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Sunday, July 27, 2008








It could have been a disaster, a boring and poor album like Yes' Union. But curiously it wasn't. On the contrary, ABWH was one of the best albums of 1989 and a reboot of the Yes saga with some of the members who contributed to create wonderful, colorful and textured music like Close To The Edge and Fragile.



Jon Anderson felt the current 1988 Yes lineup wasn't going anywhere (anywhere led by him because the undisputable leader of Yes was South-African guitarist Trevor Rabin, proving it so with Big Generator) so he called former members of Yes and started playing with them and recording some material for the Arista label. Being Chris Squire the only member of Yes that never left the band, Bill Bruford brought King Crimson's bass player Tony Levin to participate. Rick Wakeman couldn't be happier and so Steve Howe. They would be playing the already classic Yes tunes and work on a new album for an upcoming World Tour.



Tony Levin's external and precise bass playing might have been the reason why the music in this compact disc is so tight and even if it falls under the category of progressive rock, it becomes easy while challenging. Chris Squire was working with the current members of Yes and eventually they would join materials with ABWH to release Union in 1991, so far the worst work that ever came under the Yes name.



But ABWH is not only good but also a surprise. I've always said that 1989 was a great year for rock and pop music all around the world and it's mantle of goodness covered these musicians as well. The album hits the 60 minute mark with 9 songs, most of them long suites a-la-early Rick Wakeman-era of Yes. The center of the album is a long theme called "Brother Of Mine," divided in 3 parts well crafted and planned, without the excessive "progressive" solos and that lack of touch with the common listener that made Yes subject of mockering by the punk audience in the late seventies (Tormato, Going For The One). The band doesn't care what the punks thought of them and keep playing long tunes like "Quartet" and "Order Of The Universe," mixing the bucolic side of Anderson on vocals and Steve Howe on mandolin and the strong rhythm of Bruford on drums and Levin on bass. Why does it sound good? maybe because of the same reason the masterpiece Drama was so awesome: unexpected twist of style, without leaving the comfort zone of the listener.


Yes, let's remembered, got rid of it's dinosaurness (Anderson and Wakeman) by hiring Trevor Horn and Geoffrey Downes (of the Buggles) to create Drama, a record that updated their sound into the eighties. ABWH is like going back to the days of Relayer carrying what they've learned during the rad decade. The result was impressive thanks to the hand of the talented Chris Kimsey (whose credits are, among others, co-producing Rolling Stones' Steel Wheels and Undercover). Kimsey updated the sound of Wakeman and the drumming of Bruford sounded more alive than ever.







Further Yes:





Tuesday, July 22, 2008



Juice Newton at the Corn Festival, Brentwood, CA, July 13, 2008.

Actually it was a great surprise finding this talented singer and guitar player at the Corn Festival in Brentwood, under an intense heat reaching almost 95 degrees. Juice was enjoying the heat and the friendship of her audience. She was in 1981 one of the greatest crossovers between Country and Rock. Plus, she was (still is) a hottie and there was nothing they could do about it. Her songs had charisma and were easy on the FM waves and our ears. In South America, she was big and I wonder if she ever visited the South of the Equator.

One of the best things of being not in the mainstream anymore is to be able to set up your own agenda, your own kind of music, and your own audience without risking of "conquering the world" again. Juice Newton could easily appear as a guest on "American Idol," sing "Angel Of The Morning," making people realize this is the same melody Shaggy's been singing for a while and run to the record stores and iTunes and get her music.
 
Time's been less hard on her than love, because her charm is still intact and she still knows how to sing about broken hearts and unrequited love. Juice Newton's voice still sounds amazing, soothing and elegant. She ruled the Country Rock scene in the early eighties with her Capitol Records album Juice (platinum, #4 on the Billboard Country Chart), although she was previously signed to RCA and she was strugglin to reach Fame and Fortune with Capitol as well. In 1986 she even dared to cover Italian Divo Fausto Leali's "A Chi" (translated to "Hurt") with a surprising result. Her biggest hit, besides "Angel Of The Morning," was the country tune "Queen Of Hearts," gem of her Juice album.

Newton has a continuing charm that needs to be discovered if you haven't heard her already. Check her out on CD (or vinyl, if possible) and if you find out she's gonna be playing in your area, don't miss her.

Sunday, July 20, 2008

Se me hace fácil escribir en Internet y mantenerme al tanto, al día, de lo que es la música vieja. Es muy rápido hacer llegar nuestras opiniones al mundo, ya sea en inglés o español, la cosa es que nos lean y nos contacten, como lo han estado haciendo con CacaoRock desde 1999.

El medio escrito, publicar historias, cuentos, comentarios, artículos en forma periódica es una de las artes que más me apasionan, después de la música rock, claro está. Y uno de mis sueños es publicar una revista y trabajar en ella a tiempo completo. Un sueño que lograron tres personajes después de lanzarse al vacío, como diciendo, a ver qué pasa. Mencionaré cuatro personajes y sus tres revistas maestras, que aún se publican. Dos de ellas son disponibles en casi todo el mundo, la tercera, es netamente un producto local del país de donde vengo.

Piedra Rodante

El primer personaje es Jann S. Wenner, editor de mi revista favorita, Rolling Stone, fundada en 1967 en San Francisco. Quizás la publicación que más me ha influido, Rolling Stone es un ícono de la cultura popular norteamericana y una de las revistas más reverenciadas o criticadas, más rara vez ignoradas: una publicación con opinión propia de centro izquierda, intensa como la de su colaborador más radical, el Dr. Hunter S. Thompson. En algún momento, sus críticas musicales destrozaron a Led Zeppelin, le pidieron a Stevie Ray Vaughan que dejara de tocar guitarra y a Duran Duran los consideraron un adefesio. Tres errores, de muchos, que poco contribuyen a desacreditar la capacidad de cobertura de la revista en el ambiente del rock angloparlante. Rolling Stone siempre se ha sabido adaptar a los tiempos actuales, sin perder su ideología nacida en el mismo verano del amor. Se opusieron a la guerra de Vietnam, cubrieron el festival de Woodstock y vieron como Nixon renunciaba gracias a las fotos de Anne Leibovitz, su mejor elemento gráfico. Críticos duros de los Republicanos, apoyaron a McGovern, a Carter, a Clinton y ahora a Obama, el cual es visto como una nueva esperanza (yo también lo veo así, la verdad.) Críticos más duros de la política anti-drogas de los Estados Unidos, en donde las cárceles están llenas de fumadores de marihuana pero los peces gordos del tráfico de cocaína siguen nadando en libertad. La revista es pro-marihuana 100%, pero con razones justas, que van más allá del simple gusto de fumarse un pito. Pero es sobre todas las cosas una revista de rock, del americano, del bueno y del malo. Una publicación que superó de lejos a muchos "fanzines" de pobre calidad convirtiéndose en una marca propia, como la revista que describimos a continuación.

Conejitas

Hugh M. Hefner publicó el primer número de la revista Playboy en 1953 y ni siquiera le puso "Número 1" pensando que esa sería la primera y última vez que alguien se atrevería a lanzar una revista de entretenimiento con chicas desnudas, incluyendo a la bomba sexy del momento, Marilyn Monroe. La revista creó no sólo un imperio del soft-core con fotos y videos de las mujeres más bellas del mundo, naturales o no, sino que se apeó a la revolución sexual de los cincuentas y sesentas, provocada por el boom económico americano y la invención de la píldora. La revista también defendió a las feministas mientras que éstas la atacaban despiadadamente cual toro en plaza embistiendo a los protestantes contra las corridas. Si antes las revistas eróticas eran de una calidad dudosa, Playboy elevó el nivel de calidad de las fotos, de los artículos y sobre todo, creó una marca. Su elegancia y actitud fue atacada por ambos lados del espectro: en uno, la ultraderecha de Reagan y su campaña moralista hizo que la revista deje de vender miles de ejemplares y sus clubes se cerraran a falta de clientela. En el otro, la pornografía en video y revistas mucho más atrevidas como Penthouse y Hustler hicieron que los lectores dejen de leer una revista acusada ya de conservadora. Playboy funciona bien en sociedades abiertas pero con cierto pudor y presencia religiosa, como España, Alemania, Brasil y claro, Estados Unidos. En otros países algo más liberales ha fracasado (como en Italia o Noruega) y en Indonesia provocó algunas protestas por grupos religiosos islámicos, aunque en Indonesia las Playmates están más arropadas que científicos en la Antártida.

Del mismo modo que Rolling Stone elevó el nivel de las publicaciones de rock and roll, Playboy lo hizo con el erotismo. Lo limpió y maquilló y le sacó brillo, dándonle valor agregado intelectual y económico. Playboy y sus lectores son hombres y mujeres de mundo, con un punto de vista crítico casi tan fuerte como el del staff de la Rolling Stone, pero capaces de comprar una botella de vino californiano por mil dólares y saber cómo disfrutarla. Ha ayudado a crear, con casi sesenta años de publicaciones, una serie de generaciones que aprecian las curvas de un Lamborghini Diablo del mismo modo que las de Pamela Anderson, la Playmate más exitosa de la historia de la revista. Aunque abatida por la Internet y la pornografía fácil, la revista ahora muestra toques de elegancia y se deja leer por completo.


Máscaras

Doris Gibson y Enrique Zileri, madre e hijo, fundaron en 1950 una publicación netamente elitista de contenido político muy directo, escogiendo el título copiándose de una viejísima revista argentina llamada "Caras y Caretas". Caretas apareció durante el régimen del General Manuel Odría (el presidente favorito de mi abuelo) y al militar no le gustó mucho la revista, así como tampoco a los otros dictadores que tuvo el Perú, incluyendo a Juan Velazco y a Alberto Fujimori. La tendencia de la revista es extraña: de fundación aristocrática, se supone que deberían de defender a la derecha elitista pero la critican con gusto, aunque el consejo editorial disfrute de las corridas de Toros y saben quién es la GCU de la comprimida alta sociedad limeña (la sección "Ellos y Ellas" podría parecer hasta ridícula en otras sociedades, pero dada la actual cobertura de la prensa por el chisme y las noticias escabrosas, pasaría desapercibida por los lectores que no viven en Lima o no tienen conocimiento de quién lleva las riendas de la economía y la política del Perú.

Pero por sobre todo Caretas, con cada portada, le toma el pulso a la realidad nacional peruana desde todo punto de vista: político, policial, económico y hasta sexual. La Chica Caretas seguirá cubriéndose los pezones, poto y vello púbico, y en verdad no es necesario que se descubra porque al parecer Caretas es una revista gráfica de opinión, aunque a veces sus opiniones me hayan causado tanto dolor al hígado como un chupe de camarones con leche "Gloria" malograda. Caretas es capaz de defender a capa y espada a Alan García, cuyo primer gobierno fue el peor momento de la historia del Perú, llegaron a ser más Alanistas que el mismo García. Se opusieron a la reeleción de Alberto Fujimori en 1995, pero nueve años antes hablaban de lo bueno que sería para el Perú que García repitiera el plato. A Fujimori le dieron duro durante su gobierno y por momentos, Caretas era la prueba de que el gobierno permitía la libertad de prensa irrestricta (irrestricta quiere decir sin intervención militar, no cuando la Superintendencia Nacional de Impuestos decide ponerse fuerte con los tributos de la revista.) Sus mejores momentos: la foto de portada a colores de Gladys Zender, la primera miss universo peruana, el golpe de 1968 con la bota militar pisando los yacimientos petroleros de Bayóvar, la trancisión democrática de 1980, el autogolpe de Fujimori en 1992 y el fin de su régimen en el 2000. Pareciera que Caretas se vuelve diez veces más interesante cada vez que las papas queman en la política Peruana.

Tres revistas que hacen historia, como tratamos de hacerla aquí en CacaoRock, aunque más que nada contándola desde nuestro personalísimo punto de vista y tratando de decirles a todos los fanáticos del rock clásico de habla hispana e inglesa: join together.

Saturday, July 19, 2008

What's Playing? Some of the music found in this record store, Amoeba Records, in Los Angeles!



I will be uploading and rotating these selected songs from our vault, featuring detailed information and comments on each of them. Go to http://www.geocities.com/cacaorock/ws.htm and get them on MP3, enjoy them and then go buy the CDs, LPs, vinyls and 8-tracks.

Monday, July 7, 2008



El 9 de agosto, se cumplen 22 años de la última vez que el grupo QUEEN estuvo sobre un escenario, ofreciendo el que fuera su último concierto en el Knebworth Park en 1986 y ante 120,000 espectadores. Un broche de oro para el MAGIC TOUR, el cual brindó memorables conciertos como el de Wembley y Budapest.

Originalmente QUEEN quería cerrar esta apoteósica gira con un nuevo show en Wembley para una tercera noche, pero debido a que el mítico estadio se encontraba ya reservado, ellos se decidieron hacerlo en el Knebworth Park, en la ciudad de Stevenage, en Inglaterra, el 9 de Agosto de 1986. Las entradas se vendieron en apenas 2 horas y la banda voló hacia el Knebworth Park, en Hertfordshire en un helicóptero especialmente pintado con los personajes de la carátula de su album A Kind Of Magic. Sin duda alguna, atrajo la mayor cantidad de audiencia en esa gira al congregar 120,000 espectadores y originó también uno de los más grandes congestionamientos de tráfico en la historia en Inglaterra, ya que todos querían arrivar a tiempo al concierto. Como teloneros, se presentaron los grupos británicos Bleouis Some, Status Quo y Big Country.

Alrededor de la 8:50 pm, QUEEN subía a escena, brindando uno de los mejores shows en toda su historia. Muchos de los temas de este show se pueden escuchar en el album LIVE MAGIC -editado en Gran Bretaña en diciembre de 1986- y en un CD pirata llamado ELECTRIC FIRE. Asimismo pueden verse escenas de este concierto tanto en los videos de THE MAGIC YEARS, Volumen 3, RARE LIVE y CHAMPIONS OF THE WORLD, y fotos de este show en el libro GREATEST PIX II. Se ha dicho bastante de este concierto, incluso se rumoreaba que en algún momento se lanzaría un DVD de este concierto, pero el mismo Brian May ha admitido que no se tiene una grabación completa en video de este show. Quizás en su momento, en 1986, se pensaría que solo era el cierre de un exitoso tour, y con la idea de que en los siguientes años QUEEN emprendería otros tours para promocionar nuevos albumes. Pero con el tiempo, este concierto en Knebworth Park ha sido oficialmente considerado como el último concierto de QUEEN en su historia, la última vez en que Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon, juntos los 4 en un escenario como QUEEN, dieron lo mejor de sí y ofreciendo lo mejor de su vasto repertorio musical. Y eso sucedió hace 22 años y no puede olvidarse.

Finalmente, luego de este show, QUEEN ya no volvería a ofrecer conciertos. Incluso ha habido tanta desinformación que se comentaba ligeramente que QUEEN había tocado en shows luego de este concierto de 1986, lo cual es totalmente falso. A modo de ilustración, es bueno saber que en 1987, Freddie, Brian y Roger estuvieron abocados a sus proyectos solistas, y en diciembre del 88, lo más cercano a una performance de QUEEN, fue en una fiesta de Navidad organizada por el QUEEN Fan Club, y en donde Brian, Roger y John se juntaron para tocar algunos temas, pero no temas de QUEEN. Ya en 1989, cuando se lanzó el album THE MIRACLE, la expectativa fue grande al esperar una nueva gira mundial de QUEEN, pero el grupo anunció que por primera vez en su historia no harían ningun tour promocional para dicho album -en verdad, Brian, Roger y John querían salir de gira, pero Freddie se negó, alegando sentirse demasiado viejo para salir en mallas a escena a los 42 años y que ya lo había dado todo en la anterior gira y no quería repetirse, lo cual trajo desazón en sus fans. Para 1990 QUEEN fue invitado a ser parte del Festival de Knebworth, concierto que agrupó a todos los ganadores del Silver Cleff Award, pero ellos alegaron estar grabando un nuevo album, que a la larga sería el brillante INNUENDO. Y cuando este album se lanzó en 1991, tampoco hicieron gira alguna de promoción, aunque la verdad era que Freddie estaba ya demasiado enfermo para subir a un escenario. Como ya sabemos la muerte de Freddie Mercury, privó para siempre a los fans de volver a QUEEN en concierto, y por ello, adquiere una gran trascendencia este último concierto del 9 de agosto de 1986. Posteriormente a ello, las 2 únicas veces que Brian, Roger y John se juntaron en un escenario fueron en 1992 en el inolvidable tributo a Freddie y en 1997 en Paris como una presentación no anunciada al final del estreno de la obra de ballet Queen Bejart, tocando con Elton John, el clásico The Show Must Go On. De allí en adelante, John Deacon se retiraba de la actividad musical y Brian y Roger se encargarían de darle vigencia a la música de QUEEN, tanto con el musical teatral WE WILL ROCK YOU -estrenado en el año 2001 y vigente hasta la fecha- como con la alianza con Paul Rodgers para volver a las giras bajo el nombre de "QUEEN + Paul Rodgers" tanto en el 2005 en Europa y Japón como en 2006 en USA, y pronto iniciarán una gira por Europa que arrancará a mediados de setiembre, luego del lanzamiento de su nuevo album en estudio.

Ojalá algún día pueda verse algún documental actualizado sobre este concierto en el Knebworth Park de 1986, con la cobertura que en verdad se merece. Es por ello que esta fecha adquiere una gran importancia para el fan de QUEEN y por ello, es bueno recordar que hace 20 años, QUEEN realizaba apoteósicamente su última presentación en vivo, ante 120,000 personas y cerrando su trayectoria de conciertos en todo su esplendor y por la puerta grande.

Tuesday, July 1, 2008

La muerte de Freddy Mercury en Noviembre de 1991 fue la noticia más trágica en el mundo del rock después de la de John Lennon 11 años antes. La devastadora noticia llegó a las radios y TV del Perú pero suponíamos que algo andaba mal desde ya un año antes. El disco Innuendo es prácticamente un epitafio a Freddy, sus fotos lo mostraban flaquísimo y cubierto de un kilo de maquillaje y el video de la canción título sólo tenía tomas de dos o tres años antes, de la época del Miracle, cuando decidieron no salir de gira porque Freddy se sentía viejo. El rumor de que el SIDA lo estaba carcomiendo vivo era muy fuerte. ¿Queen no saliendo de gira con dos discos seguidos? Aquí hay algo raro.

Luis Guadalupe recuerda el concierto tributo a Queen, el cual tuve el gusto de ver a través de Disco Club, creo. Muy buen show. Lo que más recuerdo es la primera canción, "Tie Your Mother Down" cuando Queen aparece por primera vez como trío y Brian May canta la primera frase de su composición. Freddy, showman hasta la muerte, hubiera deseado que la banda continúe, quizás, como trío. Si mal no recuerdo, fue Joe Elliot -vocalista de Def Leppard- quien continuó con la canción y Slash de los Guns N' Roses cooperó con el solo.

TRIBUTO A MERCURY
El 20 de abril de 1992 se realizó en el Wembley Stadium el tributo al vocalista del grupo QUEEN, FREDDIE MERCURY, fallecido el 24 de noviembre de 1991, víctima del SIDA. La idea de este tributo se decidió la noche en que Freddie murió, ya que Brian May, Roger Taylor y John Deacon sentían que debían darle una despedida en el estilo verdadero al cual Freddie estaba acostumbrado.

El 12 de febrero de 1992, la British Phonograph Industry otorgó a QUEEN un Brit Award como Mejor Single Británico de 1991 por el tema “These Are The Days Of Our Lives”, y Brian y Roger recogieron el premio. Fue allí cuando Roger anunció públicamente la realización de un concierto en homenaje a Freddie y que contaría con otros músicos amigos, señalando como fecha elegida el 20 de abril e indicando que sería una celebración de la vida de Freddie y el cumplimiento de su deseo de difundir este mensaje: El SIDA nos afecta a todos. Los tickets, que costaron £ 25.00, se pusieron a la venta el día 13 y se agotaron a las 3 horas, incluso antes de conocerse la nómina de artistas participantes.
Los artistas fueron escogidos por Brian, Roger y John. Todos ofrecieron sus servicios sin cobrar absolutamente nada. Pero fueron tantos, que se tuvo que descartar a algunos. Ninguno que fue solicitado para actuar se negó a tomar parte del concierto. Básicamente se eligió a quienes tuvieron un sentimiento especial hacia Freddie, o alguna conexión o vínculo con él.
Los ensayos comenzaron cinco semanas antes del evento, en un estudio cerca de Shepperd Bush, no tan lejos de las oficinas del QUEEN Fan Club, lugar donde los miembros de QUEEN entraron y salieron, chequeando detalles para el concierto. La primera semana fue sólo con Brian, Roger y John, examinando qué canciones otros artistas querrían tocar y familiarizándose ellos mismos con su propia música nuevamente, la cual no tocaban desde el último concierto de QUEEN en el Knebworth Park el 9 de agosto de 1986.

Las siguientes dos semanas se desarrollaron en ese estudio con una nómina de artistas uniéndose a ellos para ensayar sus partes. Luego todo se trasladó a los estudios Bray, no lejos de Windsor, en Berkeshire. Las otras estrellas fueron día a día, dnado su tiempo para asegurar que todo saliera de la mejor forma. Imperó allí un ambiente de gran camadería en donde todos estuvieron amigables y se divirtieron en los ensayos. Tanto para Brian, Roger y John el evento era una forma de decirle adiós a Freddie y quienes más ayudaron fueron Elton John y Axl Rose.

Fue organizado y financiado por QUEEN Productions en 10 semanas. 98 artistas participaron en este evento. 100,000 insignias y 40,000 bufandas rojas con el emblema de alerta fueron repartidos entre los concurrentes. Mil personas aproximadamente se involucraron en la producción y lo más interesante fue que todos pagaron entrada, ya que no hubo un solo ticket de favor.

El escenario de 90 x 30 m. Estuvo iluminado por 5,000 spots y 30 toneladas de andamiaje fueron transportados por 50 camiones con acoplado. Dos pantallas de 9 x 7 m de retransmisión de video para todo el estadio y 25 camarines y 500 balos formaron parte de la infraestrucutura. 19 cámaras se hicieron cargo de captar las imágenes sobre el escenario y otras 10 para captar la actividad entre bambalinas. Fue tecnológicamente el evento musical mas avanzado jamás puesto en escena. Nunca antes en la historia de la música pop, hubieron tantos países conectados a través del satélite con un show en vivo. La transmisión por TV fue vista por casi un billón de televidentes en todo el mundo. Además casi 300 hombres de seguridad fuero contratados y casi 100,000 T-shirts se vendieron. El programa y la puesta en escena eran una sorpresa para el publico.

El show se inició a las 18 horas (Hora de Londres) con 72,000 asistentes, cuando Brian, Roger y John hicieron su aparición en el escenario y Brian dijo: "Estamos aquí para celebrar la vida, el trabajo y los sueños de Freddie Mercury. Y vamos a darle la más grande despedida en toda la historia”. Y no se equivocó. Las siguientes 4 horas fuero realmente inolvidables, en una noche llena de nostalgia y emotividad, en donde estuviero presentes Brian, Roger y John junto a algunos de los mejores músicos del Rock y ofreciendo lo mejor del repertorio de QUEEN. Indudablemente hubieron momentos muy especiales, como el mensaje de Elizabeth Taylor, quien vino desde USA para la ocasión; las actuaciones de David Bwie y Annie Lennox cantando “Under Pressure” y el gesto del mismo Bowie de arrodillarse sobre el escenario recordando a los amigos “que ya no están con nosotros” y rezar el Padrenuestro ante el enorme silencio de la gente; la performance de George Michael –para muchos, el mejor de la noche- con “Somebody to Love” y el cierre ideal con quien fuera el ídolo máximo de Freddie: Liza Minelli. Y al final del show, bajo los acordes de “God Save the Queen”, se vio a Freddie en las pantallas gigantes, en ese mismo escenario de Wembley y con su capa y su corona, como si se despidiera.
Como de costumbre, Freddie fue quien se robó el show. Durante todo el concierto, videos con declaraciones suyas fueron insertados y cada vez que las pantallas de video mostraban imágenes de él, la multitud respondía a su llamado. Cuando Freddie cantaba, el público lo acompañaba y cuando él hablaba, todos callaban. Y pese a la lista de mega-stars que le rindieron tributo esa noche, fueron finalmente los fans quienes le dieron el mejor tributo. Ellos escucharon uno por uno, a todos los artistas interpretar los clásicos temas de QUEEN y al terminar cada performance y antes de empezar la siguiente, la conclusión a la que llegaban siempre era la misma: “Estuvo bien .... pero no era Freddie”. Si algo se comprobó en este espectacular tributo, fue que Freddie Mercury fue único y que nadie podrá ocupar jamás su lugar.

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