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Monday, July 28, 2008


Sunday, July 27, 2008




It could have been a disaster, a boring, mediocre and lame album like Yes' 1991 Union. But curiously it wasn't. Quite the contrary! ABWH was one of the best albums of 1989 and a reboot of the Yes saga with some of the members who contributed to create wonderful, colorful and textured music like Close To The Edge and Fragile.

Jon Anderson felt the current 1988 Yes lineup wasn't going anywhere (anywhere led by him because the undisputable leader of Yes was South-African guitarist Trevor Rabin, proving it so with Big Generator) so he called, maybe secretly, former members of Yes and started playing with them and recording some material for the Arista label. Being Chris Squire the only member of Yes that never left the band, drummer Bill Bruford brought King Crimson's bass player Tony Levin to participate (being Bruford a Crimson batterie himself.) Key-man Rick Wakeman couldn't be happier and so guitar hero Steve Howe. They would be playing the already classic Yes tunes and work on a new album for an upcoming World Tour.

Tony Levin's external and precise bass playing might have been the reason why the music in this compact disc is so tight and even if it falls under the category of progressive rock, it becomes easy to listen to while challenging. Chris Squire was working with the current members of Yes and eventually they would joined materials with ABWH to release Union in 1991, so far the worst work that ever came under the Yes name.

But ABWH is not only good but it's also a surprise. I've always said that 1989 was a great year for rock and pop music all around the world and it's mantle of goodness covered these musicians as well. The album hits the 60 minute mark with 9 songs, most of them long suites a-la-early Rick Wakeman-era of Yes. The center of the album is a long theme called "Brother Of Mine," divided in 3 parts well crafted and planned, without the excessive "progressive" solos and that lack of touch with the common listener that made Yes subject of mockering by the punk audience in the late seventies (Tormato, Going For The One). The band doesn't care what the punks thought of them and keep playing long tunes like "Quartet" and "Order Of The Universe," mixing the bucolic side of Anderson on vocals and Steve Howe on mandolin and the strong rhythm of Bruford on drums and Levin on bass. Why does it sound good? maybe because of the same reason the masterpiece Drama was so awesome: unexpected twist of style, without leaving the comfort zone of the listener.
Yes, let's remembered, got rid of its bucolic-progressive dinosaurness (Anderson and Wakeman) by hiring Trevor Horn and Geoffrey Downes (of the Buggles) to create Drama, a record that updated their sound into the eighties. ABWH is like going back to the days of Relayer carrying what they've learned during the rad decade. The result was impressive thanks to the hand of the talented Chris Kimsey (whose credits are, among others, co-producing Rolling Stones' Steel Wheels and Undercover). Kimsey updated the sound of Wakeman and the drumming of Bruford sounded more alive than ever.
We know what happened next. Union, Talk, The Ladder... a series of mediocre albums made them suck big time in studio but put them in good shape for concertswhen they were playing their outstanding works from 1969 to 1989.
This doesn't mean Yes is over, but there's definetly room for improvement. The audience, the fans, are still there, and a little bit of help from strong hands in the music industry wouldn't be bad either to create another great album like ABWH.


Related Yes articles:
Drama (Atco, 1980) and Fish Out of Water (Atlantic, 1974)

Further affirmative action:

Tuesday, July 22, 2008

Juice Newton, acoustic guitar player and crossover star.Juice Newton at the Corn Festival, Brentwood, CA, July 13, 2008.
Actually it was a great surprise finding this talented singer and guitar player at the Corn Festival in Brentwood, under an intense heat reaching almost 95 degrees. Juice was enjoying the heat and the friendship of her audience. She was in 1981 one of the greatest crossovers between Country and Rock. Plus, she was (still is) a hottie and there was nothing they could do about it. Her songs had charisma and were easy on the FM waves and our ears. In South America, she was big and I wonder if she ever visited the South of the Equator.
One of the best things of being not in the mainstream anymore is to be able to set up your own agenda, your own kind of music, and your own audience without risking of "conquering the world" again. Juice Newton could easily appear as a guest on "American Idol," sing "Angel Of The Morning," making people realize this is the same melody Shaggy's been singing for a while and run to the record stores and iTunes and get her music.
Incredibly beautiful and talented, Juice Newton. 
Time's been less hard on her than love, because her charm is still intact and she still knows how to sing about broken hearts and unrequited love. Juice Newton's voice still sounds amazing, soothing and elegant. She ruled the Country Rock scene in the early eighties with her Capitol Records album Juice (platinum, #4 on the Billboard Country Chart), although she was previously signed to RCA and she was strugglin to reach Fame and Fortune with Capitol as well. In 1986 she even dared to cover Italian Divo Fausto Leali's "A Chi" (translated to "Hurt") with a surprising result. Her biggest hit, besides "Angel Of The Morning," was the country tune "Queen Of Hearts," gem of her Juice album.



Newton has a continuing charm that needs to be discovered if you haven't heard her already. Check her out on CD (or vinyl, if possible) and if you find out she's gonna be playing in your area, don't miss her.

Sunday, July 20, 2008

Se me hace fácil escribir en Internet y mantenerme al tanto, al día, de lo que es la música vieja. Es muy rápido hacer llegar nuestras opiniones al mundo, ya sea en inglés o español, la cosa es que nos lean y nos contacten, como lo han estado haciendo con CacaoRock desde 1999.

El medio escrito, publicar historias, cuentos, comentarios, artículos en forma periódica es una de las artes que más me apasionan, después de la música rock, claro está. Y uno de mis sueños es publicar una revista y trabajar en ella a tiempo completo. Un sueño que lograron tres personajes después de lanzarse al vacío, como diciendo, a ver qué pasa. Mencionaré cuatro personajes y sus tres revistas maestras, que aún se publican. Dos de ellas son disponibles en casi todo el mundo, la tercera, es netamente un producto local del país de donde vengo.

Piedra Rodante

El primer personaje es Jann S. Wenner, editor de mi revista favorita, Rolling Stone, fundada en 1967 en San Francisco. Quizás la publicación que más me ha influido, Rolling Stone es un ícono de la cultura popular norteamericana y una de las revistas más reverenciadas o criticadas, más rara vez ignoradas: una publicación con opinión propia de centro izquierda, intensa como la de su colaborador más radical, el Dr. Hunter S. Thompson. En algún momento, sus críticas musicales destrozaron a Led Zeppelin, le pidieron a Stevie Ray Vaughan que dejara de tocar guitarra y a Duran Duran los consideraron un adefesio. Tres errores, de muchos, que poco contribuyen a desacreditar la capacidad de cobertura de la revista en el ambiente del rock angloparlante. Rolling Stone siempre se ha sabido adaptar a los tiempos actuales, sin perder su ideología nacida en el mismo verano del amor. Se opusieron a la guerra de Vietnam, cubrieron el festival de Woodstock y vieron como Nixon renunciaba gracias a las fotos de Anne Leibovitz, su mejor elemento gráfico. Críticos duros de los Republicanos, apoyaron a McGovern, a Carter, a Clinton y ahora a Obama, el cual es visto como una nueva esperanza (yo también lo veo así, la verdad.) Críticos más duros de la política anti-drogas de los Estados Unidos, en donde las cárceles están llenas de fumadores de marihuana pero los peces gordos del tráfico de cocaína siguen nadando en libertad. La revista es pro-marihuana 100%, pero con razones justas, que van más allá del simple gusto de fumarse un pito. Pero es sobre todas las cosas una revista de rock, del americano, del bueno y del malo. Una publicación que superó de lejos a muchos "fanzines" de pobre calidad convirtiéndose en una marca propia, como la revista que describimos a continuación.

Conejitas

Hugh M. Hefner publicó el primer número de la revista Playboy en 1953 y ni siquiera le puso "Número 1" pensando que esa sería la primera y última vez que alguien se atrevería a lanzar una revista de entretenimiento con chicas desnudas, incluyendo a la bomba sexy del momento, Marilyn Monroe. La revista creó no sólo un imperio del soft-core con fotos y videos de las mujeres más bellas del mundo, naturales o no, sino que se apeó a la revolución sexual de los cincuentas y sesentas, provocada por el boom económico americano y la invención de la píldora. La revista también defendió a las feministas mientras que éstas la atacaban despiadadamente cual toro en plaza embistiendo a los protestantes contra las corridas. Si antes las revistas eróticas eran de una calidad dudosa, Playboy elevó el nivel de calidad de las fotos, de los artículos y sobre todo, creó una marca. Su elegancia y actitud fue atacada por ambos lados del espectro: en uno, la ultraderecha de Reagan y su campaña moralista hizo que la revista deje de vender miles de ejemplares y sus clubes se cerraran a falta de clientela. En el otro, la pornografía en video y revistas mucho más atrevidas como Penthouse y Hustler hicieron que los lectores dejen de leer una revista acusada ya de conservadora. Playboy funciona bien en sociedades abiertas pero con cierto pudor y presencia religiosa, como España, Alemania, Brasil y claro, Estados Unidos. En otros países algo más liberales ha fracasado (como en Italia o Noruega) y en Indonesia provocó algunas protestas por grupos religiosos islámicos, aunque en Indonesia las Playmates están más arropadas que científicos en la Antártida.

Del mismo modo que Rolling Stone elevó el nivel de las publicaciones de rock and roll, Playboy lo hizo con el erotismo. Lo limpió y maquilló y le sacó brillo, dándonle valor agregado intelectual y económico. Playboy y sus lectores son hombres y mujeres de mundo, con un punto de vista crítico casi tan fuerte como el del staff de la Rolling Stone, pero capaces de comprar una botella de vino californiano por mil dólares y saber cómo disfrutarla. Ha ayudado a crear, con casi sesenta años de publicaciones, una serie de generaciones que aprecian las curvas de un Lamborghini Diablo del mismo modo que las de Pamela Anderson, la Playmate más exitosa de la historia de la revista. Aunque abatida por la Internet y la pornografía fácil, la revista ahora muestra toques de elegancia y se deja leer por completo.


Máscaras

Doris Gibson y Enrique Zileri, madre e hijo, fundaron en 1950 una publicación netamente elitista de contenido político muy directo, escogiendo el título copiándose de una viejísima revista argentina llamada "Caras y Caretas". Caretas apareció durante el régimen del General Manuel Odría (el presidente favorito de mi abuelo) y al militar no le gustó mucho la revista, así como tampoco a los otros dictadores que tuvo el Perú, incluyendo a Juan Velazco y a Alberto Fujimori. La tendencia de la revista es extraña: de fundación aristocrática, se supone que deberían de defender a la derecha elitista pero la critican con gusto, aunque el consejo editorial disfrute de las corridas de Toros y saben quién es la GCU de la comprimida alta sociedad limeña (la sección "Ellos y Ellas" podría parecer hasta ridícula en otras sociedades, pero dada la actual cobertura de la prensa por el chisme y las noticias escabrosas, pasaría desapercibida por los lectores que no viven en Lima o no tienen conocimiento de quién lleva las riendas de la economía y la política del Perú.

Pero por sobre todo Caretas, con cada portada, le toma el pulso a la realidad nacional peruana desde todo punto de vista: político, policial, económico y hasta sexual. La Chica Caretas seguirá cubriéndose los pezones, poto y vello púbico, y en verdad no es necesario que se descubra porque al parecer Caretas es una revista gráfica de opinión, aunque a veces sus opiniones me hayan causado tanto dolor al hígado como un chupe de camarones con leche "Gloria" malograda. Caretas es capaz de defender a capa y espada a Alan García, cuyo primer gobierno fue el peor momento de la historia del Perú, llegaron a ser más Alanistas que el mismo García. Se opusieron a la reeleción de Alberto Fujimori en 1995, pero nueve años antes hablaban de lo bueno que sería para el Perú que García repitiera el plato. A Fujimori le dieron duro durante su gobierno y por momentos, Caretas era la prueba de que el gobierno permitía la libertad de prensa irrestricta (irrestricta quiere decir sin intervención militar, no cuando la Superintendencia Nacional de Impuestos decide ponerse fuerte con los tributos de la revista.) Sus mejores momentos: la foto de portada a colores de Gladys Zender, la primera miss universo peruana, el golpe de 1968 con la bota militar pisando los yacimientos petroleros de Bayóvar, la trancisión democrática de 1980, el autogolpe de Fujimori en 1992 y el fin de su régimen en el 2000. Pareciera que Caretas se vuelve diez veces más interesante cada vez que las papas queman en la política Peruana.

Tres revistas que hacen historia, como tratamos de hacerla aquí en CacaoRock, aunque más que nada contándola desde nuestro personalísimo punto de vista y tratando de decirles a todos los fanáticos del rock clásico de habla hispana e inglesa: join together.

Saturday, July 19, 2008

What's Playing? Some of the music found in this record store, Amoeba Records, in Los Angeles!

I will be uploading and rotating these selected songs from our vault, featuring detailed information and comments on each of them. Go to http://www.geocities.com/cacaorock/ws.htm and get them on MP3, enjoy them and then go buy the CDs, LPs, vinyls and 8-tracks.

Thursday, July 17, 2008

Piero Dall'Orso found this interesting article about our favorite lads' white elephant of an album. How to cover it? paint it white, of course!
By the way, I heard from a friend of mine, a long long time ago, that the real reason they decided to go with the white cover was because of the decision of Decca Records to censor the Rolling Stones' upcoming album, Beggar's Banquet. If anybody has more information about it, we would appreciate it.


ALTERNATE ALBUM COVERS for The Beatles

The Beatles (aka White Album) - Richard Hamilton or John Kelly

In June 1968, shortly after the beginning of the sessions for their next album, the Beatles commissioned various designers to come up with sleeve ideas. One was a psychedelic drawing on a gate fold cover. The illustration presented the title on the front and on the back the Beatles' faces in a mountainside overlooking a sea. Another idea was a transparent cover which would reveal a colour photograph as the record was pulled out of the wallet.

Some suggest that a drawing by Alan Aldridge, used in the eighties as the front cover of compilation album called The Beatles Ballads, is one of the rejected covers for the album.

The Beatles Ballads - Alan Aldridge




Another early attempt at the album cover, when it was still referred to as "A Doll's House"


At that time, John had wanted to call the next Beatles album A Doll's House, after a book by the Norwegian writer Henrik Ibsen. But that title had to be scuppered when, around the middle of July, Music In A Doll's House arrived, the debut LP from Roger Chapman and Family.

When in the fall there was enough material for a double album, that possibility was considered. The concept of two vinyl albums housed in a gate fold sleeve had rarely been seen outside the classical field. There were only two precedents: Zappa’s Freak Out and Dylan’s Blonde On Blonde. It was decided that the cover of the album had to be in stark contrast to the kaleidoscopic covers of their two previous releases.

Again Robert Fraser was asked for an established artist. This time, he suggested Richard Hamilton (45), the inventor of Pop Art. Paul knew his work and a meeting was arranged at Apple. In Blinds And Shutters, the book of Michael Cooper, Richard recalled the meeting with Paul: "Since Sergeant Pepper was so over the top, I explained, I would be inclined to do a very prissy thing, almost like a limited edition. He didn’t discourage me so I went on to propose a plain white album; if that were too clean and empty, then maybe we could paint a ring of brown stain to look as if a coffee cup had been left on it – but that was thought a bit too flippant."

As a reference to the Apple label, he suggested to bounce an apple to a bit of paper and create a smudge, "a very light green smear with a bit of pulp." But because that might prove too hard to print, the idea had to go.

In an interview for Beatles Unlimited (BU 98-99) photographer John Kelly claims the idea of a white album was his: "At the time I did a whole lot of fashion and beauty kind of stuff and I was very much into white. Different shades of white and I made a Christmas card which was all white. I printed matte white lettering on it. You couldn’t really read it unless you held it at a certain angle …. So white was it for me in that period and John Lennon in particular was fond of white. He used to wear all white during that period. I got this idea to do this cover, also the idea of the numbers on the album sleeve. The Beatles liked the idea."

Paul however remembers it was Richard Hamilton who suggested that each copy was to be individually numbered. "I also suggested that they might number each copy," agrees Hamilton, "to create the ironic situation of a numbered edition of something like five million copies."

EMI was not as enthusiastic as the Beatles about the idea, but Paul persuaded them: "Look, records must go through something to put the shrink wrap on or to staple them. Couldn’t you just have a little thing at the end of that process that hits the paper and prints numbers on it?"

So every LP got a unique stamped serial number. The numbers 000001 to 000020 were for the Beatles themselves and their friends. "We got the first four," Paul later recalled. "I don’t know where mine is, of course. Everything got lost. It’s all coming up in Sothebys I imagine. John got 000001 because he shouted the loudest. He said ‘Baggy, number one!" He knew the game, you’ve gotta bagsy it!"

George Martin got number 000007 and Derek Taylor 000009.

Each factory numbered differently: there are reportedly twelve copies of number 000001.

They numbered over 3 200 000 of them. Collecting variations in numbering style can be an interesting sideline. Obviously the lower the stamped number the greater the value, so now 0050000 would be about £100, whereas 0000010 could be worth £5,000.

But the album still had no title. Richard Hamilton suggested 'The Beatles'. Because Sgt. Pepper’s was named after a fictitious band and the four of them not always played together as a group, it seemed a good joke to name the double album again after a fictitious band: so The Beatles it was.

Another thing that proved to be difficult was the embossing. John Kelly: "The (title) on the album cover was embossed. It was therefore somehow raising the surface of the album cover. The printer said that they could not get a hundred albums, which is the normal standard packing, in a package to send to people. It could only keep 98 or 99. So there was discussion going on to keep or drop the plan of embossing… It all went through at long last, but it proved to be a bit of a struggle."

After a while Richard Hamilton had second thoughts: "… but then I began to feel a bit guilty at putting their double album under plain white wrappers; even the lettering is casual, almost invisible, a blind stamping. I suggested it could be jazzed up with a large edition print, an insert that would be even more glamorous than a normal sleeve."

For a fortnight in October 1968, Paul drove almost daily to Hamilton’s house in Highgate, to work together on the collage. Paul: "It was very exciting for me because I was interested in art, and now I could be his assistant for a week… gather the pictures and make new prints. And then I could watch the whole week while he made the collage. It’s great to watch someone paint. The fine thing was that he eventually filled the whole collage with pictures and then added the white paper to that he sticked everywhere, to give it some space... He explained that it could breathe that way."



White album poster - Richard Hamilton/Paul McCartney


Most of the recent pictures were taken by John Kelly, though some of the pictures of Paul were taken by his new lover, Linda Eastman.

On the back of the poster, the lyrics are reprinted.

Gordon House suggested to make four portraits, for the inside of the gate fold cover. That’s a job for John Kelly.

Again Kelly states he suggested the idea: "I said: ‘If you have a white cover, you should have some pictures of yourselves inside. Not all together like the "head shot" but individual ones, just straight and simple so the fans have something.’ They agreed to do that and I did them at Apple. Well three of them. A nice easy picture of them, no incredible lightning or so. That was at the time that Paul couldn’t decide to go shaved or unshaven. We had ‘words’ about that and several attempts. Paul’s picture, by the way, was taken at Cavendish Avenue."



The Beatles individual portraits - John Kelly

The colour photographic prints of the band are also inserted in the sleeves.

The UK issue opened from the top, for the first pressings; the US issue took a more standard approach by opening from the side. Another difference was that the four colour photos were slightly smaller in the US than the UK issue. Early copies were issued with a protector sheet placed on the top of each photo and have custom black inner sleeve.

Tuesday, July 8, 2008



Sesiones de octubre (Honey Pie, Savoy Truffle, Martha My Dear; Long, Long, Long; I’m So Tired, The Continuing Story Of Bungalow Bill, Why Don’t We Do It In The Road? y Julia)

Honey Pie
Tema escrito por Paul McCartney.
Se empieza a grabar el 01 de octubre de 1968, con recordings el 02 y 04 de octubre en Trident Studios.

Instrumentación:
McCartney: piano y voz principal.
Lennon: guitarra solista (Sunburst Epiphone Casino).
Harrison: bajo.
Starr: batería.
15 músicos de estudio: acompañamiento de metales.

El arreglo de metales fue escrito por George Martin.

Harrison: “John hizo un solo fantástico en Honey Pie... parecía Django Reinhardt o algo asi. Era uno de esos en que cierras los ojos y no fallas ni una nota, era como un pequeño solo de jazz”. Guitar (noviembre de 1987)

Savoy Truffle
Tema escrito por George Harrison e inspirado por la adicción a los chocolates Mackintosh Good News de Eric Clapton.
Supuestamente todos los nombres que utiliza Harrison los saco de la caja de bombones.
En la caja aparecen los nombres creme tangerine, montelimart (al contrario que en la letra impresa, la caja incluye la “r”), ginger sling, pineapple treta (no “Herat”), coffee dessert, savoy truffle. No habia cherry cream sino toffee and cherry cup, ni habia apple tart ni coconut fudge, sino coconut and caramel.
Derek Taylor escribió parte de la letra del medio: “You know what you eat you are”. George se quedo bloqueado y Derek lo ayudo.

Instrumentación:
McCartney: bajo.
Lennon: guitarra solista.
Harrison: guitarra solista, órgano, voz (doblada).
Starr: batería y pandereta.
Músicos de estudio: 02 saxos barítono y 04 saxos tenor.

El sonido de las trompas caracterizaría los trabajos en solitario de George Harrison y es en esta canción que se puede escucharlo por primera vez.

Martha My Dear
Paul McCartney la escribió pensando en su vieja perra pastora Martha. pesar de sonar como una canción tradicional de amor "Martha My Dear" fue de hecho inspirada por la perra de Paul, Martha. McCartney dijo: “Mientras que todo el mundo piensa que es una canción sobre una chica llamada Martha, es realmente sobre mi perra, y nuestra relación es platónica, créanme”.
Sin embargo, en el libro "A Hard Day's Write" se afirma que McCartney tenía una musa cuyo nombre también era Martha, y que la perra fue llamada así por ella; la canción hablaría realmente de las dos.

Se empieza a grabar el 04 de octubre de 1968, con recordings el 05 de octubre, en Trident Studios.

Instrumentación:
McCartney: piano y voz (doblada).
Lennon: bajo.
Harrison: guitarra solista.
Starr: batería.
Músicos de estudio: cuerdas, metales.

Long, Long, Long
Canción escrita por George Harrison. Long, Long, Long es una canción de amor.

Se empieza a grabar el 07 de octubre de 1968, en Abbey Road, con recordings el 08 y 09 de octubre.

Harrison: “Durante la grabación habia una botella de vino Blue Nun sobre el bafle Leslie, y cuando Paul tocaba cierta nota en el órgano el Leslie empezaba a vibrar y la botella a resonar. En la grabación puede oírse...al final de todo”. (Libro “I Me Mine” 1980)

Instrumentación:
McCartney: bajo, piano y órgano Hammond.
Lennon: guitarra acústica.
Harrison: guitarra acústica y voz (doblada).
Starr: batería.
Varias fuentes señalan que John Lennon no participo en la grabación del tema.

Harrison: “El ‘you’ de Long, Long, Long es Dios. No recuerdo gran cosa salvo los acordes, que creo salían del ‘Sad Eyed Lady Of The Lowlands’ (Bob Dylan) : Re a Mi menor, La y Re. Esos tres acordes y su secuencia”. (Libro “I Me Mine” 1980)




I’m So Tired
Canción escrita por John Lennon en la India .

Se empieza a grabar el 08 de octubre de 1968, en Abbey Road.

Lennon: “Uno de mis temas favoritos. Me gusta como suena y la canto bien”. (Septiembre de 1980, Playboy Interviews)

Instrumentación:
McCartney: bajo y segunda voz.
Lennon: guitarra acústica y solista, órgano y voz solista.
Harrison: guitarra solista y rítmica.
Starr: batería.

The Continuing Story Of Bungalow Bill
Lennon: “La compuse por un tío (del campamento de meditación del Maharishi) que se tomo un pequeño descanso para ir a cazar unos cuantos tigres y luego volvió a comulgar con Dios. Habia un personaje Jungle Jim y yo lo combine con Búfalo Bill. Es una especie de critica social de adolescentes, con un poco de humor”. (Septiembre de 1980, Playboy Interviews)

Se empieza a grabar entre medianoche y el amanecer del 09 de octubre, en Abbey Road. Se grabo después de “Im So Tired”.

Instrumentación:
McCartney: bajo y voces.
Lennon: guitarra acústica, órgano y voz solista.
Harrison: guitarra acústica y voces.
Starr: batería, pandereta y voces.
Yoko Ono: voces y segunda voz (estribillo) y voz solista en “not when he looked so fierce”.
Maureen Starkey: segunda voz (estribillo).
Chris Thomas (ayudante de los Beatles): mellotron.

En este tema Yoko debuta como cantante., es la primera vez que canta una mujer en un disco de Los Beatles.








Why Don’t We Do It In The Road?
Escrita por Paul McCartney.

Lennon: “(La escribió) Paul...una de sus mejores canciones”. Hit Parader (abril de 1972).

Instrumentación:
McCartney: bajo, guitarra solista, piano, batería y voz (ocasionalmente doblada).
Starr: batería y palmas.

Nota: En este tema Paul fue asistido por Ringo.

Lennon parodia este tema durante las sesiones del proyecto Get Back (posteriormente Let It Be) de enero de 1969. Canto el siguiente verso entre canción y canción: “Why don’t you put it on your toast?”.

Lennon: “Paul es asi. La grabo a solas en otra sala. Entonces, las cosas iban asi. Llegábamos y ya lo habia grabado todo. El tocando la batería, él tocando el piano, él cantando...No puedo hablar por George, pero a mi siempre me dolía cuando Paul terminaba algo sin contar con nosotros. Pero asi eran las cosas por aquel entonces”. (Septiembre de 1980, Playboy Interviews)

McCartney: “Solo hay un incidente que yo recuerde en que John mencionara públicamente (que se habia sentido dolido). Fue cuando cogi a Ringo e hicimos “Why Don’t We Do It On The Road?” No fue deliberado. John y George estaban ocupados acabando algo y Ringo y yo no teníamos nada que hacer, asi que le dije a Ringo: ‘Ven, vamos a hacer esto’.
“Posteriormente le oí cantarla (a John). La canción le gustaba y supongo hubiese querido hacerla conmigo. De cualquier forma, la canción era muy del estilo de John, y supongo que por eso le gustaba. Era muy de John, la idea, no era mi estilo. La compuse de rebote a John...
“De todas formas, él hizo lo mismo con “Revolution 9”. La hizo sin mi. Y eso nadie lo dice. Ahora, John es el bueno y yo el cabrón. (03 de mayo de 1981, Beatles).


Julia
Canción compuesta en la India por John Lennon con ayuda de Yoko Ono.

Lennon: “Julia era mi madre, aunque la canción es una combinación de Yoko y mi madre en un solo ser. La compuse en la India”. (Septiembre de 1980, Playboy Interviews)

El verso “oceanchild, calls me” se refiere a las cartas que Yoko le enviaba a John a la India.
En japonés, Yoko significa “criatura del océano”.

El verso “Julia, seashell eyes” fue escrito por el poeta Kahlil Gibran.

Se graba el día 13 de octubre de 1968, en Abbey Road, solo participa John Lennon.


Instrumentación:
Lennon: guitarra acústica (doblada) y voz (ocasionalmente doblada).

Este es el único tema de Lennon que graba en solitario durante su época con Los Beatles y la última canción registrada para el Álbum Blanco.


El dia 14 de octubre en Abbey Road se hacen arreglos añadidos para Savoy Truffle y el resto de las sesiones se empiezan a mezclar las canciones para el Álbum Blanco ya completado.

El dia 15 de octubre en Abbey Road se realizan las mezclas en mono y estereo para el Álbum Blanco.

El dia 16 octubre en Abbey Road Paul, John y George Martin en una maratónica sesión de 24 horas que empieza a las 5 PM y termina al dia siguiente a las 5 PM , escogen las canciones y trabajan la secuencia de las cuatro caras del álbum doble. En esta maratónica sesión se utilizan todos los estudios de Abbey Road 01, 02 y 03 y los cuartos 41 y 42 para escuchar los temas.
Al final son 30 canciones las cuales son presentadas al publico (obviamente el nuevo single Hey Jude/ Revolution no fue incluido dentro del álbum).
Ni George ni Ringo estuvieron envueltos en la selección y secuencia final. George habia viajado a Los Angeles para continuar trabajando en el nuevo álbum para el sello Apple de Jackie Lomax mientras que Ringo se hallaba de vacaciones en Sardinia con su esposa Maureen.
Tras 05 meses de grabación Los Beatles habían terminado el Álbum Blanco pero las fricciones y problemas internos los empiezan a separar. Este álbum es una clara muestra de lo que ocurrió la ruptura y la relación del team compositivo Lennon – McCartney se hace cada vez mas tirante por la presencia constante en el estudio de Yoko Ono (novia de Lennon). John Lennon empieza a perder interés por los proyectos de Los Beatles y le deja la posta a Paul McCartney que prácticamente tendría que tomar el liderazgo del grupo algo que George y Ringo no lo veían en ese lugar debido a que Paul se vuelve mas autoritario
y que al final le produciría roces con todos los integrantes de la banda.

Monday, July 7, 2008

Luis Guadalupe recopila los pormenores del último show de Queen con Freddie Mercury en la voz, Brian May en la Guitarra, John Deacon en el Bajo y Roger Taylor en la batería.
El 9 de agosto, se cumplen 22 años de la última vez que el grupo QUEEN estuvo sobre un escenario, ofreciendo el que fuera su último concierto en el Knebworth Park en 1986 y ante 120,000 espectadores. Un broche de oro para el MAGIC TOUR, el cual brindó memorables conciertos como el de Wembley y Budapest.

Originalmente QUEEN quería cerrar esta apoteósica gira con un nuevo show en Wembley para una tercera noche, pero debido a que el mítico estadio se encontraba ya reservado, ellos se decidieron hacerlo en el Knebworth Park, en la ciudad de Stevenage, en Inglaterra, el 9 de Agosto de 1986. Las entradas se vendieron en apenas 2 horas y la banda voló hacia el Knebworth Park, en Hertfordshire en un helicóptero especialmente pintado con los personajes de la carátula de su album A Kind Of Magic. Sin duda alguna, atrajo la mayor cantidad de audiencia en esa gira al congregar 120,000 espectadores y originó también uno de los más grandes congestionamientos de tráfico en la historia en Inglaterra, ya que todos querían arrivar a tiempo al concierto. Como teloneros, se presentaron los grupos británicos Bleouis Some, Status Quo y Big Country.

Alrededor de la 8:50 pm, QUEEN subía a escena, brindando uno de los mejores shows en toda su historia. Muchos de los temas de este show se pueden escuchar en el album LIVE MAGIC -editado en Gran Bretaña en diciembre de 1986- y en un CD pirata llamado ELECTRIC FIRE. Asimismo pueden verse escenas de este concierto tanto en los videos de THE MAGIC YEARS, Volumen 3, RARE LIVE y CHAMPIONS OF THE WORLD, y fotos de este show en el libro GREATEST PIX II. Se ha dicho bastante de este concierto, incluso se rumoreaba que en algún momento se lanzaría un DVD de este concierto, pero el mismo Brian May ha admitido que no se tiene una grabación completa en video de este show. Quizás en su momento, en 1986, se pensaría que solo era el cierre de un exitoso tour, y con la idea de que en los siguientes años QUEEN emprendería otros tours para promocionar nuevos albumes. Pero con el tiempo, este concierto en Knebworth Park ha sido oficialmente considerado como el último concierto de QUEEN en su historia, la última vez en que Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon, juntos los 4 en un escenario como QUEEN, dieron lo mejor de sí y ofreciendo lo mejor de su vasto repertorio musical. Y eso sucedió hace 22 años y no puede olvidarse.

Finalmente, luego de este show, QUEEN ya no volvería a ofrecer conciertos. Incluso ha habido tanta desinformación que se comentaba ligeramente que QUEEN había tocado en shows luego de este concierto de 1986, lo cual es totalmente falso. A modo de ilustración, es bueno saber que en 1987, Freddie, Brian y Roger estuvieron abocados a sus proyectos solistas, y en diciembre del 88, lo más cercano a una performance de QUEEN, fue en una fiesta de Navidad organizada por el QUEEN Fan Club, y en donde Brian, Roger y John se juntaron para tocar algunos temas, pero no temas de QUEEN. Ya en 1989, cuando se lanzó el album THE MIRACLE, la expectativa fue grande al esperar una nueva gira mundial de QUEEN, pero el grupo anunció que por primera vez en su historia no harían ningun tour promocional para dicho album -en verdad, Brian, Roger y John querían salir de gira, pero Freddie se negó, alegando sentirse demasiado viejo para salir en mallas a escena a los 42 años y que ya lo había dado todo en la anterior gira y no quería repetirse, lo cual trajo desazón en sus fans. Para 1990 QUEEN fue invitado a ser parte del Festival de Knebworth, concierto que agrupó a todos los ganadores del Silver Cleff Award, pero ellos alegaron estar grabando un nuevo album, que a la larga sería el brillante INNUENDO. Y cuando este album se lanzó en 1991, tampoco hicieron gira alguna de promoción, aunque la verdad era que Freddie estaba ya demasiado enfermo para subir a un escenario. Como ya sabemos la muerte de Freddie Mercury, privó para siempre a los fans de volver a QUEEN en concierto, y por ello, adquiere una gran trascendencia este último concierto del 9 de agosto de 1986. Posteriormente a ello, las 2 únicas veces que Brian, Roger y John se juntaron en un escenario fueron en 1992 en el inolvidable tributo a Freddie y en 1997 en Paris como una presentación no anunciada al final del estreno de la obra de ballet Queen Bejart, tocando con Elton John, el clásico The Show Must Go On. De allí en adelante, John Deacon se retiraba de la actividad musical y Brian y Roger se encargarían de darle vigencia a la música de QUEEN, tanto con el musical teatral WE WILL ROCK YOU -estrenado en el año 2001 y vigente hasta la fecha- como con la alianza con Paul Rodgers para volver a las giras bajo el nombre de "QUEEN + Paul Rodgers" tanto en el 2005 en Europa y Japón como en 2006 en USA, y pronto iniciarán una gira por Europa que arrancará a mediados de setiembre, luego del lanzamiento de su nuevo album en estudio.

Ojalá algún día pueda verse algún documental actualizado sobre este concierto en el Knebworth Park de 1986, con la cobertura que en verdad se merece. Es por ello que esta fecha adquiere una gran importancia para el fan de QUEEN y por ello, es bueno recordar que hace 20 años, QUEEN realizaba apoteósicamente su última presentación en vivo, ante 120,000 personas y cerrando su trayectoria de conciertos en todo su esplendor y por la puerta grande.

Sunday, July 6, 2008

Piero Dall'Orso continúa con las sesiones del álbum blanco, que se van acercando a su fin. El disco sería lanzado el 22 de Noviembre de 1968. Es increíble ver ahora cómo la demanda de material Beatle y la productividad de la banda, aún durante relaciones tensas, pudo llevar a lanzar discos apenas las sesiones fueron terminadas; es decir, sin período de marketing, o copias de avance para la prensa.

Sesiones de septiembre de 1968 (Glass Onion, I Will, Birthday, Piggies, Happiness Is A Warm Gun)

Glass Onion
Canción compuesta por John Lennon . El tema menciona otras canciones de Los Beatles como: Strawberry Fields Forever, I Am The Walrus, Lady Madonna, The Fool On The Hill y Fixing A Hole.

Lennon: “Soy yo haciendo una canción para usar y tirar... Metí el verso “the walrus was Paul” para confundir a la gente un poco mas.” (Septiembre de 1980 Playboy Interviews).
Lennon: “Fue una broma. Lo puse en parte porque me sentía culpable de estar con Yoko y dejando a Paul. Intentaba... no sé. Era una forma muy perversa de decirle a Paul: Mira aquí tienes este mendrugo (sobrante) , este caramelo, esta palmadita, porque yo me largo”. (Septiembre de 1980 Playboy Interviews)

Se empieza a grabar el 11 de septiembre de 1968, en Abbey Road, con recordings el 12, 13 y 16 de septiembre y el 10 de octubre.

Instrumentación:
McCartney: bajo, piano y flauta.
Lennon: guitarra acústica (Gibson) y voz (doblada).
Harrison: guitarra solista.
Starr: batería y pandereta.
Músicos de estudio: orquesta.

Glass Onion era el nombre que Lennon quería poner al nuevo grupo de Apple, que acabo llamándose Badfinger, en un principio llamado The Iveys.

Lennon: “Con Glass Onion solo me estaba divirtiendo, por las muchas tonterías que se habían escrito sobre Sgt. Pepper. La gente decía: “Si pones el disco hacia atrás mientras haces el pino, oirás un mensaje secreto, etc”.
“Mira, el otro día vi a Mel Thorne en la tele diciendo que varias canciones mías las habia escrito para incitar al consumo de drogas, pero eso no es cierto. Asi que esta era mi forma de decir: ¡Son todos unos idiotas!” (Celebration).

I Will
Canción compuesta por Paul McCartney en la India, se asemeja a I’ll Follow The Sun (del lp Beatles For Sale de 1964).

Se empieza a grabar el 16 de septiembre de 1968, en Abbey Road. Se grabaron 67 tomas, no todas completas. La numero 65 fue considerada la mejor y se le añadieron recordings de instrumentos y voces el 17 de septiembre.

Instrumentación:
McCartney: bajo, guitarra acústica, voz (ocasionalmente doblada).
Lennon: ritmo con madera y metal.
Starr: batería, bongos y maracas.

George Harrison no participó en estas sesiones.
Como dato curioso en la toma 19 de I Will hubo una improvisación de Paul del tema “Can You Take Me Back where I came from can you take me back ?” duraba originalmente 2:21 fue copiada y guardada en las cintas ‘odds and ends’ . Solo se extrajo de 1:51 a 2:19 para ser incluida al final del álbum entre “Cry Baby Cry” y “Revolution 09”.
De este mismo día de trabajo de Paul, John y Ringo tenemos la toma 35 una versión corta e improvisada de “Step Inside Love” compuesta por Paul para Cilla Black (grabada por ella el 28 de febrero de 1968 y realizada el 08 de marzo); “Los Paranoias” de 3:48 con un ritmo bastante doliente ‘paranoias’ con ‘come on and join us’ la cual incluía sonidos de trompeta hechos por la boca y “The Way You Look Tonight” un numero corto pero que termina derivando en “I Will”.
Este es un dato bastante interesante ya que “Step Inside Love “y “Los Paranoias” terminarían apareciendo en el Anthology 3.

Birthday
Escrita por Paul McCartney mayormente , con ayuda de John Lennon. Este tema fue compuesto en el estudio de grabación.

Lennon: “Birthday se compuso en el estudio. Ahí mismo creo que Paul quería hacer una canción como “Happy Birthday Baby” el viejo éxito de los años cincuenta”. (Septiembre de 1980. Playboy Interviews)
Particularmente a John Lennon no le agradaba el tema.

Se graba el 18 de septiembre de 1968, en Abbey Road.
Chris Thomas productor de la sesión: “...Paul fue el primero en llegar y empezo a tocar el riff de Birthday. Cuando llegaron los demás, Paul habia compuesto literalmente la canción, ahí mismo, en el estudio.”
Durante la sesión, George Harrison se puso un guante para no llagarse los dedos.
En un intermedio de la sesión, Los Beatles vieron “The Girl Can’t Help It” por televisión en casa de McCartney. Esta película de 1956 fue protagonizada por Jayne Mansfield y cuenta con interpretaciones de Fats Domino, The Platters, Gene Vincent y Little Richard.

Instrumentación:
McCartney: bajo, piano y voz solista.
Lennon: guitarra solista, voces y ocasionalmente voz solista.
Harrison: bajo y pandereta.
Starr: batería.
Coros: Yoko Ono y Patti Harrison.
Palmas: Mal Evans.




Piggies
Canción compuesta por George Harrison. La empezo a escribir en 1966 hasta que la reencontró en casa de sus padres. Su madre Louise lo ayudo a terminarla.

Harrison: “Piggies es una critica social. Me quede bloqueado en un verso del medio hasta que mi madre dio con ‘What they need is a damn good whacking!’, que es tanto como decir que necesitan una buena zurra. Tenia que rimar con ‘backing’ , ‘lacking’ y no tuvo absolutamente nada que ver con policías norteamericanos ni con indeseables de California”.
(Libro “I Me Mine” 1980)

Lennon: “Hay un par de versos míos sobre tenedores y cuchillo y comer beicon”. (Septiembre de 1980 Playboy Interviews)

El tema se empieza a grabar el 19 de septiembre de 1968, en Abbey Road, con recordings el 20 de septiembre y el 10 de octubre. En ese mismo día en que empieza a grabar Piggies, George trajo una nueva canción que le enseña al productor Chris Thomas esta es “Something”. Thomas le dice para grabarla pero George pensaba dársela a Jackie Lomax (George no se la daría sino a Joe Cocker que la publicaría posterior a la edición de Something en noviembre de 1969). Por esta época Thomas menciona que Paul ya estaba componiendo Let It Be. Igual el ingeniero técnico Alan Brown dice haber asistido a Paul (no recuerda la fecha) a grabar un demo del tema “The Long And Winding Road” datos de por si interesantes para todo fan de Los Beatles.

Instrumentación:
McCartney: bajo.
Lennon: loops de cinta.
Harrison: guitarra acústica y voz.
Starr: pandereta.
Chris Thomas (productor): clavicordio.
Músicos de estudio: cuerdas.

En la segunda mitad de la canción, la voz de Harrison se filtro para crear un efecto nasal.
Hay una estrofa final que no se grabó:
Everywhere there’s lots of piggies
Playing piggy pranks
You can see them on their trotters

At the piggy banks
Paying piggy thanks
To thee pig brother

En el libro I Me Mine (1980) apareció esta parte de la estrofa.
George en su gira por Japón de diciembre de 1991 interpretó Piggies incluida la estrofa omitida.

Happiness Is A Warm Gun
Canción escrita por John Lennon e inspirada por una revista de armas norteamericanas pocos días después del asesinato de Robert Kennedy. Su titulo original era “Happiness Is a Warm Gun in Your Hand".
Lennon: “Había una revista de armas por ahí, en la portada habia una pistola humeante. El titulo del articulo, que nunca leí era “Happiness Is a Warm Gun.” (Septiembre de 1980 Playboy Interviews)

Lennon: “Pensé: “Que cosa tan fantástica, tan demencial. Una pistola caliente significa que acabas de dispararle a algo”. (Celebration)

Lennon : “La canción se compuso a partir de tres fragmentos de unas tres canciones diferentes y parecía que recorriera diferentes tipos de rock”.
Se graba el 23 de septiembre de 1968, en Abbey Road, aunque ninguna de las 45 tomas fue considerada lo suficientemente buena. De las 25 tomas grabadas el 24 de septiembre, una tenia una primera mitad buena y otra la segunda mitad. Se editan juntas con recordings el 25 de septiembre.

Instrumentación:
McCartney: bajo y voces.
Lennon: guitarra solista, pandereta, voz solista y voces.
Harrison: guitarra solista y voces.
Starr: batería.

Las guitarras tocan en ¾ y la batería en 4/4.

Happiness Is A Warm Gun fue prohibida por la BBC debido a su simbolismo sexual.

Lennon: “La considero una de mis mejores. Es una hermosa canción, y realmente me gusta todo lo que sucede en ella”. (Celebration)

Lennon: “Todos dijeron que iba de drogas, pero iba mas de rock ‘n’ roll que de drogas. Es como una historia de rock ‘n’ roll...No se por qué la gente decía que iba de una aguja de heroína. Solo una vez he visto a alguien hacer cosas con una aguja, y no me gusto en absoluto”. Hit Parader (abril de 1972)

McCartney: “Creo que es mi canción favorita del álbum The Beatles”. (Own Words)
Años mas tarde para la serie Antología de Los Beatles lo vuelve a reafirmar.
George Harrison también la consideraba una de sus favoritas. (Celebration a fines de 1969)

Tuesday, July 1, 2008

La muerte de Freddy Mercury en Noviembre de 1991 fue la noticia más trágica en el mundo del rock después de la de John Lennon 11 años antes. La devastadora noticia llegó a las radios y TV del Perú pero suponíamos que algo andaba mal desde ya un año antes. El disco Innuendo es prácticamente un epitafio a Freddy, sus fotos lo mostraban flaquísimo y cubierto de un kilo de maquillaje y el video de la canción título sólo tenía tomas de dos o tres años antes, de la época del Miracle, cuando decidieron no salir de gira porque Freddy se sentía viejo. El rumor de que el SIDA lo estaba carcomiendo vivo era muy fuerte. ¿Queen no saliendo de gira con dos discos seguidos? Aquí hay algo raro.

Luis Guadalupe recuerda el concierto tributo a Queen, el cual tuve el gusto de ver a través de Disco Club, creo. Muy buen show. Lo que más recuerdo es la primera canción, "Tie Your Mother Down" cuando Queen aparece por primera vez como trío y Brian May canta la primera frase de su composición. Freddy, showman hasta la muerte, hubiera deseado que la banda continúe, quizás, como trío. Si mal no recuerdo, fue Joe Elliot -vocalista de Def Leppard- quien continuó con la canción y Slash de los Guns N' Roses cooperó con el solo.

TRIBUTO A MERCURY
El 20 de abril de 1992 se realizó en el Wembley Stadium el tributo al vocalista del grupo QUEEN, FREDDIE MERCURY, fallecido el 24 de noviembre de 1991, víctima del SIDA. La idea de este tributo se decidió la noche en que Freddie murió, ya que Brian May, Roger Taylor y John Deacon sentían que debían darle una despedida en el estilo verdadero al cual Freddie estaba acostumbrado.

El 12 de febrero de 1992, la British Phonograph Industry otorgó a QUEEN un Brit Award como Mejor Single Británico de 1991 por el tema “These Are The Days Of Our Lives”, y Brian y Roger recogieron el premio. Fue allí cuando Roger anunció públicamente la realización de un concierto en homenaje a Freddie y que contaría con otros músicos amigos, señalando como fecha elegida el 20 de abril e indicando que sería una celebración de la vida de Freddie y el cumplimiento de su deseo de difundir este mensaje: El SIDA nos afecta a todos. Los tickets, que costaron £ 25.00, se pusieron a la venta el día 13 y se agotaron a las 3 horas, incluso antes de conocerse la nómina de artistas participantes.
Los artistas fueron escogidos por Brian, Roger y John. Todos ofrecieron sus servicios sin cobrar absolutamente nada. Pero fueron tantos, que se tuvo que descartar a algunos. Ninguno que fue solicitado para actuar se negó a tomar parte del concierto. Básicamente se eligió a quienes tuvieron un sentimiento especial hacia Freddie, o alguna conexión o vínculo con él.
Los ensayos comenzaron cinco semanas antes del evento, en un estudio cerca de Shepperd Bush, no tan lejos de las oficinas del QUEEN Fan Club, lugar donde los miembros de QUEEN entraron y salieron, chequeando detalles para el concierto. La primera semana fue sólo con Brian, Roger y John, examinando qué canciones otros artistas querrían tocar y familiarizándose ellos mismos con su propia música nuevamente, la cual no tocaban desde el último concierto de QUEEN en el Knebworth Park el 9 de agosto de 1986.

Las siguientes dos semanas se desarrollaron en ese estudio con una nómina de artistas uniéndose a ellos para ensayar sus partes. Luego todo se trasladó a los estudios Bray, no lejos de Windsor, en Berkeshire. Las otras estrellas fueron día a día, dnado su tiempo para asegurar que todo saliera de la mejor forma. Imperó allí un ambiente de gran camadería en donde todos estuvieron amigables y se divirtieron en los ensayos. Tanto para Brian, Roger y John el evento era una forma de decirle adiós a Freddie y quienes más ayudaron fueron Elton John y Axl Rose.

Fue organizado y financiado por QUEEN Productions en 10 semanas. 98 artistas participaron en este evento. 100,000 insignias y 40,000 bufandas rojas con el emblema de alerta fueron repartidos entre los concurrentes. Mil personas aproximadamente se involucraron en la producción y lo más interesante fue que todos pagaron entrada, ya que no hubo un solo ticket de favor.

El escenario de 90 x 30 m. Estuvo iluminado por 5,000 spots y 30 toneladas de andamiaje fueron transportados por 50 camiones con acoplado. Dos pantallas de 9 x 7 m de retransmisión de video para todo el estadio y 25 camarines y 500 balos formaron parte de la infraestrucutura. 19 cámaras se hicieron cargo de captar las imágenes sobre el escenario y otras 10 para captar la actividad entre bambalinas. Fue tecnológicamente el evento musical mas avanzado jamás puesto en escena. Nunca antes en la historia de la música pop, hubieron tantos países conectados a través del satélite con un show en vivo. La transmisión por TV fue vista por casi un billón de televidentes en todo el mundo. Además casi 300 hombres de seguridad fuero contratados y casi 100,000 T-shirts se vendieron. El programa y la puesta en escena eran una sorpresa para el publico.

El show se inició a las 18 horas (Hora de Londres) con 72,000 asistentes, cuando Brian, Roger y John hicieron su aparición en el escenario y Brian dijo: "Estamos aquí para celebrar la vida, el trabajo y los sueños de Freddie Mercury. Y vamos a darle la más grande despedida en toda la historia”. Y no se equivocó. Las siguientes 4 horas fuero realmente inolvidables, en una noche llena de nostalgia y emotividad, en donde estuviero presentes Brian, Roger y John junto a algunos de los mejores músicos del Rock y ofreciendo lo mejor del repertorio de QUEEN. Indudablemente hubieron momentos muy especiales, como el mensaje de Elizabeth Taylor, quien vino desde USA para la ocasión; las actuaciones de David Bwie y Annie Lennox cantando “Under Pressure” y el gesto del mismo Bowie de arrodillarse sobre el escenario recordando a los amigos “que ya no están con nosotros” y rezar el Padrenuestro ante el enorme silencio de la gente; la performance de George Michael –para muchos, el mejor de la noche- con “Somebody to Love” y el cierre ideal con quien fuera el ídolo máximo de Freddie: Liza Minelli. Y al final del show, bajo los acordes de “God Save the Queen”, se vio a Freddie en las pantallas gigantes, en ese mismo escenario de Wembley y con su capa y su corona, como si se despidiera.
Como de costumbre, Freddie fue quien se robó el show. Durante todo el concierto, videos con declaraciones suyas fueron insertados y cada vez que las pantallas de video mostraban imágenes de él, la multitud respondía a su llamado. Cuando Freddie cantaba, el público lo acompañaba y cuando él hablaba, todos callaban. Y pese a la lista de mega-stars que le rindieron tributo esa noche, fueron finalmente los fans quienes le dieron el mejor tributo. Ellos escucharon uno por uno, a todos los artistas interpretar los clásicos temas de QUEEN y al terminar cada performance y antes de empezar la siguiente, la conclusión a la que llegaban siempre era la misma: “Estuvo bien .... pero no era Freddie”. Si algo se comprobó en este espectacular tributo, fue que Freddie Mercury fue único y que nadie podrá ocupar jamás su lugar.