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Sunday, May 29, 2011

When we talk about Apocalypse we usually mention tragedies: the end of the world, the last pages of the Bible and even our own death. Vangelis, Greek multi-instrumentalist that might know a little bit about tragedies (being from Greece), elaborated a soundtrack which could be called the first New Age record of the modern era. Before Apocalypse there was practically no word about the dangers of pollution.

It's important to recall the moment in which this album appeared: 1973. Humanity was facing an Energy Crisis caused by a war between Israel and Egypt. Arab countries stopped the oil supply to the West and hell broke loose when gas went up and we looked at our surroundings and realized: if gas can run out, so can other things.

We looked up and there was a huge hole on the Earth's ozone layer. Skin cancer started becoming a concern (specially for white people vacationing in the Caribbean) and all of a sudden, the enviroment wasn't to last forever because we were destroying Mother Earth, the recycler of all things.

In this context and with what the world is facing now, 35 years later, Vangelis' music is a reminder and an inspiration for us to fight against pollution and save the planet from ourselves. The Soundtrack of a 1972 TV documentary series made by Frédéric Rossif, L'Apocalypse Des Animaux pushed the envelope of ecology awareness by telling us the history of wildlife and the cycle of Nature in less than 35 minutes. The album, like Mother Nature's process, is fascinating, beautiful, and makes us listen to it over and over again. I don't have to say that whoever has listened to it on vinyl must have had quite an experience.

I usually describe how an album develops and I'll do the same here; however, it's really my personal point of view and you might find this record related to something completely different if you don't know the tracks' titles. With a record like this one it might not matter at all. The music is so ethereal and subtle it will conquer your heart easily no matter how you want to describe it.

The album opens with the generic theme of the series: African percussion starting and ending abruptly, like a village gathering call. Then we're hit in our solar plexuses with a tune called "La Petit Fille De La Mer", a nostalgic view of the Ocean, that might be strange for our city views but it's really where life on earth originated. "Le Singe Bleu" and "La Mort du Loup" are very sad tunes about a blue monkey and a dying wolf and here we are submerged into the vortex of the opera: how can we protect the delicate equilibrium of nature if we can't take care of ourselves and vice-verse? We're about to become the animals we're extinguishing by our own foolishness.

"L'Ours Musicien" is a very short tune, clumsy like a dancing bear, that cues to a big synth masterpiece: "La Creation Du Monde" in which the music puts us in the middle of the creation process twenty thousand million years ago, when the Earth was a hot rock and life appeared as simple cells trying to get organized in order to survive. "La Mer Recommencée" ends the album in an outstanding way, but it's not exactly the end...

Don't expect a lecture on the Origin of the Species, Global Warming or the environmental disaster in the Gulf of Mexico. Vangelis is performing, essentially, a TV soundtrack that happened to stand by itself because of beautiful and accessible melodies. The Rossif documentary series, unfortunately, is out of print and extremely hard to find. It is known that Vangelis recorded more music for it so, why not, Universal Music should release the complete Apocalypse sessions and score big.

With L'Apocalypse Des Animaux, Vangelis had his solo career paved for success after dissolving Aphrodite's Child. He collaborated two more times with Frédéric Rossif in 1975 and 1979 for the documentaries La Fête Sauvage (a more percussion driven score) and Opera Sauvage (electro-acustic Vangelis at the peak of his creativity). He still records and performs today, but if you must have just one Vangelis record in your collection, or in order to start a Vangelis one, don't go for a Greatest Hits one, Chariots of Fire or Bladerunner. Get this one and get your mind enlightened.

Wednesday, May 25, 2011

Astrud Gilberto: "Berimbau"

Astrud has an incredible voice: mellow, sympathetic and even childish sometimes. This song, recorded in 1965, is in my humble opinion, her best moment. She has the incredible Gil Evans Orchestra backing her up (see previous post), giving her vocals a fuzzy, warm pillow of winds right off the beaches of Brazil, even though it's actually a sad love song. From the album Look To The Rainbow.

Gil Evans
Kenny Burrell with the Gil Evans Orchestra: “Moon And Sand”

Kenny Burrell is one of the most versatile jazz guitar players and this track, a collaboration with Canadian arranger Gil Evans, puts him on the spotlight and gives us a very similar emotion that of Metheny's "Travels", but with a Latin twist. It's almost impossible not to identify Evans' arrangement style once you listen to his orchestra; and here, his horn section proves a haunting background for Burrell's tasteful, passionate acoustic riffs. This is one of the most interesting guitar performances with a Latin combo that I have ever heard. The congas are drastically panned to the left and the small drum kit at the right. The orchestra is in the back, and Kenny's acoustic guitar (recorded unamplified and without any compression devices) is dramatically closer to the listener. Rudy Van Gelder's engineering skills give the listener the sensation of being in a nightclub. Reverberation is one of the "key signatures" of the analog Verve Jazz sound in the Sixties, as we can hear in this tune recorded by Van Gelder himself at his personal studio. From the 1964 album Guitar Forms.

Pat Metheny Group: “Travels”

Pat Metheny is my favorite guitar player and one of the most creative jazz composers in the last 30 years. Always writing, playing, recording and touring, he has won Grammy after Grammy for almost each record he’s released with his group. This track, a very slow, mellow ballad played live featuring Brazilian percussionist Nana Vasconcellos, is from his 1983 double album of the same name.

Metheny and his band, also featuring Lyle Mays on keyboards and Mark Egan on bass, had a string of albums for the ECM record label that were proof that human beings are not on the verge of self-destruction. Travels was the live compilation that included some new tunes, like the title track: a melody that puts you right there in the middle of Kansas, watching falcons fly by. Enjoy!

Friday, May 13, 2011

Paul McCartney
Up and Coming Tour
AT&T Park
10 de julio del 2010

Después de 44 años de no tocar dentro de los límites de la mejor ciudad del mundo, Paul McCartney regresó con las mismas botas con las que abandonó el coliseo Candlestick Park de San Francisco el 29 de agosto de 1966, la última vez que los Beatles tocaron en vivo en una gira. Esta vez, McCartney tocó en el inmenso  AT&T Park, hogar del equipo de béisbol Los Gigantes de San Francisco.

A los 68 años, y contra todo pronóstico, McCartney está tocando mejor que nunca con una banda pequeña y muy sólida,  la misma con la que curiosamente nos dio uno de sus discos más flojos: el Driving Rain del 2001.

Paul McCartney, acercándose a los setenta años, decide seguir tocando la música que escribió entre los 20 y 35 años de edad, a sabiendas que fueron para él, tanto como para la mayoría de los rockeros, sus años más creativos y prolíficos. La última vez que McCartney tocó en un escenario de San Francisco, dentro de los límites de la ciudad, los Beatles le decían adiós a las giras, a los trajes idénticos, a las conferencias de prensa y a los chillidos incesantes de las chicas. En esta típica noche veraniega de San Francisco -fría como refrigeradora-, Paul nos lo hizo recordar: "antes no podíamos ser escuchados en vivo por los gritos". Los 44,000 asistentes respondimos imitando los alaridos de las niñas de antaño; y nuestro querido Macca prosiguió: "ahora, como verán, tenemos aparatos ruidosos..." 

No solo aparatos ruidosos, sino de mejor calidad para interpretaciones en vivo. Considerando la evolución de la tecnología de audio de alta potencia, es increíble que a los Beatles les hayan dado sólo los megáfonos de los locales y sus propios amplificadores para poder ser escuchados. Esta vez la música de Paul McCartney llegó de forma natural, fresca cual neblina vespertina y con una cohesión que personalmente no habíamos escuchado en sus álbumes en vivo. Paul y su banda no están ejecutando "versiones nuevas" como los patéticos Police del 2007 que nos hicieron gastar nuestros bien ganados dólares en payasadas "jazzeadas"; sino que interpreta fielmente y con mucha pasión lo que hemos escuchado durante toda nuestra vida como fans de los Beatles y de Wings. 

A los dos segundos de empezarla, Paul detuvo la canción "Sing The Changes" porque no le gustó cómo sonó la introducción. Empleó este incidente para recordarnos que, por lo menos, su banda no usaba pistas grabadas. El hecho de que él y su banda hayan estado tocando tres horas seguidas, sin ningún tipo de ayuda, es ya digno de admiración hacia cualquier músico, de cualquier edad. La mayoría de rockeros a las dos horas de concierto ya están que quieren irse a dormir o a seguir la parranda. Paul no. Lo suyo es sudar la camiseta. 

Abe Laboriel Jr. en la batería, hijo del gran bajista Abraham, resultó tener un gran carisma y dominio de su instrumento; distinto al de aquel otro gran baterista que tocó con Paul por ocho años y que este año cumplió 70 años: Ringo Starr. En verdad estuvimos esperando a que Ringo salga a darnos la sorpresa y que tocara con Paul de la misma forma que en el 66, continuando con la siguiente canción que seguiría después de "Long Tall Sally", el tema que los Beatles tocaron por última vez juntos en San Francisco. Laboriel, junto a Paul "Wix" Wickens en los teclados, Brian Ray en la guitarra, bajo y voz y Rusty Anderson en la guitarra y voz, ha creado un grupo sólido, compacto y ruidoso como el Wings del 73; una banda liderada por un Paul McCartney que sabe exactamente qué quiere y cómo quiere ocurra: esta actitud, que puede parecer soberbia, le pudo haber costado a Macca el perder la mejor banda de rock de la historia, pero es evidente que para Paul, la audiencia, los fans y los que gastan su dinero comprando discos son los aspectos más importantes de su carrera y la de cualquier músico. Él está "llevando el peso" de ser uno de los sobrevivientes de la más grande revolución musical de los últimos cien años y, al no tener a John y a George entre nosotros, tiene una responsabilidad mayor y le encanta tenerla. Pudo retirarse como cualquier ser humano normal, dejar los escenarios y las giras o quizás crearse un nicho en Las Vegas como tantos otros; pero no lo hizo por pensar en nosotros sus fans. Tal como lo sugirió al final del concierto, la gente lo volverá a ver tocar y él seguirá tocando por mucho más tiempo.

Todos los temas fueron de los Beatles o Wings hasta el 76; salvo "Here Today" de su obra maestra Tug Of War de 1982, "Dance Tonight" del Memory Almost Full, dos temas de su álbum del 2008 Electric Arguments usando el seudónimo The Fireman, y una canción que tenía que ser tocada: "San Francisco Bay Blues", original de Jesse Fuller, la cual Paul ya había interpretado en 1991 para su Unplugged. Habían historias de John, de George, de Jimi Hendrix (resultó que el gran guitarrista no sabía afinar una guitarra si estaba "colocado") y, claro, ya que había un vago olor a yerba buena en el aire, Paul lo reconoció y se lanzó con "Got To Get You Into My Life", una canción de amor de la cual se ha  venido afirmando desde su lanzamiento que es una oda a la marihuana. 

Parece increíble pero Paul McCartney tiene una carrera solista de 40 años y un total de 53 como músico, si consideramos el 6 de julio de 1957, fecha en que conoció a John Lennon en un concierto juvenil de Liverpool, como el génesis de su trayectoria. Aquella energía que Paul entregó con los Beatles en 1965 en el Shea Stadium de Nueva York, en los estudios de EMI tocando "Helter Skelter" para el álbum blanco y en la gira de Wings de 1976 tocando "Let 'Em In" estaba ahí, incólume e incluso mejorada, pulida. "Live And Let Die" fue tan rockera y ruidosa como los fuegos artificiales que la acompañaron y mucho más dramática que ese remedo de los Guns N' Roses. Lo que afirmo al inicio de este artículo lo repito aquí: Paul McCartney está tocando ahora, en el 2010, mejor que nunca y es una suerte que lo hayamos podido haber visto y oído -cualquier duda, remitirse a su CD del 2009 Good Evening New York City-. Asistir a un concierto de él tiene poco o casi nada de visita a un museo o de show geriátrico. Hay dinosaurios mucho más jóvenes que él que a duras penas pueden con su material (por ejemplo los ya mencionados Police o los U2, a quienes la tecnología ayuda sin ninguna vergüenza a vender gato por liebre). Con McCartney tocando su legendario bajo Höfner vemos y oímos a un entusiasmado músico, exitoso como ninguno, el cual está contento de tener en frente a una audiencia fiel y en plan de fiesta. McCartney adora ser adorado y eso es evidente. Esa energía de más 50 años también es la que lo conecta con su audiencia al convertir el dolor de ver morir a sus seres queridos en un feliz recuerdo y experiencia de vida; como con "My Love", canción de 1973 que le escribió a su esposa Linda, fallecida en 1998, y que esta vez se la dedicó a todas las madres presentes. George Harrison fue recordado también con "Something" y John Lennon con "Here Today".

Paul McCartney sabe que si se detiene o lo vence la amargura, la muerte se lo llevará rápidamente. Se ha dado cuenta, con los años, que vivir del pasado es bueno sólo para mantener un legado musical, mas no para arruinarse el presente afirmando que no habrá nada como los Beatles. Él no quiere terminar en una mansión-jaula de oro viendo la TV todo el santo día y criticando a los nuevos músicos mientras añora los viejos tiempos; así como lo que le está pasando a tantos otros individuos que conozco. Él cree que el retiro sólo se dará cuando lo saquen de su casa en un cajón. No trabaja por trabajar ni por dejadez: lo hace porque le gusta y porque a nosotros también, los beneficiados.

Pareciera que en lo personal, McCartney está más feliz que nunca y eso se nota en  el resultado de su trabajo. Tiene una nueva novia que le está haciendo olvidar la pesadilla que fue el haberse involucrado con una buscavidas como Heather Mills, firmó con un nuevo sello discográfico, Hear Music, el cual le está valorando su trabajo mucho más y de manera más eficiente que EMI y, por último, tiene una banda que ya tiene diez años de formada y que Paul la lidera con la misma seguridad y entereza con las que lideró a Wings.

Antes de que Paul McCartney llegue a su ciudad, preste atención a esta discografía selecta para empezar a calentar motores. Su música sigue ahí, y es parte de nuestra vida:

Tripping The Live Fantastic! (EMI, 1990) 
All The Best! (EMI, 1987)
Wings Over America (Parlophone, 1976) 
Band On The Run (Parlophone, 1974)
Wings At The Speed Of Sound (Parlophone, 1976) 
The Beatles In Mono (Apple, 2010)