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Thursday, August 30, 2007

Tug of War (MPL/ Columbia, 1982)
July 18, 2002. Paul McCartney turns 60 years and he introduces for the first time a new Wings keyboard player... I mean, wife, a pretty decent tour around United States and an album called Driving Rain (Capitol, 2001) that's not so bad at all.
That day, K-Earth 101.1 FM radio of Los Angeles was broadcasting Beatles and McCartney material all day. People called the station and one of them asked the host which one was the best moment in Paul's solo career.
I personally don't doubt at all that his best moment is this record,Tug of War, released on April of 1982 as a tribute to the late John Lennon. The cover suggests us that Paul is stressed while he listens to the latest radio news; i.e., the death of a certain Beatle, the definitive end of the Sixties and the rise of Margaret Tatcher.
It is a typically British and nervous album. It contains twelve topics, to my view, related directly with what Paul was suffering then for that, the loss of his band Wings after a sultry arrest in Japan for possession of drugs and the loss of his pal who fell shot in December of 1980 by a maniac obsessed to be as much as possible like him. Paul McCartney meditates on these events in Take It Away" (featuring Steve Gadd and Ringo Starr on drums) and Here Today, a precise song for John who never had the chance to enjoy.
If John had listened to it, according to Paul, he would be laughing at her. The song is the continuation of Yesterday, recorded with the same producer, the same acoustic guitar and the same quartet of strings. It is a gift to their group partner's memory.

I believe, honestly, that John enjoyed a lot with Paul's songs. If it was not to admire them, at least I believe that he listened to them attentively to criticize them just for pleasure. In fact that he listened the last album that McCartney recorded with the Wings before John died, Back To The Edge (MPL, 1979) and he also enjoyed one of Paul's most curious singles,1980's "Coming Up".
But John never told him he was listening. It was Yoko Ono who told to Paul that John used to listen his discs and that once he even cried with one of them. But Lennon was rude and he was not a crybaby. We know he once admitted he sabotaged Beatles work during the later years.

In Tug Of War we find two nuggets featuring Stevie Wonder "What's That You're Doing"? (Funk-a-la Wonder) and "Ebony and Ivory", a song against intolerance surprisingly on racism, but against the discussions that Paul used to have with Linda.
Men as him will always have the luxury of having a good woman by his side towards the one who to discuss placidly. Stevie shines as collaborator in this disk and, really, the show is stolen in the two songs. Sew curious: Paul recorded the video of " Ebony " using a hint without Stevie. Sew of the life. Will something have to see the fact that Stevie Wonder put the song like co-composition of McCartney and his, and in the Tug Of War appears as of McCartney only? I would love to ask Paul a question like this.
The production runs in charge of George Martin, and the disk sounds almost to a production at level Beatle. However, it lacks the power of this recordings. Ringo Starr is present, Stanley Clarke in the first floor in The Pound is Sinking", Carl Perkins sings in Get It", but the topics that the palms are taken are Dress Me Up ace to Robber" that is Paul playing to be Earth Wind & Fire, and the already mentioned Take It Away", available on the Hits & History collection.
Paul McCartney is 60 years old, and let us hope it continues giving that to speak and to listen for a good while. A good conversation topic is this, its work teacher. To buy it it has been said.
******
Junio 18, 2002, Paul McCartney cumple 60 años y estrena nueva tecladista; perdón, esposa, gira potente por Estados Unidos y un disco llamado Driving Rain
(Capitol, 2001) que no está mal, pero pudo haber salido mejor. Aquel día la radio K-Earth 101.1 FM de Los Ángeles estuvo pasando canciones de Los Beatles, de los Wings y de Paul solista hasta por gusto. La gente llamaba a la estación y preguntaba por él y cuál era su mejor momento. Yo no dudo que es éste disco.
Tug of War, lanzado el 26 de Abril de 1982, lo tiene todo. La portada nos sugiere que Paul está estresado mientras escucha cierta música, probablemente la suya. Es un disco típicamente británico y nervioso. Contiene doce temas, a mi parecer, relacionados directamente con lo que Paul estaba sufriendo por ese entonces, la pérdida de su banda Wings después de un bochornoso arresto en Japón por posesión de marihuana y la pérdida de su compinche y archirrival John Lennon, quien cayó abaleado en diciembre de 1980 por un maniático obsesionado por ser como él. Paul McCartney reflexiona sobre estos eventos en "Take It Away" (con la participación de Steve Gadd y Ringo Starr en la batería) y "Here Today", una canción precisa para John pero que quizás no la haya podido disfrutar del todo. Si John la hubiera escuchado, según Paul, se estaría riendo de ella. La canción es la continuación de Yesterday, grabada con el mismo productor, la misma guitarra acústica y el mismo cuarteto de cuerdas. Es un regalo a la memoria de su compañero de grupo.
Creo, honestamente, que John Lennon disfrutaba mucho con las canciones de Paul. Si no era para admirarlas, por lo menos creo que las escuchaba detenidamente para criticarlas a gusto. De hecho que escuchó el último álbum que McCartney grabó con los Wings antes de que John falleciera, Back To The Edge (MPL, 1979) y también disfrutó el single más curioso de 1980, "Coming Up". Pero John nunca le dijo "oye, qué buenos discos que has estado grabando, realmente me gustan". Nunca lo motivó. Yoko Ono le dijo a Paul que John solía escuchar sus discos y que en alguna ocasión hasta habría llorado con uno de los temas. Pero Lennon era rudo y no era un crybaby. Lennon tenía otros planes en mente.
En Tug Of War hay dos temas con Stevie Wonder, "What's That You're Doing?" (Funky a-la Wonder) y "Ebony and Ivory", una canción contra la intolerancia curiosamente escrita no contra el racismo, sino contra las discusiones que Paul solía tener con Linda. Hombres como él siempre tendrán el lujo de tener una buena mujer al lado para con quien discutir plácidamente. Stevie se luce como colaborador en este disco y, realmente, se roba el show en las dos canciones. Cosa curiosa: Paul grabó el video de "Ebony" usando una pista sin Stevie. Cosas de la vida. ¿Tendrá algo que ver el hecho de que Stevie Wonder puso la canción como co-composición de McCartney y suya, y en el Tug Of War aparece como de McCartney solamente? Me encantaría preguntarle a Paul una pregunta como ésta.
La producción corre a cargo de George Martin, y el disco suena casi a una producción a nivel Beatle. Sin embargo, carece de la potencia de dichas grabaciones. Ringo Starr está presente, Stanley Clarke en el bajo en "The Pound is Sinking", Carl Perkins canta en "Get It", pero los temas que se llevan las palmas son "Dress Me Up as a Robber", que es Paul jugando a ser Earth Wind & Fire, y la ya mencionada "Take It Away" (esta canción está incluída en la colección Hits & History lanzada el 2001)


Paul McCartney tiene 60 años, y esperemos que siga dando que hablar y escuchar por un buen rato. Un buen tema de conversación es ésta, su obra maestra. A comprarla se ha dicho.


Monday, August 27, 2007


Piero Dall'Orso aceptó una sugerencia mía de continuar con la celebración del 40 aniversario del Pepper recordando el fracaso de crítica más duro que los Beatles recibieron en su carrera -quizás más que cuando lanzaron Let It Be, pero de ello no estoy seguro-. La película para TV de una hora Magical Mystery Tour (1967) es, en sí, inmirable. Es como estar viendo la pesadilla ocasionada por un mal viaje de LSD e ingestión de jugo de toronja.
 
Imaginen que la mejor banda del mundo, la más querida y respetada por el público y la crítica de pronto lance una película para la TV sin sentido, sin gracia y con un puñado de canciones buenas pero sin coherencia con la narrativa -¡que es inexistente!-
La película intenta contar un viaje de un cierto grupo de gente en autobús de Londres hacia Blackpool -se supone- para ver las luces de la ciudad en la noche. Los Beatles están ahí dentro, también, como parte del grupo. Se supone que iba a ser un viaje lleno de aventuras pero en realidad nada pasa, salvo anécdotas, sueños, ideas inconclusas y mal planteadas. Yo que los Beatles en vez de dirigirla ellos mismos, le hubiera dado la propuesta a Godard, Antonioni o David Lynch. ¿Ringo Starr director de fotografía? ¡Ni hablar!

Hay un guía turístico que en vez de ser gracioso con su "seriedad" realmente asusta y te pone más paranoico que un chihuahua durante los fuegos artificiales de año nuevo. Está Wendy la azafata, una rubia que no aporta nada al desarrollo de la historia, una niña llamada Nicola que se la pasa diciendo "No you're not!" y provoca arrojarla por la ventana del bus. Hay una señora gorda que no deja de comer spaghetti servido por John Lennon con una lampa (lo más asqueroso que hizo Lennon en su vida) y hasta un streap-tease censurado con masturbación del público incluída. Confusa, extraña, prescindible, Magical Mystery Tour puede ser considerada, fácil, la Película "Ed Wood" de la década de los sesentas.

Si dudan de su maleza, ¿por qué no está disponible en DVD oficial? Porque por más Beatlemaníacos que seamos, sabemos cuando algo es un adefesio. Magical Mystery Tour no le llega ni a los talones a obras maestras como A Hard Day's Night y Help!, esta última lanzada sólo dos años antes! Era en ese momento, 1967, en el cual los Beatles en verdad necesitaban Ayuda. (Nota de actualización: el DVD fue lanzado en octubre del 2012 con comentarios de Paul McCartney, que la hacen fácil de digerir).

Caso contrario es el de la banda sonora de la película, que presenta a los Beatles interpretando seis canciones post-Pepper en muy buena forma psicodélica: "I Am The Walrus" es una de las mejores canciones de John Lennon y única responsable de que Jeff Lynne cree su Electric Light Orchestra. "The Fool On The Hill" es una de las baladas más contagiosas que McCartney ha escrito hasta ahora. "Flying" es la única composición de los cuatro juntos en algún lanzamiento de la EMI, "Blue Jay Way" es George Harrison mezclando Hinduismo con ácido, y Paul corona el soundtrack con "Magical Mystery Tour" y "Your Mother Should Know," demostrando que él es el que tiene las riendas del grupo por el momento. Para música sí, más no para la TV.

Orígenes de la película Magical Mystery Tour:

Tras Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, Paul McCartney quería crear una película basada en los Beatles y en su música. Esta película iba a carecer de guión; varias personas "normales" iban a viajar en un autobús a vivir aventuras "mágicas" indeterminadas, tal como hacían los Ken Kesey’s Merry Pranksters. McCartney tuvo la idea de la película en un vuelo de Los Angeles a Londres el 11 de abril de 1967 escribió la melodía y un verso de la canción Magical Mystery Tour. Paul habia decidido que seria un especial de una hora para la televisión, el cual seria acompañado de seis nuevas canciones y filmarían una película que acompañaría al programa, una especie de Sgt. Pepper con imágenes. El proyecto debía ser grabado, producido, escrito, dirigido y montado por The Beatles... es decir por el mismo Paul.

El 01 de septiembre de 1967 en casa de Paul McCartney en St. John Wood, los cuatro Beatles se reunieron para ver su siguiente proyecto tras la muerte de Brian Epstein ocurrida el 27 de agosto de 1967.
John y Paul se sentaron a trabajar y dibujaron un circulo el cual lo dividieron con una especie de radios como una rueda. La mayoría de ideas eran de Paul en este circulo escribió “enanos”; en otro , “señora gorda” y en otro “comida”. Se hizo una estructura solo en borrador . Paul le enseño a John como se desarrollaba la trama y la producción. John aporto la secuencia de la mujer gorda sirviéndole espaguetis.

Se empezaron a buscar actores en un catalogo de The Spotlight entre los personajes encontraron a una mujer gorda que iba a hacer de tía de Ringo en la película. Esta no era una película normal mas bien una fantasía psicodélica de los años 60.

La filmación de Magical Mystery Tour, el estreno por la BBC y las criticas recibidas
Los actores y participantes se reunieron el día 11 de septiembre en Allsop Place, Londres, pero el autobús llego tarde (el logo Magical Mystery Tour se pinto a ultimo momento). Paul subió en Londres mientras que los otros tres Beatles se unieron al grupo en Virginia Water. La filmación se inicio camino de Teignmouth. El bus mágico salió de Teignmouth el 12 de septiembre y se filmaron escenas con “Wendy Winters la azafata del tour”; para mas tarde filmar escenas con “el mensajero Jolly Jimmy Johnson”. Ese mismo día John enojado arranco los carteles que estaban pegados del bus, el cual origina una congestión vehicular. El día 13 de septiembre John y George dirigieron una escena con “Nat Feliz, el Hombre de Goma” en la piscina de un hotel, mientras Paul dirigía a Ringo con “Tia Jessie” y “El Chofer Alf”. El día 14 de septiembre se ruedan escenas alrededor de una campaña en el campo y se filmo el almuerzo.
 El día 15 de septiembre se rodó en un snack bar de Taunton y mas tarde los acompañantes se dirigieron a Londres con acompañamiento de acordeón. El día 18 de septiembre se filma la secuencia de striptease en Raymond Revuebar, 11 Walker's Court, London. El 22 de septiembre se filma a Ringo comprando boletos a John para Magical Mystery Tour en Town Newsagency Limited.
Entre el 19 y el 24 de septiembre se filmaron escenas, incluida la gran escena final, en hangares abandonados en West Malling, Kent. En este lugar se filma la escena final de la película, en un principio Paul habia planeado rodar el final a un numero de baile con sombrero de copa y bastón en los Estudios Shepperton cerca de Londres pero nadie se le habia ocurrido reservar tiempo en el escenario sonoro entonces es en West Malling Kent donde se construye una plataforma enorme. Al estilo Busby Berkeley, The Beatles bajaban de unas escalinatas de caracol interpretando “Your Mother Should Now” en la que participaban cuarenta enanos, de diez a doce bebes y una banda militar con uniforme de gala.
Teniendo la película revelada , Paul desapareció en un cuarto de montaje que habia alquilado en la calle Old Compton para montarla . Cada Beatle dio su opinión acerca de la película que se monto, se volvió a montar y a manosear mil veces. A menudo se le cambiaba de un lado a otro cuatro veces el mismo día, ya que Paul revocaba las sugerencias de John esa mismo mañana.
Peter Brown cuenta que Paul un día llamo por teléfono a la línea privada de The Beatles. Se suponía que llamaba por conferencia . Brown pregunto a McCartney: ¿donde estas? , “estoy en Niza, Francia con una dotación de camarógrafos” contesto Paul.
“He encontrado la colina perfecta, pero no hemos traído las lentes adecuadas. ¿Te parece que podrías hacérnoslas enviar junto con algo de dinero?”.
Brown quedo perplejo solo atino a decir: “¿Niza? ¿Colina perfecta? ¿De que estas hablando? ¿Cómo es posible que estés en Francia? Yo tengo tu pasaporte”.
Paul incluiría para Magical Mystery Tour una escena de el mismo sentado en una pintoresca colina, cantando una canción compuesta por el mismo “The Fool On The Hill”. Partió del aeropuerto Heathrow burlo a las autoridades inglesas diciendo que su pasaporte estaba en Francia. Llegado a Niza les dijo a los funcionarios francesas que el pasaporte llegaría mas tarde traído por un mensajero; ellos accedieron a que el celebre visitante entrara con una autorización especial. De regreso a Londres esa única escena rodada el 1 y 2 de noviembre de 1967 sentado en la colina de Niza habia costado cuatro mil libras. El día 3 de noviembre se filma Blue Jay Way en Sunny Heights (rock garden).

Concluida la edición de la película Paul la proyecto para todos en NEMS. La reacción unánime: era espantosa . No tenia continuidad, era inconexa, desarticulada y propia de aficionados . Brown sugirió a Paul echarla a la basura antes que pasar vergüenza habían botado cuarenta mil libras. Es aquí donde el ego de Paul no le permite considerar esto. Paul pensaba que sería recibida con tanto entusiasmo como los productos anteriores de The Beatles.
Los derechos televisivos fueron vendidos a la BBC, la cual la paso el 26 de diciembre de 1967 en blanco y negro. Ese día era festivo en Inglaterra por la celebración de las vacaciones. El 05 de enero de 1968 la película se volvería a pasar, ahora a través de la BBC2 a colores.
La critica fue vapuleante. Los críticos arremetieron: “...una basura sin atenuantes” “...cuanto mas alto llegan, mas dura es la caída”. Daily Express.
En Los Angeles en el Daily Variety se refirieron asi: “Críticos y espectadores abuchean: The Beatles producen su primer fracaso con la película de Pascuas”.
Al día siguiente del estreno Paul McCartney concedió una entrevista para el Evening Standard el cual reproducía una foto de Paul con suéter y chaqueta de punto espigado hablando con el periodista Ray Connolly. El titular era: “Hemos metido la pata”, dice el Beatle Paul. “Ha sido como recibir un golpe en la cara” le dijo a Connolly. “La próxima vez no cometeremos el mismo error. Algunas personas se irritan porque siempre nos metemos en honduras sin saber realmente lo que queremos, pero asi es como me gusta hacer las cosas. Supongo que si se mira “Magical Mystery Tour” desde la perspectiva de un buen entretenimiento de vacaciones, realmente hemos metido la pata”.
La revista Time señalo que se lograron amasar dos millones de dólares por la película alquilándola a establecimientos educacionales. Pero en mi opinión no todo fue malo con el film. Retrospectivamente Magical Mystery Tour se adelanta al formato de un largo videoclip musical. Incluso Paul en el Anthology menciona que Steven Spielberg dijo haberle prestado mucha atención a Magical Mystery Tour diciendo que “era una película de arte y ensayo, mas que algo comercial”, lo contrario ocurriría con el álbum y el EP de Magical Mystery Tour los cuales alcanzaron el primer lugar.
Todo lo que el grupo tocaba se convertía en dinero. Y el dinero empezo a traerles mayores problemas ahora que Brian ya no vivía. John Lennon empezo a demostrar su desagrado por el proyecto de la película. Se molesto por lo que costo 75,000 libras esterlinas -“la película domestica mas cara de la historia”- y por el hecho de que McCartney asumiera el control efectivo del grupo tras la muerte de Epstein.
Pero John se contradice en la entrega de Premios Valentine de un rotativo británico. Escribió a mano que Magical Mystery Tour era “el mejor show de TV” para mas tarde decir que disfruto del ambiente “fish and chips” de la película.
En la actualidad Magical Mystery Tour es considerada película de culto pese a que en la época que apareció fue duramente criticada. No será una gran película pero si uno se pone a ver detenidamente lo que mas le atrae a uno es el video surrealista en el que aparecen The Beatles tocando “I Am The Walrus “ un collage de imagen psicodélicas los cuatro Beatles disfrazados con policías, enanos y gente en túnicas. Paul menciona esto en el Anthology que la única vez donde puedes ver a The Beatles tocar esta canción esta en Magical Mystery Tour, o en el caso de “Flying” Ringo hace mención en el Anthology que enviaron unos camarógrafos para filmar en Islandia los paisajes y las montañas. Los mismos Beatles fueron concientes de que la película no era su mejor trabajo pero era innovador para su época.

Reparto de Magical Mystery Tour.-
John Lennon
Paul McCartney
George Harrison
Ringo Starr
George Claydon: como Little George El Fotógrafo.
Ivor Cutler: como Buster Bloodvessel.
Shirley Evans: como La Acordionista.
Nat Jackley: como Happy Nat el Hombre Goma.
Nicola: como La Pequeña Niña.
Jessie Robins: como Tía Jessie.
Derek Royle: como Jolly Jimmy Johnson El Mensajero.
Victor Spinetti: como Sargento de Reclutamiento de la Armada.
Mandy Weet: como Miss Wendy Winters La Azafata.
Maggie Wright como La Estrella Amorosa.
Bonzo Dog Doo-Dah Band

Canciones de la película
"Magical Mystery Tour"
"The Fool on the Hill"
“Shirley’s Wild Accordion”
"She Loves You" (instrumental tocada durante la maratón)
"Flying"
"All My Loving" (como música de fondo en la parte de la playa que salen Tía Jessie y Buster Bloodvessel)
"I Am the Walrus"
"Jessie's Dream"
"Blue Jay Way"
"Death Cab for Cutie" (Bonzo Dog Doo-Dah Band)
"Your Mother Should Know"
"Hello Goodbye" (en los créditos finales)

Duración: 55 minutos aproximadamente.
Mientras tanto, "I Am The Walrus" (goo-goo-coo-choo!)


Magical Mystery Tour EP y LP (canción por canción).-
Lista de canciones (doble EP)
Todas las canciones escritas por Lennon/McCartney, excepto donde se indica.
Cara A
"Magical Mystery Tour"
"Your Mother Should Know"

Cara B
"I Am the Walrus"

Cara C
"The Fool on the Hill"
"Flying" (Lennon-McCartney-Harrison-Starkey)

Cara D
"Blue Jay Way" (Harrison)

Lista de canciones del LP y CD
Todas las canciones escritas por John Lennon y Paul McCartney, excepto donde se indica.

Cara A
"Magical Mystery Tour"
"The Fool on the Hill"
"Flying" (Beatles)
"Blue Jay Way" (Harrison)
"Your Mother Should Know"
"I Am the Walrus"

Cara B
"Hello Goodbye"
"Strawberry Fields Forever"
"Penny Lane"
"Baby You're a Rich Man"
"All You Need Is Love"

Magical Mystery Tour
Es la primera canción que se grabo para la película, el EP (Extended Play) y el álbum que apareció en Estados Unidos.
La grabación empieza el día jueves 25 de abril de 1967, solo estaba el titulo, un verso de la letra y un trozo de la música.
La primera parte de la sesión fue de ensayo con McCartney explicando a los demás Beatles la idea que tenia para la canción. Sentado al piano, toco los primeros compases y el voz alta dijo “flash, flash”, para dar entender que la canción tenia que ser como un anuncio televisivo. Mal Evans se encargo de tomar anotaciones. McCartney quería una fanfarria de trompetas para la letra inicial “Roll up, roll up” el único verso escrito hasta ese momento. Mc Cartney le indica a Evans que escribiera los acordes de la música, Re-La-Mi.
The Beatles graban una pista base, con piano, dos guitarras y batería la sesión duro un par de horas.
Paul abandona la sesión de grabación y se dirige a la sala de control para darles instrucciones a los técnicos sobre el sonido que deseaba, los demás Beatles se entretenían con sus cosas, John se puso a hacer dibujos con lápices que sacaba de su chaqueta mientras Ringo fumaba.
Cuando Paul estuvo contento con la pista base regresa donde sus colegas y les dice que quiere añadir mas cosas a la canción. Para escribir mas letra The Beatles iban gritando ideas mientras Mal las anotaba – “the trip of our life”, “satisfaction guaranteed” – pero se hartaron rápidamente decidiendo cantar lo que se les venia a la mente.
A esas alturas Paul quería añadir mas instrumentos a la canción por lo cual graba una pista de bajo, le propone al grupo , a Mal Evans y Neil Aspinall coger instrumentos al azar como maracas y panderetas los cuales empiezan a tocar encima de la cinta base que oían por los auriculares.
Los recordings se graban los días 26 y 27 de abril (voces), el 03 de mayo (metales) y el 07 de noviembre nuevas mezclas de la voz de Paul y mas efectos.

Instrumentación de Magical Mystery Tour:
McCartney: bajo, piano (con efecto de eco) y voz solista.
Lennon: guitarra acústica y voces
Harrison: guitarra solista y voces.
Starr: batería y panderetas.
Músicos de estudio: tres trompetas.

The Fool On The Hill
Paul toca esta canción a John a mediados de marzo de 1967 mientras trabajaban en la letra de “With A Little Help From My Friends” en casa de McCartney en St. John’s Wood. John le sugiere a Paul escribir la letra para no olvidarla no se hablo mas del tema hasta que Paul grabo un demo el día 06 de septiembre.
La canción se graba formalmente el 25 de septiembre, en Abbey Road, con recordings el 26 de septiembre; y el 20 de octubre se le agrega flautas.

Instrumentación: McCartney: piano, flauta dulce (doblada), flauta y voz.
Lennon: armonica y maracas.
Harrison: guitarra solista.
Starr: platillos digitales.

Flying
es la primera composición que escribieron los cuatro Beatles y el único instrumental que grabaron para Parlophone.
Flying o Aerial Tour Instrumental llamada asi hasta noviembre, se empezo a grabar el 08 de septiembre de 1967, en Abbey Road con recordings el 28 de septiembre.
La película necesitaba varias músicas incidentales, Flying fue la primera grabada y la única que apareció en el EP y el álbum. Los sonidos electrónicos del final fueron unidos por Lennon y Starr mediante loops de cinta. En un principio el tema duraba 9’36 pero fue reducida a 2’15 para el disco. La grabación de jazz que existe de la toma 01 fue eliminada.

Instrumentación: McCartney: guitarras y cánticos.
Lennon: mellotron, cánticos
Harrison: guitarras cánticos.
Starr: bateria, maracas y cánticos.

(Nota: En los años 1995 y 1996 para Anthology 1 se incluyo la canción instrumental “Cry For A Shadow” la única canción compuesta por John Lennon y George Harrison; mientras que para Anthology 2 el tema instrumental 12 Bar Original ambas grabaciones permanecían inéditas hasta que aparecieron en estos Cds oficialmente).

Blue Jay Way
Canción compuesta por George Harrison el 01 de agosto de 1967 mientras visitaba Los Angeles habia alquilado con su esposa Patty Boyd una casa en Hollywood Hills, en Blue Jay Way.
George esperaba a su amigo Derek Taylor quien lo iba a visitar mientras esperaba empezo a componer la canción en un órgano Hammond debido al retraso en el vuelo de Derek mientras la neblina se acentuaba en Blue Jay Way. De allí la descripción del lugar en el tema. La letra fue escrita en papel de Robert Fritzpatrick Associates (firma de Los Angeles). Tiempo después Hunter Davies el biógrafo oficial de The Beatles recuperaría el original entregándoselo a Harrison.
Blue Jay Way se graba el 06 de septiembre de 1967, en Abbey Road, con recordings el 07 de septiembre y el 06 de octubre. La voz, el órgano y la batería fueron “faseados”. Los sonidos originales se grabaron en dos magnetófonos y se reprodujeron ligeramente desincronizados para crear un efecto de remolino. También se utilizaron efectos de sonidos electrónicos y de estudio.

Instrumentación: McCartney: bajo y voces.
Lennon: pandereta.
Harrison: órgano Hammond, voz solista (doblada) y voces.
Starr: batería.
Músicos de estudio: violonchelo.

Your Mother Should Know
La primera de dos grabaciones en Chappell Recording Studios debido a que los Estudios de Abbey Road estaban separados. La canción se graba el 22 de agosto de 1967, con recordings el 23 de agosto (ultima visita de Brian Epstein manager de The Beatles antes de su muerte), regrabada el 16 de septiembre (no se uso) y recordings el 29 de septiembre.
Your Mother Should Know se asemeja a When I’m Sixty four, la canción fue rehecha en Abbey Road, pero la versión en Chappell fue la utilizada para el EP de Magical Mystery Tour.

Instrumentación : McCartney: bajo, piano y voz principal.
Lennon: órgano y voces.
Harrison: pandereta, tabla y voces.
Starr: batería.


I Am The Walrus
La canción se origina cuando Pete Shotton y John Lennon leyeron la carta de un fan, un colegial de Quarry Bank, su vieja escuela.
En la clase de literatura de este muchacho se analizaban las canciones de The Beatles. Esto les hizo recordar una canción que solian cantar cuando iban al colegio: “Yellow matter custard, green ship pie/ All mixed together with a dead dog’s eye”.
Pete Shotton recuerda que John garabateo el verso: “Yellow Matter Custard dripping from a dead dog’s eye”. Lennon empieza a sacar imágenes absurdas como: “semolina pilchard climbing up the Eiffle Tower” la intención de John era confundir a los profesores y créanme que lo logro. Como John dijo sobre I Am The Walrus : “una de mis canciones que te puede mantener enigmado por los próximos 100 años”.
Se graba el 05 de septiembre de 1967, en Abbey Road, con recordings el 06 y 27 de septiembre.
Al final se oyen voces hablando. Lennon grabo las voces de un programa radiofónico de la BBC, y años mas tarde por fin averiguo que obra era: El Rey Lear de Shakespeare (acto IV , escena 6).

Instrumentación: McCartney: bajo y voces.
Lennon: mellotron (al principio) y voz solista.
Harrison: pandereta y voces.
Starr: batería.
Músicos de estudio: 08 violines, 04 violoncellos y 03 trompas.
Coro: Mike Sammes Singers: 08 chicos cantando: “Oompah, oompah, stick it up your jumper” y 08 chicas cantando: “Everybody’s got one”.

Hello Goodbye
Se empieza a grabar el 02 de octubre de 1967, en Abbey Road, con recordings el 19, 20 y 25 de octubre y 02 de noviembre. Fue un single planeado para que salga en la navidad de 1967. Esta canción fue originalmente escrita por Paul McCartney cuyo titulo original era “Hello, Hello”. Allistair Taylor que trabajó para Brian Epstein presenció una vez una demostración de Paul sobre escribir canciones, donde tenía que decir lo contrario de lo que dijera Paul. No se sabe si Paul ya tenía la idea de escribir "Hello, Hello" o si la idea nació en ese momento. El famoso "final mahori" con los hey-las-alohas (y que presentaba a bailarinas "hawaianas" en el video promocional) no se improvisó tal y como algunos autores sugieren, y fue grabado en todas las tomas, incluyendo la primera.
John Lennon no le tuvo afecto a esta canción porque consideraba que “I Am The Walrus” era mucho mas canción que Hello Goodbye para que sea la cara A del siguiente single de The Beatles. Incluso John considero como el siguiente single a I Am The Walrus, pero George Martin y Paul McCartney consideraban a Hello Goodbye una melodía mucho mas comercial. Se puede citar de aquí las constantes desavenencias que ocurrirían entre Lennon y McCartney sobre las disputas de singles mas la temprana muerte de su manager Brian Epstein. Algo que se repetiría al año siguiente con los singles: Lady Madonna / The Inner Light (se descarto Across The Universe de John) y Hey Jude/ Revolution. Mas adelante luego que The Beatles se separan John se quejaría: “Me harté de ser la banda de repuesto de Paul".

Instrumentación de Hello Goodbye:

McCartney: bajo, piano, bongos, congas, voz solista y voces.
Lennon: guitarra solista, órgano y voces.
Harrison: guitarra solista, pandereta y voces.
Starkey: batería y maracas.
Ken Essex y Leo Birnbaum: dos violas.

Se rodaron tres videos promocionales de Hello Goodbye los cuales fueron dirigidos por Paul McCartney. Estos videos fueron rodados el 10 de noviembre en el Saville Theater en Londres.
El primero era con sus trajes del Sgt. Pepper. El segundo con trajes normales y el tercero una mezcla del primer y segundo video con escenas descartadas. Tambien al final incluia bailarinas "hawaianas" en los tres promocionales.
La BBC prohibió la canción cuando vio que McCartney cantaba en playback, lo cual era contrario a las normas del sindicato de músicos británicos.


Hello, Goodbye/ I Am The Walrus: fue editado por The Beatles el 24 de Noviembre como single en Inglaterra, justo antes de que tanto el EP (en Gran Bretaña) y el LP (en EEUU) fueran lanzados. Entro en las listas el 29 de noviembre en el numero 03 y fue numero 01 el 06 de diciembre. Conservo el primer lugar durante seis semanas.
En Estados Unidos fue editado como single el 27 de noviembre de 1967. entro en los 40 principales el 09 de diciembre, estuvo en el numero 01 durante tres semanas y permaneció en los 40 durante diez.

Las dos canciones que siguen Strawberry Fields Forever y Penny Lane ya les dedicamos un articulo en las sesiones del Sgt Pepper pero vamos añadir un poco mas de datos.

Strawberry Fields Forever
Mas información sobre Strawberry Fields Forever

Aclamada por muchos como la mejor canción de los Beatles y votada como la mejor canción Pop de todos los tiempos, todo lo que rodea a su concepción es mágico. Antes que nada, porque Strawberry Fields Forever fue compuesta en un maravilloso y soleado país llamado España. John estaba rodando "How I Won The War" en Almería, una provincia del Sur de España, y mientras se relajaba en una playa tuvo la feliz idea de la canción. Más tarde, completó la canción en un cortijo (casa de campo típica del Sur) que había alquilado.
El título de la canción proviene de un orfanato del Ejército de Salvación que aun puede encontrarse en Liverpool hoy en día. Aunque el nombre del orfanato era en realidad Strawberry Field, lo cambió en la canción. John solía ir a fiestas de verano que se realizaban para jugar, y la canción revive algunos de esos recuerdos.
Sin embargo la mayor parte del mito de la canción proviene de su grabación. Ahora que la mayoría ha oído varias versiones en la Anthology, la verdad es que el misterio se revela al fin. Cuando John tocó por primera vez la canción con su guitarra acústica para enseñársela al resto, era bastante simple y alejada del resultado final de cualquiera de las tomas. La verdad es que John dijo a menudo que no estaba satisfecho con la canción e incluso criticó la producción de George Martin. Sin embargo, Strawberry Fields es una obra maestra tal y como la conocemos hoy. Nadie sabe realmente los que John hubiera cambiado en la canción, y nadie sabrá nunca si la podría haber mejorado.
La canción definitiva, fue el resultado de mezclar diversas tomas. la primera fue una pista básica con los cuatro Beatles tocando y bastante más rápida que la definitiva. Sin embargo el resultado fue una versión bastante sólida y John no parecía estar
totalmente de acuerdo con ella. Tras varios días volvió a George Martin y le sugirió hacer otra versión. La segunda implicaba a varios músicos de estudio tocando 4 trompetas y 3 violonchelos, y la soberbia, magnífica, sobresaliente partitura de George Martin , Ringo tocó la batería, y John interpretó de nuevo magníficamente la canción. Y sin embargo, John aun tenía dudas. Le gustaban ambas versiones, y quizá no prefería ninguna lo suficiente. Pero su idea fue mezclarlas juntas, empezando con una y acabando con la otra. Le preguntó a Martin si eso era posible... difícilmente le podía decir George Martin que lo era. Ambas tomas estaban a diferentes velocidades (lo que hubiera sido evidente de inmediato en la remezcla), y aun peor, las tonalidades eran distintas. En este punto, cada uno de los autores destaca la genialidad de George Martin al juntarlas... pero pocos comentan la suerte. Y es que de hecho tuvieron mucha suerte, ya que al ralentizar una de las versiones y acelerar la otra, no solo se consiguió que la velocidad fuera la misma, sino que además la tonalidad pasó a ser la misma.
El otro mito de Strawberry Fields, murió con el lanzamiento de Anthology 2. Después de que la canción parece haber terminado, la música vuelve con una batería contundente de Ringo, platos al revés y una voz murmurando lo que muchos afirmaron que era "I buried Paul". Por supuesto que esto alimentaba la historia falsa de que Paul McCartney había muerto en un accidente de coche. Dado que la voz es bastante distante, lo que realmente dice no es distinguible. Sin embargo, la gente de Apple se aseguró en la remezcla del Anthology, que la voz se oyera claramente esta vez, y era John diciendo en repetidas ocasiones "cranberry sauce". Por último, hay que destacar que es Jeff Rusell el que indica que parece haber un mensaje morse en la canción al comienzo justamente detrás de "Let me take you down..." Las letras que aparentemente lo componen son JL (si alguien sabe morse y puede confirmar este extremo estaríamos encantados. El problema es anotar los puntos y las rayas).

Instrumentación de Strawberry Fields Forever:

Lennon: guitarras y voz
McCartney: mellotron, bajo, piano y voces.
Harrison: guitarra solista, bongos, swordmandel, timbales y voces.
Starr: batería, platos al revés.
Mal Evans: pandereta
Tony Fisher, Greg Bowen, Derek Watkins y Stanley Roderick: trompetas.
John Hall, Derek Simpson, Norman Jones: violonchelos.

Penny Lane
Mas información sobre Penny Lane

Penny Lane es ahora probablemente una de las calles más famosas de Liverpool. Sin embargo, para Paul no era más que una zona, llena de memorias y de nostalgia. La canción fue la contribución de Paul a un single de lo más Liverpudliano que los Beatles se disponían a sacar. El doble cara A "Strawberry Fields Forever-Penny Lane" (lanzado antes del Sgt. Pepper). Muchas de las cosas mencionadas en la canción han cambiado, y muchos de los personajes descritos por Paul no eran ni siquiera reales. Pero por supuesto había mucha verdad en forma de impresiones y memorias en el barbero, la enfermera, el bombero y el banquero.
Técnicamente, Penny Lane también fue bastante exigente. Hasta 6 pianos fueron usados, grabados a diferentes velocidades e incluso pasados a través de un amplificador Vox de guitarra eléctrica para conseguir el estilo marcado y casi metálico que identifica a la canción. Casi ninguno de los instrumentos de la canción se grabó a velocidad normal, excepto la sección brillantemente orquestada por George Martin. El solo de trompeta fue el resultado de que a Paul le impresionara el concierto de Brandenburgo Nº 2 (J.S. Bach). Vio a David Mason tocándolo, y decidió que Penny Lane debía tener las mismas notas agudas en la canción. Las notas que debían ser tocadas fueron decididas por Mason, Martin y McCartney, como se hacía a menudo con los músicos de estudio. Al final de la canción Mason tocó varias notas más. Estas no fueron incluidas en el single que salió a la venta, pero si en las copias promocionales que se dieron a la radio.... lo que las hizo bastante valiosas.

Instrumentación de Penny Lane:

Lennon: 02 pianos, guitarra rítmica, congas y voces.
McCartney :bajo, 03 pianos, armonio, pandereta y voz.
Harrison: guitarra solista y voces
Starkey: batería
George Martin: piano.
Ray Swinfield, P. Goody, Manny Winters y Dennis Walton: 04 flautas y 02 piccolos.
Leon Calvert, Freddy Clayton, Bert Courtley y Duncan Campbell: 04 trompetas y un flügelhorn.
Dick Morgan y Mike Winfield: oboe y trompa inglesa.
Frank Clarke: contrabajo.
David Mason: solo de trompeta piccolo.

Baby You're a Rich Man
Una vez más los talentos de John y Paul se unieron para crear una sola canción. Baby You're a Rich Man era originalmente una canción inacabada de McCartney, mientras que John tenía su "One of the Beautiful People". Combinando ambas, The Beatles grabaron en los estudios Olympic el día 11 de mayo , en prácticamente 6 horas (la primera vez que una canción se completaba fuera de Abbey Road). El tema debía ser incluido en principio en el proyecto Yellow Submarine. Sin embargo, pronto se incluyó en el single de All You Need is Love y no apareció en la banda sonora de Yellow Submarine. De todas maneras, la canción apareció en la película, donde John canta "how does it feel to be one of the beautiful people".
One of the Beautiful People, era una canción escrita por John refiriéndose a la nueva generación de hippies que tenía una manera de pensar positiva hacia la vida. Todo era bonito (beautiful) en un sentido o en otro, y tal y como Paul dijo en una entrevista "todo es fantástico y no hay nada malo si lo puedo considerar fantástico". La otra canción Baby You're a Rich Man, era en realidad sobre Brian Epstein y el sentido de la letra según John era claro: "deja de protestar, eres un hombre rico..." En una versión de demostración de la canción John incluso llegó a cantar "baby you're a rich fag jew" (baby eres un marica judío rico).

Instrumentación de Baby You’re A Rich Man:

McCartney: bajo, piano y segunda voz.
Lennon: claviolina, piano y voz solista.
Harrison: pandereta, segunda voz
Starr: batería, maracas.
Eddie Krammer: vibráfono.

All You Need Is Love
La canción fue compuesta por John Lennon a finales de mayo de 1967. La grabación se inicia el 14 de junio de 1967, en Olympic Studios, donde se hizo un pista base de diez minutos de duración. La canción fue añadida durante una sesión en Abbey Road y acortada a seis minutos.
La BBC afrontaba la retransmisión de Nuestro Mundo (Our World), el primer enlace mundial de televisión, con 26 países participantes, y tenía que presentar un número. La elección evidente era The Beatles. Cualquier otro grupo hubiera estado preparando el evento durante meses, sin embargo John compuso la canción poco antes de que hubiera que grabarla. Tan solo 10 días antes de la retransmisión (25 de Junio de 1967) The Beatles empezaron a grabar la pista básica de la canción. El resto debía de tocarse en directo en frente de las cámaras en el estudio Uno de Abbey Road, de tal manera que pareciese que los Beatles estaban grabando una nueva canción y eran sorprendidos por las cámaras.
The Beatles se vistieron de la manera más colorida posible para difundir el mensaje de amor al mundo. La voz de John, el bajo de Paul, el solo de George y la batería de Ringo fueron grabados en directo junto con la orquesta de 13 músicos. Todo fue directamente a la 4 pistas junto con el resto de pistas grabadas con anterioridad. Geoff Emerick y George Martin debían de mezclarlo EN DIRECTO para retransmitirlo a todo el mundo. El mensaje debía ser simple para que el mundo lo entendiera, y Lennon nuevamente acertó plenamente. Fue él, el que produjo un himno para el verano del amor, con tan solo cuatro letras en mente: amor.
Varios fragmentos de música conocidos fueron tocados por la orquesta durante la canción: La Marsellesa (himno francés), Greensleeves, She Loves You y un pequeño fragmento de In The Mood (Glenn Miller). La inclusión de esta última canción, que aun tenía copyright forzó a EMI a firmar un acuerdo de royalties.
En el final de la canción participó todo el mundo, incluidos algunos de los amigos de The Beatles que cantaban que el amor era todo lo que necesitábamos. Una vez terminada la transmisión, The Beatles permanecieron en el estudio para darle a la canción los últimos retoques. John regrabó parte de la voz, y Ringo añadió el redoble de tambor que da comienzo a la canción. En menos de dos semanas el single había salido (Baby You're a Rich Man en la cara B) y The Beatles habían vuelto a marcar un hito en la historia de la música.

Instrumentación de All You Need Is Love:

PISTA BASE:
McCartney: contrabajo tocado con arco.
Lennon: clave.
Harrison: violín (primera vez que tocaba).
Starr: batería.

PISTA EN ABBEY ROAD:
Mc Cartney: bajo eléctrico.
Lennon: voz.
Harrison: guitarra.
Starr: bateria.
George Martin: piano.
Músicos de estudio: dos trompetas, dos trombones, dos saxofones, un acordeón, cuatro violines y dos violonchelos.

ACTUACIÓN EN DIRECTO EN OUR WORLD:
McCartney: voces.
Lennon: voz solista.
Harrison: voces.
Una orquesta de estudio.
Coro: Mick Jagger, Gary Leeds, Keith Richards, Marianne Faithfull, Jane Asher, Patti Harrison, Keith Moon y Graham Nash.
George Martin: piano.

All You Need Is Love con Baby You’re A Rich Man son editadas como single en Inglaterra el 07 de Julio de 1967. All You Need Is Love fue numero 01 a los cinco dias, puesto que conserva por cuatro semanas.
En Estados Unidos se edita como single el 17 de julio, entra en los 40 Principales el 29 de julio donde permanece durante nueve semanas una de ellas como numero 01.
Baby You’re A Rich Man en Estados Unidos entro en los 40 Principales el 12 de agosto llegando al puesto 34 permaneciendo durante dos semanas.

Magical Mystery Tour EP y LP:

En Inglaterra las seis canciones de la banda sonora fueron editadas el 08 de diciembre de 1967, en dos discos de duración extendida con un librillo de 24 paginas. Solo llego al n 2 de las listas de singles porque el single de The Beatles “Hello Goodbye” ocupaba el primer lugar. La versión estadounidense fue lanzada a finales de noviembre de 1967 como LP, su portada reproduce la del EP original rodeada por un borde naranja con la lista de canciones sobre ella.
El LP Magical Mystery Tour estaba dividido en dos partes: La cara A era la verdadera banda sonora de la película y la cara B era una colección de caras A y B de singles (Hello Goodbye, Strawberry Fields Forever, Penny Lane, Baby You’re A Richman y All You Need Is Love) lanzados en 1967 fueron combinados con la banda sonora de Magical Mystery Tour lo que dio un nuevo álbum el cual fue editado el 27 de noviembre de 1967. El álbum aporto mas de 8 millones de dólares en las primeras tres semanas. Era numero 01 el 08 de enero de 1968 conservando este puesto por ocho semanas. A mediados de enero se habían vendido un millón setecientas mil copias.
1967 fue un gran año para The Beatles lamentablemente también fue el inicio del fin del grupo. Hoy día 27 de agosto se cumplen 40 años de la muerte de Brian Epstein quizás si no hubiera muerto tan inesperadamente hubiera podido controlar los egos de Lennon y McCartney pero quien sabe la separación hubiese ocurrido tarde o temprano pero no tan amargamente como sucedió.

Thursday, August 23, 2007

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Damn, this news is bad. Besides the passings of Lee Hazlewood and Max Roach, I just found out Tony Wilson died.

http://news.bbc.co.uk/2/hi/uk_news/england/manchester/6941105.stm


Anthony Wilson was an influential figure in the "Madchester" scene

Anthony Wilson, the music mogul behind some of Manchester's most successful bands, has died aged 57.

The Salford-born entrepreneur, who founded Factory records, the label behind New Order and the Happy Mondays, had been suffering from kidney cancer.

Wilson, who was also famous for setting up the Hacienda nightclub, underwent emergency surgery in January to remove a kidney.

He died on Friday evening at the Christie Hospital surrounded by family.

A spokesman for the hospital said: "Tony Wilson died peacefully at the Christie Hospital at 6.05pm this evening with his family by his bedside.

Part of me, part of Manchester, part of modern British music has died tonight
Phil Saxe
"Tony was a very great supporter of the Christie and this is extremely sad news.
"We would like to extend our sympathy to Tony's family."
Doctors had recommended he take the drug Sutent after chemotherapy failed to beat the disease, but the NHS refused to fund the £3,500-a-month treatment.
However, members of the Happy Mondays and other acts he supported over the years stepped in and started a fund to help pay for it.
His vision and determination played a key role in helping to put Manchester on the map for its music and vibrant nightlife and his entrepreneurial skills inspired people everywhere.
Phil Saxe, who used to work at Factory Records with Wilson, said: "Part of me, part of Manchester, part of modern British music has died tonight.
"Tony was a genius, basically.
"He was a visionary in that he helped bands, who otherwise wouldn't have made it, who were a bit out of the ordinary.
"He helped them realise their dreams and through that probably realised himself to be Mr Manchester".
'An inspiration'
BBC journalist Kristan Deconinck sought advice from him in the early 1980s on how to launch an independent record label shortly after Wilson had started Factory records.
"He couldn't have been more helpful and more patient," Kristan said.
"He inspired me - and countless others - to have a go if you believed in something.
HAVE YOUR SAY
A true music legend. He saw in bands what others missed. A real loss to the music world and all the 24hr party people.
Scott, Glasgow
Send us your comments
"That in itself is a great legacy, apart from the vision he had with his label, his shows, his attitude - his contribution to a new culture.
"When I later met him, I found him far more amenable than scurrilous rumours had led me to believe and my esteem for the guy never diminished."
'Soundtrack of my life'
Speaking before his death, Wilson reflected on life and death.
"I used to joke in my early 50s that I'd had such a fantastic life, I'd be happy to die," he said.
"And then suddenly, I find some other reasons for living and just like get excited again about life when it comes along. So that was slightly annoying. I think I was a lord of my own presumption for thinking I'd be happy to die".
Rest in peace mate
Ross Burton, fan
Tributes to Anthony Wilson have been flooding in from across the globe - both from people who had worked with him and those who had enjoyed the entertainment he brought to the world.
Speaking on News 24, Radio 2 presenter Stuart Maconie said: "There was no more influential and important figure in music in the last 30 or 40 years.
"He was incredibly generous, giving, enthusiastic and supportive of bands around him.
"He wasn't a businessman. He just loved the music."
The BBC, which employed Wilson, paid its own tribute.
"There will never be anyone quite like Tony," a spokesman said. "He was a true free spirit and a passionate advocate of Manchester - the city, its people and, of course, its music."
Fan Lewis Hart, from Hyde, Greater Manchester, wrote: "A one off who was an ambassador for Manchester. A huge shock."
Another fan, Ross Burton, from Annapolis, Maryland, in the USA, summed up his many achievements with a poignant eulogy: "Thanks Tony for helping to bring me the soundtrack of my life. Rest in peace mate."


Storm Blue: Storm Large of the Balls


This week's podcast is dedicated to the best performances I've attended in the Bay Area by new, non-mainstream artists. I decided not to include the popular bands of today with the exception of Police (who by now it sucks but back in the glory days of 1981 they were the hottest act of the World). I'm not including Yes, Steely Dan and Donald Fagen since they're kinda well known. Guitar player Pat Metheny, who I've seen 3 times already, has his own podcast here.

I am presenting acts you might find interesting and discover more about them. Again, even if they're very well known, The Police closes the show with a live recording in Tokyo, February 1981, when they really rocked. Jamiroquai presents a Kool And The Gang Cover they never released on record.
The songs of the podcast:
Javier Presents the show
Storm And The Balls: "Abba-Gadda-Da-Vida:" I discovered Storm circa April 2004 when Steve Wagner, manager of the SFAE Gallery told me about her shows. She is one of the most talented singers I've ever seen onstage and she's extremely gorgeous. I have seen her three times already and she always, always puts a great show. The country saw her talent at the Rockstar: Supernova contest and some people like myself got pissed when she got eliminated. This tune is from the Balls CD Hangin' With The Balls. More of Storm Large and her band on http://www.stormlarge.com/
Stung: "Don't Stand So Close To Me:" The Police, revisited by Brooks Lundy (guitar, vocals), John Messier (drums) and Eric Swihart (bass, vocals). My favorite tribute band of all time, honest. I really hope I had more time to go and check them out more often. Brooks really thinks he is Sting when he's onstage. If the real Sting only thought that too! http://www.stunglive.com/
Amigos Invisibles: "Qué Rico:" Yeah, you know how much I like them! And if you never been to an AI concert, here's the kind of music they play: http://www.amigosinvisibles.com/ I've seen them 10 times already, and I have a blast every time! More information on this band dispersed all over my blog.
pickPocket Ensemble: "Prague:" If you happen to know me a little bit more, you know I've been going to night clubs and bars a long time ago. On January 2003 I went to Albatross Pub in Berkeley and I saw a local band playing a genre I never heard before: a mix of Eastern European dances with blues and a hint of Middle Eastern melodies on it. The main composer and leader of the band is accordionist Rick Corrigan, who's been changing band members since the debut of the band, International House Of Dreams, in 1999. This catchy tune is from their 2002 masterpiece (you read it, masterpiece) If I Were A Highway. The CD is available on their website. http://www.pickpocketensemble.com/
Colin Hay: "Going Somewhere:" I love Men At Work, specially Colin Hay's amazing vocals and guitar execution. On July 2005 I saw him at the Red Devil Lounge playing his solo material as well as the eternal Men At Work hits. I picked this tune from the album of the same title since you can hear clearly how Colin's voice really is: raw, desperate, wry and savvy, and how his guitar flows with passion and ease. http://www.colinhay.com/
Jamiroquai: "Hollywood Swingin'" I saw Jamiroquai at the Fillmore on November 2005. Great performance, but I thought he could have done so much better. Found members Stuart Zender (bass) was already gone, so had Toby Smith (keyboards). Don't get me wrong, the show was awesome as usual: Jay jumped, danced, protested against the war, funked the place a bit with some pot, and had a blast. I just wished his band were a little bit more tight, like this performace on October 11, 1997 in Rio de Janeiro. http://www.jamiroquai.co.uk/
Al Stewart: "Flying Sorcery:" I Actually attend Al Stewart's acoustic show at the SoHo Cafe in Santa Barbara, and I was thrilled of shaking his hand and have my vinyl copies of Year Of The Cat and Past Present And Future signed by him. He played this tune, of course, and I was extremely happy! http://www.alstewart.com/
Joe Vasconcellos: "Las Seis:" La Peña Cultural Center, November 2005. What a great performance of Chilean-Brazilian Joe Vasconcellos and his band! I discovered this guy in 1999 while I was in Chile and his album Vivo (where this track comes from,) was selling faster than fresh morning bread. Total triumph for a complete artist on a musical and integrity level. http://www.joevasconcellos.com/
Vinyl: "Mokpok:" This band is the ultimate live funk experience in the Bay Area since the genre is been fading away for too long. Vinyl plays the kind of funk of Sly And The Family Stone, Roy Ayers, James Brown and Average White Band used to play and they really make you feel dancing. http://www.vinylgroove.com/
Wolff: "Body:" Chris Wolff says: "I know there are a lot of Wolf-bands out there but I decided that Wolff is my name and I'm keepin' it. I've been planning this project and making albums for a while but it has just now come to fruition as a complete entity unto itself. I previously played in some bands out of Austin, Texas where I used to live, one of which was called Drums and Tuba and for a while there we were playing well over two hundred shows a year. This fall I've been hiding in my apartment and working on being able to pull this solo act off live. The concept I'm working with is that all the sounds are generated by, with, and through the tuba itself with the help of numerous guitar pedals and other sundry looping devices. Singing is through the tuba. Percussion is banging on the tuba. You get the picture. And by the way, there's no need to be afraid. It's not nearly as scary as it sounds. In any case, it's time to get out of the east village and bring the tuba to the people... " I discovered him performing his tuba solo act at Jupiter in Berkeley last May. I remember that day, it was a gloomy one for me because I had a crappy day at work and I wasn't even sure of going there; but I took a chance. His music was in the background but somehow asked me to pay attention to it. I bought the album Don't Be Afraid right there, before I left the gathering. His music is very very haunting, and for some reason reminds me of Pink Floyd of the Barrett era more than anything. That's a good thing. http://www.myspace.com/wolffandtuba
Police: "Can't Stand Losing You:" I conclude the podcast with the first live version of "Can't Stand Losing You" I ever heard. I discovered Police 20 years ago when a friend of my cousin made a "Best Of" cassette for him and I happened to listened to it. I fell in love with the band automatically, specially with "Reggatta De Blanc", and the rest is history. On a Peruvian TV station they showed this Police performance in Tokyo on February 1981 and I still say their tour of 80-81 was their best moment ever, no questions asked. I saw Police last June 2007 at the Oakland Coliseum but it was very dissapointing (if you follow my blog you know why.) http://www.thepolicetour.com/
Javier Calls It A Night
I hope you guys enjoy this podcast.

Tuesday, August 21, 2007

Colin Hay
Megan Slankard

The Independent, San Francisco
August 9, 2007

Antes de escribir sobre Colin Hay, ex vocalista de Men At Work, quisiera recalcar que hubo un acto interesantísimo abriendo para él, la Megan Slankard Band. Una chica de 22 años con mucho potencial para ser una artista de éxito en el medio discográfico actual. No creo que vaya a tener ningún problema en obtener un contrato con alguna casa disquera de peso. Incluyo al final de ester artículo un video de ella. Verán que esta cría va a llegar lejos.

Regresando al tema de Colin, me gustó mucho el verlo por segunda vez como solista. Yo ya lo había visto en Lima, Perú en febrero del 2000 con el original Men At Work Greg Ham y músicos de apoyo en una nueva encarnación de la banda. También lo vi el 2005 en el Red Devil Lounge tocando temas de su banda y solista con una total desfachatez de virtuosidad. Mientras otros ídolos aparecidos en los ochenta ofrecen shows mediocres (como por ejemplo Police,) la voz y capacidad creativa de Hay se mantienen incólumes y frescas como hace un cuarto de siglo.
Colin Hay: "Beautiful World"



25 años atrás, en 1982, hubo un disco que llegó al número y sólo fue destronado por Michael Jackson y aquel monstruo llamado Thriller. El disco fue el debut de Men At Work, Business As Usual. Men At Work era una banda australiana con pegada, brillante sección de ritmos y líricas que provocaban ser cantadas con una lata de cerveza en la mano.
El disco se convirtió en caserito de los estéreos y tocacassettes del mundo y la canción más famosa, "Down Under," es más conocida mundialmente que el himno nacional de Australia. El País le debe una enorme a Men At Work:



Pero ahora, 25 años después, la relación entre los miembros de la banda está dañada. El ex guitarra Ron Strykert vive en Montana y no quiere saber nada de Men At Work ni de Colin Hay. Dice no respetarlo, pero él menciona a diestra y siniestra que perteneció a Men At Work y ese es su grito de fama, amén de un único disco desde 1984, el espiritual Paradise del 2007 que sólo se consigue a través de su página MySpace.
Y usando MySpace encontramos a los demás trabajadores: Jerry Speiser (batería), John Rees (bajo) , pero Greg Ham, el multinstrumentista de la banda, era declarado no habido. Speiser y Rees siguen en Australia en el asunto de la música, trabajando al parecer a medio tiempo. Men At Work, con excepcion de Colin y Strykert, están "en sabático."
Pero aparte de eso, me alegra muchísimo que Colin siga sacando discos como el último, Are You Looking At Me? y que por sobre todo siga compartiendo su talento con una cantidad de fanáticos que siempre lo espera con los brazos y oídos abiertos. Hay tiene una banda cohesiva y lista para plasmar sus ideas en sonido. Vimos a su esposa Cecilia Noël poner armonías a los cantos de Colin y a bailar con "Be Good Johnny," "Who Can It Be Now," "Catch A Star"y hasta a proveer de cornetitas de fiesta a la banda para el nuevo tema, "Lose To Win," que dicho sea de paso es una verdadera joyita pop. Eventualmente la pondré en uno de mis podcasts.
Después del concierto saludé a Cecilia y a Colin como ya es costumbre. Ojalá pudieran venir más a menudo a San Francisco y ojalá también que ustedes puedan verlos cuando vengan a visitarlos. Créanme que el rock de los ochenta no ha muerto.
Men At Work: "Dr. Heckyll & Mr. Jive" (del álbum Cargo)



Bonus: Megan Slankard cantando "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)" de Beatles.


Colin y MAW en Amazon.com:




Sunday, August 19, 2007


Odiosas pero irresistibles: Las Spice Girls en eterna y colorida foto, cerca de 1996.

Crónica del Odio Musical
Por: Sergio Marchi. Producción: Alejandro Güerri, con la colaboración de Roxana Fernández, nuestra flaca de siempre. Publicado en 1999.

El odio y el amor suelen ser inexplicables. Sensaciones humanas, al fin, no tienen ningún fundamento más que el inapelable dictado del corazón al que la mente trata de apaciguar inutilmente. ¿Qué es lo que hace que uno odie o ame? Hay respuestas tales como: la intuición, el instinto, la piel, el corazón. Quizás todas sean reales, tal vez ninguna.

Traslademos la pregunta al terreno de la música. Es lógico que haya gente que ame a determinados intérpretes o compositores, por el motivo más inverosimil: porque le gustó la canción que escuchó por la radio, porque le agradó la sonrisa que el artista dibujó en el clip o porque la melodía le quedó pegada en la cabeza y jamás pudo -ni quiso- deshacerse de ella.

El odio es más complejo; tiene que ver con reacciones más viscerales y menos explicables. ¿Qué es lo que hace que uno odie a determinada canción o a equis intérprete? Cada caso y cada persona merece una respuesta aparte. Expongo las mías e invito a los lectores/usuarios a que también confeccionen sus listas.A veces me irrito sobremanera cuando alguien piensa que determinada cantante tiene un talento que en verdad no posee. Ejemplo: ¡Qué bien canta Celine Dion! Esa frase basta para ponerme en un estado belicoso y de agresividad extrema. En otras ocasiones, no puedo evitar un acceso de furia (comprobable por el vapor que sale de mis oidos) ante un comentario que denota, a mi entender, ignorancia. Ejemplo 2: ¿Qué le viste a Los Beatles?

Pues bien: nadie tiene la razón en música porque el arte es subjetivo y de experiencia personal, única e intransferible. Pero una cosa es la opinión personal, y otra es una vocación de odio. Para la primera, solo hay que existir; en cambio, para la segunda, hay que trabajar.

ODIANDO EN INTERNET

En Internet el odio es una planta que los usuarios del planeta riegan todos los dias. Aunque, si se analiza bien el fenómeno, más que el odio es el humor lo que rige a un montón de sitios Web destinados a defenestrar a toda clase de intérpretes. Claro, ¿cómo explicarle a un fanático de Mariah Carey que una página Web que defenestra a la cantante es tan solo una broma? No poseo esa respuesta.

Pero el fenómeno de los lugares "anti" es una realidad cotidiana en Internet, y sirve a varios propósitos. El principal es ventilar una opinión. El secundario es funcionar como una válvula de escape; ¡cuánto mejor se siente uno al soltar un improperio de grueso calibre contra Kenny G! Uno se siente tan bien como James Brown. Sin embargo, hay que recordarlo, el bienestar personal puede ser el malestar de un fan del execrable clarinetista, siguiendo con el ejemplo. Porque el odio acerca tanto como aleja, los propietarios de esa clase de sitios deben tolerar todos los vituperios que esgrimen los fanáticos de sus odiados.

TESTIMONIOS VERIDICOS

A continuación, una lista de argumentos que se exponen por toda la Red, teniendo en cuenta para su selección parámetros tales como la arbitrariedad del argumento, la diversión que proporciona, el enojo que genera, o la contundencia del ataque.Resulta altamente complicado seleccionar estos argumentos que sazonan cualquier discusión musical, ya que en muchos casos fueron escritos simplemente como una broma. Valdrá tener la aclaración en cuenta durante la lectura, ya que si el grupo o solista atacado es la banda o intérprete que uno ama, el enojo puede llegar muy lejos.

Ahora si, estos son algunos de los artistas más odiados en la Red:

BACKSTREET BOYS
Un grupo que enciende la ira de los navegantes muy a menudo. En Internet se puede encontrar el Finnish Anti-Backstreet Boys Club, cuyo requisito para ser miembro es adherir a los principios de la entidad. Cabe mencionar algunos de ellos (por si alguno quiere sumarse): no se pude decir "Backstreet Boys" y "música" en la misma oración; se puede decir "BSB" y "es un asco" en la misma oración; no tener ningún CD del grupo y prometer romperlo (si por desgracia) ya se tiene uno. Otro requisito más simpático, es el de poder abrocharse la camisa.

Un cuestionario de preguntas irritantes para Backstreet Boys consideraría los siguientes interrogantes:

a) ¿AJ es realmente ciego?
b) ¿Porqué demonios Kevin tiene tantos aritos?
c)¿Quién hizo tus pechos artificiales?
d) ¿Es verdad que tomaron su imagen de la de New Kids On The Block?
e) ¿Brian tiene pensado morir en los próximos dias?

CELINE DION
En un sitio que se dedica a despotricar contra Celine Dion se hace la siguiente aclaración: "Entre por su propia cuenta y riesgo. Los propietarios no aceptan ninguna responsabilidad por sensaciones nauseosas, hemorragia cerebral, baja del coeficiente intelectual, pérdida de la creencia en el amor romántico o daños culturales y/o sociales severos que podrían ocurrir. Y no crean que no sucederán: todos sabemos que sí".

MARIAH CAREY
Algunas razones por las cuales Mariah Carey apesta:

a) No puede escribir canciones que no sean de amor.
b) Más allá de su rango de muchas octavas, tiene cero talento.
c) Su música no tiene ningún rasgo personal: es igual a cientos de miles.
d) En sus canciones utiliza siempre las mismas palabras: amor, dulce, cariño, baby, corazón.
e) Es un mal ejemplo para sus fans, porque les hace pensar que si no están involucrados en una relación sentimental, no son nada.

MARILYN MANSON
Las reacciones que Marilyn Manson acostumbra provocar en el público encontraron en la Net un canal de expresión. Abundan las páginas que atacan a este glamoroso Anti-Cristo, y las hay de todo tipo: las que despiertan un sentido religioso opuesto al que profesa el Reverendo Manson, las que lo acusan de gay e inmoral. Pero esto no es todo: uno de sus detractores escribió dos poemas a partir del rechazo que le produjeron las inscripciones en las remeras del merchandising Manson: una decía "we love hate, we hate love" (amamos el odio, odiamos el amor) y la otra tenía la palabra "believe" (cree), que resaltaba en letra más grande la parte de lie (mentir). El joven poeta anti-Manson acompaña sus creaciones de una explicación del motivo que las originó. Vale aclarar que Manson encabeza el ranking de los más odiados.
OASIS
También hay páginas de odio dedicadas a la banda que supiera quedarse con la corona del Brit-pop: Oasis. Existe la Oasis Hate Page, suerte de anti-fanclub de la banda, que da una lista de diez razones para comprar un álbum de Oasis. Algunas de ellas son, por ejemplo, que "quizá si todos compramos sus CDs, van a tener dinero suficiente como para retirarse" o "la elección de títulos rimados inteligentes para sus discos como What's the story (Morning glory?)', "porque la falta de originalidad y lo básico de su música hace que tu banda amateur suene bien", o "porque es más fácil escuchar sus dos canciones tolerables sin la horrible publicidad de la radio". Pero la cosa no termina ahí, también en una de estas páginas se despachan contra Noel, el letrista de la banda. Allí leemos que, entre otros beneficios, la fama le permite actuar como un chico de 13 años cuando en realidad tiene 30 o que por suerte no toca tan mal la guitarra en comparación de como escribe. En otra página se tomaron el trabajo de armar una historia jocosa acerca de la vida de los hermanos Gallagher, donde se cuenta que ambos fueron creados a partir de un fallido experimento de laboratorio en una zona fabril de Londres. Se dice también que los científicos a cargo de la tarea descubrieron en el microscopio dos mutantes que después crecieron hasta adquirir el tamaño de un humano. El experimento tomó carácter de secreto de estado y, como era de prever, el Servicio Secreto Británico se ocupó del caso y designó en código también secreto a los dos mutantes con el nombre de Noel y Liam. A las siete semanas, demostraron una habilidad asombrosa para pedir una pinta de cerveza a 30 metros de distancia.

SPICE GIRLS
Las "queridas" Spice Girls también reciben su merecido por la net. Un usuario se ocupa de poner en línea una lista de chistes subidos de tono acerca de las Spice, como por ejemplo:

-¿Qué es lo mejor que se obtiene de un polvo con las Spice?
-Diez minutos de silencio.
-¿Cómo se consigue hacer reir a una Spice un viernes?
-Le cuentas un chiste el Martes.

Existe también una página llamada "Death to the Spice Girls" (Muerte a las Spice Girls) donde además de dar 36 razones para odiar al grupo, entre ellas que no cantan en vivo o el contenido vacío de su lema "girl power", se critica ásperamente la estética de las cinco chicas.

LATINOS
Existe además una página en la que el odio tiene como destinatarios a varios artistas latinos: Thalía, Ricky Martin y Fey. El usuario que diseña esta página se refiere a ellos como "anti-artistas" y expresa su rechazo retocando fotos hasta deformar por completo sus "caras bonitas". No hay en esta página explicaciones, ni motivos del desprecio hacia estos artistas, pero queda claro que al extirparles los rasgos de belleza -una de las claves de su éxito, sino la más importante- hace una crítica a la "producción" que hay detrás de cada uno de ellos. Asimismo, hay un link que pregunta al usuario si quiere ver fotos de Fey desnuda. Si uno presiona el botón derecho del mouse la pantalla se cubre con una leyenda que dice: "Pervertido: Realmente quieres ver a Fey desnuda!!? Estás enfermo!!! Busca ayuda y rápido".

BEATLES
Los sitios anti-Beatles se encuentran entre los más furibundos por la irracionalidad de su agresión y la pomposa búsqueda de argumentos sostengan el odio visceral. Un chiste:
Pregunta: "¿en que año Paul McCartney compuso "Silly Love Songs (Tontas canciones de amor)"?
Respuesta: En 1962, 1963, 1964, 1965, 1966...etc.
También se ventila el enojo por la cantidad de productos Beatles aparecidos en los últimos años, además de criticarlos por "ser bonitos, usar trajecitos todos iguales, encontrar a Dios en la India fumando toneladas de drogas, etc." Sin embargo, en el mismo texto se puede leer que el autor de estas líneas perdona al "pobre John Lennon: el era el Beatle Decente". El largo texto termina con un dato interesante:

"recuerden que en la última aparición de Los Beatles en el Shea Stadium había 11.000 asientos vacíos".

YANNI
El tecladista Yanni, músico que inventó el "new-age melódico", ocupa un lugar de honor entre los odiados. Sus detractores se preocupan por ser cautelosos, aunque no se note. Comienzan con un preámbulo constitucional: "Nosotros, el pueblo, en dominio de nuestras facultades mentales y con buen gusto musical, declaramos la guerra en esa maléfica amenaza a la sociedad conocida bajo el nombre de Yanni y a esos como él (Kenny G, y otros nombres). Yanni es una mala influencia para todos: induce a la gente a hacer cosas asquerosas". A continuación, el autor sugiere como detener la amenaza. "Envíenle algunas cartitas que puedan tener un efecto benéfico en él. O córtenle el cabello; tal vez, como Sanson, la fuerza de su maléfico poder radique en el pelo. Y si no funciona, al menos dejará de verse como un tonto. Quizás lo mejor sea enseñarle a bailar "La Macarena". Eso le enseñará".

No hay que quedarse solamente con esto: hay lugares más genéricos con títulos que anticipan el odio por venir. Uno de ellos es "Bad Music Central", dedicado a "todas las bandas que apestan". Otro se llama "El grupo que a ti te gusta es un asco", que conecta directamente a una página con direcciones a sitios de odiadores de todas las bandas.

Otras actos para odiar: N'Sync, U2, Britney Spears, Jessica Simpson, Paris Hilton y otros energúmenos que vinieron después de 1999.