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Sunday, December 26, 2010

The Wall Live
Roger Waters
San Jose, California, 8 de diciembre del 2010
México DF, México, 21 de diciembre del 2010

Cuenta la leyenda que, en un concierto de Pink Floyd en Montreal en julio de 1977, durante la gira mundial de su macabro Animals, el bajista Roger Waters, para entonces ya amo y señor del grupo, sentía que ya no soportaba a su audiencia. La detestaba tanto...

A Roger le reventaba matarse componiendo canciones acerca de la sombría realidad de occidente y compararla de una forma musicalmente orwelliana, sólo para que los chicos de la primera fila se pongan a gritar incoherencias en pleno vuelo marihuanero. Antes, las presentaciones de Pink Floyd eran más reducidas e íntimas, en clubes nocturnos y lugares de mediana capacidad –hablo de los de la era de Syd Barrett hasta incluso los conciertos del Dark Side of The Moon-, y el nivel de fama como para llenar estadios aún no les había alcanzado. Moon y el super-disco Wish You Were Here les otorgaron el bien merecido estatus stadium.

Pues bien, la del Animals fue una gira desastrosa. Waters varias veces tuvo que cantar y tocar enfermo, y fue en aquel concierto que mencioné en el primer párrafo, en el momento cumbre de hastío y arrebato, al encontrarse frente a un chico de la primera fila gritarle en la cara quién sabe qué cosa, en el que no pudo evitar lanzarle un escupitajo cual auquénido progresivo.

Quién sabe qué habrá sido de la vida de ese chico fanático. Quizás le gritó “¡Waters, eres un genio!” o “¡estoy volando!” Es lo de menos. Sabemos que Waters, después de ese incidente, se sintió pésimo: en vez de encontrar una catarsis mandando a la mierda a ese mocoso, se sumergió en una profunda depresión. Notó que entre la banda y la audiencia había una especie de barrera, una especie de muralla que impedía la comunicación. Él cantaba canciones de desolación, de amor no correspondido, de cartas no contestadas, y el público cada vez quería más luces y efectos de sonido sorprendentes, cataratas de fuegos artificiales, aviones estrellándose en el escenario, cerdos volando.

Como con cualquier gran artista, la depresión dio paso a la creatividad. Esta vez, la idea de una pared siguió dando vueltas en el cacumen de Waters: una pared dividiendo a la audiencia y a la banda... cada canción es como un ladrillo, y qué espectacular sería que el concierto acabe con la pared construida, como gran final, y la banda tocando sobre ella como gatos techeros. Pero Waters, como buen introspectivo que es, se percató que la pared tenía que ser derrumbada como analogía de una verdadera catarsis. Imagino que Roger debe haberse puesto a escribir su obra con el corazón saliéndose del pecho. Mientras construía su pared musical, Waters construía otra: una separándolo a él del resto de Pink Floyd.

Obviamente, ninguno de los otros tres miembros de Floyd, el baterista Nick Mason, el guitarrista David Gilmour y el tecladista Richard Wright estaban a la altura del nivel creativo que Roger Waters tenía (esto según el propio Waters. El tiempo se aseguró de darle la razón a Waters, pero quizás hablaré de esto luego). Al salir The Wall, el álbum más vendido de los setentas, Pink Floyd ya no era una banda de cuatro integrantes con la misma influencia y capacidad creadora: era Waters y una tropa de músicos de apoyo, entre los que se encontraban los demás miembros de Floyd, esparcidos por aquí y allá. El mismo Roger Waters se encargó de despedir oficialmente a Richard Wright, pero éste último participó, sin problema alguno, en la gira The Wall como músico asalariado (esto a la larga le salió más conveniente a Wright puesto que la gira arrojó pérdidas que tuvieron que ser absorbidas por los miembros activos de Floyd y los productores. Wright en verdad no perdió una sola libra esterlina). Cuatro ciudades y muchas fechas: Londres, Los Ángeles, Nueva York y Dormund. Una pared inmensa que se iba construyendo y se iba derrumbando en cada actuación. Como era de esperarse, Waters se saturó con su egolatría y, cual arrogancia extrema, decidió continuar el tema de The Wall en un disco llamado The Final Cut, en donde oficialmente Richard Wright estaba fuera del bote y Waters componía absolutamente todo. Gilmour y Mason simplemente lo seguían y miraban de lejos. Al finalizar el disco, Waters anuncia que Pink Floyd ya no va más y se iba del grupo. Los otros dos decidieron seguir con la banda y se inició uno de los conflictos más vergonzosos de la historia del rock. Digo vergonzoso porque ninguna de las dos partes quería ceder: Waters por un lado, impidiendo que Gilmour tome las riendas del grupo usando el catálogo de canciones compuestas por el mismo Waters, y Gilmour por el otro, pisando el palito de Waters y hablando pestes de él cada vez que podía. Al final, Gilmour y Mason ganaron el juicio a Waters y pudieron seguir como Pink Floyd, reclutando a Wright de vuelta.

Como vemos, Roger Waters había construido una pared mucho, muchísimo, más grande que la que había planeado. Esta vez la pared se había vuelto parte intrínseca de su propia vida. Pero los vientos de cambio no se hicieron esperar: en 1989, un muro mucho más dañino, el de Berlín, se derrumbó y Waters aprovechó la oportunidad para presentar, al año siguiente, su obra en dicha ciudad, con invitados como Cyndi Lauper, Ute Lemper, Paul Carrack, Thomas Dolby y Sinead O'Connor. Waters, magno y pedante, seguía siendo la versión real de aquel músico descrito por él mismo en The Wall  e interpretado por el músico Bob Gedlof en la película de Alan Parker sobre el mismo disco, una excelente película musical que fue malentendida en su momento. Cada presentación, entrevista, exposición a los medios, traía consigo la pregunta inevitable: ¿cuándo dejarán de comportarse como niños, limarán asperezas y se juntarán de nuevo los Pink Floyd?
La pared seguía creciendo hasta que, el año 2005, Gedlof, quien era además de músico el organizador de Live Aid, contacta a Roger Waters y a David Gilmour y les pide reunirse para una nueva versión de su festival anti-pobreza, Live 8. Increíblemente, Waters aceptó. Gilmour al principio se mostró reticente pero de todas maneras sabía que tenía que hacer algo grandioso, trascendental, para ayudar a eliminar la pobreza en el mundo. Qué sacrificio más grande que el de perdonar a su enemigo. Esa fue la primera grieta en la pared.

Pues bien, en el 2010 llegó el momento de derrumbarla. Roger Waters recreó y repotenció el show de 1980 y salió a por el mundo para volver a contar la historia de Pink, el músico cuyos traumas crean una pared entre él y los demás. Una obra personal, magna, pomposa como lo mejor del rock de los setentas, The Wall fue exactamente lo que el público de ahora, 2010, necesitaba: un evento multimedia en el cual la pared se torna nuestra pantalla de computador, nuestro teléfono móvil. No hay mayor diferencia en la temática de la obra de 1979 con la del show del 2010… bueno, ahora en vez de "trece canales de mierda de donde elegir" tenemos trescientos. Pero la idea es la misma: nos hemos encerrado tras una pared de miedo, de jarabe de maíz, de noticias malas y comerciales para comprar productos y servicios que no duran más de tres meses. Cada uno de esos ladrillos es presentado con la espectacularidad que ya es insignia de Roger Waters y, claro, de Pink Floyd. El bajista no pudo haber escogido un mejor momento para derrumbar su pared personal que ahora, en que el mundo está “igual de peor que siempre”. Waters, con su pared, intenta imitar a la Guernica de Pablo Picasso, con majestuosidad, dramatismo, sufrimiento, indiferencia, colores, las tradicionales letras pintarrajeadas y, claro, con la constante escala en re menor de tres notas que perfila toda la obra, aquella de we don't need no education... Dichas tres notas están muy arraigadas en la psique de Waters: ya las había presentado en 1968 en su “Set The Controls For The Heart Of The Sun”.

“Comfortably Numb”, la mejor canción de Pink Floyd y el mejor momento del show, está basada en una experiencia de Waters durante la gira del Animals. Aún con hepatitis, tuvo que salir a tocar para satisfacer a la manga de ignorantes de la primera fila, gracias a una inyección que supuestamente "haría magia" en su organismo. Waters, en The Wall, pareciera que desnudara su propia alma pero en verdad lo hace con la de todos: ¿Quién no ha gritado alguna vez “don't leave me now"? ¿Quién no ha sentido cólera ante la sociedad de consumo? Es más, ¿quién, de una forma u otra, no se ha sentido inconforme con la realidad actual en general y la suya propia?

Roger Waters dijo, al finalizar su concierto, que cuando escribió estas canciones él era un "sujeto miserable" y que mucha, muchísima agua había pasado por el río. Esta vez, concluyó, se sentía bien consigo mismo y con su público. No hubo escupitajos por parte de él, ni críos que gritaban sin saber qué estaban escuchando y viendo. A Waters le creí no por sus palabras sino por sus actos: recordar a los caídos en las últimas guerras, de todos los bandos posibles; afirmar que la paz es un deber y un derecho; haber limado asperezas y enterrado el hacha con sus ex compañeros de Pink Floyd antes de la muerte de Richard Wright. Esa fue la verdadera base del show de Roger Waters y su equipo multimedia: la autoridad musical y personal de decirle al mundo que es hora de derrumbar paredes, porque la suya ya lo estaba.
"Quítenme las cámaras, que os parto la madre".


Lo que sigue a continuación es lo que escribí anteriormente sobre el álbum The Wall, con la colaboración de Roxana Fernández y Arelí Martínez en 1999.


Ya no se puede mencionar la importancia de Pink Floyd en la historia del Rock sin mencionar a su obra más popular y conocida: The Wall. Felizmente para unos, lamentablemente para otros, Pink Floyd será recordado para la eternidad por el éxito de este disco; sin importar que Dark Side Of The Moon haya estado 13 años en las listas de álbumes Billboard o que, en general, Wish You Were Here es música de los dioses.

No era el estilo de Floyd hacer canciones cortas con connotaciones sociales ni familiares. Lo de ellos eran los largos eventos cósmicos y las alucinaciones basadas en las locas ideas de Syd Barrett, el primer guitarrista del grupo e influencia absoluta en toda la música que hicieron después. The Wall fue la respuesta que el fanático de Pink Floyd estaba esperando desde 1977 -año del ameno pero flojo Animals (Columbia)-, a la pregunta: "¿Sucumbió Pink Floyd tragándose a si mismo con todo su rollo progresivo?" La respuesta que da The Wall es, obviamente, "no".

The Wall es un disco con mucha suerte, lanzado en el momento justo por la banda justa y para el público que lo había estado esperando. Finaliza la década de los setentas con el gran contraataque al Punk Rock del grupo líder del rock progresivo. Producido por Roger Waters y Bob Ezrin (productor de Alice Cooper y Peter Gabriel), las sesiones de grabación empezaron en noviembre de 1979 y ya en diciembre se lanzaba el primer single: "Another Brick In The Wall Part II" con el que llegan al número uno de las listas de éxitos inglesas y luego, en la mayoría de países. Al tratarse de una obra de gran envergadura, cabe mencionar que, según David Gilmour en la entrevista que dio a la revista Musician en 1992, The Wall tuvo a muchos, demasiados, músicos de sesión invitados por Waters y Ezrin. Varias tomas de batería estuvieron a cargo de Jeff Porcaro, el buen guitarrista Lee Ritenour interviene en varias surcos; y se tuvo como apoyo a casi un grupo entero: Snowy White (guitarra), Willie Wilson (batería), Peter Wood (teclados), Andy Bown (bajo) y los coros (que sí están creditados correctamente en la funda) de John Joyce, Stan Hass, Jim Farber y Joey Chemay.

¿Y qué era de David Gilmour, Nick Mason y Rick Wright? Estaban ahí, pero pintados. El nombre de Richard Wright no se menciona en la funda del disco. Gilmour tocó el bajo en más sesiones que Waters, convirtiéndose en un músico de sesión más. Cuenta Gilmour, además, que Waters le agradecía a él siempre los premios que las diversas asociaciones relacionadas con la música le daban por "mejor bajista". Ironías de la vida, Roger nunca pudo tocar un bajo sin trastes: el bajo en "Hey You" es de David Gilmour. Es más, Rick Wright ya había sido despedido por Waters para The Final Cut (Columbia, 1983).

Pero, ¿cómo no se le iban a subir los humos a un tipo que había compuesto y ejecutado la obra maestra más exitosa del rock progresivo? Waters ya había dejado el bajo, ahora cantaba solista, micrófono en mano.




The Wall (Columbia, 1979)

Introducción



Diciembre de 1999 marcará el vigésimo aniversario del célebre disco de Pink Floyd "The Wall". Para celebrar semejante evento, y seguramente para capitalizar la celebración con algunos dólares, EMI Records editará Is There Anybody Out There? The Wall Live, el primer día de diciembre.

Como su nombre lo indica se trata de un álbum doble  en el que Pink Floyd registrará los mejores momentos de la gira mundial (en sólo cuatro ciudades) en donde presentó The Wall, disco que vendió más de 17 millones de copias, aunque sin alcanzar el récord establecido por un trabajo anterior, "Dark Side Of The Moon". El disco contará con una edición limitada, con nuevo arte y, seguramente, con las ya clásicas figuras de Gerald Scarfe.

La música de este nuevo álbum se grabó en Los Angeles, Dortmund, New York y Londres. Fueron solo cuatro ciudades, ya que el concepto escénico era muy costoso en lo económico (mientras la banda tocaba, se iba construyendo una pared, que al promediar el concierto se derribaba) y muy difícil de trasladar. De manera tal que Pink Floyd optó por hacer pocos shows que respetaran su idea. Cuando se hizo un trabajo especial para el Museo del Rock en Cleveland, Roger Waters escribió lo siguiente sobre The Wall:

"En los viejos tiempo, antes de Dark Side Of The Moon, Pink Floyd tocaba para audiencias que, en virtud de su mínima cantidad, permitía una conexión íntima y mágica. Después llegó el éxito, y en 1977 ya estábamos tocando en estadios de fútbol. La magia sucumbió bajo el peso de los números. Nos estábamos transformando en adictos a las trampas de la popularidad. Me descubrí a mí mismo alienado en esa atmósfera de ego y avaricia, hasta que una noche, en el Estadio Olímpico de Montreal, mis frustraciones estallaron. Un loco fan adolescente comenzó a treparse por sobre el vallado que nos separaba del público, gritando su devoción a los semidioses más allá de su alcance. Encolerizado por su mala interpretación y mi propia rabia, escupí mi frustración en su cara. Esa misma noche, más tarde, ya de regreso en el hotel y shockeado por mi comportamiento, me sentí frente a una elección. Negar mi adicción y abrazar ese estado de "confortable adormecimiento", o bien aceptar la carga de la introspección, tomar el camino menos transitado, y embarcarme en el, a menudo, doloroso viaje de descubrir quien era yo y a donde pertenecía. The Wall fue la figura que utilicé para poder ayudarme a tomar una decisión. La que necesitás para armar un fin de semana perfecto."



A Conceptual Recording Made by Pink Floyd

Waters contaba en dos long-plays la sucesión de traumas que llevan a nuestro héroe Pink a una amarga soledad. The Wall, aunque inspirado en Pink, encuentra más influencia en la vida del hermano de Roger, Eric Fletcher Waters. Es mucho más que la historia de la decadencia de la enfermiza mente de Pink; es todo lo que Waters detesta del sistema británico. En orden de aparición en el disco, "In The Flesh?" inicia toda esta visión de Waters, que bien se percibe el daño que le hizo que su hermano partiera a Vietnam, no cabe duda que la correspondencia de éste avivaba a Roger, por el hecho de que nunca entendió el porqué de entrar al frente. Claro que Roger sabía lo inútil de la guerra basada en la teoría del dominó y lo expresa con esta frase: "pensaste que te podía gustar ir al espectáculo, a sentir la cálida emociónd e la confusión, ese espacio de resplandor de cadete" "únicamnete tendras que desgarrar tu camino a través del disfraz".

"The Thin Ice" es un poco más depejado, si bien al alegorizar al "bebé" como a cualquier soldado al cuidado del sistema, le adiverte en forma subliminal en "Te resbalas fuera de la profundidad, y fuera de tu mente con tu miedo fluyendo detrás, a medida que despedazas el hielo delgado.." la música que acompaña estos dos primeros episodios de la historia bien interpreta el dolor de Roger, la guitarra eléctrica, que más tarde descansará hasta la primera parte de otro ladrillo en el muro, es el preludio de la historia, que se muda al pasado.
Pink intenta con rabia entrar al sistema a luchar contra él, pero paga caro el precio por adentrarse, "...en la carne sentirás la cálida emoción al ver el resplandor de la confusión en la guerra, te resbalas en la grieta del hielo delgado y te hundes en la profundidad, fuera de tu mente con el miedo detrás....", así es en donde su padre se marcha a la guerra, "..papá se fué, atravesando el océano, ¿qué dejaste detrás para mí?, solo un ladrillo del muro, solo son unos ladrillos más de este muro, tu recuerdo es una foto, un ladrillo.." "Another Brick In The Wall Part I", es el primer hilo que conduce esta historia; el primer bloque en el muro personal de Pink. Como antecedente de la parte más popular de la obra, cuenta a modo de sarcasmo sus días de escuela, "cuando éramos unos niños, los maestros nos herían de cualquier forma posible, exhibiendo nuestra debilidad, solo nos quedaba el consuelo de que cuando regresaran a casa, sus psicopáticas y gordas esposas harían de cada pulgada de su vida un infierno..."
Los ladrillos de la pared son aquellos traumas e incomodidades que lo van separando del mundo y, sobre todo, de la gente que lo quiere (porque la gente llega a querer a la gente detrás de las paredes). Empieza en la segunda guerra mundial con la muerte de su padre, afectando a la madre y haciéndola extremadamente sobreprotectora con su pequeño hijo. Al ser sobreprotectora, lo vuelve retraído y muy solitario. Se da cuenta del brutal sistema educativo británico y protesta con el himno más famoso del álbum, la parte 2 de "Another Brick in the Wall". "No necesitamos educación, no necesitamos Control de Pensamiento, no más burlas, déjanos solos!!!!, maestro, déjanos solos, solo eres un ladrillo más del muro..."
Al ir creciendo se da cuenta del horror del sistema capitalista al provocar hambre y desempleo ("What shall we do now?"). La culpa interna de ser un músico vago inútil para la sociedad abruma a Pink.

De pronto, pasamos a observar otro ladrillo más del cuento. Pink tiene una charla con Mamá:

Madre, ¿crees que acabarán conmigo?, ¿debo construir un muro?, ¿me pondrán en la línea de fuego?

Bebé, tranquilo, sabes que yo haré realidad todas tus pesadillas, no te dejaré volar, tal vez cantar, te ayudaré a levantar el muro...

Madre, ¿quieres decidir mi vida?

Bebé, claro que sí.
Pink se pregunta si ha visto suficientes horrores y sufrimientos, el fuego se ha apagado, pero su ardor sigue doliendo, adios al cielo azul, ahora llenará su muro de espacios vacíos...

"Soy un chico nuevo, no conozco alrededor, necesito una mujer, indecente, ¿alguna me hará sentir hombre de verdad?, libera a este refugiado del rock´n roll!!!!!...." un trabajo de guitarra bastante sencillo, pero estridente. David Gilmour ejecuta magníficamente la guitarra en Young Lust; ácida y muy negativa, como ir andando de putas por una ciudad industrializada y fría. Podría ser una reminiscencia de la música que se usa en las películas porno. Gilmour no tiene mucha velocidad en sus dedos, pero si mucha presión. Como diría B.B. King,
es como los automóviles; puedes tener velocidad o economía, más no ambas cosas a la vez.

Su relación con las mujeres va de mal en peor, al buscar refugio en la prostitución ya que el pobre chico no sabe amar. ¿y cómo va a saber si nunca le enseñaron? Otro ladrillo se añade a la pared cuando su esposa, harta de la indiferencia de su marido músico -ya la alegoría a Syd Barrett es notable-, lo engaña con un pacifista (esto se ve explícitamente en la película que hiciera Alan Parker en 1982).
Pink inicia su vuelo, sabe que ha cambiado y nada puede sentir.....aun así, destruye la habitación....."déjame destruir todo, ¿quieres verme volar?, ¿quieres que me detenga?, ¿porque corres?...." "No me dejes, ya estoy saliendo, ¡no me dejes!.....sabes cuanto te necesito..."

La tercera parte de otro ladrillo más del muro, "estoy solo, no necesito muros a mi alrededor, no necesito drogas, ya he visto la escritura en el muro, solo fuiste otro ladrillo...
Sin duda, otra parte importante, es cuando Roger habla con Pink, desnudo, oscuro y solo, sabe que el muro es alto, los gusanos se comieron su cerebro...este es el momento d lucidez entre Roger y Pink.
-¡Hey tú, siempre haces lo que se te dice, tú, el que estaba más allá del muro, no me digas que no hay esperanza!
-"Fuera del muro nos mantenemos juntos, de pie; dentro el muro nos hace caer"......

-¿Hay alguien allá afuera?
Jamás se había expresado tanta soledad en una canción, probablemente.
Pink todo lo vacía en su piano, con sus brazos marcados, sus dedos manchados de nicotina, quiere volar, pero no sabe hacia a dónde, y al compás de los violines, recuerda a Vera Lynn, pero sabe que si llama, nadie contestará.
La parte más sombría llega con "Comfortably Numb", en donde Pink trata de pedir ayuda a sus amigos, pero las drogas no lo dejan. Busca pretextos para justificar su dejadez: la fiebre que tuvo de niño, su temor a la rehabilitación, el ajetreo de las giras... la gota que colma el vaso es cuando dice "basta" y es sometido a un juicio por un enorme gusano.
Entonces, Wall tiene un caso interesante de un círculo vicioso, el cual tiene que ser roto, para mejor salud mental de Pink y del oyente, mediante un juicio a cargo de un gusano-juez de lo más asquerosamente arbitrario posible. Los testigos del juicio: el maestro de escuela, la esposa (ambos solicitando un castigo severo para el acusado) y la madre, quien lo coge en sus brazos y le pide al juez que lo absuelva para que se pueda ir a casa (parece que un modesto castigo a través de la justicia inglesa es mejor que esto último).
No, la condena de Pink es peor: todos los que lo rodean tienen que verlo sin esa pared que lo fue cubriendo durante todo el disco. A derrumbarla, se ha dicho. A romper con los traumas que nos impiden ser libres; en otras palabras, ¡a madurar, carajo!


El Boom de Wall
Escribe: Javier Moreno

Pink Floyd estaba creciendo con The Wall más como concepto que como banda, ya que los demás integrantes del grupo cada vez tomaban menos decisiones. Waters y su orquesta eran Pink Floyd y listo; algo así como los Nine Inch Nails, un grupo de un solo integrante. Debido a su vanguardia, The Wall carecía de todos los efectos psicodélicos y del teclado característico de Richard Wright. Solo faltaba que Frank Sinatra cante "Nobody Home" en las Vegas y listo el pollo (imaginen a Frank incluyendo este tema en su álbum Trilogy). Pink Floyd ya no era aquel cuarteto sorprendente y cósmico de Meddle y de Dark Side Of The Moon. Ahora era el seudónimo de Roger Waters, quien había logrado el más profundo homenaje-crítica a su mentor y guía de los sesenta, el señor Syd Barrett.
Una presentación impresionante de tres fechas en el Memorial Sports Arenna de Los Ángeles, California, en febrero de 1980 es la única gira de Pink Floyd introduciendo el álbum al mundo. El avión que se estrella, el cerdito volador, y varias grúas detrás del escenario empiezan a construir el muro que oculta al grupo del público, tal como los traumas de Pinky lo separan de los seres que lo quieren, según la historia narrada por Roger Waters.
Ahora Waters es el amo y señor del grupo, las letras y el concepto del disco son totalmente suyos; pero esencialmente The Wall es la historia de Syd Barrett, con muchas anécdotas del propio Roger Waters, amo y señor de Pink Floyd entre 1975 y 1981.
Concluyendo, The Wall es un disco imprescindible en cualquier colección de Rock Clásico. Veinte años después, es considerado uno de los mejores álbumes de todos los tiempos en cada encuesta que se hace sobre el tema. Ahora, si no han escuchado The Wall, sería un buen momento para hacerlo.

Wednesday, December 8, 2010

"Imagine / How / Give Me Some Truth / Oh My Love", John Lennon, EP edición soviética de 1983, disponible en Amazon.com


Continuando con la serie de artículos que he escrito sobre la vida y obra de John Lennon, llego a conmemorar un aniversario más de su muerte. Esta vez son 30 años de la tragedia. Quizás la mayor tragedia del rock and roll y de la música popular. Un alma joven, a los 40, dispuesta a seguir creando, queda silenciada por las cinco balas de un desquiciado con excelente puntería llamado Mark David Chapman.

El sueño acabó. Los Beatles jamás se reunirían. La era de la esperanza llegaba a su fin. El mundo cruel le daba el alcance a aquel cantante que se atrevió a cuestionarlo, después de que éste le quitara a su madre. Para colmo, el cantante fue asesinado por un demente obsesionado con su ex-grupo y su improbable reunificación. ¿Muerte absurda? Sí. Más que absurda. Tan absurda como la confesión del asesino: "No quería hacerle daño a nadie... ah, y a propósito, actué solo. Sólo yo, lobo solitario con mi copia del libro Catcher On The Rye". Suficiente.

El 17 de Noviembre de 1980, Double Fantasy, el álbum de John Lennon y Yoko Ono, aparecía en el mercado bajo el sello Geffen. Producido por Jack Douglas, es un disco bastante elaborado y hasta cierto punto sobre producido: Lennon gustaba de grabar su voz sobreponiendo pistas y modificándola con la mayor cantidad de efectos posibles. Al aparecer, la crítica fue un poco dura con el disco, calificándolo de "un desastre de la auto-obsesión". La prensa musical en general no le prestó mucha atención a aquel "retorno" de John a los estudios y, probablemente, a los escenarios.

Muchos de esos comentarios negativos no vieron la luz, puesto que tres semanas después, Lennon caía abatido y el disco se convertiría en inmortal inmediatamente. Geffen Records retiró toda la publicidad del álbum para evitar parecer mercaderes de la pelona, aunque el disco se vendió como pan caliente. 

En la iglesia más grande del mundo, en Nueva York, se tocó “Imagine” en el órgano (figúrense) y se calificó a Lennon como “un hombre de paz”. Y aquellos 10 minutos de silencio el 14 de diciembre a las dos de la tarde, hora de New York, solicitados por Yoko, marcaron el fin de una era y el inicio de otra. Es ahí donde el rock and roll perdió su inocencia y se colocó en la cresta de la ola, en el mismo sitio donde algunos años antes había estado el Jazz como fuerza social y política.

Al quedar viva, Yoko Ono se llevó la peor parte. Nada de lo que había vivido o sufrido con John le había preparado para esto: al enterarse en el hospital que no se pudo salvar a John, gritó que era mentira, que no era cierto, y sufrió un ataque de nervios y se arrojó al suelo, golpeándose la cabeza una y otra vez. Quería hacerse daño. Un amigo suyo la sostuvo, le ayudó a levantarse y le dijo: "piensa en Sean. Tienes que cuidar de él". Yoko habrá sacado fuerzas de donde no había y tuvo que ir a contarle a su hijo lo que había pasado. Lennon yacía muerto en la camilla de un hospital, y la noticia corría veloz como las balas que lo asesinaron.  En verdad fue como si hubieran matado a alguien de la familia: una de las peores formas de morir, asesinado por lo que eres, por lo que crees, por negarte a hacer lo que los demás quieren que hagas. Algo así como un crimen racial u homofóbico. Qué terrible.

Un fantasma de paranoia y horror cubrió la ciudad de New York y el resto del mundo, más o menos como ocurrió días después de los atentados del 11 de Septiembre del 2001. Subliminalmente, el hecho de que Chapman haya disparado contra su ídolo, contra la persona a la cual deseaba parecerse, para luego afirmar que "actuó solo" y que "recibió órdenes de su lado maligno", daba a entender a la juventud, a la generación de Woodstock, a la del amor libre, que había llegado un nuevo Sheriff al pueblo y que la vida humana valía lo que costaba una bala expansiva.  Que llegó el momento del miedo y la incertidumbre. Aquella noche del 8 de diciembre de 1980 no sólo murió un hombre, un cantante, un guitarrista, un Beatle, sino la confianza de toda una generación. David Bowie, Ringo Starr, Linda Ronstadt y Paul McCartney se consiguieron guardaespaldas inmediatamente,  y este último no salió de gira hasta nueve años después. Quizás fue el temor a  las balas, y quizás también por la poca predisposición del gobierno estadounidense a controlar las armas y a los locos que las usan. Ronald Reagan acababa de ser elegido el 4 de Noviembre y se venían años muy, muy rígidos y difíciles. El presidente electo, al ser preguntado sobre la muerte de Lennon, culpó a las pandillas criminales de Nueva York.

El mensaje de aquel fin de año de 1980 era, según el crítico Greil Marcus, uno severamente retrógrado y terrorífico: cualquiera que crea que tiene a Dios de su lado, además de una pistola, puede hacer justicia en este mundo pagano. El mensaje secreto: "algunos pertenecen a este país. Otros no. Algunos son dignos, otros no. Algunas opiniones son benditas, otras malignas. Con la bendición de Dios, los mensajeros del Señor separarán a unos de otros". Según Marcus, los puritanos habían regresado y con más fuerza que nunca, a reclamar de vuelta la sociedad que alguna vez fundaron, aceptando la vulgarización de sus creencias si eso significa que, una vez más, Dios y sus siervos serán capaces de ver a Estados Unidos, o a Occidente, y diferenciar a los elegidos de los reprobados, a los redimidos de los condenados. Dicho “mensaje” no inspiró a Chapman directamente, pero es ese tipo de mensaje, el cual juzga –o prejuzga– al inocente y al culpable, el que puede vincular un ataque de locura particular con una justificación pública. Puede señalar relaciones extramatrimoniales así como tendencias políticas y condenarlas rápidamente. Si un estado aprueba este tipo de comportamiento, entonces Chapman tiene el derecho inalienable de matar a quien considere está afectando negativamente su vida. He ahí el motivo por el cual Chapman se la pasa pidiendo su libertad condicional y por el cual se muere de miedo de ser envenenado o asesinado: para él, la muerte de Lennon fue algo que tenía que hacer, por más que luego afirme en los tribunales que fue una "fuerza maligna que lo obligó".

Yo les voy a decir qué es una fuerza maligna: el quemar libros, el quemar gente, el miedo a expresar una opinión y vivir temiéndole a todo. El asesinato de John W. Lennon fue el peor “tate quieto” dado a Estados Unidos desde las muertes de John F. Kennedy y Martin Luther King, Jr.: con el mismo loquito suelto de siempre, apellídese Oswald o Chapman, la pregunta importante no es el "quién", "cuándo" o “dónde”, sino "por qué". La respuesta al "por qué" la sabemos, tanto como las respuestas a las otras preguntas.

John nos dejó hace treinta años y los últimos diez años de su vida, o al menos la mayoría de éstos, fueron años de mucha honestidad y expresividad. Podemos haber estado de acuerdo con él o no. Pero no se calló la boca, no fue hipócrita. Luchó por lo que creía. Se convirtió en un hombre de paz, tal como lo afirmó la Iglesia. Un hombre cuya guitarra no disparaba, pero sabía a dónde apuntar. No tenía una AK-47 cuando grabó "Working Class Hero", sino una guitarra de palo y una voz directa, al grano. Con "Imagine" invitó a la gente a pensar más allá de lo que los periódicos, la religión, la geopolítica y la TV les embutían entre sus orejas. No planteó la creación de un nuevo orden con un manifiesto comunista musical (John Lennon no soportó ninguna forma de dictadura, y es por eso que los Beatles nunca fueron aceptados en la República Popular China, aunque Lennon tenga una estatua en La Habana, Cuba), ni pensó derrocar a aquel sistema capitalista que en el 2008 te falló a tí y a mí. Por sobre todas las cosas, John era un cantante. Punto. Si en 1966 afirmó que los Beatles eran "más famosos que Cristo", en 1980 demostró que su imagen transmitía un mensaje de paz, de amor, de entendimiento. ¿Los Beatles más grandes que Jesucristo? Es lo de menos. El mensaje era el mismo.

Los tiempos difíciles que le tocaron vivir a Lennon y a su generación fueron menos complicados que los que ahora llevamos. Ahora es más fácil borrar o edulcorar una idea antes de que llegue a la juventud y "cree problemas". Vean los rankings musicales de 1967, 1972 y 1976 y compárenlos con los de fines del 2010 y se darán cuenta: nadie plantea nada nuevo o interesante. Si hemos de considerar que el único rockero que puede hablar de política y ser tomado en cuenta es Bono, entonces estamos más que jodidos. Sin embargo, me alegra mucho saber que los Beatles aún siguen siendo materia de conversación. Eso quiere decir que la esperanza nunca se pierde, y que Lennon no murió en vano.


Wednesday, November 17, 2010



The complete pickPocket Ensemble albums on Aquarius Records:
Fingerpainting in Red Wine (2005)
Soul Café - Live at Strings (2006)
Memory (pickPocket Ensemble, 2010)

On November 2010, The pickPocket ensemble played yet another small venue in the Bay Area and I happened to be there. I had the chance to catch Rick Corrigan, the main composer and accordionist of this amazing instrumental combo. I wanted to interview him and mention him how much I loved his music, a kind-of-a-dream gypsy European cafe, one with lots of spices and nostalgia.

The pPE is one of those "little bands that could" that have to fight for spaces and times to express themselves. It's a shame that Sony Classical or Nonesuch records haven't got them in their artist roster. Maybe because it implies a huge risk. The pickPocket Ensemble sound makes you want to travel. To travel specifically to Eastern Europe, and get lost into landscapes and towns full of different people, with alien but somehow familiar traditions.

The band, which has become through the years a continuing changing and evolving back-up group for Corrigan's accordion, extracts melodies from Middle East and the former Iron-Courtain countries, blending them with Americana, but not enough to make them sound local. They need to explore a little bit of Polka and Bluegrass, but that's just my opinion.

Their debut album, International House Of Dreams, put the band on a tiny little spot in the Bay Area record circuit and it's a very hard to find album. A Streetcar Too Far is impossible to get unless Aquarius decides to re-release it. Corrigan suggested re-recording it and that would be a good idea too, if the new material gets included in a package with the old one.

Both albums were calling for a peak, and it was reached after painfully changing instruments, musicians and recording locations. An instrumental tale of unrequited love and passion for travel, ...If I Were A Highway took three years to make and it seems that Corrigan found a niche to hang out for a while. Fingerpainting In Red Wine, their fourth Studio Album, is another trip companion to faraway lands and introspective moods, highlighting a tune called "Renee at Ocean Beach," in which guitarist Tim Fox play a lullaby for Corrigan's daughter. As good as it gets, the pickPocket Ensemble music also calls for a major recording deal, with no restrictions nor compromises. Nowadays it might sound impossible, but...

The pickPocket Ensemble CDs are available on Bazaar Cafe, Aquarius Records, CD Baby or by emailing Rick Corrigan.

Sunday, November 7, 2010



Con respecto a los recientes acontecimientos de adquisiciones de radios y cambios radicales de formato, se me vino a la frágil memoria la historia del terrible cambio de música que ocurrió con mi radio favorita.

He mencionado más de una vez que traicionar la confianza del cliente es lo peor que le puede pasar a un negocio. También se da el caso inverso. Hace 21 años, Radio Panamericana dejó de existir para mí al cambiar, de un día para otro, su formato musical. Era una radio pop-rock con música moderna en inglés y, de forma creciente, en español. La radio llevó a Lima a artistas como Indochine y Soda Stereo, con espectaculares conciertos en el deslumbrante coliseo Amauta de Chacra Ríos. Era una radio que yo escuchaba todo el tiempo, desde mis 13 hasta mis 16 años. Adoraba dormirme escuchando la radio durante la noche. Adoraba a sus locutores, sus cuñas musicales y, en general, seguía semana a semana sus rankings musicales. La mejor canción de la semana era denominada "la Más Más", que era el tema más difundido y, probablemente, el más votado.

Me parece increíble que ahora, 21 años después, la gente de Panamericana y de otras radios de la época se hayan “reencontrado” conmigo, aún sabiendo que en esa época yo era un simple oyente que habrá llamado a la radio no más de dos veces.

Una triste mañana de 1989, me levanté escuchando salsa en Panamericana. El formato había cambiado entre gallos y medianoche. Creí que alguien había cambiado el dial a Radiomar Plus, otra radio salsera de Lima que, a diferencia de Panamericana, respetaba a sus radiooyentes manteniendo estable su formato. Pasar de la noche a la mañana de una radio rock a una radio salsera, conservando la misma administración y empleados, dice mucho del poco interés que tiene una radioemisora en crear fidelidad por parte de sus oyentes. Excusas van y vienen: falta de auspiciadores, poco interés, baja audiencia... y al final, "tenemos que cambiar el formato. Es lo único que nos queda".

No. Lo único que les queda es o seguir peleando por su radioaudiencia. O suicidar la radio gloriosamente con una gran fiesta de despedida; para así hacer saber al mundo que la radio no está más cerca de la gente. Panamericana ha estado tocando salsa y música latina en general desde 1989 y estoy seguro que ahora hay mucha gente que la sigue, especialmente jóvenes, y que gusta de la música que la radio difunde. No hay nada malo en eso: la radio ha creado dos o tres generaciones más de oyentes fieles, los cuales dudo se llevarán una decepción tan grande como la que me llevé en 1989. La salsa no pasará de moda ya que vende sexo y alcohol, más que el Pop Rock que también lo hacía y bien rico. Más que el Heavy Metal. La salsa llena estadios de manera constante. Más que los esporádicos conciertos rock de viejas glorias que visitan Lima. En ese aspecto, los oyentes fieles actuales de Panamericana pueden estar tranquilos.

Pero quiero que se pongan en los zapatos de los oyentes decepcionados, como yo con Panamericana. Como otros con Telestereo, Stereo 100, Zeta y otras que cambian de formato y de dueños rápidamente, al no poder con sus deudas y no ver más allá de sus narices, ignorando el potencial que tienen de crear no sólo cultura, sino diversidad musical en el dial. No sólo en Lima, Perú, sino en otros lugares del mundo. En Santiago de Chile, una radio de rock clásico pasó de la noche a la mañana a ser una radio simplemente... clásica. Mi querida Radio Sol de Arica, Chile, eliminó su formato adulto-contemporáneo y se convirtió en una radio pop-rock bailable, mandando al cuerno a Sade y dándole la bienvenida a los Vengaboys. En San Francisco, la Arrow, una radio de rock clásico del firme, pasó de la noche a la mañana a ser una radio country. Los oyentes tratan de encontrar otra radio, o ninguna.

En mi caso, después de perder a Panamericana me fui por un rato a Doble 9, una radio rock con una audiencia y un formato muy establecidos, pero con un tufo a snob que me hacía sentir incómodo -nunca me entendí con la pituquería. Ellos no me entienden ni yo a ellos-. Stereo 100 FM también estaba, y ésta fue la primera radio que escuché que sólo tenía "éxitos de siempre", es decir, la primera radio de Rock Clásico. Llegué a Telestereo y Carolina FM y me quedé por ahí hasta el 2000. Panamericana, la Radio Láser, seguía musicalizando bares y unidades de transporte colectivo. Aprendí, como muchos otros, a superar la decepción, la debacle, la ofensa que significa que una radio deje de difundir la música que te gusta. Es quizás por eso que hoy, 21 años después, me muestro pensante ante tanto cambio. Una cosa es cierta: la radio está cerca de la gente cuando la gente y la radio lo desean. No cuando una de éstas decide cortar de súbito.

Wednesday, November 3, 2010

Cortesía de, ejem, "Pichón" y de su blog "Beatles DVD Inéditos". Gracias a Mike Mantilla por el reenvío.

POR QUÉ NO VINO McCARTNEY

Tuesday, October 26, 2010

El 14 de abril pasado, el diario del Vaticano L'Osservatorio Romano publicó la siguiente nota referente al famoso comentario de Lennon "Más grandes que Jesús". Comentario que le valió que muchos discos de los Beatles sean quemados (luego de ser comprado$) en el cinturón bíblico de los Estados Unidos y en otros lugares de fácil escandalización.

La Iglesia Católica, por lo visto, escuchó y vio la conferencia de prensa de la disculpa, pero claro, en ningún momento consideró que lo que había dicho Lennon oficialmente había sido tomado fuera de contexto. Es más, decidieron incluir una foto de Ringo Starr con una cara de tonto increíble. Los Beatles no sabían de lo que hablaban, y menos Lennon, pareciera afirmar la gaceta oficial de la Santa Sede. ¿Pero por qué no incluyeron una foto de Lennon, si Ringo no tenía vela en ese entierro?

Consonancias

Los Beatles y L'Osservatorio Romano


Para recordar los cuarenta años de la separación de los Beatles “El Observatorio Romano” publicó en la edición del 10 de abril pasado, dos articulo juntos, escritos por Giuseppe Fiorentino y Gaetano Vallini, los cuales habían ya escrito en la edición del 22 de noviembre del 2008, a los 40 años del álbum blanco. En ambas ocasiones muchísimos medios de todo el mundo -y ahora el mismísimo Ringo Starr, entrevistado en la CCN- han interpretado esta obvia atención al importante fenómeno musical de nuestro tiempo, como una absolución del Vaticano. Absolución de la cual los cuatro artistas de Liverpool no tenían ninguna necesidad. Como demuestra este anónimo y autoritario (autoritario: de autor no de autoridad) articulo que salió en
L'Osservatorio Romano el 14 de agosto de 1966 a testimonio ya desde ese momento de una inesperada consonancia entre el diario de la Santa Sede y John Lennon.






La desafortunada frase “Los Beatles son mas populares que Jesús” pronunciada por uno de los cuatro y precisamente John Lennon, es la que ha tenido inmediata y negativa repercusión en el mundo de los mismos simpatizantes o fanáticos, ha dado prueba de la intocabilidad de las cosas sagradas en el público mas “a vanguardia”. La frase ha desafortunadamente impresionado a “aquellos que siguen a los Beatles como si fuera un culto” hasta el punto de provocar una disminución en las ventas de los discos de los cuales son productores los propios Beatles. En la víspera del tour americano todo esto ha impresionado vivamente a los caprichosos cantantes y músicos. La sociedad editora constituida por los Beatles tuvo que afrontar las consecuencias de sus acciones que desencadenaron en pérdidas –informaban ayer las agencias- de cerca de medio millón, en pocos días, debido a la caída de las cotizaciones.

Es un síntoma también que ciertos temas, entre los “seguidores de vanguardia”, no se quieren tocar al ser considerados como superficialidades profanas.

Tal vez la reacción inesperada y siempre más difundida, es que ha echo reflexionar a John Lennon que, abrumado de popularidad y del fanatismo universal, se había pronunciado así ligeramente, inconscientemente (mas que maliciosamente) sin reflexionar sobre las consecuencias de su frase sobre Cristo y la religión.

En Chicago, al momento de iniciar las actuaciones en la ciudad americana, John Lennon ha querido ayer difundir una retractación leyendo la siguiente declaración: “No me ha pasado nunca por la cabeza decir cosas antirreligiosas o estúpidas. Quería solamente criticar la actitud de la gente, especialmente de los jóvenes, por su relación con el cristianismo. No he dicho nunca que los Beatles sean mejor que Dios o que Jesús. Solamente he querido dar a entender que la gente, los jóvenes en particular, se interesa más en los Beatles que en Jesús o en la religión. He usado como termino de comparación a Los Beatles por que son las personas que conozco mejor. Dije una cosa común, natural. Cuando me di cuenta que la cosa estaba convirtiéndose en algo serio, he comenzado a preocuparme seriamente. De todo lo que he leído y observado, he tenido la impresión de que el cristianismo no tenía mas aquella comunicación con la gente, como en el pasado. que se estaba perdiendo el contacto”.

No se puede negar fundamento alguno al análisis de John Lennon acerca del ausentismo o la distracción de tantos. Pero todo esto ha preocupado ahora a sus colegas. Su compañero Paul McCartney, el cual estaba sentado cerca de él, mientras leía su declaración sobre este punto, dijo: “Todos nosotros deploramos este hecho”. Y así el tema ha estado terminado.


Traducción cortesía de Enrique Langer.


Friday, October 8, 2010



Sesiones en Apple del viernes 22 al miércoles 29 de Enero de 1969 Para el dia 20 de enero de 1969 el proyecto de filmación de Get Back fue llevado a los nuevos estudios Apple ubicados en el Nro. 3 de Savile Row, donde el amigo de John, "Magic" Alex supuestamente construía un canal de grabación de 72 pistas.
Desafortunadamente Alex no tenia ni siquiera la menor idea de cómo un estudio de grabación trabaja y no habia conectado el estudio con la sala de control por los cuales los micrófonos y los instrumentos podían ser conectados a la mesa de control.
Confrontados por un estudio inservible, Los Beatles llaman a George Martin para que les ayude. Martin toma prestado un par de maquinas de cuatro canales desde EMI , los principales son conectados desde el cuarto de control por lo cual Los Beatles empiezan a trabajar a partir del 22 de enero.
Con las cámaras y cintas en marcha Los Beatles empiezan a trabajar en el álbum y la película por la que cualquier grupo normal se hubiera separado.
En este primer día de sesiones tocan los temas “All I Want Is You” (más tarde conocido como “Dig A Pony”), “I’ve Got A Feeling”, “Don’t Let Me Down”, “She Came In Through The Bathroom Window” y en los covers de Los Drifters “Save The Last Dance For Me” y Canned Heat “Going Up The Country”.
En este mismo día Billy Preston amigo de Los Beatles desde los tiempos de Hamburgo los visita en Apple y es reclutado por George Harrison para que toque en las sesiones y la película en parte para limar y calmar las tensiones entre ellos. El día 23 de enero se trabaja en la canción de Paul “Get Back”. El día 24 de enero se trabaja en las canciones de Paul “On Our Way Home” (posteriormente llamada “Two Of Us”), “Teddy Boy” (aparecería al año siguiente en el álbum solista “McCartney” y en The Beatles Anthology Vol. 03) y en el cover tradicional “Maggie Mae”.
De John se trabaja en las canciones “Dig It” y “Dig A Pony”, también en el tema unido de John y Paul “I’ve Got A Feeling”. El día 25 de enero después de ensayar el tema de Los Everly Brothers “Bye Bye Love”, Los Beatles trabajan en el tema de Paul “Let It Be” y de George “George’s Blues (mas tarde llamado “For You Blue”). El dia 26 de enero se trabaja en “Dig It” seguido de una larga sesion de rock & roll: “Shake, Rattle & Roll”, “Kansas City”, “Miss Ann”, Lawdy Miss Clawdy”, “Blue Suede Shoes”, “You Really Got A Hold On Me” y “Track Of My Tears”. Luego trabajan en “The Long And Winding Road” de Paul y en un nuevo tema de George llamado “Isn’t Is A Pity” (posteriormente aparecido en el lp solista de George “All Things Must Pass”)
Con la cancelación de la filmación del concierto, el director del proyecto Michael Lindsay-Hogg llega a la conclusión de que tiene meses de filmación por juzgar cuanto tiempo le toma al grupo grabar un álbum. En una reunión en la sala principal de Apple; Lindsay-Hogg les propone que den un concierto pero todo lo que tienen que hace es subir a la azotea de sus estudios.
En esta reunión George se mostraba esquivo y Ringo determinado a no hacerlo. John y Paul unen sus esfuerzos y persuaden al resto minutos antes del evento ocurrido el 30 de enero. El dia 27 de enero se trabaja en los temas “Get Back”, “Oh! Darling”, “I’ve Got A Feeling” y una versión de ensayo del tema “The Walk” de Jimmy McCracklin.
La parodia de “Sweet Loretta Fart she though she was a cleaner” de John de “Get Back” fue grabada durante este dia. El día 28 de enero Los Beatles se dedican a grabar su siguiente single “Get Back/ “Don’t Let Me Down” , una nueva versión de “Love Me Do” y los temas “The One After 909”, “Dig A Pony”, “I’ve Got A Feeling” y “Teddy Boy”. Este mismo día Derek Taylor le da a John Lennon el número telefónico de Allen Klein.
John y Yoko se reúnen con Klein en el Hotel Dorchester. Lennon convencido determina que Klein sea su representante incluso le escribe a Sir Joseph Lockwood de EMI: “Querido Sir Joe de aquí en adelante Allen Klein me representa en todo”. El día 29 de enero se trabajan en las versiones de “Teddy Boy”, “The One After 909”, “I Want You (más tarde llamada “I Want You (She’s So Heavy)) y en las canciones de Buddy Holly “Not Fade Away” y “Mailman Bring Me No More Blues” y en un viejo tema de los tiempos de Hamburgo y La Caverna “Besame Mucho”.
Concierto en la azotea 30 de enero de 1969 Para el día 30 de enero se produce el famoso concierto en la azotea de Apple.
Mal Evans y Neil Aspinall llevaron arriba los instrumentos y Los Beatles con Billy Preston tomaron sus posiciones en la parte alta del edificio principal de Savile Row.
El trafico se paralizo a la hora del almuerzo mientras la gente miraba con curiosidad desde la parte de abajo del edificio y los vecinos y trabajadores colindantes tenían el privilegio de ver a Los Beatles por ultima vez en concierto. La policía trato de terminar el concierto diciéndole a los encargados de seguridad del edifico Apple que bajaran el volumen.
Los Beatles lograron tocar por 42 minutos. Empezaron con un ensayo de “Get Back”, le siguió “Get Back” (nuevamente), “Don’t Let Me Down” , “I’ve Got A Feeling”, “The One After 909”, “Dig A Pony” (para este tema se ve un asistente arrodillado en frente de John sosteniendo las letras en un portapapeles), “God Save The Queen”, “I’ve Got A Feeling” (nuevamente), “Don’t Let Me Down” (nuevamente) y “Get Back” (nuevamente). Esta versión final de “Get Back” fue interrumpida por la policia, Paul improvisa con la letra: “You’ve have been playing on the roofs again and you know your momma doesn’t like it, she’s gonna have you arrested!” (“Estas tocando en la azotea nuevamente y tu sabes que tu madre no le gusta, ella querría que seas arrestado”).
Al final del tema Maureen Starkey les da una ovación lo cual produce que Paul regrese al micrófono y le agradezca “Thanks, Mo!” (“¡Gracias, Mo!”).
John termina la última actuación de Los Beatles diciendo: “I’d like to say ‘thank you’ on behalf of the group and ourselves and I hope we passed the audition.” (“Quisiera decir ‘gracias’ en representación del grupo y de nosotros mismos y espero que hallamos pasado la audición”.) El día 31 de enero se lleva a cabo la ultima sesión de filmación del proyecto Get Back conocida como The Apple Studio Performance (La actuación en los Estudios Apple). Mayormente se trabajo en los temas de Paul “The Long And Winding Road”, “Let It Be” y “Two Of Us”que no se podían tocar en el concierto de la azotea del día anterior debido a que habia piano o guitarra acústica. Todo esto fue filmado en esta sesión. Una versión de “Lady Madonna” fue grabada. Los Beatles junto con Billy Preston fueron filmados.
Con el proyecto terminado el grupo archiva el proyecto “Get Back”, el cual quedaría en espera por mas de un año y con una serie de modificaciones a lo largo de 1969. Glyn Johns quien estuvo a lo largo de las sesiones de grabación de enero se encargaría de hacer las mezclas esto tendríamos que hablarlo en otro capitulo mas específicamente sobre las mezclas de Get Back.

Piero Dall'Orso sigue narrando la evolución aún inconclusa de la carrera de Paul McCartney como solista. Aunque "solista" es un término técnico, puesto que entre 1971 y 1979 él era miembro de los Wings, banda que él lideraba en absoluto y probablemente continuó como tal después del desbande oficial, si consideramos a Linda McCartney y a Paul como los miembros oficiales del grupo. De haber sido así, los Wings hubieran estado vigentes hasta el fallecimiento de Linda en 1998. Si reemplazamos el nombre "Paul McCartney" por "Wings"en los discos lanzados después de 1979, los Wings se mantendrían... incólumes.

Escribe Piero Dall'Orso

1982-1987

 Al igual que su antecesor, Tug of War, Pipes of Peace fue un próspero disco y fuente de nuevos éxitos para Paul McCartney.

 

Desde su edición, muchos críticos han afirmado que el álbum se asemeja a Tug of War en numerosos aspectos: así, Pipes of Peace fue nuevamente producido por George Martin, cuenta con una nueva colaboración de Michael Jackson y mantiene la unión en el estudio con su antiguo compañero Ringo Starr y con el guitarrista Eric Stewart. La razón de la semejanza con su disco antecesor se debe a que las sesiones de grabación de ambos álbumes fueron contínuas, siendo grabadas la mayoría de los temas que conforman Pipes of Peace durante las sesiones de Tug of War y quedando únicamente para finales de 1982 los temas "Pipes of Peace", "The Other Me", "So Bad", "Tug of Peace" y "Through Our Love".

En noviembre, McCartney comenzaría a escribir la película Give My Regards to Broad Street, que le llevaría gran parte de 1983. Debido a los compromisos para la película, el nuevo álbum fue pospuesto hasta octubre.

 

El álbum contiene el dueto de McCartney con Michael Jackson (por entonces en su apogeo tras la edición de Thriller, donde McCartney colaboró en la canción "The Girl Is Mine"), titulada "Say Say Say", la cual alcanzó el puesto #2 en el Reino Unido y el #1 en Estados Unidos, donde se mantuvo seis semanas. Siguiendo a la edición de "Say Say Say", la canción que da título al álbum alcanó el primer puesto en el Reino Unido a comienzos de 1984, mientras que en Estados Unidos, "So Bad" sólo entraría entre los treinta primeros puestos. Así mismo, el álbum alcanzó el puesto #4 en el Reino Unido, quedando en el #15 en Estados Unidos.

 

Comenzada a grabarse en noviembre de 1982 tras la conclusión de Tug of War, la producción del álbum Give My Regards To Broad Street y de la película del mismo nombre continuó hasta julio del siguiente año. Entre tanto, el álbum Pipes of Peace, junto a los singles extraídos del mismo, fueron editados. El LP Give My Regards to Broad Street es la banda sonora de la película homónima, escrita por Paul McCartney y editada en 1984.

A diferencia de los buenos resultados de Tug of War y Pipes of Peace, Give My Regards to Broad Street supone un desastre financiero como película debido a la crítica y a la taquilla, aunque convierte la banda sonora en un nuevo álbum de éxito para McCartney.

 

El reparto de la película lo componen: Paul McCartney, su mujer Linda, Ringo Starr, Barbara Bach, así como Bryan Brown, Ralph Richardson y Tracey Ullman en el reparto, la película narra un día en la vida de McCartney, de forma semejante a la película A Hard Day's Night de The Beatles. En el filme, las grabaciones originales del nuevo álbum de McCartney son supuestamente robadas por un empleado con un turbio pasado. Tras una exhausta búsqueda, las cintas son encontradas en posesión del hombre en cuestión, que accidentalmente queda encerrado en una nave de la estación de ferrocarril en Broad Street. Tras un creciente interés por parte de la prensa antes de la edición, la película fue salvajemente criticada tras su publicación en noviembre, acabando por destacarla como uno de los mayores fracasos cinematográficos de 1984. A pesar del fracaso del filme, el tema "No More Lonely Nights" fue nominado a un Globo de Oro y a la mejor banda sonora de una película.

 

Precedida por la edición de "No More Lonely Nights", la banda sonora del filme Give My Regards to Broad Street entró directamente al puesto #1 en el Reino Unido, mientras en Estados Unidos lo hizo en el puesto #21, donde las ventas no superaron las expectativas. Así mismo, el álbum marcó el final del corto compromiso con Columbia Records para la distribución de sus discos en Estados Unidos, firmando nuevamente con EMI, donde McCartney se mantendría hasta el 2007.

 

La mayor parte del disco, cuya lista de canciones aparece según el orden en la película, contiene nuevas grabaciones de canciones compuestas por Paul McCartney durante su etapa en The Beatles: "Good Day Sunshine", "Yesterday", "Here, There and Everywhere", "For No One", "Eleanor Rigby" y "The Long and Winding Road". Junto a "No More Lonely Nights", los únicos temas inéditos del disco son "Not Such A Bad Boy", "No Values" y una pieza sinfónica de "Eleanor Rigby" titulada "Eleanor's Dream". La canción "No More Lonely Nights" cuenta con la colaboración del guitarrista de Pink Floyd David Gilmour.

 

En noviembre, de forma simultánea al estreno de Give My Regards to Broad Street, la canción infantil "We All Stand Together", acreditada a "Paul McCartney and the Frog Chorus", fue editada como sencillo, alcanzando el puesto #3 en el Reino Unido. El tema No More Lonely Nights fue un éxito mundial.

 

Press to Play editado en 1986, notable por ser el primer álbum, desde Pipes of Peace, con nuevas composiciones, así como el primero editado internacionalmente por el sello EMI tras su alianza con Columbia Records para la distribución de sus discos en Estados Unidos desde Back to the Egg. Las críticas al disco están divididas, al día de hoy, entre los que lo han calificado como uno de los trabajos más refinados de McCartney y entre los que lo consideran uno de los más flojos.

 

Tras el fracaso de su proyecto cinematográfico Give My Regards to Broad Street, McCartney decidió que era necesario un cambio en su carrera musical. En un intento por dar a su música un sonido más contemporáneo, unió fuerzas con Hugh Padgham, productor música de Peter Gabriel, Genesis, Phil Collins y The Police. Comenzando en marzo de 1985, las sesiones de grabación de Press to Play se llevaron a cabo después de que McCartney compusiera nuevas canciones, algunas de ellas con Eric Stewart. Entre los artistas invitados en el álbum figuran Pete Townshend, Phil Collins, Eddie Rayner y el propio Eric Stewart.

 

Durante la grabación del álbum, que se extendería hasta finales de año, sería editada una única canción, "Spies Like Us", con Phil Ramone como productor. La canción, grabada en 1975 por Wings, sería el último éxito de Paul McCartney en Estados Unidos, entrando entre los diez primeros puestos de las listas, y sirviendo de plataforma para el lanzamiento del álbum.

 

El tema "Press" fue editado como single en julio de 1986, entrando tan sólo en el Top 30 tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos. En septiembre, Press to Play sería editado, con críticas favorables a pesar de ser el álbum con peores ventas de su carrera. Mientras en el Reino Unido el disco llegó al puesto #8, en Estados Unidos se debería conformar con el #30. Los siguientes singles extraídos del álbum, "Pretty Little Head" y "Only Love Remains", no consiguieron remontar las ventas del álbum.

All the Best! sería el segundo álbum recopilatorio oficial de la carrera de Paul McCartney (incluyendo Wings Greatest), editado en 1987. Contiene temas de su carrera en solitario y de su etapa con Wings, aunque la recopilación de temas varía según la edición británica y la norteamericana.

 

Como en Wings Greatest, las canciones originalmente acreditadas a "Paul y Linda McCartney" aparecen ahora adjudicadas sólo a Paul McCartney. All the Best! tuvo una gran aceptación, alcanzando el puesto #2 en el Reino Unido. A pesar de que en Estados Unidos sólo llegó al #62, fue certificado como doble disco de platino. Entonces habría que decir que para la época de Press To Play Paul entró en una etapa de bajada musical que al final de la década del 80 resurgiría con el álbum Flowers In The Dirt.

 1988-1993

Antes de regresar con un nuevo álbum de estudio Paul graba el CHOBBA B СССР (en inglés, Back in the USSR o The Russian Album) es un álbum de clásicos del rock'n'roll grabado por Paul McCartney y editado de forma exclusiva en 1988 en la Unión Soviética. En 1991, y con un tema extra, sería editado a nivel global.

 

Esta producción discográfica fue realizada bajo solicitud del gobierno de la Unión Soviética, con el objeto de mostrar a la población de aquel país lo que es el rock and roll. Para la ocasión, y junto a otros tres músicos de estudio, McCartney grabó dieciséis canciones durante dos días, trece de las cuales serían escogidas para la edición de un álbum en la Unión Soviética, una de las características resaltantes de la grabación es que se realizó completamente en directo, ya que el objeto fue reproducir el sonido original del rock and roll de los años 50.

 

El título "CHOBA B CCCP" es la traducción al ruso de "Back in the USSR", una famosa canción compuesta por Paul McCartney durante su etapa en los Beatles para el Álbum Blanco. Aunque el título es habitualmente escrito en el alfabeto latino, la edición rusa del álbum está escrita en el alfabeto cirílico, traduciéndose de forma literal al alfabeto occidental como Snova v SSSR, sin embargo el título original del álbum en español sería "Paul McCartney de nuevo en la URSS".

 

Las dos canciones grabadas durante las sesiones y no editadas fueron "I Saw Her Standing There", de The Beatles, y "It's Now Or Never", de Elvis Presley. En 1990, esta última sería editada en el doble disco "The Last Temptation of Elvis" por New Musical Express.

 

La portada del álbum, con la fotografía de Paul dentro de la estrella roja, símbolo comunista y de la URSS, fue diseñada por Linda McCartney.

 

En 1991, CHOBA B CCCP fue publicado a nivel global, añadiendo el tema "I'm In Love Again" y alcanzando los puestos #63 en el Reino Unido y #109 en Estados Unidos.

 

El regreso triunfal con Flowers In The Dirt y su respectiva gira mundial.-

 

Flowers in the Dirt es un álbum de estudio de Paul McCartney, editado en 1989 y considerado como una vuelta al ruedo musical de McCartney debido a la calidad del nuevo álbum, según las críticas musicales, y a su primera gira mundial desde Wings Over the World Tour, en 1975.

 

Tras las exiguas ventas de Press to Play, McCartney comprendió que debía trabajar duro para su siguiente álbum, pasando cerca de dieciocho meses (entre los años 1987 a 1989) perfeccionando el sonido de Flowers in the Dirt junto a un buen número de productores. Una de las piezas destacadas del disco fue la alianza musical de McCartney con Elvis Costello, con el cual compuso varias canciones. Durante ese tiempo, McCartney se sintió cercano a la personalidad de Elvis, llegándolo incluso a considerar como un buen sustituto de John Lennon en sus relaciones laborales. De este modo, Costello apareció en el álbum cantando junto a McCartney "You Want Her Too". Otro artista invitado a las grabaciones fue David Gilmour, de Pink Floyd.

 

Con el fin de desarrollar una de las giras más prometedoras y extensas, McCartney formó una banda para salir a la carretera, la cual aparecería en diversas canciones de Flowers in the Dirt. Entre ellos figuraban Hamish Stuart, mejor conocido por su trabajo en Average White Band y Robbie McIntosh, miembro de The Pretenders. Para completar, la batería estaría ocupada por Chris Whitten, mientras Paul Wickens se uniría en los teclados a Linda McCartney.

 

A comienzos de 1989 el proyecto estaba finalizado. En mayo fue editado como single "My Brave Face", considerable éxito en Estados Unidos a pesar de alcanzar el puesto #25, mientras en el Reino Unido se alzaba hasta el #18. En junio fue editado Flowers in the Dirt, entrando directamente en el puesto #1 en el Reino Unido y recibiendo buenas críticas. En Estados Unidos, la recepción del álbum fue mejor en comparación con Press to Play: aunque el álbum sólo alcanzara el puesto #21, se mantuvo durante un año en las listas de éxitos y fue certificado como disco de oro. Los siguientes singles extraídos del álbum, "This One", "Figure Of Eight" y "Put It There" correrían menos suerte en las listas.La gira The Paul McCartney World Tour comenzaría finalmente el 26 de septiembre de 1989 y recorrería gran parte del globo terráqueo, llegando a ser una de las giras con mayor recaudación. A raíz de esta exitosa gira aparece el álbum en vivo Tripping the Live Fantastic, el cual es considerado el primer álbum en directo oficial de la carrera en solitario de Paul McCartney, excluyendo el disco en directo grabado junto a Wings Wings Over America. Editado en 1990 como un triple LP y como doble CD, supone un documento de una de las giras más exitosas de Paul McCartney, en la cual hace un repaso a su carrera musical desde su etapa en The Beatles hasta su último disco de estudio, Flowers in the Dirt. Intercaladas entre algunas canciones se encuentran pruebas de sonido.

 

Aunque algunos críticos describen el álbum como demasiado pulido y mañoso, Tripping the Live Fantastic es considerado un recuerdo generoso de la primera gira de McCartney tras una década retirado de los escenarios.

 

A diferencia de lo ocurrido en Wings Over America, y como pasará posteriormente con Back in the World, los créditos de las canciones de The Beatles interpretadas en el disco aparecen como compuestas por "Lennon/McCartney".

 

Tripping the Live Fantastic alcanzó el puesto #17 en el Reino Unido y el #26 en Estados Unidos. De forma simultánea, fue editado en una versión más corta titulada Tripping the Live Fantastic: Highlights.

 

Tripping the Live Fantastic: Highlights! es una versión corta del doble CD Tripping the Live Fantastic de Paul McCartney. Junto a la forma extendida, documenta la gira The Paul McCartney World Tour, llevada a cabo para promocionar el álbum de estudio Flowers in the Dirt. Desechando todas las pruebas de sonido y dejando los mejores temas, la edición abreviada contiene de forma exclusiva el tema "All My Trials", que no se puede encontrar en la versión completa.

 

A pesar de no entrar en las listas británicas, Tripping the Live Fantastic: Highlights! alcanzó el puesto #141 en Estados Unidos, convirtiéndose en disco de platino, mientras su forma extendida no llegó siquiera a disco de oro.

 

Unplugged (The Official Bootleg) es un álbum acústico en directo de Paul McCartney, grabado y publicado en 1991. Siguiendo la estela de su gira mundial, capturada en Tripping the Live Fantastic, McCartney disfrutó de la oportunidad de tocar sus canciones en acústico y aparecer en el recién creado programa acústico de MTV. Así pues, McCartney fue uno de los primeros artistas en editar un álbum desenchufado.

 

Utilizando la misma alineación de su última gira mundial, salvo por la sustitución de Chris Whitten por Blair Cunningham en la batería, McCartney tuvo la oportunidad de promocionar algunos temas desconocidos, incluyendo tres de su álbum debut en solitario, McCartney, así como versiones de clásicos y temas de The Beatles.

 

La gira del Off The Ground

 

Publicado inicialmente en una edición limitada, Unplugged (The Official Bootleg), cuya portada recuerda a CHOBA B CCCP, fue editado en una edición estándar a finales de los 90. En su primera edición, alcanzó el puesto #7 en el Reino Unido y consiguió el puesto más alto en los Estados Unidos en diez años, llegando al #14.

 

McCartney y su incursión en la música clásica.

 

 

Paul se dedicaria enteramente al Liverpool Oratorio que es el resultado de la primera incursión de Paul McCartney en la música clásica, publicada en 1991. Compuesta en colaboración con Carl Davis para conmemorar el 150 aniversario de la Orquesta Filarmónica Real de Liverpool, el proyecto recibió numerosa atención mediática hasta su publicación en junio de 1991.

 

Dividida en ocho movimientos, la historia del oratorio relata la propia vida de McCartney a través de Shanty, un personaje que nace en 1942 en Liverpool. Tras sus días en la escuela, Shanty comienza a trabajar y conoce a su futura novia, Mary Dee. Siguiendo a la muerte de su padre, Shanty y Mary Dee se casan, viéndose forzados a hacer tratos con el fin de tener un próspero matrimonio. Tras una pelea, Mary Dee revela a su marido que está embarazada, dando luz a un niño después de un cercano accidente.

 

El álbum recoge el estreno del oratorio en la Catedral de Liverpool, con la asistencia de Paul McCartney y con los cantantes Kiri Te Kanawa, Jerry Hadley, Sally Burgess y Willard White representando el oratorio.

 

Liverpool Oratorio fue, de forma general, bien recibido por la crítica, aunque algunos tradicionalistas se extrañaron y vieron con malos ojos que un cantante de música pop se inmiscuyera en la música clásica. El recibimiento comercial también fue fuerte, pasando varias semanas en lo más alto de las listas mundiales, e incluso llegando al puesto #177 en las listas musicales convencionales de Estados Unidos.

 

Off The Ground y una nueva gira.-

 

Off the Ground es un álbum de estudio de Paul McCartney publicado en 1993. Supone el primer disco de McCartney en la década de los 90, exceptuando su primera incursión en la música clásica, además del sucesor de Flowers in the Dirt, guardando numerosas similitudes con éste.

 

Al comenzar las grabaciones en 1991, McCartney decidió utilizar a sus compañeros de gira para completar el álbum, muchos de los cuales ya aparecieron en Flowers in the Dirt. Así mismo, su colaboración con Elvis Costello se vería reforzada con las composiciones "Mistress and Maid" y "The Lovers That Never Where"; sin embargo, y a diferencia del anterior álbum, en Off the Ground Costello no aparece.

 

Una de las principales diferencias entre Flowers in the Dirt y Off the Ground es el sonido más directo y menos distorsionado de este último. Otro de los principales cambios es la mayor preocupación de McCartney por las causas sociales, patentes en el álbum con las canciones "Looking For Changes", la cual critica la crueldad con los animales, o "Hope Of Deliverance" y "C'Mon People", que abogan por un mundo mejor.

 

"Hope of Deliverance" fue escogida para promocionar el álbum como single, siendo editado en diciembre de 1992, dos meses antes de la edición de Off the Ground. Aunque el disco alcanzó el puesto #5 en el Reino Unido y el #17 en Estados Unidos, donde fue certificado como disco de platino, es el primer álbum que no produce un éxito destacable en las listas estadounidenses desde Wild Life en 1971. "Hope Of Deliverance" alcanzaría el puesto #18 en el Reino Unido, mientras el single "C'Mon People", editado con posterioridad, no entraría en listas.

 

Pocas semanas después de la publicación del álbum, McCartney se embarcó en la gira The New World Tour, dando lugar a exitosos conciertos que se repetirían a escala global durante el verano. Posteriormente, la gira sería documentada en el álbum Paul is Live!, de 1993.

 

Paul is Live es un álbum en directo de Paul McCartney, editado en 1993, que recoge su gira "The New World Tour" para la promoción de su anterior álbum de estudio, Off the Ground.

 

El título del álbum, así como la portada, es una parodia del rumor sobre la muerte de Paul, originada en 1969 tras la edición del álbum Abbey Road de The Beatles. Así pues, en la matrícula del coche que aparece en la portada se puede leer "51 IS", indicando la edad de McCartney, como mofa por la referencia que se hacía en la leyenda, según la cual la matrícula del coche que aparecía en Abbey Road, "281F" (supuestamente asegurando que Paul tendría 28 años por entonces), supondría una pista de la muerte de Paul. También en la portada aparece Martha, el perro pastor que inspiró la canción "Martha My Dear". Además, la foto de la portada es la misma que aparece en el álbum Abbey Road, tomada por Ian MacMillan, aunque con la silueta de los Beatles borradas y superpuesta la imagen de Paul y Martha.

 

Extraído de varios conciertos de Australia así como de algunas ciudades estadounidenses, Paul is Live se sitúa apenas tres años después de su primera gira mundial en casi una década, así como del álbum en directo Tripping the Live Fantastic. Como resultado, el álbum supone uno de los discos con menores ventas de su carrera en solitario, llegando tan sólo al puesto #34 en el Reino Unido y al #78 en Estados Unidos.

 

Tras la gira, McCartney tomaría un notable descanso para desarrollar el proyecto The Beatles Anthology a comienzos de 1994 junto a George Harrison, Ringo Starr y George Martin.

 

1997-2000

 

Flaming Pie es un álbum de estudio de Paul McCartney editado en 1997 y el primero después de estar involucrado en el proyecto The Beatles' Anthology. Tal y como relata McCartney en el libreto que acompaña al disco, "Anthology me recordó los patrones de The Beatles y los valores que alcanzamos con las canciones. Así que de algún modo me sirvió un como curso que ahora se ve reflejado en este álbum".

 

Comenzado a grabarse en febrero de 1995, McCartney unió fuerzas con Jeff Lynne, cantante y guitarrista de Electric Light Orchestra así como seguidor de la música de The Beatles que tuvo la ocasión de trabajar con George Harrison en su álbum Cloud Nine. Durante el desarrollo de The Beatles' Antthology, Jeff Lynne sería el encargado de coproducir, junto a George Martin, los temas "Free As A Bird" y "Real Love". Con un profundo anhelo de producir algo sencillo, McCartney grabó de forma esporádica el álbum durante dos largos años, trabajando con Steve Miller, George Martin, Ringo Starr y su propio hijo James McCartney, que toca la guitarra en "Heaven On A Sunday". Así mismo, "Calico Skies" y "Great Day" proceden de sesiones de grabación de 1992, previas a la publicación de Off the Ground.

 

El título del álbum hace referencia a una historia de humor contada por John Lennon a los periodistas en 1961, cuando éstos le preguntaron sobre el origen del nombre "The Beatles". John dijo: "Tuve una visión con un hombre que salía de una tarta en llamas y que dijo: Seréis los Beatles con A."

 

Tras su publicación en mayo de 1997, las críticas musicales fueron muy favorables, consiguiendo McCartney los mejores resultados desde su álbum Tug of War, de 1982. Las reacciones comerciales también fueron fuertes: con un McCartney arropado por nuevas generaciones introducidas en el sonido de The Beatles gracias al proyecto Anthology, Flaming Pie debutó en el puesto #2 tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos, dando a McCartney su primera entrada entre los diez primeros puestos de las listas en quince años. En ambos países, el álbum fue la entrada más fuerte en su primera semana, siendo tan sólo desplazado del primer puesto por el álbum Spice de las Spice Girls. Los singles "Young Boy", "The World Tonight" y "Beautiful Night" tuvieron bastante repercusión en el Reino Unido, aunque no tanta en Estados Unidos.

 

Flaming Pie es considerado, hoy en día, uno de los mejores álbumes en la carrera en solitario de Paul McCartney, consiguiendo incluso una nominación para el Álbum del Año en los Grammy de 1998.

 

En 1997 Paul es nombrado " Sir Paul McCartney " ceremonia llevada en el Palacio de Buckingham, pero toda la alegría que pudiera tener Paul por esta condecoración se iría al traste un año más tarde con la muerte de su esposa Linda Eastman a causa del cáncer de mama el cual venia luchando desde 1995.

 

McCartney regresa a la música clásica

 

Standing Stone es el segundo trabajo de música clásica de Paul McCartney, publicado en 1997. El estreno mundial tuvo lugar en el Royal Albert Hall el 14 de octubre de 1997.

 

Siguiendo la huella de Liverpool Oratorio, el proyecto Standing Stone se compone de un largo poema de McCartney, interpretado por la Orquesta Sinfónica de Londres y conducido por Lawrence Foster en Abbey Road Studios de EMI. A diferencia de su anterior proyecto clásico, Standing Stone no supone la interpretación de una ópera, si no una pieza instrumental, aún a pesar del empleo de coros.

 

La portada del álbum es una fotografía tomada por Linda McCartney a finales de 1969, la cual ya podía encontrarse en el interior del álbum McCartney. Standing Stone supone el último proyecto de Paul McCartney junto a su esposa antes de que ella muriera de cáncer el 17 de abril de 1998.

 

Editado en septiembre de 1997, Standing Stone alcanzó el puesto #1 en las listas de éxitos de música clásica, mientras en Estados Unidos entró en el puesto #194 de las listas de álbumes convencionales.

 

De vuelta a las raíces rockanroleras.-

 

Run Devil Run es un álbum de Paul McCartney conformado por temas clásicos del rock'n'roll y publicado en 1999. Tras la muerte de su mujer, Linda McCartney, debida a un cáncer de mama, McCartney sintió la necesidad de volver a sus raíces musicales y tocar los temas que solía oir cuando era joven. El 14 de diciembre de 1999, Paul McCartney volvió al Cavern Club para promocionar el álbum.

 

Con el objetivo de ofrecer un sonido natural, algo que aprendió en el proyecto The Beatles' Anthology y que puso en práctica durante la grabación de Flaming Pie, McCartney planeó grabar el álbum en el menor número de días posibles. Tras contactar con el productor Chris Thomas, que ya había trabajado con él en Back to the Egg, McCartney se introduzco en Abbey Road Studios para grabar el álbum. Para ello, contó con la colaboración de David Gilmour (presente en los álbumes Back to the Egg y Give My Regards to Broad Street), Mick Green (que previamente había tocado en el álbum CHOBA B CCCP); Pete Wingfield y Ian Paice. Tras unas cortas sesiones de grabación entre abril y junio, el álbum, incluyendo tres nuevos temas compuestos por McCartney, estaba completado.

 

El título del álbum, Run Devil Run, está inspirado en una tienda de hierba medicinal de Atlanta, situada en 87 Broad St.

 

Editado en octubre, Run Devil Run recibió entusiastas reseñas, alcanzando el puesto #12 en el Reino Unido y el #27 en Estados Unidos. Una edición limitada del álbum, con un disco adicional de entrevistas, fue editada de forma simultánea, así como el single "No Other Baby"/"Brown Eyed Handsome Man", con "Fabulous" en la cara B, que alcanzó el puesto #42 en el Reino Unido.

Un nuevo proyecto de McCartney llamado Working Classical.

Working Classical es el tercer álbum de música clásica compuesto por Paul McCartney, editado tan sólo un mes después de la publicación del álbum de estudio Run Devil Run.

 

Como sucesor de Standing Stone, Working Classical supone una nueva inmersión de McCartney en la música clásica. Sin embargo, en esta ocasión el álbum está compuesto de temas ya publicados previamente en discos de McCartney, aunque convertidos en piezas orquestales. Para el proyecto, McCartney compuso también nuevas piezas, tituladas "Haymakers", "Midwife", "Spiral" y "Tuesday". Así mismo, y aunque en el álbum se ofrece "A Leaf" como un tema inédito, una versión alternativa del mismo había sido editada previamente en single en octubre de 1995.

 

Para la grabación del álbum, McCartney utilizó la Orquesta Sinfónica de Londres y el "Loma Mar Quartet", con arreglos orquestrales de Richard Rodney Bennett y Jonathan Tunick.

 

El título es un juego de palabras con la frase "working class" (en español, clase obrera), en el sentido que McCartney, a pesar de su categoría como músico, seguía sintiéndose orgulloso de sus raíces provincianas.

 

La incursión de Paul McCartney a la música eléctronica.

 

Liverpool Sound Collage es un álbum de música electrónica compuesto por Paul McCartney, aunque también se encuentra acreditado a The Beatles, Super Furry Animals y Youth, siendo este último un colaborador de McCartney en el proyecto The Fireman, bajo el cual ambos publicaron los álbumes Strawberries Oceans Ships Forest, Rushes y el recientemente editado Electric Arguments.

 

Solicitado por Peter Blake para que creara algo musical y con el espíritu de Liverpool presente, con el fin de complementar una exposición de arte, Paul McCartney creó el álbum basándose en charlas grabadas en el estudio de grabación con The Beatles y en fragmentos de su primer álbum de música clásica, Liverpool Oratorio. También puede escucharse en el álbum a McCartney caminando y preguntando a peatones por sus impresiones acerca de Liverpool y de The Beatles.

 

Empezado el nuevo siglo apareció un nuevo recopilatorio de Paul McCarney titulado Wingspan: Hits and History que incluye material que abarca desde su primer álbum en solitario, McCartney (1970), hasta Give My Regards to Broad Street (1984). El álbum está acreditado oficialmente a Paul McCartney, a pesar de que la mayoría de los temas están compuestos, interpretados o bien pertenecen a la etapa que Paul McCartney pasó junto a Wings. Durante el periodo que abarca el álbum recopilatorio, McCartney se vio involucrado en quince discos: cinco de ellos en solitario, uno junto a su mujer Linda McCartney y nueve junto a Wings, incluyendo otro álbum recopilatorio, Wings Greatest, de 1978. Wingspan contiene temas extraídos de todos los álbumes, así como singles no disponibles con los discos.

Aunque la lista de canciones intenta recoger lo mejor de Wings, en ella también se incluyen trabajos de Paul McCartney en solitario, incluyendo los álbumes previos a la formación del grupo (McCartney y Ram) y los posteriores a su disolución, específicamente desde 1980 hasta 1984 (McCartney II, Tug Of War, Pipes Of Peace y Give My Regards To Broad Street) .

El álbum se encuentra separado en dos discos: por una parte, el disco "Hits" que reúne los mayores éxitos comerciales de Paul McCartney; por otra parte, "History", que recoge canciones de menor repercusión aunque también conocidas. En la edición americana, 14 de las 18 canciones del primer CD pertenecen a Wings, mientras que el segundo disco sólo contiene 9 canciones de un total de 22 de la formación.

Editado en 2001 conjuntamente a un documental emitido en televisión por la cadena ABC en mayo del 2001 con el mismo título, Wingspan tuvo cierto éxito comercial, alcanzando el puesto #5 en el Reino Unido y el #2 en Estados Unidos, donde fue desplazado de lo más alto por el álbum Survivor de Destiny's Child. Poco tiempo después, el álbum fue certificado como doble disco de platino por la RIAA. La edición del documental en DVD, que relata la relación de Paul McCartney con su mujer Linda, la ruptura de The Beatles y la formación de Wings, fue producida por Mary McCartney, quien además entrevista a su padre Paul en la película.

Driving Rain es un álbum de estudio de Paul McCartney grabado y publicado en 2001. Supone el primer trabajo discográfico de McCartney en el nuevo milenio, así como el primero tras hacerse pública su relación con la modelo y activista anti-minas Heather Mills, con quien Paul McCartney se casaría en 2002.

Con un McCartney renovado y repuesto de la muerte de su mujer Linda McCartney a causa de un cáncer en 1998, Driving Rain contiene canciones inspiradas y escritas a Heather. Con el objetivo en mente de seguir el ejemplo de su último álbum de estudio, Run Devil Run, Driving Rain fue grabado, a excepción de dos canciones, con David Kahne como productor, en tan sólo dos semanas, comenzando las sesiones de grabación en febrero de 2001 y acompañado de nuevos músicos que posteriormente se convertirían en la banda que acompañaría a McCartney en futuras giras.

El 11 de septiembre de 2001, McCartney se encontraba en un avión cuando se sucedieron los ataques terroristas a las Torres Gemelas. Furioso por la tragedia y determinado a responder a los ataques que podía contemplar desde su emplazamiento, compuso la canción "Freedom" y ayudó a organizar junto a Harvey Weinstein un concierto en el Madison Square Garden que tendría lugar el 20 de octubre para ayudar a las víctimas de los atentados, donde tocó el recién compuesto "Freedom". De forma impulsiva, McCartney paró la edición de Driving Rain para incluir "Freedom" como tema oculto, no incluido en los créditos debido a que éstos ya se encontraban impresos.

En mayo de 2007, McCartney comentó que había personas que atribuían connotaciones políticas a "Freedom", por lo cual decidió eliminarla más adelante de sus conciertos. Sobre la canción, McCartney añadió: "Pensé que era un gran sentimiento, e inmediatamente después del 11-S pensé que era el sentimiento correcto. Pero luego fue secuestrado. Y se añadió a sí misma un poco de significado militarista, y podías encontrar a Bush usando esa idea más bien de una manera que yo sentí alterada en relación al verdadero significado de la canción."

 

En noviembre de 2001, Driving Rain era publicado con buenas reseñas, aunque sólamente alcanzaría el puesto #46 en el Reino Unido, convirtiéndose en uno de los álbumes con menores ventas de McCartney en su país de origen. La reacción comercial en Estados Unidos fue mayor, con el álbum alcanzando el puesto #26 y siendo certificado como disco de oro a las pocas semanas.

 

Ell 29 de noviembre de 2001, George Harrison fallece víctima de un cáncer. Un año después, el 29 de noviembre de 2002, Paul participó en el concierto homenaje a su compañero interpretando "Something" con un ukelele, además de "All Things Must Pass", "For You Blue" y "While My Guitar Gently Weeps".

 

En abril de 2002, McCartney comenzó la gira "Driving USA" con motivo del lanzamiento de su nuevo álbum de estudio, convirtiéndose en una de las giras más aclamadas del año.Back in the U.S. (subtitulado Live 2002) es un doble álbum en directo de Paul McCartney, conformado por sus mayores éxitos e interpretados durante su gira "Driving USA" para la promoción de su último álbum de estudio, Driving Rain. Supone el primer disco en directo desde Paul is Live, el cual recoge su gira "The New World Tour" de 1993.

El grupo que acompaña a Paul McCartney en la gira, presente en la grabación de Driving Rain, está compuesto por Rusty Anderson y Brian Ray en las guitarras, Abel Laboriel Jr. ocupando la batería, y Paul Wickens, que ya había acompañado a McCartney durante sus dos anteriores giras, ocupando los teclados.

Aunque la gira se llevó a cabo como medio de promoción de Driving Rain, la mayoría de las canciones interpretadas en directo son éxitos de su carrera en solitario, bien junto a The Beatles, bien junto a Wings. Así mismo, la edición de Back in the U.S. supone también uno de los discos más controvertidos de McCartney en décadas: los créditos de las canciones de The Beatles, como hiciera en el álbum Wings at the Speed of Sound, aparecen invertidos, pasando de la forma "Lennon/McCartney" a "McCartney/Lennon", a pesar del rechazo de Yoko Ono, viuda de John Lennon. Según algunos medios, la razón por la cual McCartney decidió invertir los créditos de las canciones de The Beatles se debió como respuesta a la supresión de su nombre en los créditos de la canción "Give Peace A Chance" en el álbum Lennon Legend: The Very Best of John Lennon. Mientras actualmente sigue habiendo división de opiniones respecto a la autoría de las canciones y al modo en que se podría resolver el conflicto, en su momento John Lennon no objetó contra su compañero por la inversión de los créditos en el álbum de 1976 Wings Over America.

Back in the U.S. fue publicado de forma exclusiva en Norteamérica, reservando a nivel internacional una nueva edición titulada Back in the World en la que la lista de canciones sería modificada sustancialmente. A pesar de ser el sexto álbum en directo editado en la carrera de Paul McCartney, Back in the U.S. entró en el puesto #8 de las listas estadounidenses, convirtiéndose en disco de platino a las pocas semanas.

Back in the World (subtitulado Live) es un doble álbum en directo de Paul McCartney, conformado por sus mayores éxitos e interpretados durante su gira "Driving USA" para la promoción de su último álbum de estudio, Driving Rain. Fue publicado a nivel internacional con la excepción de Norteamérica, donde cuatro meses antes se editaría una versión titulada Back in the U.S. con un listado de canciones modificado.

El grupo que acompaña a Paul McCartney en la gira, presente en la grabación de Driving Rain, está compuesto por Rusty Anderson y Brian Ray en las guitarras, Abel Laboriel Jr. ocupando la batería, y Paul Wickens, que ya había acompañado a McCartney durante sus dos anteriores giras (89-90 y 92-93), ocupando los teclados.

Aunque la gira se llevó a cabo como medio de promoción de Driving Rain, la mayoría de las canciones interpretadas en directo son éxitos de su carrera en solitario, bien junto a The Beatles, bien junto a Wings.

 

La principal diferencia entre Back in the U.S. y Back in the World es la supresión del tema "Vanilla Sky" del primer disco y el reemplazo de "C Moon" y "Freedom" por "Calico Skies", "Michelle", "Let 'Em In" y "She's Leaving Home" en el segundo disco.

Tras su edición, Back in the World alcanzó el puesto #5 en el Reino Unido.

 

Nueva incursión de Paul en la música electrónica.

 

Twin Freaks es un álbum de música electrónica de Paul McCartney en colaboración con el DJ y productor musical Freelance Hellraiser, editado a mediados de 2005.

McCartney y Hellraiser crearon el doble álbum de vinilo como continuación del trabajo que el segundo desarrolló para la gira europea de Paul McCartney en 2004. El formato del álbum consiste en una re mezcla extrema de distintas canciones entre sí, procedentes de la carrera en solitario de Paul McCartney, de modo que unos fragmentos puedan quedar ocultos y apenas perceptibles en el audio. Dicha técnica fue utilizada por Hellraiser durante la gira veraniega de Paul McCartney en 2004, sirviendo como adelanto al inicio del concierto y acompañado de un espectáculo visual cercano a la media hora de duración.

Los temas utilizados en el álbum, a pesar de guardar algunos títulos originales, se encuentran entremezclados con numerosos fragmentos de otras canciones, de modo que apenas pueden diferenciarse o atribuirse a un tema en particular.

El álbum fue únicamente editado en formato vinilo. El diseño de la portada y del interior del álbum corresponde a pinturas de McCartney similares en el tono y en el estilo a Willem de Kooning, cuya obra conocería posteriormente.

 

Chaos and Creation in the Backyard es un álbum de estudio de Paul McCartney publicado en 2005 y uno de los álbumes más aclamados por la crítica musical, llegándolo a calificar como uno de los mejores de la carrera en solitario de McCartney.

Con una largo desarrollo de las sesiones de grabación, el álbum fue producido por Nigel Godrich, colaborador habitual de Radiohead y Beck, a petición expresa de George Martin. Para la grabación del álbum McCartney tocó la mayoría de los instrumentos, haciendo de él una reversión hacia sus primeros álbumes como McCartney o McCartney II. Así mismo, Chaos and Creation in the Backyard es el primer álbum desde Give My Regards to Broad Street en el cual McCartney no se encuentra involucrado en la producción.

Chaos and Creation in the Backyard supone el último trabajo de Paul McCartney editado bajo el sello discográfico EMI. En 2007, firmó un nuevo contrato con Hear Music, el sello musical de Starbucks, para la publicación de Memory Almost Full.

Según declaró Paul McCartney en el documental que acompaña al álbum, Nigel Godrich fue en ocasiones franco con él durante el proceso de grabación de Chaos and Creation in the Backyard, impidiéndole acomodarse en el estudio y seleccionando los mejores temas para hacer sacar lo mejor de él. Aunque en un principio resultó chocante para McCartney, al final acabó por apreciar la honestidad y la tenacidad de Godrich.

Las primeras reseñas de Chaos and Creation in the Backyard elevaron el álbum como uno de los mejores en su carrera en solitario. Tras Flaming Pie, Run Devil Run y Driving Rain, la publicación de Chaos and Creation in the Backyard hace suponer un buen momento creativo para McCartney y una revalorización de su carrera en solitario. Muchos críticos musicales y seguidores de su música han reconocido que el álbum es inusualmente reflexivo y repleto de un sonido intimista. La dirección tomada por McCartney hacia tal sonido fue considerado como una sorpresa, dando como resultado la nominación a tres premios Grammy, incluyendo el de Álbum del Año.

El primer single, "Fine Line", fue editado el 29 de agosto como adelanto de Chaos and Creation in the Backyard, alcanzando el puesto #20 en el Reino Unido. El álbum entró en las listas británicas en el puesto #10 y alcanzó el puesto #6 en Estados Unidos, suponiendo el mayor éxito de McCartney desde Flaming Pie. Un segundo single, "Jenny Wren", alcanzó el puesto #22 en noviembre. La portada corresponde a una fotografía de su hermano, Mike McCartney, tomada en 1962 y titulada Our Kid Through Mum's Net Curtains, con Paul McCartney tocando la guitarra en el patio de su casa de Liverpool.

El 28 de julio de 2005, Paul McCartney ofreció un concierto ante un público reducido en el Estudio 2 de Abbey Road Studios para la promoción de Chaos and Creation in the Backyard. El concierto, relevante por su carácter intimista y entremezclado con charlas, fue emitido en televisión bajo el título Chaos and Creation in Abbey Road.

 

Nueva incursión de Paul en el 2006 con la música clásica.-

 

Ecce Cor Meum (He aquí mi corazón, en español) es el cuarto álbum de música clásica compuesto por Paul McCartney. Editado el 25 de septiembre de 2006, el álbum es un oratorio formado por cuatro movimientos y está producido por John Fraser. La letra alterna el latín y el inglés, y la parte coral es interpretada por un coro de niños y adultos.

El título está inspirado en una inscripción que data bajo una estatua de Jesucristo de la Iglesia de San Ignacio de Loyola de Nueva York. Dicha inscripción hace referencia al pasaje de la Crucifixión, aunque posteriormente Paul McCartney adoptara un significado más espiritual que religioso de la frase.

Paul McCartney comenzó a componer Ecce Cor Meum tras la muerte en abril de 1998 de su mujer Linda McCartney. Tres años después, en 2001, fue presentado por primera vez en público en el Sheldonian Theatre de Oxford e interpretado por el coro del Magdalen College.

Está interpretado por la soprano Kate Royal, el Magadalen College Choir de Oxford y el King's College Choir de Cambridge así como la Academy of st. Martin in the Fields, conducida por Gavin Greenaway.

El estreno en Estados Unidos tuvo lugar el 14 de noviembre de 2006 en el Carnegie Hall de Nueva York. Instrumentado para un coro y una orquesta, la Orquesta de St. Luke's, bajo la dirección de Gavin Greenaway, se unió al Concert Chorale of New York y al American Boychoir, con la soprano Kate Royal y Andrew Staples como solistas.

El 3 de mayo de 2007, Ecce Cor Meum fue premiado como mejor disco en la gala de los Classical Brits celebrada en el Royal Albert Hall de Londres. El premio fue votado por los oyentes de Classic FM y los lectores de la revista homónima, compitiendo por el premio con Katherine Jenkins, Alfie Boe y Sting.

El disco entró directamente en el puesto #1 de las listas de álbumes clásicos el 14 de octubre de 2006.

 

Memory Almost Full es el vigésimo primer álbum de estudio del músico británico Paul McCartney, publicado el 4 de junio de 2007 a nivel global y el 5 de junio en Estados Unidos.

El álbum supuso el primer trabajo de la trayectoria musical de McCartney bajo el sello discográfico Hear Music, del grupo Starbucks, así como el primer álbum editado por la recién formada compañía. Memory Almost Full fue producido por David Kahne y grabado en los Abbey Road Studios, Henson Recording Studios, AIR Studios, Hog Hill Mill Studios y RAK Studios entre octubre de 2003 y febrero de 2007.

En los Estados Unidos, Memory Almost Full hizo su debut en el puesto 3 de las listas de Billboard con cerca de 161.000 copias vendidas, marcando el mejor resultado comercial desde su álbum de 1997 Flaming Pie.

Hasta la fecha, el álbum ha vendido más de un millón y medio de copias y ha sido certificado como disco de oro por la RIAA, con ventas en torno a las 550.000 copias en Estados Unidos.

En febrero de 2008, la página oficial de Paul McCartney anunció que Memory Almost Full había sido certificado como disco de platino por la RIAA, lo que se traduce en un millón de copias vendidas en Estados Unidos.

Debido al éxito del álbum, Hear Music amplió el contrato de McCartney. El 6 de noviembre de 2007, Memory Almost Full fue publicado en formato CD/DVD con un disco adicional que contiene cinco temas del concierto ofrecido por McCartney en Electric Ballroom, Londres, además de los videoclips de "Dance Tonight" y "Ever Present Past".

El 26 de junio de 2007, Paul McCartney figuró como invitado, junto a su compañero de The Beatles Ringo Starr y las viudas de George Harrison y John Lennon, Olivia Harrison y Yoko Ono respectivamente, en el programa de la CNN Larry King Live, para conmemorar el primer aniversario del espectáculo "Love" del Cirque du Soleil y recordar a John Lennon y a George Harrison.

 

El 13 de noviembre de 2007, se publica The McCartney Years, un box set de cuatro DVD que marcan una retrospectiva de su carrera musical en solitario desde 1970 hasta 2005.

En febrero de 2008, McCartney fue galardonado con el Premio Brit a su trayectoria musical. El 1 de junio, McCartney celebró el año de su ciudad natal, Liverpool, como Capital de la Cultura, realizando un concierto en el que colaboró con Dave Grohl de Foo Fighters. Grohl acompañó a McCartney en los temas "I Saw Her Standing There", "Band on the Run" y "Back in the U.S.S.R.", ádemas de cantar "A Day in the Life", "Give Peace a Chance" y "Something", en tributo a John Lennon y a George Harrison.

El 5 de junio, publicó el tema "Lifelong Passion (Sail Away)" como donación para una cena benéfica de Adopt-A-Minefield. El tema supuso una nueva colaboración entre McCartney y Youth bajo el seudónimo de The Fireman y sirvió como adelanto de un nuevo trabajo de estudio del grupo publicado en noviembre bajo el nombre de Electric Arguments.

El 14 de junio, McCartney participó en un concierto memorial del Día de la Independencia de Ucrania, reuniendo a más de 350.000 personas y convirtiéndose en el mayor concierto en la historia del país. Un mes después, el 18 de julio, McCartney haría un cameo en el concierto de Billy Joel en el Shea Stadium, interpretando "Let it Be" y "I Saw Her Standing There" previo a la programada demolición del estadio en el que tocaron The Beatles en 1965.

Dos días después, McCartney participó en los actos conmemorativos del 400º aniversario de Quebec con un concierto ante 250.000 personas.

El 25 de septiembre de 2008, McCartney llevó a cabo un concierto en el Hayarkon Park de Tel Aviv, Israel, ante cerca de 50.000 personas, en un evento titulado por el propio músico como "Friendship First" (lo cual puede traducirse al español como: "La amistad lo primero").

Durante su visita a Israel, McCartney también visitó la Iglesia de la Natividad en Belén, donde encendió velas por la paz entre israelíes y palestinos.

El 6 de noviembre, McCartney fue galardonado con el premio de honor Ultimate Legend por la MTV en Liverpool, su ciudad natal. El premio fue entregado por Bono, vocalista de U2, quien presentó a McCartney diciendo: "Este es el hombre que inventó mi trabajo".

El 8 de febrero de 2009 se presento en los Premios Grammy, en el Staples Center de Los Angeles, California, cantando junto a Dave Grohl la canción de I Saw Her Standing There. Vendió todas las entradas para su concierto del 19 de abril en un casino de Las Vegas en menos de siete segundos. Los promotores del concierto en el Hard Rock Hotel indicaron que la venta de 4 mil entradas podría fijar un récord mundial, ya que los boletos se vendían a 600 por segundo cuando salieron a la venta el 14 de febrero. El Hard Rock Hotel contrató a Paul McCartney, de 66 años, para estrenar Joint, su nueva sede musical de 60 millones de dólares.

El 4 de abril de 2009 Paul McCartney volvió a tocar junto a Ringo Starr, en el Radio City Music Hall de Nueva York a beneficio de la Fundación David Lynch.

18 de junio de 2009 ¡Feliz Cumpleaños 67 Sir Paul McCartney!

 

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