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Here at CacaoRock we have been translating technical papers, accounting and financial texts, software, immigration certificates, adoption letters, books, movie scripts and official foreign documents for a long time. We even worked translating documents for the military and creating movie subtitles! What is so special about our English to Spanish translations? Our localization skills. Besides our accuracy, we are able to apply to these translations the neutralism of standard Spanish or specific Spanish-speaking countries. For more information about our rates, our previous work experience and how can we help you, contact us via email at or visit our profile page.

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Wednesday, December 21, 2005

Found in the online version of Maxim Magazine. I stopped my suscription a long time ago due to photoshop issues (it's not ok to manipulate girls' breasts and erase their nipples), but every once in a while they make me laugh with articles like this one.

From First To Worst

Six women share their traumatic stories of deflowering dudes.

Maxim Online, Dec 2005 By Carly Milne

Everyone remembers their firsts—their first kiss, their first love, their first Philly cheesesteak—but all pale in comparison to the holy grail of losing your virginity. Men tend to remember it as a paragon of masculinity and carnal skill, but do women? Not always—especially when they're the deflowerer.

The Crier

While most guys are joyous over losing their V card, the one that Merideth inducted into the club left her confused. "To me it wasn't really any big deal, because I'd had a boyfriend before him that I'd lost mine to," she says. "But when Josh and I started going out and he told me he wanted me to be his first, I had no idea what I was in for. The sex was fine, but when it was over he started to cry. And I don't mean a couple tears of joy, I mean outright sobbing like I'd run over his dog or something. I couldn't tell if he was happy or sad, and I never found out—he and I stopped seeing each other after that."

The Jackrabbit

The need for speed is hot…as long as it's kept out of the bedroom. Says Rayanne, "I thought he was going to be pretty good, because he'd assured me he'd been doing his research thanks to porn movies. When we got down to it, he pounded me like a jackhammer non-stop. And it hurt. I asked him to slow down, but he was afraid he'd lose wood if he did, so he throttled me until he was done and I was bruised. Luckily it was only for about 15 or 20 minutes." The Premature EjaculatorRacing to the finish line is great if you're running the New York Marathon, but when it comes to sex? Bad idea. Just ask Kelly. "I knew he was excited, especially because he knew I was a bit more experienced than he was," she says. "But man, he lasted 30 seconds, tops. Literally he pushed in and it was over. He spent more time apologizing to me—which was super annoying—than he did boinking me. Like, I get it—you're embarrassed. You're not the first it's happened to, so let's get it hard again and try a second time, for crying out loud! Instead, I had to listen to an 'I'm sorry' soliloquy."

The Everlast

But on the flipside, there's always the guy who just can't get there—and Viagra isn't to blame. "Oh my God, it was bar none the most traumatizing experience of my life," Angie sighs. "He just kept going and going and going, and he refused to stop—even when I said it was painful, even when I was dry, even when I stopped faking that it was good, which it was for the first while, but about 45 minutes in I just wanted to encourage him to finish. He was on me for at least an hour and a half—I think I lost consciousness at one point. My one tiny revenge was he was raw for a week afterward."

The Sleeper

A word to the wise: while sexual activities can drain your energy, it's poor etiquette to allow that to affect your partner's comfort. Case in point: "I'm a tiny girl—like, 5'2"—and my boyfriend was this hulking football-player type," says Denise. "So the first time we did it he was on top. The second he was done, he fell asleep. And I don't mean he rolled off me and fell asleep; I mean he fell asleep on top of me. I couldn't move him and he wouldn't wake up, so I just had to lie there and pray I didn't get crushed to death. Next time, I was on top."

The Stalker

It's not just girls who equate sex with love—sometimes guys do it too, and sometimes girls are as creeped out by it as you are. "I met this guy at a party during college," says Ellen. "We hit it off, I was in the mood, so we got it on…and it wasn't until after that he told me that he was a virgin. The actual sex was OK, but afterward—like, immediately afterward—he confessed that I was his first and started making plans for us to get married, have a family together, and started debating how he was going to tell his parents. Somehow I extracted myself from him and rushed home, but he staked out my classes, followed me around and called me non-stop for nearly a month until I had a much larger male friend tell him to go away."

Sunday, December 18, 2005

This big fan posted the still-unavailable-anywhere-but-in-Caracas Amigos Invisibles masterpiece, SuperPop Venezuela. The album, after two straight listenings, is growing on me :) Enjoy it:

This can be the beginning of the end. EMI is being sued by the Beatles for not paying them circa 52 million dollars in royalties. Good news for Beatles fans, this can mean one thing: Beatles albums going to another record label which might lower the prices and increase the quality of their albums. Come on, fellas, Beatles' CDs have been out in the market since 1987 without any improvement in the album covers or remastering. Go pay 18 bucks for Rubber Soul now and it's gonna be the same copy released almost twenty years ago.

Time for Capitol/EMI to either pay them back and reach another deal or let the Beatles work with another major record label. I would love to see Beatles' albums being remastered, remixed, and released with monaural sonic power. One sweet dream...

Thursday, December 8, 2005


Tuesday, December 6, 2005


José A. Trabucco 1952 – 2000

Hugo Dante Rossi 1952 – 2004

Yacen en tumbas contiguas a la de mi padre

tenían mi edad. Los recuerdo niños, jóvenes

los imagino adultos: calvicie, barriga, matrimonios hechos, deshechos, fracasos enfermedad.

Ahora yacen en tumbas contiguas a la de mi padre.

Mario Pollarolo 1918 – 2000

Yo permanezco sentada en la banca bajo un mustio árbol en esta mañana de enero
como todos estos eneros desde que te fuiste.

Algo había que hacer después del entierro.

Inventamos una ceremonia, nos convencimos de que era obligatorio cumplirla
como antes escribir una carta a la semana, llamar por teléfono los sábados, asistir al aniversario de bodas, a los cumpleaños

y a la playa en enero. Del aeropuerto a la casa.

Ahora: del aeropuerto al cementerio.

Comprar flores, sacar las que dejó alguien aunque estén todavía frescas
el olor del agua, botarla, lavar las pequeñas jardineras, colocar agua limpia, acomodar la docena de claveles rojos cuyos tallos nunca acierto a cortar a la altura precisa.

Tardo más de lo que debo porque no quiero terminar.

Acomodada la última flor

el silencio golpea mis oídos, mis manos quietas.

Dolor de corazón.

Pretender que estás ahí, que me has visto llegar y sonríes


reconfortada yo

acá estoy recién llegada para quedarme todo el tiempo que sea necesario

si es cierto

que me miras desde la oscuridad del estrecho nicho donde estás desde aquel día.

Trato de rezar como he visto que hace mi madre cuando viene.

Intento hablarte, como en las películas hablan los deudos.

Contarte qué hago, qué hice

todo va muy bien soy muy feliz es muy bella la vida

para no perturbar tu reposo.

Como si yo fuera la protagonista de una ficción con la cámara delante: Acción.

La escena no tiene fin

nadie dice Corte, Toma 1. Toma 2, Toma 3

no es una película estoy sola no hay más testigos que tú y los muertos que nacieron el mismo año que yo.

¿Me escuchas acaso?

¿Sirven de algo las flores? ¿sirve de algo visitarte como si estuvieras vivo?

Demasiado silencio de ti conmigo. Si estuvieras, me hablarías

podría adivinar tu sonrisa, sentir tu mano acariciando mi cabeza, coraggio figlia, coraggio.

El sol quema mi cara y mi cabeza el calor es demasiado fuerte

pequeños mosquitos atraídos por las flores y el agua empozada castigan mis piernas

el cuello

las manos demasiado quietas.

Me levanto de la banca sin mirar tu nombre grabado ya en el mármol
sin mirar los nombres aún sin lápida de los que nacieron el mismo año que yo. Aquí solo hay moscas sol flores marchitándose agua podrida nuevos muertos.

Dolor de corazón.

(De: Lugar de refugio. Inédito)

Monday, December 5, 2005

Rolling Stone Magazine's article about the great and unique John Lennon is a very good piece of journalism full of important information about the late Beatle. However, it shows a negative side by affirming that the dream was over after his death. Without him, U.S. entered the Reagan Era and England was ruled by Tatcher's iron fist. His death didn't put those people in power, they were elected before that sad day. John was murdered the same way people die in wars: senseless and absurdly. His life stopped and he became more than immortal. He's everywhere and his music is present in every aspect of everyday life. It's hard to miss Lennon, just in the physical plane. John is still pretty much alive when people protest against the war in Iraq, against violence, racism, intolerance, bigotry, social injustice, and specially when people feel pain. He's pretty much there and the sound of his music, from the very "Love Me Do" to "Woman" is soothing, powerful, in-your-face, romantic, introspective and good, very very good.

It's impossible to imagine a world without the Beatles, and the Beatles without him. Enjoy the article!

Wednesday, November 30, 2005

Jamiroquai's lead singer and one man figure, Jay Kay, announced in Sidney that he's leaving Sony Music for good after a Greatest Hits album.

He's so pissed with them he's putting his next album on the internet for five fucking dollars. Everything is about Marketing, and a total lack of creativity. He's making sense now that he's about to finish his 8-record deal with Sony, a contract he signed with the big big record label in 1992. Recently, Sony merged with BMG and that makes just four major record labels in the world: EMI, Warner, Universal and Sony. Jay wants creativity freedom, and he knows he won't get it from Sony. He's a rebel, a pioneer, a stubborn kid... He can't be part of something that big like Sony, and I'm sure his departure has something to do with those bugs Sony/BMG CDs have that spy on computers that might make copies of their crappy releases. I wonder if Jamiroquai will release his next albums on his record label, Long Lost Brother...

At least somebody is making sense. We'll wait for the Greatest Hits album (even tho I'd like to see a live album instead of a Best Of collection.

Here's the article! Long live Rock And Roll :)

Monday, November 28, 2005

Los diez mejores momentos en vivo en San Francisco!

10. Keith Jarrett Viernes 9 de Marzo del 2005 en el Zellernbach Hall de la UC Berkeley: Cuando la gente aplaude a Jarrett están aplaudiendo su performance musical de primer nivel, mas no su actitud arrogante y amargada. ¿Detener una performance porque un monitor no le devolvía el sonido que él quería? Jarrett demostró ser un payaso con pasado glorioso, nada más. Aunque, ojo... Jarrett ha producido obras maestras del jazz como Spheres y The Bremen Solo Concerts, e influenciado a músicos como Steely Dan hasta a tal punto de hacerles componer canciones sin que ellos se dén cuenta que estaban pirateando a Jarrett (“Gaucho” es una copia descarada del “As Long As You Know You’re Yours”.) Es un cabrón arrogante, pero nos quitamos el sombrero por su música.

9. Coal Pitts Wash: Viernes 30 de Septiembre del 2005 en el Red Devil Lounge. Abrieron para Storm y nos dejaron un forado en los oídos con un recargado rock lésbico inspirado en AC/DC y Bachman Turner Overdrive. Una banda que promete mucho. Su primer CD va a dar que hablar, si es que aquel EP de cinco canciones a cinco dólares no lo está haciendo ahora. Rock lésbico con una violinista capaz de rompernos los tímpanos y aplaudir por ello.

8. Vinyl: 30 de Marzo del 2005 en el Shattuck Downlow de Berkeley. Funk sin resolver, canciones instrumentales que no acaban nunca, solos de saxo y trompeta. Para bailar, claro está.

7. Tainted Love: Sábado 15 de Octubre del 2005 en Bimbo’s 365 Club. Una banda de covers que va en camino a convertirse en banda de culto ya que: a. Todos sus conciertos son Sold Out automáticos, b. Sus performances son impecables y el sonido ochentero fluye cual nube tóxica de Chernobyl, y c. Porque la experiencia Tainted Love incluye un reencuentro con el pasado.

6. Stung: Viernes 11 de Febrero del 2005 en el Last Day Saloon de San Francisco: su interpretación de Reggatta De Blanc fue suficiente para ponerlos a la luz, para que se vuelvan nuestros amigos. Bee Lundy, Eric Swihart y John Messier están encontrando su propio estilo en cada performance, llevando a Police a una amplificación totalmente nueva. Stewart Copeland los adora, Andy Summers no ha dicho ni pío y Sting, estamos seguros, no está muy contento sabiendo que hay una banda que le restriega en la cara todas las semanas lo bueno que sonaba él en un grupo, no como solista.

5. Jamiroquai: Sabado 5 de Noviembre del 2005 en el Fillmore Auditorium de San Francisco. Yerbas humeando por todo el recinto dieron la bienvenida a un renovado Jay Kay con las venas más limpias, más ágil pero lamentablemente sin la presencia del tecladista Toby Smith y el gran bajista Stuart Zender, heredero directo del legado de Jaco Pastorius. El show nos produjo un choque nostálgico al que nos hemos acostumbrado. Jamiroquai ha estado sonando en nuestros reproductores de CDs desde 1993 sin parar, aunque la calidad de sus discos ha ido en franco declive a partir del coqueado Synchronized (Sony, 1999.) El A Funk Oddisey fue lanzado al mercado el mismo día que dos aviones se lanzaron contra las Torres Gemelas y fue menos insufrible que el atentado, pero dejó un mal sabor de boca –Toby Smith debió haber dejado la banda debido a la pobre recepción de la prensa y de su más exigente crítico: él mismo. Este 2005 Jamiroquai se esmeró y lanzó Dynamite primero en Inglaterra y varios meses después en los Estados Unidos, sin explicación aparente, con un DVD de “regalo” y una canción más. Debimos haber esperado, ¿no?

4. Storm And Her Balls: Viernes 13 de Mayo del 2005 en Red Devil Lounge. Tremenda mujer de 6 pies 2 pulgadas con un trio de piano eléctrico, bajo y batería que despedazan canciones separadas, las pegan entre sí y producen cócteles eróticos que son dignos de ver.

3. Colin Hay: Miércoles 6 de Julio del 2005 en el Red Devil Lounge. Qué gusto tener a Colin Hay en San Francisco cantando esos temas de su grupo Men At Work que ya son endémicos en nuestro subconsciente y además admirar su material solista, especialmente cuando toca “Beautiful World” y “I Just Don’t Think I’ll Ever Get Over You.” La voz de Colin no ha perdido ese toque melancólico y fraternal, ayudado por las cuerdas vocales de su esposa Cecilia Noël. Colin sigue siendo nuestro hermano mayor, y Cargo de Men At Work, uno de nuestros discos de sobremesa favoritos y eternos.

2. Pat Metheny Group: The Way Up Tour, 3 de Marzo del 2005 en el Paramount Theater de Oakland. Una canción de 60 minutos llamada The Way Up en donde Pat cuenta la historia de su trayectoria musical en compañía de Lyle Mays al teclado y Steve Rodby al bajo. Casi treinta años compilados en una performance impecable de Jazz de vanguardia, Smooth Jazz… música, a fin de cuentas.

1. Los Amigos Invisibles: Viernes 15 de abril del 2005 en Bimbo’s 365 Club. Valió la pena esperar casi un año y verlos de nuevo. Apreciar su música, bailar con su ritmo imparable. La mejor banda en vivo del planeta (sólo que el planeta todavía no lo sabe) nos hizo sacudir como nunca, sudar la gota gorda con su ritmo irresistible. Lamentamos que no hayan ganado el Grammy a mejor álbum “alternativo” (carajo con las clasificaciones) y haberlo perdido ante los pazguatos de Ozomatli (¿con qué cara alguien que no sea de la RIAA me va a decir que “Love And Hope” es una canción mejor que “Bruja”?) pero la vida continúa y los Amigos lanzan SuperPop Venezuela en su país de origen este primero de diciembre. A mantener ese equilibrio, Amigos. Imitando al presidente Chávez, les decimos desde aquí: ¡El futuro bolivariano de la gozadera y del orgullo venezolano está en sus manos, mis panas!

Wednesday, November 23, 2005

Van Halen's "Hot for Teacher" doesn't exist because of nothing. This is one of the most interesting, complicated and fun case I ever read. It raises questions about how sexist our society is, and where are we going to with all this discrimination. She's the hottest sex predator ever to be in a trial, no question about it. She ruined her career as a teacher, wife and probably mother. She won't be able to be alone with a minor. She won't be able to make money out of this mess either (even tho posing for any adult magazine in Europe might be still an option...) Anyways, here's the story. There's also a forum where people are discussing their guts out about this judicial incident, and of course I couldn't resist posting this bitter-sweet-erotic-twisted-complicated slideshow. Ah, Florida.

Fla. Teacher Pleads Guilty in Sex Case

By MITCH STACY, Associated Press Writer Tue Nov 22, 6:58 PM ET

A female teacher pleaded guilty Tuesday to having sex with a 14-year-old student, avoiding prison as part of a plea agreement.

Debra Lafave, 25, whose sensational case made tabloid headlines, will serve three years of house arrest and seven years' probation. She pleaded guilty to two counts of lewd and lascivious battery.

The former Greco Middle School reading teacher apologized during the hearing, saying "I accept full responsibility for my actions."

The boy told investigators the two had sex in a classroom at the school, located in Temple Terrace near Tampa, in her Riverview town house and once in a vehicle while his 15-year-old cousin drove them around Marion County.

The boy told investigators Lafave told him her marriage was in trouble and that she was aroused by the fact that having sex with him was not allowed. He said he and Lafave, a newlywed at the time, got to know each other on their way back from a class trip to SeaWorld Orlando in May 2004.

If convicted at trial in Hillsborough County, she could have faced up to 15 years in prison on each count.

The plea agreement also was designed to resolve similar charges in Marion County, where Lafave was scheduled to appear in court Dec. 8. But prosecutor Ric Ridgeway said his office wants to speak with the boy's family first.

Hillsborough Circuit Judge Wayne Timmerman said LaFave also will forever lose her teaching certificate, must register with the state as a sexual predator, may not have any contact with children including the victim, and will not be allowed to profit from the sale of her story or personal appearances.

The victim's mother said afterward that the public scrutiny had taken its toll on the family, and they just wanted to see it all end.

"If we had continued along this path, this would have followed him forever," said the mother, whose name was being withheld to protect her son's identity. "My prayer is that he can leave this behind him and go on and be a happy, healthy young man."

After Tuesday's hearing, Lafave's attorney, John Fitzgibbons, said the plea was "a fair resolution of this case." Asked how she felt afterward, Lafave said "tired."

Fitzgibbons said in July that plea negotiations had broken off because prosecutors insisted on prison time, which he said would be too dangerous for someone as attractive as Lafave. He said then that she planned to plead insanity at trial, claiming emotional stress kept her from knowing right from wrong.

One thing is for sure. The boy has something to brag about for the rest of his life. Like I don't know teenage boys. I was one!

Thursday, November 17, 2005

Gary Glitter ranks #2 of the creepiest rockers in the history. Number #1 is, of course, Michael Jackson with his Bahrain-Dubai-Ladie's-Bathroom-Visit adventure. Are they trying to hide from something?

Police to Arrest Glitter

Glam rocker faces child-abuse charges in Vietnam Authorities in Vietnam are searching for British glam rocker Gary Glitter over his alleged relationship with a Vietnamese fifteen-year-old girl.

Officials confirmed Glitter (born Paul Francis Gadd), 61, was living in the city of Vung Tau and had applied for permanent Vietnam residence before fleeing his home on November 12th. Police have conducted several interviews with the girl to clarify her relationship with Glitter.

"If evidence of a [legal] violation is found against Mr. Paul Francis, and especially evidence of sexual child abuse, I believe that very strict legal measures will apply to him," Foreign Ministry spokesman Le Dung told the Associated Press.

Glitter, who scored his biggest U.S. hit in 1972 with "Rock and Roll Part 2," was convicted in Britain of possessing child pornography in 1999 and served two months of a four-month sentence in jail. He later moved to Cambodia, where he was blacklisted in 2002, though Cambodian officials did not specify the charges.JESSICA ROBERTSON (Posted Nov 17, 2005)

Sunday, November 13, 2005 This is an article about how the brain can act like a watch, or a clock, or a microwave timer.

Saturday, November 5, 2005

Jamiroquai in San Francisco!

Seems like the 90's decade doesn't want to go away. Too bad, but it's good that Jamiroquai stays around. The british funk band is going to play the Fillmore on 11/05 and 11/06. Tickets available on . I'm sure the 11/05 gig was sold out, since it was packed at maximum.

Jamiroquai's show was an interesting display of seventies sounds upgraded for the hi-fi digital standards of today. Drummer Derrick McKenzie stole the show completely playing flawless disco-soul shuffles worth of the legacy of Narada Michael Walden and Bernard Purdie. Jay Kay's voice was the usual Steviewonderesque...

Monday, October 31, 2005


¿Cómo sucedió que el día en que celebramos en los nombres inmortales de Felipe Pinglo y de Chabuca Granda a todos los representantes de la música criolla peruana, nuestros jóvenes inundan las calles disfrazados de quién sabe qué, pidiendo caramelos bajo la amenaza de pintarrajear el muro exterior de tu casa o llenan discotecas y explanadas malamente acondicionadas para bailar hasta el amanecer del día siguiente no al compás de la guitarra ni al golpe del cajón criollo sino al ritmo atronador del sintetizador electrónico y la batería estruendosa?

Vayamos por partes, según he podido investigar en la infinidad de páginas que en la red de redes existen a favor y en contra del “día de las brujas”, el famoso “Halloween” nace de una celebración que los druidas o sacerdotes celtas realizaban, mucho tiempo antes del origen de la era cristiana, llamada la fiesta del Samhai (dios celta de la muerte) que comenzaba el primero de noviembre, es decir, a mediados del otoño nórdico. La fiesta sobrevivió al sometimiento romano de los celtas y aún después se continuó celebrando, tanto así que el Papa Gregorio IV, para contrarrestar su importancia y en un intento de evangelización fijó ese día como el “día de todos los santos” (“all hallow day” posteriormente, al ser traducido literalmente al inglés) y la víspera, el 31 de octubre, cuando empezaban las ceremonias, se llamó en inglés “all hallow eve” que por el uso y las contracciones propias del idioma se fue transformando en el “halloween” que conocemos hoy.

Ahora bien, como la celebración celta estaba centrada en el culto a los muertos, el asunto fue evolucionando paralelamente como una fiesta pagana en la cual se confunden a través de la historia ritos alrededor del fuego con los oficiantes vestidos con pieles de animales sacrificados (de allí nace la tradición de los disfraces) y otros que incluían una especie de “pago” que hacían las familias para no ser molestadas por los muertos malos (de allí viene el famoso “trato o truco” -trick or treat- con el que los jóvenes americanos piden golosinas, que acá sencillamente gritan desaforados “¡jalogüín, jalogüín!” blandiendo tizas o pintura en la siniestra mientras cargan con su bolsita en la diestra).

¿Cómo llegó el jalogüín a nuestro peruanísimo suelo?, bueno, no es difícil de explicarlo, luego de la segunda guerra mundial, la influencia norteamericana en América Latina fue determinante y así, en el Perú, el delgado “Niño Manuelito” fue reemplazado por el panzón de “Papa Noel”, el humilde pesebre por el pino artificial con nieve artificial, el chanchito asado navideño por el pavo horneado del acción de gracias y el “día de la canción criolla” (nacido de una ley promulgada por el aristocrático Manuel Prado y Ugarteche en 1944), por un “halloween” que lo fue opacando con mayor fuerza en las últimas décadas.

De allí en más el cuento es conocido. La iglesia católica rechaza la fiesta por pagana pero “las mamis” (aún las de los colegios recalcitrantemente católicos) dicen que es “una exageración de los curas” y les organizan su fiestita, con disfraz y todo, a los chicos; los criollos se lamentan por la audiencia perdida a las jaranas pero siguen cantando canciones de hace cincuenta años casi sin renovación alguna y, para no perder un contrato, son capaces de cantar disfrazados si el que paga lo solicita; y los niños pobres del Perú se lanzan a las calles pintarrajeados o disfrazados con harapos con la esperanza de conseguir algunos caramelos y chocolates extras tocando timbres y amenazando con pintar el infame “tacaño” en los muros de los que no salgan a repartir dulces (claro, los niños ricos también salen con el disfraz recién comprado a través de “amazon” o traído del último viaje a “mayami”, pero ellos van acompañados de sus niñeras -rigurosamente vestidas de uniforme, no vayan a confundirlas- y sólo transitan por los barrios cerrados, cuyas tranqueras no podrán pasar los hijos de la plebe). Mientras tanto, los jóvenes, a los que aparentemente nada les importa, aprovechan la oportunidad para hacer sus “tonos” y, como en toda fiesta sociológicamente explicada, rendirle culto al exceso, ese dios de la adolescencia, ese “hago-lo-que-me-da-la-gana” hasta el alba del día siguiente que, paradójicamente, en un estado que en su Constitución se declara “independiente y autónomo” de cualquier religión (artículo 50), ¡es feriado religioso! (Bueno, ese mismo estado “independiente y autónomo” invoca a “Dios Todopoderoso” en su preámbulo, con lo que agnósticos, ateos, panteístas y demás fauna, quedamos excluidos de plano de paraíso constitucional, pero ése ya es otro cantar...).

¿Es nocivo o demoníaco celebrar jalogüín y está santificado el “día de la canción criolla”?, ¿debemos preferir el valsesito peruano al “rock”?, ¿son las jaranas menos paganas que los “rave”?, ¿se sirve menos licor en una peña que en una discoteca?, ¿embriagarse con pisco es más patriótico que hacerlo con whisky?, ¿usan más drogas los muchachos que escuchan un CD de “Oasis” que los que oyen un disco de “Los Morochucos”?, ¿es la vida de Augusto Polo Campos un mejor ejemplo para la juventud que la de Jim Morrison?, ¿una composición de Chabuca Granda es superior a una de Queen?

Supongo que todas esas son preguntas equivocadas porque nadie en su sano juicio puede decir que es más patriótico ser un alcohólico pisquero que uno “whiskero”, tampoco creo que nadie discuta las cualidades musicales de Queen aunque nuestro corazoncito lata más por Chabuca, así como me parece improbable que alguien pueda afirmar que drogarse con cocaína “100% peruana” sea menos grave o más nacionalista que hacerlo con una norteamericana pastilla de éxtasis.

De lo que se trata acá es de un problema de identidad (el tema religioso se lo dejo a sacerdotes y fieles que verán cómo se ponen de acuerdo).

¿Quiénes somos y quiénes queremos ser?, ¿nos identificamos con nuestro pasado, lo conocemos, acaso, sabemos del pasado de esos otros que no somos nosotros?, ¿estamos orgullosos de nuestra historia o nos avergüenza o preferimos la historia extranjera o sencillamente no sabemos historia?, ¿vivimos dispuestos a construir una nación que aporte su bagaje cultural al mundo o preferimos ser absorbidos culturalmente por el país que se venda como la mejor alternativa?, ¿ser peruano significa algo para nuestros jóvenes que ven en casi todas las autoridades inmoralidad, corrupción, incapacidad y rapiña o están esperando la primera oportunidad y la primera visa para emigrar a donde sea?, ¿nos dice algo de nosotros mismos una marinera o un tondero o los sentimos tan extraños a nuestra realidad como un baile zulú?, ¿hemos aprendido a amar lo nuestro así como a respetar lo ajeno?, ¿entendemos nuestra propia diversidad y celebramos y compartimos con los pueblos del ande las fiestas del criollaje costeño?

Como siempre, quedan muchas preguntas y pocas pueden ser contestadas categóricamente, supongo que por allí hay que comenzar, construyendo nuestras respuestas y, con ellas, nuestra identidad. Yo, por mi parte, escucharé mañana y les pondré a mis alumnos (como lo hago siempre que puedo) “José Antonio” y “El plebeyo”, pero me cuidaré de criticarlos ácidamente si prefieren finalmente escuchar en su “iPod” a Queen y Mick Jagger antes que a Chabuca Granda y Felipe Pinglo.

Lima, 30 de octubre del año 2005
-------------------------------------------------© José Luis Mejía

Tuesday, October 18, 2005

McCartney le responde a Yoko

“No le presto atención”, dice Macca.

El ex Beatle Paul McCartney declaró que la viuda de John Lennon, Yoko Ono, no es la persona "más inteligente del mundo". Así respondió a las críticas de Ono quien lo calificó de no ser un buen poeta musical y de no haber hecho mucho cuando tocaba en la legendaria banda.
"No le presto atención. Ella fue la esposa de John (Lennon) y tengo que respetarla por eso", dijo con ironía el músico. Asimismo agregó: "Ella está dedicada a hablar mal de mí, pero yo trato de no hacer lo mismo con ella", finalizó.

Comento: La típica. ¿Qué acaso Paul no ha aprendido a quedarse callado? Yoko proviene de una escuela de arte en lo que provocar a lo establecido es prioridad. Paul, aunque amemos su música y lo consideremos un genio, está dentro del mainstream musical. Sus álbumes son muy buenos, y este último, Chaos And Creation In The Backyard, es el mejor trabajo de Paul desde Flowers In The Dirt y se acerca a ser un clásico como Tug Of War (su imbatible obra maestra.) Pero él debería asumir la actitud de no responder a Yoko, porque ella es la campeona de poner el palito para que él lo pise. Ya lo ha hecho varias veces, a fines del 2002 al protestar por la idea cojuda de Paul de darle vuela al binomio Lennon-McCartney en la autoría de las canciones de los Beatles que fueron escritas por Paul solamente (o principalmente por Paul.) Le revuelve el río a Paul para que éste abra la boca. En fin, parece que Paul se está reinvindicando con este nuevo disco, album que tienen que conseguir como sea. Está bien cañón.

Monday, October 17, 2005

Asistimos al mejor show de la banda-máquina-del-tiempo Tainted Love en lo que va del año tuvo lugar en Bimbo’s 365 Club el pasado sábado 15 de octubre del 2005. Una noche maravillosa, fresca y clara en la ciudad, con el puente de San Francisco a Oakland cerrado por refacciones, lo cual hizo que el sistema de metro BART funcione durante toda la noche y la muchachada se pueda emborrachar a gusto. Por lo tanto, fue una noche mojada con mucho alcohol en el corazón de Little Italy. Antes de los Tainted Love, nuestros camaradas de Stung calentaron a la audiencia con los éxitos de The Police. Desafortunadamente, no tenían mucho tiempo como para expandir sus temas y “Can’t Stand Losing You” careció del potente intermedio que siempre Police (y por ende Stung) añadía en sus conciertos: “Reggatta De Blanc.” Al parecer los estaban apurando para que Tainted Love pudiera tocar sus 32 temas más los 3 encores en dos horas.

Embriagado, el público tuvo que reconocer que el sonido estuvo impecable, sin una sola bocanada de distorsión o feedback, al volumen perfecto para no maltratar ningún oído sensible ni tampoco para dejar de bailar ni zacudir la cabeza. Felicitaciones a Eddie “El Brujo” Caipo y su magia en la consola de sonido. Los temas ochenteros llegaron como una oleada sin dar tiempo al respiro: Del estallido inicial de los acordes de “Eye Of The Tiger” de Survivor pasamos a “Material Girl” de Madonna, “Private Idaho” de los B-52’s, “Here I Go Again” de Whitesnake y “Take On Me” de A-Ha. Ya hemos mencionado la performance pristina y exacta de los temas y la energía que los miembros de la banda le ponen a su actuación. Notamos un detalle cuando el bajista de la banda cedió su bajo al vocalista Alex Pels para tomar el micrófono y hacerlas de Don Henley con el extremadamente melancólico “Boys Of Summer.” Pagamos un ticket de 20 dólares y bebemos para recordar, y vaya que ellos nos hacen hacerlo.

La audiencia estaba tan llena de nostalgia como de alcohol etílico, lo cual provocó algunos incidentes con los típicos “caguetas” que no saben divertirse ni divertir a sus parejas sin emborracharse de la forma más estúpida. La seguridad del local estaba en alerta roja y gracias a ellos ningún incidente grave pasó.

Tainted Love y sus presentaciones en Bimbo’s son siempre un lleno total. Así que demás está decir que consigan sus entradas con tiempo antes de llevarse el chasco de quedarse en la puerta. Es frecuente que eso pase, ya que en un show como el de ellos lo único que podemos esperar es diversión y nostalgia a niveles extremos. No esperemos nada nuevo ni revolucionario, a no ser que lo haya sido ya en 1985. La nostalgia es la reafirmación del espíritu humano en el hecho que todo tiempo pasado fue mejor, y esto lo sabe muy bien el fundador de Tainted Love Doug Carlson, el baterista impecable de larga trayectoria. Junto con los músicos Jamie Browne (bajo,) Franklin Vasquez (guitarra líder) y Steven Moon (teclados;) y los cantantes Brett Walter, Alex Pels (Chad) y Jack Herndon, Carlson lidera la banda que ha estado abarrotando de gente el club Bimbo’s cada vez que se han presentado desde que los descubrimos en Enero del 2005. Les deseamos lo mejor para el próximo 2006 y seguiremos anunciándolos y promoviéndolos lo mejor que podemos porque son muy buenos. No se los pierdan, en serio.

Sunday, September 25, 2005

Policias Encubiertos
Stung: el máximo tributo a Police.

23 de septiembre del 2005, 4th Street Tavern, San Rafael, CA.
Pocas bandas que tocan canciones de otras bandas han cautivado el corazón añejo del que escribe como Stung. Copiando cada aliento que Sting tomaba entre 1978 y 1983, la banda ofrece una performance digna de aquellos pequeños bares donde la banda The Police se inició tocando en Londres durante la explosión Punk (en aquellos tiempos de Sex Pistols y Television). Police nunca fue una banda Punk pero se subieron a su coche para promoverse rápidamente entre la juventud inglesa. Los primeros shows en Estados Unidos fueron, qué duda cabe, un desastre de audiencia. Pero fue una canción llamada “Roxanne” y el lanzamiento oportuno de su disco Reggatta De Blanc lo que los hizo la banda de rock más exitosa de los ochentas.
La carrera de Police podría compararse a una canción punk o new wave: desafiante, fuerte y rápida. Tan rápida que no tuvieron tiempo para lanzar un disco verdaderamente malo, como sí lo han hecho muchas grandes bandas, ni un álbum en vivo. Extraño, porque podían haber conquistado los puestos más altos de los rankings con un buen concierto grabado y editado a su tiempo; digamos en 1981 o 1982. Lo que ha quedado grabado en audio y video de sus shows ha sido absorbido por Stung como si fuera una esponja y recrea las performances de Sting y sus huestes durante el glorioso reinado de Sting, Andy Summers y Stewart Copeland. Verlos y oírlos es prácticamente experimentar un concierto a inicios de los ochentas del famoso trío.

Al llegar a la 4th Street Tavern de San Rafael, el sitio se encontraba medio vacío (como los primeros shows de Police en estas tierras). Ya iban a dar las 10 de la noche y el bajista Eric Swihart se encontraba en la puerta fumando y esperando el momento para subir a escena junto con John Messier a la batería y Brooks “Bee” Lundy a la guitarra y voz.
La taberna no es un lugar grande y el letrero de “capacidad para 49 personas” es la mas grande mentira de la noche. El bar, a media capacidad para las diez de la noche, se irá llenando de parroquianos y parroquianas ávidos de sudar el alcohol ingerido bailando los sonidos Police. Una cantinera atractiva nos da nuestra necesaria Corona y Ron con Coca-Cola, y los Stung ya empiezan a afinar sus instrumentos y a calibrar el sonido. Aunque la taberna de la Calle Cuatro no es el mejor sitio para ver a una banda que merece una tarima más alta que el suelo, eso hizo que el show fuera más íntimo y para ser honestos el sonido no decepcionó. Saludamos a Bee y a John y los dejamos trepar a la pequeña tarima a 15 centímetros del suelo.

Como para chequear los micrófonos y los monitores, empezaron el show con temas de Sting solista. “Moon Over Bourbon Street” pagó tributo a los damnificados por el Huracán Katrina de Nueva Orléans y el hecho de donar lo que ganaron con la venta de camisetas y botones ya los ubica en aquel pequeño salón de la fama de las bandas nada angurrientas. “Englishman In New York” sonó cómoda, sin aquel saxofón fastidioso de Branford Marsalis de la versión original, y “Fortress Around Your Heart,” el tema más logrado, metafórico y apocalíptico del Dream Of The Blue Turtles (A&M, 1985,) cerró el prólogo de lo que sería una velada cargada de temas potentes policíacos.

No se hicieron esperar. “Voices Inside My Head” y “Don’t Stand So Close To Me” (del Zenyatta Mondatta, A&M, 1980) nos hicieron calentar motores. Ya la audiencia había dejado de considerar los tragos como prioridad y el baile y el ajetreo se hacía presente con la llegada de más gente. Para “Can’t Stand Losing You/ Reggatta De Blanc” la audiencia se encontraba en total paroxismo. Bee había invocado al espíritu de Sting de 1980, invadiendo los Estados Unidos, Europa y el Mundo entero. Una imitación espectacular que poco a poco iba denotando toques únicos. Bee sabe que no está fotocopiando canciones, sino adornándolas y volviéndolas más rugosas y personales.

Durante el primer intermedio conversamos con John Messier sobre Police, los discos que los atrayeron y por supuesto, al ser nosotros fanáticos de Police también, intercambiamos información sobre discos piratas –aquellas performances de Police grabadas por fanáticos como los miembros de Stung y el que escribe- y demás joyitas musicales de los ochenta.

¿Cómo fue que empezaron?
Bee y Eric empezaron antes que me uniera a ellos en el 2003.
¿Hace cuanto han estado tocando como Stung?
La banda tiene 3 años ya.
Ya que ustedes tocan “mismo Police,” ¿Usaron alguna fuente escrita para obtener todos los acordes y melodías de las canciones?
Me memoricé toda la caja de Police (
Message In A Box – The Complete Studio Recordings, Universal, 1993.) Tocaba los CDs en mi auto todo el tiempo y absorbí cada detalle de la percusión de Stewart [Copeland.] El haber crecido idolizando a Police ciertamente ayudó a mi destreza.
¿Qué otros proyectos tienen?
Yo tenía una banda [punk] que duró 5 años llamada Red Planet. Nuestros discos aún están disponibles en Gerhead Records.
¿Otras bandas tributo que les gusten?
Me gustan Super Diamond y AC/DShe.
En el escenario, ustedes tocan 60% del
Zenyatta Mondatta (A&M, 1980.) ¿Escucharemos “Behind My Camel” o “Bombs Away” en uno de sus shows pronto?
Soltamos las Bombas de cuando en cuando. Tendrás que preguntarle a Bee acerca de “Camel.”
Cuando vimos a Police tocando en la ceremonia de introducción de la banda al Hall Of Fame (febrero del 2003), el más entusiasta era, por supuesto, Stewart Copeland. Pareciera que Stewart quiere una reunión y tour, ¿no les parece?
Si, parece que la meta de Stewart en su vida era reunir a Police, aunque ahora parece que ha afrontado la realidad. El show del Hall Of Fame fue un momento épico, y ahora los fans de Police han reaparecido y están que piden más. Es por eso que a Stung le va tan bien.
Ustedes son buenos amigos de Stewart y Miles [Copeland, hermano de Stewart y ex manager de Police.] ¿Y qué de aquel cantante de la banda, el Rey del Dolor?
Conocemos a Miles y Bee ha tocado con Stewart. Puedes decir que los miembros de Stung son amigos de la familia Copeland.
¿Sabe Sting que hay una banda que la roquea como si fuera 1980?
[Sting] debería saberlo, pero yo no estoy informando.
Ustedes han creado una fanaticada, un zumbido que está volviéndose más fuerte cada vez.
¿Cuáles son sus planes para el futuro?
Seguir haciendo recordar a la gente que Police aún roquea, a través de conciertos más grandes a nivel nacional. Ya hemos tocado en Rotterdam y en Ciudad de México y el zumbido ha crecido sustancialmente en California. Ahora esperamos el llevar nuestro show a otras ciudades grandes alrededor del país y del mundo como parte de nuestro circuito regular.

El segundo set tuvo a “Seven Days,” un tema de Sting olvidado en el
Ten Summoner’s Tales (A&M, 1993,) como grata sorpresa. Esperábamos a “Roxanne” y a las chicas de la primera fila bailando el reggae y asombrándose de la guitarra en trance de Bee, deslizándose sobre el solo de bajo de Eric, a quien algunas féminas lo encuentran muy guapo. Por supuesto, el gran final estuvo a cargo de “So Lonely,” que se convirtió en un poupurrí de canciones con estructura semejante: “No Woman, No Cry” de Bob Marley y “With Or Without You” de U2. Increíble fin de pequeña fiesta.

La banda, con el paso de los años, ha ido evolucionando al adquirir un estilo propio. Ya no se trata de una banda que trata de sonar “igual” que Police, aunque Bee imite a la perfección el acento que Sting tiene, típico de la ciudad de Newcastle, Inglaterra. Ellos tocan temas de Police añadiendo una aceleración, distorsión y amplificación que sus mentores quizás no experimentaron jamás. The Police hizo una primera gira en los Estados Unidos en 1979 y en algunas presentaciones la audiencia era de menor número que la de la taberna. 26 años después, hemos tenido el privilegio de asisitr a una experiencia como aquel tour. Esperemos que en el futuro Stung continúe haciendo saber al mundo que Police aún la mueve, y que atrae cueritos como los que vimos y tuvimos en la Taberna de la Calle Cuatro de San Rafael.

Brooks Lundy (alias Bee): Guitarra, voz.
John Messier: Batería, voz.
Eric Swihart: Bajo, voz.

Picos más altos del show: La mayoría de éxitos de Police “Message In A Bottle,” “Roxanne,” “King Of Pain,” “Can’t Stand Losing You/ Reggatta De Blanc”, además de: “Voices Inside My Head,” “Hole In My Life,” “Miss Gradenko,” “Synchronicity II,” “Seven Days” (de Sting.)

Después de ver a Stung, conseguir:
Police - Message In A Box – The Complete Studio Recordings (A&M, 1993:) todo lo que Stewart Copeland, Andy Summers y Sting grabaron entre 1977 y 1983. Los lados B de los discos de 45 RPM son acojonudantes.
Police -
Live! (A&M, 1995:) dos conciertos, uno en Boston, 1979 y el famoso Synchronicity Concert de Atlanta en 1983. Nos quedamos con el de Boston.
Sting -
Mercury Falling (A&M, 1996:) el mejor trabajo de Sting como solista y su última colaboración con el productor Hugh Padgham antes de caer en el pozo sin fondo de "Send Your Love" y "Desert Rose."

Javier Moreno-Pollarolo
San Francisco Tribune, Septiembre 2005

Thursday, September 22, 2005

Aquí está la crítica del show :)

Friday, July 8, 2005

Los que llegaron al Red Devil Lounge a ver a Colin Hay lo hicieron no porque el concierto haya sido promovido correctamente, porque no lo fue, sino que se pasaron la voz logrando agotar los tickets, haciendo que mucha gente se quede afuera del local. La mayoría de gente sabe que Sting fue el vocalista de Police y que Phil Collins cantó en Genesis, la gran pregunta es, ¿Por qué es casi un secreto que Colin Hay cantó en Men At Work, la banda que conquistó el mundo en 1982?

Gente de todas las edades, de veintiuno hasta los cincuenta, asistió al llamado de Hay y su banda. Los más veteranos esperaban aquel compendio de canciones de la banda Men At Work que Hay vocalizó y compuso entre 1982 y 1984. En aquel entonces, los Men At Work eran: Hay en la guitarra y voz, Greg Ham en el saxofón, flauta, teclados y voz, Jerry Speiser en la batería, John Rees en el bajo y Ron Strykert en la guitarra. Hay y Strykert habían formado en 1980 un dúo acústico en Melbourne, Australia y tocaban en los clubes nocturnos de la zona. De ahí que el hecho de tocar con guitarras de palo no sea novedad en la carrera de Hay. Eventualmente, con la adición de Ham, Speiser y Rees, la banda se convirtió en el acto mejor pagado de Australia que todavía no había firmado un contrato con una disquera.

Y Columbia de Australia se movió rápido, contratándolos inmediatamente y lanzó el single “Who Can It Be Now” a finales de 1981. Business As Usual (Columbia, 1982) es el disco esencial de la banda y  con Cargo los más exitosos. Ninguna de las 20 canciones de los dos tienen pierde. Un estilo totalmente único, avanzado para la categoría de New Wave en donde se intentó encasillarlos; y ahora aquel "MAW Sound" es parte de nuestra vida diaria. Hay muy pocas bandas que comparten aquel honor de ser aprobadas por la crítica especializada y el público a través de los rankings. Men At Work es una de ellas. Sin embargo, el álbum Two Hearts (Columbia, 1985) no tuvo el éxito esperado y significó el fin de la banda.

Tuve el honor y el placer de ver a Men At Work en Lima, Perú, el año 2000. Para aquel entonces los dos únicos miembros originales eran Hay y Greg Ham, que decidieron lanzarse en aquel tour mundial. A pesar de no contar con Ron Strykert en la guitarra, el show fue de primera, y nos hizo cantar y cantar todas las de Men At Work que siguen hasta ahora inundando las ondas de radio de sudamérica. Vamos, no me digan que nunca han escuchado “Down Under,” ya casi un himno oficial de Australia, o “Who Can It Be Now?” Mi favorita personal, la dramática “Overkill,” es la perfecta tonada para los estresados con aquellos fantasmas que aparecen y se van; la canción del hombre esquizoide del siglo XXI. Por ende, ir a ver a Colin Hay es como ir a visitar a un viejo amigo, a alguien que ha estado cantandote por casi toda tu adolescencia y vida adulta. El show lo empezó él solo, con su guitarra acústica, llevándonos al terreno intimista con “Beautiful World” y “Going Somewhere.”

Cuando los miembros de la banda subieron al escenario, estaba pronosticada una velada llena de material Men At Work, salpicada de sorpresas solistas. Cecilia Noël, esposa de Hay y vocalista del grupo Wild Clams, en la voz era el equivalente de Greg Ham en el concierto de Men At Work, usando su voz para imitar la flauta en “Down Under,” y describir la lírica con movimientos corporales descriptivos y danzas que iban del Ballet hasta el Butoh japonés; de modo parecido al de Ham.

Hay es un poeta urbano que sabe enfrentar sus propios demonios. Su letra es estresada y preocupada, pero su música y especialmente aquellas melodías simples evitan que las canciones se vuelvan caóticas, salvándolas de ser ignoradas debido a su peso emocional: La paranoia de “Who Can It Be Now” es llevada a buen puerto gracias a la velocidad de la batería y aquella melodía de saxofón que es reemplazada en vivo por la guitarra eléctrica; “Overkill” vendría a ser una secuela superior donde los mismos factores hacen que la canción sea un éxito redondo. En el contexto social o político actual, si creen que la lírica de Hay en Men At Work ya no tiene vigencia por tener más de 20 años de antigüedad, acuérdense que treinta minutos después de que Colin Hay cante “It’s A Mistake,” una serie de explosiones en el sistema de transportes de Londres mató a 53 personas. Los mismos problemas rondan el mundo y artistas con visión política son retirados de disqueras grandes para evitar compromisos. Mick Jagger dijo en una entrevista en 1993 que los problemas que la juventud enfrentaría en el futuro serían más difíciles, más complejos. Profetas como Jagger y Hay deberían ser escuchados más a menudo.

Conversamos luego del concierto con Colin Hay y su esposa. Nos contaron por supuesto de la visita de Men At Work al Perú el 2000, de cómo Colin tenía que escribir casi todas las canciones de Men At Work debido a la apatía de los demás integrantes, que empezaron a mostrar desinterés y para Two Hearts no quedaba mucho entusiasmo para seguir andando. La banda se deshace al mejor estilo de una telenovela y Colin decide seguir como solista, tomando al toro por las astas. El 2002 Colin firmó contrato con la disquera independiente Compass Records, la cual le promueve sus discos a través de la Internet.

Aunque se tenga muchísima más libertad creativa en un sello pequeño y de fácil acceso, una disquera grande es un buen seguro para las giras, conciertos y sobre todo promoción radial. A falta de pan, tortillas. MP3s, ventas por internet y sobre todo calidad interpretativa mantienen a Hay en vigencia, capturando nuevos fans y llenando de emoción a aquellos que lo han disfrutado desde 1982, como el que escribe. El show en el Red Devil Lounge fue brillante, impecable e intenso para todo el público, aún para aquellos que no sabían quién era aquel cantante que estaba tocando una canción que de cuando en cuando suena en las radios y series de TV. ¿Colin Hay? No, ¿Quién es? ¿Men At Work? ¡Claro que sí! ¡Los de “Down Under!” ¿Ya tocó “Down Under”? ¡Que la toque de nuevo!

Monday, July 4, 2005

Here we are again. For the Fourth Of July, I'll go for "Black Man" by Stevie Wonder. :) Happy Vacation. I'll tell you what planes I do have for July 28th.

Saturday, May 14, 2005

La Tormenta Se Avecina: Una noche con Storm y sus pelotas
"The music business is a cruel and shallow money trench, a long plastic hallway where thieves and pimps run free, and good men die like dogs. There's also a negative side."
Dr. Hunter S. Thompson
Red Devil Lounge San Francisco, CA Viernes, 13 de Mayo, 2005

Dear Penthouse: Descubrí este acto por mera casualidad. En enero del 2004 fui a la galería de arte San Francisco Exchange ( y estuve conversando con el mánager de la galería, Steve Wagner, acerca de bandas que tocan covers en el área. Le conté de una llamada Señor Coconut y Su Conjunto que toca temas de Kraftwerk con ritmos de merengue y cha-cha-chá y de otra que me encantaría ir a ver, tres tipos tocando canciones de Police (cuando fui a la galería, mi primer concierto de Stung se encontraba a nueve meses de distancia.) De pronto, Steve abrió al máximo sus ojos y me dijo “espera, tengo que mostrarte algo... esto es verídico.”

Fuimos al website de Storm ( y Steve me dijo que la cantante de la banda era la intérprete más impresionante que había visto en su vida, habiendo estado en uno de sus shows hacía solo una semana atrás en el DNA Lounge. Escuché unas cuantas canciones y quedé, por ende, impresionado. Ella y sus muchachos agarran letras de un tema y las insertan en la música de otro, creando una experiencia nueva e intensa, muy única, irónica y agradable. Le pregunté a Steve cuándo regresaban al Área de la Bahía a tocar, y él frunció la boca diciendo “no sé, ella se presenta la mayor parte del tiempo en Oregon.”

Storm Large es extremadamente bella y sexy. Una rubia alta de 6 pies 2 pulgadas con una voz potente y seductora. Solía vivir en San Francisco y formó un par de grupos de rock antes de mudarse a Portland, Oregon para encontrarse a sí mima. Revisaremos su Playmate Fact Sheet para más detalles. Cuando canta es ruda, cruda, apasionada, provocativa y es un buen ejemplo de cómo una mujer debe usar su voz en estos tiempos de falsetto y berreo. Es una mujer con opinión, difícil de domar con un micrófono o un estudio de grabación. Escúchenla y sabrán por qué ella no tiene un contrato con una disquera corporativa. ¡Storm no quiere ser controlada!

La sexualidad de Storm es un frente de liberación. Su voz puja, se estremece, se quiebra, gime, intenta llegar al orgasmo y nos hace imaginarlo; los hombres prestan atención a su impresionante busto y a la humedad de su bombacha, las mujeres desean ser como ellas y sienten un cierto impulso lésbico que refresca su propia sexualidad. La intensidad de su personalidad se puede sentir en el ambiente y cortar con un cuchillo. Ella es la artista mas completa que he visto en un escenario. Se agarra las tetas, juega con el micrófono como si fuera su mejor amigo, y nos da a entender que su líbido es muy fuerte y la música es la única forma de canalizarlo. Para ella, aquel hombre que no tiene personalidad se convierte en un simple donador de esperma. Storm es radical al presentar “Hopelessy Devoted To You:” “esta canción la popularizó el hombre más fantástico del mundo: Olivia Newton John.” 

La mayoría de hombres no estamos a su altura, por lo visto. Aquella mujer que no reconoce la fuerza de su naturaleza y su sexualidad, será mejor que se quede en casa. En primera fila, una seguidora le dice “Eres perfecta.” Storm le responde, “nadie es perfecto, querida.” Ante una tormenta así, la respuesta de Storm queda en la duda. "Man, I'd do her," escuché decir a alguna fémina de la audiencia.

Nos hizo saber que era una mujer limpita que podía aguantar treinta y dos galones de agua en el recto para su limpieza de cólon. “algunas dicen que son talla cero, ¡yo soy 32!” Comentarios como éste precedían a interpretaciones inmortales como "25 or 6 to 4" de Chicago o "In The Light Wedding," una mezcla caliente de "In The Light" de Led Zeppelin con "White Wedding" de Billy Idol. La música nos llevaba de la mano hacia un terreno que sólo habíamos explorado con rubor en nuestros rostros, pero esta vez nos sentíamos como en casa, con confianza, gracias al acompañamiento de Jimmy Jams Beaton en el piano y el Fender Rhodes, Hotrod Davey Nipples en el bajo eléctrico y Brian "Boom Boom" McFeather Parnell en la batería. Beaton y Nipples habían pertenecido a la banda Everclear y dejaron el showbusiness para seguir a la señor Large y ayudarla a predicar el evangelio según Cindy Lauper, Madonna y Jessica Rabbitt desde el 2003, año en que lanzaron el CD Hanging With The Balls, un excelente trabajo de música lounge con provocativos cruces de canciones como "Abba-Gadda-Da-Vida" y "Star Spangled Pushernoia". 

Después del concierto conversamos con los músicos de la banda mientras Storm estaba “ocupada abriéndose de piernas vendiendo CDs y firmando autógrafos.” El show es un perfecto trabajo de equipo y los cuatro dan lo mejor de su energía, pero la que conduce la electricidad es Storm. Diva completa que tiene la decencia de tocarse el cuerpo, mostrar la sonrisa más perversa con un desparpajo total mientras toma vino de 9 dólares entre canción y canción hasta ponerse en pindinga. Habla de todo entre canción y canción, provoca a los hombres, azuza a las damas, muestra los muslos, se ríe... sabe que es toda una dama.

En general, las chicas la adoraban más y más, los hombres nos sentíamos intimidados, atraídos, cohibidos... todo un mar de emociones que nos hizo comprender cuan humanos somos y cómo nos hemos olvidado de querer nuestros cuerpos y apreciar nuestra propia identidad. No sólo sexual. Al ver un acto como el de las Pelotas con una mujer totalmente desarrollada como la señora Large, hemos crecido un poco más. Aquellos que sabían del show de Storm y no fueron, se perdieron el concierto de sus vidas.
Más pelotas:
Hanging With The Balls (The Balls, 2003): Debut de la banda, disponible en Género: Jazz Alternativo combinado con Lounge y Standards populares de los ochenta y noventa. En una palabra: inclasificable. : Página web con MP3s y fotos de la banda. ¡Qué fotos!

Monday, May 2, 2005

Tainted Love
Sábado 30 de Abril del 2005
Bimbo’s 365 Club
San Francisco

El Sábado 30 de Abril del 2005 asistimos al concierto de una banda de San Francisco especializada en remover los sedimentos de la nostalgia en nuestro subconsciente y de pasar un momento, ergo, inolvidable. Dicen que todo tiempo pasado fue mejor pero con shows como este, no nos lo “dicen” sino que nos lo restriegan en la cara. Nos referimos a Tainted Love.

Tuvimos la oportunidad también de conversar con los miembros de la banda, fundada por el baterista Doug Carlson, que empezó tocando covers New Wave en 1997. En aquel entonces, el revival disco estaba en su fase orgásmica y tocar éxitos de los ochenta correspondía más a una banda de club que no llega a cubrir presupuestos cada fin de mes. Doug predijo y acertó: para cuando sean famosos y su tren esté a marcha estable, la New Wave de los ochenta regresará. La televisión estará llena de comerciales con canciones como “Talk Talk” (para Cingular) o “Just What I Needed” de The Cars (para Circuit City). Como buen baterista, Doug gusta de aguas como Johnny Walker Etiqueta Negra y tiene en su currículum haber tocado con Greg Kihn, Pride and Joy y Super Diamond, además de producir bandas en el Área de la Bahía. Su batería es clave del sonido Tainted Love al convocar todas las texturas rítmicas de los éxitos de la década de Reagan y hacerlas realidades. La instrumentación principal está a cargo de Jamie Browne en el bajo, Franklin Vasquez en la guitarra y Steven Moon en los teclados.
La New Wave, a fines de los noventa, aún estaba guardada en las cajas del sótano, esperando a ser profanada cual si fuera tumba de momia egipcia. Por tanto cuando Tainted Love tocaba “Don’t You Forget About Me” de los Simple Minds, la gente fruncía el ceño y consideraba a la banda como un bicho raro; interesante, pero fuera de lugar para el momento. Doug y su tropa decidieron entonces expandir su repertorio con temas de los ochentas como “Living On A Prayer” de Bon Jovi o “Sweet Child Of Mine” de Guns N’ Roses. Canciones Heavy Metal, Pop-Rock, baladas edulcoradas... todas en el rango de tiempo 1980-1989. El éxito se les iba acercando. Para cuando Brett Walter, la voz femenina, convocaba al espíritu de Joan Jett con “I Love Rock And Roll,” tenían a la audiencia en la palma de la mano. Ella junto con Alex Pels (Chad) y Jack Herndon completan la fuerza vocal de Tainted Love, muy necesaria puesto que su repertorio es extremadamente diverso.

La banda presentó un show de primera y con un sonido espectacular gracias al ingeniero de sonido peruano Eddie “El Brujo” Caipo. El sonido estaba saturado de ecos ochenteros en las voces y guitarras, dando aquel toque surrealista que nos mandaba de golpe a veinte años atrás. Mientras bailábamos los oldies en primera fila, cual si estuviéramos poseídos por un espíritu ochentero, nos íbamos interesando en la audiencia, en aquellas chicas
preciosas enropadas para matar y aquellos chicos bien vestidos como si fueran a una fiesta elegante de la compañía para la que trabajan. ¿Quiénes son los que se visten de fiesta, muy elegantes, y llegan a pagar 20 dólares para ver a una banda como Tainted Love? Gente que está segura que la música moderna, la que se escucha en los ipods y computadoras, es de muy mala calidad. La mayoría de la audiencia no tenía uso de razón –algunos quizás ni lo tengan después de cumplidos los 21- cuando Madonna lanzó “Express Yourself” y otros ni habían nacido cuando Boy George hacía creer a incautos fans que no era lo que en verdad era y cuando la banda Van Halen tenía a David Lee Roth haciendo saltar a la muchachada con, ejem, “Jump.”
En lo que respecta a los veinteañeros que abarrotaban Bimbo’s, ¿De dónde obtienen ellos la información de que hubo tanta buena música en los ochenta? No de los comerciales de TV sino de sus padres y hermanos mayores, a los cuales admiran en cierto modo. Recuerdan que hubo un tiempo en el cual la música era más feliz, menos depresiva que los lamentos que llegaron de Seattle a inicios de los noventa diciéndonos que ser quinceañero no es malo, sino malísimo. El rock de los ochentas es una colección de canciones rebeldes de amor y justicia social, envueltas en la idea de gozar gozar que el mundo se va a acabar. La misma idea que teníamos todos a los ocho años.
Como nos decía Steven, la música de Nirvana puede ser muy buena, pero no nos hace bailar llenos de alegría. ¡El rock de los noventa no es divertido! Kurt Cobain se pegó un balazo cantando “I Hate Myself And I Want To Die,” no “Hit Me With Your Best Shot.” El rock “alternativo” proveniente de Seattle se acabó con el cañonazo que mató a Kurt, y después de ese incidente las grandes industrias disqueras cerraron todas sus puertas a artistas progresistas y las abrieron a artistas edulcorados como los Backstreet Boys y Britney Spears. Artistas mediocres y sobreproducidos que no causan ningún revuelo en la juventud. Así de simple. El Rock and Roll como arte mainstream está más que muerto.
En los ochentas los músicos eran más rebeldes, más frescos, más próximos a la audiencia que estaba vestida de manera muy parecida a ellos, pero los consideraban sus ídolos. Habían más probabilidades de que los músicos fueran músicos de verdad. Había un Adam Ant con una sexualidad agresiva y llena de clase, una Cindy Lauper que promovía el culto a la personalidad y a la liberación femenina con un fino sentimiento y hasta un Tommy Tutone que tenía el desparpajo de divulgar el teléfono privado de una mujer a todo el mundo (“867-5309/ Jenny.”) Los oyentes de la radio estaba de mejor humor, aunque los tiempos no eran muy buenos: Los ochenta empezaron con la muerte de John Lennon, seguidos por una explosión en un reactor nuclear en Chernobyl que lanza nubes tóxicas por toda Europa y el SIDA envolvía todas las relaciones sexuales en látex e inseguridad. Sin embargo, la radio les hacía bailar para librarse de las penas.
El nombre de la banda no pudo ser mejor elegido, al ser el éxito absoluto y único de Soft Cell en 1982 y quizás el mejor trabajo presentado por la New Wave de los ochentas. “Tainted Love” es un cover de una canción de 1968, escrita por Ed Cobb e interpretada por la cantante R&B Gloria Jones. Soft Cell puso la canción en el puesto 2 de Billboard y el resto es historia. El toot – toot de la canción es la razón por la cual la gente compra discos.
En los ochentas la onda era prestar atención con oídos nostálgicos a los sonidos de los sesentas. En los noventa, eran los setentas y el sonido disco lo que hacía llenar las discotecas. Imagino que el próximo proyecto de Doug para la década de los diez sería una banda llamada “Nevermind” o “Teen Spirit” tocando covers de Pearl Jam, Nirvana y Spin Doctors. Mientras tanto, iremos a ver a Tainted Love cada vez que los tengamos cerca para que nos restrieguen en la cara con su música que los ochentas se van a quedar por un buen rato más y para que nos tomen fotos desde el escenario con cámaras digitales y nos recuerden lo bien que la pasamos. Toot – toot.

Friday, March 11, 2005

Keith Jarrett, Gary Peacock, Jack DeJohnette
Lugar: Zellernbach Hall, UC Berkeley, Berkeley, CA
Fecha: 9 de Marzo del 2005

Lo bueno de Keith Jarrett como músico de jazz se puede disfrutar mejor en discos como Solo Concerts, Spheres o At The Blue Note. Verlo en vivo y apreciar su arrogancia y rudeza con el público es otra historia. El concierto que brindó junto a su trío de más de treinta años (con Jack DeJohnette a la batería y Gary Peacock al bajo) fue una mezcla agridulce de emociones. Por un lado estabamos ante un trío de genios de la música jazz, pero por otro lado tragamos un par de malcriadeces de Jarrett al quejarse de la mala calidad de los monitores del bajo de su amigo Peacock, al portarse agresivamente con la gente que estaba tomando fotos –gente de prensa como nosotros, suponemos- y al hacernos saber lo genio que es al repetir la misma genialidad que ha estado repitiendo desde aquel album de 9 CDs Live At The Blue Note (ECM, 1994) que fue álbum del año por la revista Downbeat.

Los músicos que se consideran superiores a su audiencia y que no saben agradecer el hecho de estar en un escenario poco a poco se van extinguiendo como los dinosaurios. En el caso de Jarrett, pájaro dodo, el show del 9 de marzo fue para el que escribe como ir por primera vez a aquel cementerio de elefantes de las películas de Tarzán. Viejas glorias que estaban ofreciendo un concierto a media máquina. Algo así como aquel Brasil en la final del mundial de fútbol de Francia 1998 ante el equipo de casa. Los tres tenían una perfecta sincronía entre ellos, pero Jarrett no ha ofrecido nada nuevo ni innovador en su modo de tocar el piano desde fines de los setentas, y lamentablemente no puede dárselas de divo a estas alturas del partido. Puede tocar “As Time Goes By,” “Round Midnight” o “When I Fall In Love” y cosechar aplausos, ¿pero pretender que es un genio y no agradecer al público y darle la espalda? Ni siquiera a los músicos que están en la cima de la popularidad ahora.

Después del incidente en el que Jarrett se puso agresivo con los fotógrafos de las primeras filas al quejarse de los flashes, los aplausos disminuyeron y se notaba en el ambiente que el público sólo quería que el concierto acabara para irse a tomar una cerveza al bar más cercano. Esperemos escuchar a Jarrett como el virtuoso que es en sus discos más famosos, más verlo en vivo actuando como un viejo maniático es simplemente un gasto de dinero y de tiempo.

Jarrett en CD (evítenlo en persona)
Keith Jarrett at the Blue Note (9 CD Box Set) (ECM, 1994)
Spheres (ECM, 1974)
Keith Jarrett – Solo Concerts (ECM, 1973)

Thursday, March 3, 2005

The Way Up (Nonesuch, 2005)

Gira: The Way Up Tour 2005
Lugar: Paramount Theather de Oakland, California.
Dia: 3 de Marzo del 2005

Pat Metheny Group, con una de las mejores formaciones que ha tenido, dio una performance de primer nivel en el teatro Paramount. Presentaron su nuevo CD–canción (un tema de 68 minutos llamado The Way Up) lanzado en enero del 2005 bajo el sello Nonesuch.

Pat Metheny ha estado tocando con Lyle Mays al piano desde 1977. En 1978 lanzaron el primer álbum del Pat Metheny Group con Mark Egan al bajo y Danny Gottlieb en la batería. En el transcurso de los años el grupo ha ido incrementando su calidad interpretativa en álbumes como American Garage, As Falls Wichita So Falls Wichita Falls, Offramp, Travels (en vivo, 1983), First Circle (1984), el punto más alto con Still Life (Talkin’) (1987), Letter From Home (1989) y The Road To You (en vivo, 1993), y un ligero declive con discos como We Live Here (exploraciones polirrítmicas africanas que llegaron un poco tarde, 1995) e Imaginary Day (1997). Para 1999 Pat Metheny pone al grupo en un hiato y forma un trío con Larry Grenadier al bajo y Bill Stewart en la batería, saliendo de gira y registrando las mejores performances en el disco Trio Live (2000).

The Way Up es un documento de dicha evolución musical que empezó hacia fines de los setentas. La nueva formación del PMG incluye a Gregoire Maret en la harmónica, Cuong Vu en la trompeta, Nando Lauria en la guitarra rítmica (sin chocar para nada con el maestro Metheny, ya que Lauria es un virtuoso por sí solo y debería tener un NLG también,) Antonio Sánchez en la batería y los eternos Steve Rodby en el bajo y Lyle Mays en los teclados.

Metheny demostró que efectivamente su grupo va para arriba iniciando el concierto con la suite The Way Up, que es un compendio de casi treinta años de evolución paralela al ritmo de una guitarra que prácticamente inventó un nuevo género a mediados de los setentas: el “smooth jazz.” En 68 minutos se interpretaron la pasión y melancolía de un viaje a través del tiempo, en donde Pat y su equipo van envejeciendo con gracia y revisitando trabajos previos como As Falls Wichita So Falls Wichita Falls y Still Life (Talkin’). “The Way Up” no los repite sino que los invoca creando un trance en la audiencia cuyos pensamientos se pierden por diversos parajes de recuerdos y sueños. Aparecerán trazos de "Song for Bilbao" y de aquel júbilo sudamericano que Pat experimentó con Letter From Home.

Metheny intercambiaba guitarras eléctricas y acústicas con una facilidad impresionante, provocando comentarios de asombro en la audiencia e incluso unas cuantas carcajadas. Toda la tropa Metheny demostró gran una versatilidad, y el público llegó a ver a Antonio Sánchez tocando el bajo sentado detrás de su batería o a Gregoire Maret brindando apoyo con la guitarra eléctrica y demás dispositivos electrónicos, además de su embrujante harmónica. La coda fue espectacular y llegó con la fuerza vocal de Nando Lauria y Cuong Vu, recordando el final de “First Circle,” de lejos la mejor composición de Metheny y Mays en toda su carrera. "The Way Up" había llegado a lo más alto.

Ovación de pie. Pat agradeció a la concurrencia y de inmediato procedió a tocar los temas más populares de la banda: “Last Train Home” (la mejor canción sobre trenes jamás escrita, ,“James,” “Farmer’s Trust,” la lacrimógena “Are You Going With Me?” y para la reaparición luego de dos minutos de ovación: “Minuano (6/8)” y “Song For Bilbao.” Todas fácilmente reconocibles. El público se fue a su casa silbando la melodía de Bilbao hasta caer dormido.

Lo que más nos impresiona de Metheny es su facilidad para llegar a nuestros corazones tocando una música tan difícil como es el jazz moderno. Debemos de estar muy agradecidos de contar con melodías tan bellas como las que nos ofrece cada cierto tiempo.


El paquete en vivo:

Travels (ECM, 1983) The Road To You – Recorded Live In Europe (Geffen, 1993), Trio Live (Warner Brothers, 2000)

Si no saben de que estamos hablando, obtengan su primera dosis de Metheny al comprar de golpe estos tres álbumes (cinco CDs en total.) Aquí vemos a Pat tocando con dos formaciones diametralmente distintas de su grupo y con un trío en clubes mas íntimos, durante la gira de 1999 y 2000.

Albumes en estudio:
As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls (acreditado a Pat Metheny & Lyle Mays, ECM, 1981): Fusion de Country Music con New Age, apoyada por la voz melancólica con sabor a saudade del brasilero Nana Vasconcellos. Dos canciones de este disco, "September 15th" y "It's For You" fueron usadas para la escena cumbre de la pelicula Fandango (Kevin Reynolds, 1984.)
Offramp (ECM, 1983): Si alguien no gusta de Metheny, de seguro mencionaran a este disco como la excusa para haberlo dejado de escucharlo. Fuerte, cohesionado, casi bordeando la New Age con "Barcarole." Pero tiene "Are You Going With Me?" y "James," ojo.
Still Life (Talkin') (Geffen, 1987): El mejor álbum del PMG jamás grabado. Su trabajo mas interesante y en realidad una joya en cualquier colección de discos. "Last Train Home" remata el disco al final del lado A. Inolvidable.
Letter From Home (Geffen, 1989): Pedro Aznar toma el microfono y canta en este su segundo album en estudio con el PMG, despues del First Circle (ECM, 1984). A destacar "Better Days Ahead", y "5-5-7".