased by the assistant Engineer, and they never recorded it again. A variation of it, Third World Man, was included at the end. But, nevertheless, SD's Gaucho is my favorite album because it's a conceptual album about what we do with ourselves, being prophets in far-away lands. Obsessed with youth -Hey 19-, with Drugs -Glamour Profession-, with Art and Fashiion -Time Out Of Mind-, with Cheating -Gaucho-, and, of course, with threesomee sex -Babylon Sisters-. I could say also that Gaucho is a Political album about the end of the innocense for Western Culture. It's a neverending source of wisdom, musically and lyrically.

About "Glamour Profession" - a deep analysis

“Glamour Profession” could be, in my opinion, the best song ever recorded on analog tape. Walter Becker and Donald Fagen put in this work their peak level of creativity; musically and lyrically. In the Book Reelin’ In The Years by Brian Sweet, “Glamour Profession” is described as “yet another song about Hollywood highlife; a famous basketball star is hooked on cocaine, smuggling in large quantities from Colombia and throwing very expensive parties with the profits” (RITY, pp. 143-144).

The song is a disco attempt to reach the high levels of the Los Angeles nightlife. It sets up the mood for the beginning of a big party night on Hollywood or Sunset Boulevard. It also features, in seven minutes, some of the best instrumental works ever recorded for American Popular Music. It’s a masterpiece, and it’s my favorite song.

If I were a Universal exec, I would release it as a single. It’s amazing it wasn’t included in any of the Steely Dan’s Greatest Hits albums. This is the best Steely Dan song they ever recorded.

The Lyrics:

The narrator, a suddenly rich drug-dealer making it big in L.A., wishes desperately to be part of the glamour of Hollywood. He feels that he is already a part of the show, but in the shadows of the Illegal business. He looks good, and he considers himself also an entertainer, in a very special point of view. He “entertains the entertainers”:

Six o five
Outside the stadium
Special delivery
For Hoops McCaan
Brut and charisma
Poured from the shadow where he stood
Looking good
He's a crowd pleasing man

Everybody wants to be somebody, and in L.A., the most important "somebodies" are the movie and music entertainers, being Hollywood the self-called entertainment capital of the World. In this verse we find he is –or he wants to be- a Basketball player. “Crashing the backboard,” means he’s a Basketball player, and during that time there were a lot of drug scandals regarding basketball players; Len Bias is the most important example. “Jungle Jim” may describe, in two words, his physical appearance: white, tall, black hair, just the way Johnny Weismuller was (or probably he only wants to be like him).

One on one
He's schoolyard superman
Crashing the backboard
He's Jungle Jim again.

The song was written and recorded between 1979 and 1980, and there were no cellular phones at that time. Therefore, it took a lot of money to have a telephone connection in a car. The profits of being a drug dealer impress his dates, again.

When it's all over
We'll make some calls from my car
We're a star

The chorus describes his business and how the famous people accept it. “To shine the silver bowl” can mean a trophy –a girl, or a coke spoon-. To have fun in this town, you must have money to spend –a quarter can be also fifteen minutes, a reference to Andy Warhol’s fame time-. “If you work hard, you must have fun the hard way”, can be the moral message:

It's a glamour profession
The L.A. concession
Local boys will spend a quarter
Just to shine the silver bowl
Living hard will take its toll

This is the most important phrase of the song, compressing the entire meaning of the lyrics, so the listener doesn’t get lost:

Illegal fun
Under the sun

Second part: He goes for some sexual references describing himself as a “Carib Cannibal”, a member of a group of American Indian peoples of northern South America, the Lesser Antilles, and the eastern coast of Central America. The entire “Jack with his radar…” phrase locates our narrator in his car, having a hand-job (“Stalking’ the dread moray eel”) high on Morphine (the Eurasian Bride).

All aboard
The Carib Cannibal
Off to Barbados
Just for the ride
Jack with his radar
Stalking the dread moray eel
At the wheel
With his Eurasian Bride

“We Dress for Action” is a line borrowed from Kraftwerk’s “Showroom Dummies” (from the album Trans-Europe Express, Capitol, 1977) and it means the dealer care too much about his looks and the looks of the people he hangs around with. He talks about a recent movie -“Celluloid Bikers…” can be a reference to Marlon Brando’s The Wild One, comparing himself with the actor, as he is looked in his famous car.

On the town
We dress for action
Celluloid bikers
Is Friday's theme
I drove the Chrysler
Watched from the darkness while they danced
He’s the one.
I'm the one
It's a glamour profession
The L.A. concession
Local boys will spend a quarter
Just to shine the silver bowl
Living hard will take its toll
Illegal fun
Under the sun

Middle section: Instrumental with a piano solo by Rob Mounsey. Good moment for reflection. The Bridge is spectacular: He aggressively declares himself the real source of Hollywood Inspiration.

Hollywood
I know your middle name
Who inspire your fabled fools
That's my claim to fame

Third verse: Miguel is his partner, bringing more cocaine from Colombia. He’ll go to Mr. Chow, one of the most expensive and high-classed Chinese restaurants in the seventies- to serve his customers. He’ll be having dinner by midnight, before continuing his adventures in the night. Szechuan Dumplings can mean the code word for the cocaine packs he’s going to get. Dumped from a plane coming from Bogotá, Colombia.

Jive Miguel
He's in from Bogotá
Meet me at midnight
At Mr. Chow
Szechuan dumplings
After the deal has been done
I'm the one
It's a glamour profession
The L.A. concession
Local boys will spend a quarter
Just to shine the silver bowl
Living hard will take its toll
Illegal fun
Under the sun, boys

We are left with a brilliant instrumental fade-out recalling the initial hook. At the end of the song, one can do nothing but stand up and applause. It’s so colorful, so descriptive it can be extended to be a movie or a Broadway musical. A great but illegal adventure. A seven-minute chant. that tells us how shallow can be somebody’s life and to be proud of it, by the deep meaning of its lyrics. Illegal or not, a great experience to listen to!

That’s why I like it, because it goes way beyond lyric and musical interpretation.

The Recording: Gaucho credits

“Glamour Profession” was produced by Gary Katz, Horns Arranged by Tom Scott. Rhythm Arrangements by Walter Becker and Donald Fagen with Rob Mounsey, Don Grolnick and Paul Griffin. Recorded at: Soundworks N.Y.C./A & R Studios, N.Y.C./Sigma Sound Studios, N.Y.C./Automated Sound Studios N.Y.C./ Village Recorder, West L.A./ Producers Workshop, Hollywood. Mixdown at: A & R Studios and Village Recorder. Executive Engineer: Roger Nichols
Tracking: Elliot Scheiner, Bill Schnee. Overdub: Roger Nichols, Jerry Garszza. Mixdown: Elliot Scheiner. Sequencing and Special Effects: Roger Nichols and WENDAL

Bonus text provided by noise_floor@yahoo.com, changing the whole perspective:

Hey!

As a Steely Dan fan, I saw your webpage at glamourprofession and even followed the links back to your other webpage.  After listening to this song for years, something bothered me.  I kept reading all of the song meanings and interpretations...and while they were on the right track, they just weren't satisfying.  So I went a little deeper and came up with something else entirely.  I don't know if you're still maintaining your page(s), but let me know what you think of this:

I have read "homages to the 70s and 80s", but never seen a real analysis of this song.  Like most Steely Dan songs, it isn't as simple as it seems and a lot of the references are obscure even in the age of the internet.

Glamour Profession is about the misadventures of SPECIFIC LA folks with illegal drugs.

FIRST STANZA:

The "6:05 - Outside the stadium" verse refers to Pittsburgh Pirate Dock Ellis' no-hitter against the San Diego Padres on June 1, 1970.  Supposedly he had flown to LA to try LSD and came back STILL under the influence at 6:05, when the game started at San Diego Stadium. The basketball references are there to obscure just WHOM Steely Dan are talking about.  And Dock Ellis was a high school basketball star in Gardena, California.

Maybe they got Ellis some cocaine from a local dealer to get him amped up to play.  And this dealer had a type of mobile car phone (which would have used the Dial system) on the Con-Tel Bell affiliate.

So the first stanza is clearly about the ball player Dock Ellis.


SECOND STANZA:

The "Jack with his radar, stalking the dread moray eel" is a reference to Jack Carlton Reed, a pilot and distributor for Carlos Lehder cocaine transports during his heyday.  On some flights, it was said Jack would check the radar constantly to see if they were being followed or intercepted.  The flights at the time  in question would have been when Lehder was operating at Norman's Cay, and small Bahamian island he bought for it's proximity to the United States (and lack of drug enforcement presence) and then chased off the residents.

But the song isn't about Jack.  If you want more on him, read the book Buccaneer by MayCay Beeler.  It is about LA DJ Russ O'Hara.

Russ O'Hara was a popular DJ for LA radio station KROQ and well known for introducing stars as they went onstage at local LA concerts.  In 1978, he met Jack Carlton Reed and started flying for Jack in a Piper Navajo for "adventure".  At one point in 1980, he even quit being a DJ to work full time for Jack and Carlos, flying drugs into Norman's Cay.  Russ got the full 'Norman's Cay experience', even videoing Carlos and company having fun on the island.  The only thing that soured Russ on the experience was a sexual tryst he observed between his girlfriend, Reed and Reed's girlfriend Michelle.  Which (according to Steely Dan) he watched from the darkness.

After testifying against Carlos Lehder and Jack Reed, O'Hara went back to spinning records - in 1981 at KRLA.

Second stanza is about disc jockey Russ O'Hara.


THIRD STANZA:

The third stanza starts differently than the rest.  After the refrain, there is the "Hollywood, I know your middle name" part that is sung by background singers.  Fagan jumps in on the "..That's my claim to fame" line.

From that part, we know this stanza is about someone big in Hollywood.  Someone who eats (or can afford to eat) at Mr. Chow in Beverly Hills and hobnob with the stars.  An agent?  A producer?  A movie executive?

In 1980, former Paramount movie executive Robert Evans, his brother Charles Evans and his brother-in-law Michael ("Jive Miguel") were set up in an FBI sting to buy and traffic cocaine.  Robert ended up making an anti-drug commericial funded by Charles as part of his sentencing.

Third and last stanza is about the movie producer Robert Evans.

So these three successful guys all get involved in the drug business when it was 'the next big thing' and glamourous...get burned and get out.

Most of the information is obscured to NOT mention these folks by name because they were BIG names when Gaucho came out.  (And who wants law suits and the like.)  What is pure genius is HOW obscured they were; I've seen posts where folks are talking about Thomas "Hollywood" Henderson and the like - when that definitely isn't the case.  Or some where they say the song just talks about the  drug culture in L.A.  

The thing about this song is that it is both incredible and credible at the same time!
(Totally awesome, right?)