Me enseñaron todo mal, me contaron otra historia, Me llenaron de palabras, que aprendieron de memoria. Los deseos controlados,los recuerdos del pasado, Y el temor a los que digan los demas.
Me enseñaron todo mal,siempre habia algun pretexto, Pero nadie me explicaba de una vez,lo que era el sexo, Para parecer normal,yo debia ser igual, A los que me han enseñado todo mal.
Para parecer normal,yo debia ser igual, A los que me han enseñado todo mal.
Me enseñaron todo mal,quisieron cortar mis alas, Disfrazaron el amor, para que no pasara nada,
No fue facil el camino, pero pude despegar, Aunque me hayan enseñado todo mal.
Me enseñaron todo mal, al final abrí la puerta, Y mientras el mundo gire voy a seguir, dando vueltas.
Yo no quiero repetir con los que vienen atrás, Eso de andar enseñando todo,todo mal...
Escrita e interpretada por Julia Zenko.
Del álbum Cambios (Polygram, 1986). Disponible en Mis 30 Mejores Canciones (Polygram, 1991)
Hay muy pocas canciones redondas en el rock en español, y "Raros Peinados Nuevos" de Charly García entra en esa categoría no sólo como una gran canción pop en español, sino una gran canción pop, punto. Estructurada como cualquier canción pop, no lo es en sí. García tenía tres minutos y medio para mostrar a su audiencia, el argentino promedio, lo difícil que era ser jóven y tomar decisiones. Sobre todo en una sociedad tan contradictoria, hipócrita y sin rumbo como la latinoamericana.
Charly García felizmente se acaba de reencontrar a sí mismo y salió de gira en busca del tiempo perdido. De aquel público que esperaba o su recuperación de las drogas o su muerte por sobredosis. Felizmente esto último no pasó. García es un genio y tiene sus causas para serlo. En esta canción las podemos apreciar, pero a vista de pájaro. Quien no haya descubierto el universo García aún está a tiempo.
Con el paso de los años, porque como ustedes sabrán nadie se hace más joven salvo Cher o Mick Jagger, uno incrementa en su cabeza lo que yo denomino "librería musical", una colección interminable de sonidos que se quedan en nuestras neuronas y sistema nervioso central y que generan reacciones psicosomáticas diversas y abundantes. A más reacciones, mayores pruebas de que nuestra librería está bien pertrechada y que somos, pues, conocedores y sentidores de la música: tenemos respuestas emocionales a un diverso rango de musicalidades que van, por ejemplo, de los Carpenters a Jimi Hendrix, o de Kraftwerk a Jorge Cafrune. Sabemos qué vamos a sentir o experimentar con ellos. Pero nunca sabremos qué sentiremos al escuchar por primera vez a Kid Creole & The Coconuts. De seguro.
Primeramente, no sabremos si es una banda creada por Prince, el cual que decidió experimentar con sonidos afro-latino-caribeño-americanos (parafraseando al doctor Luis Delgado Aparicio). Tampoco estaremos de acuerdo si se trata de algún caficho Nuyorriqueño que a último momento decidió crear un combo musical para lavar sus ingresos ilícitos. Nuestras emociones, en el aspecto intelectual, estarán divididas. En lo que sí estaremos de acuerdo, tú y yo, es que es una banda de la puta madre y que es música netamente bailable, como la canción que abre su primer álbum Off The Coast Of Me, la potente oda a la impotencia, "Mr. Softee":
Kid Creole (más conocido en los prontuarios legales como August Darnell) es un cantante y guitarrista que explora, escucha y absorbe. Sabe que la música del ser humano es oriunda de África y se estacionó en el Caribe durante su ruta a las Américas. Sabe que se "refino" y se creó una estructura estable en las Europas y que para 1980, la música tendía a ser una sola, un sólo género. Darnell es un unificador. Un amante de la música, de las mujeres y de la buena vida. Pero sobre todo, un artista capaz de crear una pequeña obra maestra como este disco. Recoge el estilo de Chuck Berry, de Prince, de Cab Calloway y de Little Richard al moverse, al jaranearse, al hablar de sexo en doble sentido, y al igual que ellos, muestra un lado sensible y romántico, como en el número disco "Maladie D'Amour", en donde sus chicas, las Coconuts, se lanzan con todo en una irresistible conversación amorosa.
Coati Mundi es el vibrafonista con quien Darnell había participado en una banda disco/funk de los setentas (Dr. Buzzard's Original Savannah Band) y él inspira un acercamiento más latino de la banda con "Yolanda", una hojeada disco a las trompetas de la Sonora Matancera, incluyendo una muestra de "Ay! Cosita Linda" (Anoche, anoche soñé contigo... qué cosa maravillosa) Es música para literalmente hacer el amor a una mujer mulata después de una salvaje noche de baile, tragos y karaoke. Para cuando la pasión y el desenfreno haya acabado, los Coconuts entregan el tema título del disco, un embrujante pulso de congas y guitarra con una voz principal que viene de una pequeña radio AM, acompañada por un coro embrujante y embriagador de sirenas. Riesgosa y pegajosa, el lado A termina con las Coconuts tarareando "I'm takin' a trip off the coast of me", algo que todos estamos haciendo en ese momento. Estamos escuchando música diferente, pero a la vez familiar, estamos paseando por altamar sin perder de vista la costa de nuestras propias emociones y tendencias musicales. Estamos amando la música tanto como la vida. Así de bueno es este disco debut, y el lado B sólo continúa con esta parranda: "Darrio..." es otro tema que nos hace pensar que este es un álbum dirigido al gusto Disco, como un homenaje al Studio 54, aquella discoteca famosa por sus bacanales y mal-buen gusto. "Lili Marlene", la canción tradicional alemana de las Guerras Mundiales, es revisitada por Adriana Kaegi con mucho brío y gusto en una veloz versión disco que conduce a "Bogotá Affair", otra discotequera. con sabor latino "Calypso Panamerican" cierra el álbum en tono fiestero con mucha más velocidad. y hasta Kid Creole tiene que pagar tributo a los reyes del rock, los Beatles, lanzando el sonido de la morsa de John Lennon. Más no se puede pedir.
Kid Creole tuvo mucho más éxito en Europa que en Estados Unidos y eso es una lástima porque Tío Sam les hubiera dado mucha más fama y dinero. Su música es una de las más subvaloradas en la industria, pero desde el punto de vista de audiencia, no de la crítica, que ha adorado sus discos, generalmente. La crítica, en ocasiones desafortunadas, se distancia del gusto popular para ubicarse en un plano snob el cual desestima los motivos artísticos de bandas como Kid Creole & The Coconuts para promover actos similares pero con poses diferentes; como por ejemplo, Prince, quien estoy seguro admira a Darnell y su pandilla.
"When You Lose Someone So Young" de John Miles (1976) es aquella canción con la cual uno no desea sentirse identificado en ningún momento, pero tarde o temprano tendremos que enfrentar a aquella vieja amiga de la Vida llamada Muerte visitando a un ser querido. Aunque se trata de un tema musicalizado de forma espectacular y cantado con una fuerza sobrehumana, es una canción que para algunos puede parecer ridícula por ser demasiado directa, sobrepasando el nivel metafórico. No todos estamos listos para una franqueza musicalizada sobre la pelona. Pero se trata de un tema honesto y áspero sobre la muerte inesperada de alguien cercano y sobre cómo se lidia y se lidiará con el dolor. Miles al parecer experimentó algo parecido (o de no haberlo hecho, dio en el clavo) y creó esta joyita del disco Rebel, producido por el gran Alan Parsons. Con los años y con los giros de los discos, uno puede darse cuenta que "When You Lose Someone So Young" es quizás uno de los mejores momentos de Parsons como joven productor y una de las canciones más desgarradoras sobre la muerte jamás cantadas por inglés alguno. Ayer, la madre de un gran amigo mío dejó de existir, y no se me ocurrió mejor tarjeta de condolencias que este tema. Los amigos estamos en las buenas (momentos que deseamos que sean muy, muy frecuentes) y en las malas (momentos que esperamos nunca ocurran).
Miren cómo han pasado 20 años después de la caída del Muro de Berlín, el muro de la vergüenza europea, y cómo la gente ya se ha olvidado de cómo el comunismo funcionaba en el lado Este del continente. La gente, en general, tiende a olvidar el pasado y lo vuelve a repetir descaradamente cada generación o dos, si no pregúntenle a los que votaron por Alan García en el 2006 para que éste vuelva a ser presidente del Perú.
Margaret Tatcher y mucha otra gente creía, erróneamente como se demostró con el paso del tiempo, que una Alemania unida iba a presentar un grave peligro para el orden y la seguridad mundial; que ésta aún estaba buscando venganza por haber sido derrotada dos veces en un mismo siglo. Ronald Reagan ya le había dicho a Mikhail Gorvachev que derribe ese muro en 1987, y al parecer, el líder soviético escuchó.
Pero los rojos, tercos al restringir libertades y al hacernos creer que los suyos son paraísos, no lo anunciaron a los cuatro vientos. Tuvieron que pasar pequeñas leyes en un intervalo de tiempo para aceptar, aprobar, la escapada de los Alemanes del Este hacia el Oeste. El régimen comunista se estaba desplomando por dentro y esto era causado desde Moscú debido a la crisis económica. Tarde o temprano tenían que ceder.
Primero fue Alemania Oriental, y luego la situación llamada Glasnot o Pereztroika (o mejor dicho, fin de cojudeces) se fue expandiendo, acercándose a Moscú cual ejército Napoleónico o Nazi que nunca pudo entrar a la capital de Rusia. Gorbachev anunció el fin de la Unión Soviética en 1991 y los mapas se tuvieron que redibujar en Europa. El Socialismo como forma de gobierno había probado ser mas inútil que cenicero de motocicleta o claxon de avión. Sólo arrojaba pérdidas y miseria y aquel que estaba en contra, pues a la reja.
Por ese estado tan lamentable de las cosas fue que cuando abrieron, por ejemplo, Pizza Hut en Moscú (el año 1990), las colas para probar las masas grasientas y saladas del imperialismo daban vueltas a la manzana. En la capital Rusa se empezaban a producir y vender camisetas con la hoz y el martillo y con la cara de Lenin del mismo modo que en Berkeley, Estados Unidos, en donde la cara del Che Guevara adornaba dormitorios estudiantiles. Como un proceso normal de las cosas, basado en el comportamiento adaptativo del ser humano, el capitalismo tomó a los íconos socialistas y los hizo productos vendibles a buen precio.
Veinte años después ningún ex comunista afirma que quería que el comunismo acabara, sino que se reformara; pero esta reforma implicó el fin de la pared, el fin del control a la libertad y el triunfo del capitalismo que entró con una fuerza brutal al Este Europeo, sin ningun tipo de restricciones. Claro que esto estuvo mal también; si no vean cómo le va a Rusia estos días en materia de corrupción y mercado negro y cómo aún quedan algunos nostálgicos que dicen que estaban mejor con la hoz y el martillo.
Veinte años después, aunque digan que el comunismo está muerto, pues se equivocan. El país más poderoso de la tierra es comunista y se llama China, aunque usan el modelo capitalista-brutal para expandirse pero políticamente todo entra, pasa y sale por el control de un estado unipartidario. Estados Unidos, modelo capitalista por excelencia, le tiene que pedir prestado dinero a China para poder mantenerse en pie en medio de una crisis financiera muy, muy profunda (que podría ser el equivalente a la caída del muro de... Wall Street, pero eso es otra historia.)
Veinte años después, quedan dos naciones comunistas en el mundo, que más que naciones son cárceles o latifundios de las familias Castro (Cuba) y Kim (Corea del Norte). En una se le miente flagrántemente al pueblo y al mundo diciendo, por ejemplo, que no hay prostitutas en ninguna parte; en la otra se lanzan cohetes que no llegan a ningún lado, en forma de bravuconería. ¿Cuándo acabará el comunismo en éstas dos? Por el momento tienen para rato. Las naciones capitalistas tienen sus ojos en el Medio Oriente (y esa es aún otra historia, más enredada y complicada que la de los rojos.)
El Muro de Berlín fue destruído por una turba hambrienta de pan y libertad. El mensaje de aquel trocito de concreto que fue comprado por los turistas y que ahora adorna miles de estanterías y salas en el mundo es fuerte, no crean que no: Cualquier dictadura es mala, no importa el color que sea, y el hombre, de ser libre, debe ser libre por completo. Lo demás son cuentos chinos o gato por liebre.
La banda sonora del fin del comunismo
1989 fue un gran año en materia geopolítica mundial. El muro de Berlín se derrumbó cual castillo de naipes y en Europa hubo un terremoto social. 20 años después, echamos un vistazo a los discos de aquella época que, en cierto modo, captaron el sentimiento de la época: alivio, libertad, hambre de justicia y mucha, mucha algarabía. A continuación, una lista detallada de los discos más interesantes en materia de liberación aparecidos en aquel 1989.
A sus 67 años, el francés Jean-Luc Ponty ha demostrado saber llevar con mano firme la batuta, el arco o posta que le dejó su paisano Stéphane Grappelli cuando partió a mejor vida en 1997. "El mejor violinista de Jazz" es un término un poco tramposo, porque violinistas de jazz no hay muchos y el jazz estándar cada día se va disolviendo como género, fusionándose imparablemente. Jean-Luc Ponty ha venido haciendo desde fines de los sesenta exactamente eso: una fusión jazz-rock intensa, cargada de melodías coherentes y bien estructuradas. Sobre todo, Jean-Luc Ponty tiene una carrera de casi 35 años produciendo y componiendo la totalidad de su obra. Sus discos son, en su mayoría, poco menos que obras maestras; y alcanzaron su mejor momento a mediados de los setentas.
Nosotros personalmente apreciamos la época intensa y espacial de 1975 hasta 1983, un período en el cual Jean-Luc Ponty experimentó a diestra y siniestra con los más grandes del jazz para lograr un sonido evolucionante y accesible al oído común y silvestre. Ponty no intenta apabullar al oyente con solos interminables y sin gracia. Cada movimiento de su arco apunta a una conceptualidad y a una narrativa musical la cual ha sido estudiada previamente por él y compartida con los miembros de su banda.
Ponty afirmó que hoy fue su primer show Matinee, en su primer grupo de conciertos en Yoshi's de Oakland (que espero no sea el último). Ponty se acerca a base 7 pero su música se mantiene joven y fresca, e interpretando "New Country" aún mantiene la misma fuerza y vitalidad que hace 29 años, cuando la interpretó en el Festival de Jazz de Montreux. Temas de sus últimas producciones salieron con la misma intensidad que los "antiguos" (entre comillas porque hablar de antigüedad con Ponty es un cliché, su música es atemporal) y el público de Oakland alabó la tenacidad evolutiva de Ponty. Siendo él el más viejo del grupo, sigue reclutando músicos de primera de canteras europeas y norteamericanas, sin importar su edad sino cuán eficientes son capaces de ayudarle a llevar su mensaje. (Nota: olvidé los nombres de los músicos que lo acompañan en esta gira pero apenas obtenga sus nombres, borraré este paréntesis.)
Hay mucho que escuchar de Jean-Luc Ponty: sus colaboraciones con Grappelli, Frank Zappa, Mahavishnu Orchestra ("Pastoral" es simplemente sobrecogedora), el gran Chick Corea ("Armando's Rhumba" es Ponty y su violín arando y cosechando ritmos latinos) y Elton John. Pero son sus producciones propias de la era Atlantic, desde la gloriosa Upon The Wings Of Music hasta la un poco floja Fables, las que destacan y hacen de él una joya en cualquier colección. Esta tarde, Jean-Luc Ponty interpretó dos temas de Enigmatic Oceans, lo cual nos indica que él considera a este disco su obra más importante.
I, as a Beatles fan, thought this was a joke someone was pranking over the internet and I thought it would be completely unfair if it was real. After going to the Beatles' official website, I found that unfortunately, it is real. On December 8, “remembering” John Lennon’s death, Apple Corps. and EMI will release the whole Beatles catalog, again, remastered, again, on a USB device.
From the Beatles.com site:
Following the 9.9.09 debut of the digitally re-mastered catalogue on CD, Apple Corps Ltd. and EMI Music are pleased to announce the worldwide release of a limited edition of 30,000 Beatles Stereo USB apples on December 8th.
This unique, apple-shaped USB drive is loaded with the re-mastered audio for The Bealtes' 14 stereo titles, as well as all of the re-mastered CDs' visual elements, including 13 mini-documentary films about the studio albums, replicated original UK art, rare photos and expanded liner notes. A specially designed Flash interface has been installed, and the 16GB USB's audio contents will be provided in FLAC 44.1 Khz 24 bit and MP3 320 Kbps formats, fully compatible with PC and Mac.
Now, for the fans that already bought the Stereo or Mono Box sets (last one being the best thing ever), it would be just overkill, but it’s really not: The USB drive will include the whole stereo catalog on FLAC and MP3 formats. The FLAC format will be coded on 44.1Khz/24 bits and the MP3 format on 320 kbps. FLAC files, being 24 bit-coded, will have a better resolution than the CDs (which are 16 bit-coded) the fans spent all their savings on. Therefore, Apple is “forcing” the fans into buying something that will sound “better” in your computer’s small and puny speakers. They are targeting the audiophiles and beatlemaniacs, thinking they can get away with, once again, the line "limited edition of 30,000". Screw them.
I personally think this is outrageous and it seems EMI wants to milk the beatles cow tit as hard as possible. I can understand the fact that they want to fight bootlegging and piracy over the internet; but by doing this they are just proving they’re an enemy of the people they’re supposed to please. Why didn’t they release this USB on 09/09/09 along with the Mono and Stereo boxes? Why did they have to wait? They know there are fans out there who will buy this piece of plastic. It’s more than a rip off, it’s a slap on our faces and proof that Apple and EMI have learned not only from Allen Klein but also from the most leecherous and money-grabbing HMOs and insurance companies.
The price of this "apple" ranges in the $200, and of course, it’s just a thumb drive with the coolest music ever recorded. And those high quality FLAC files will be found by mid december over the internet. I am a supporter of fair trade policies, anti bootlegging and I bought my Beatles Mono Box Set. But in this case, I have to say: Don’t buy this junk. The sound quality will be better and you’ll have a better listening experience if you plug your computer to your Hi Fi audio system, but you’ll know EMI just stole you blind. Stick to those CDs you bought last september, in Mono or Stereo, and to those beautiful vinyl and cassette records.
Now, EMI can redeem themselves. How? They know how: by RELEASING THE BEATLES CATALOG ON BLU-RAY 192/24, the highest audio quality available, and let the music of the Beatles play on forever, or until a better format comes along.
They would be able to make more money than what they are expecting to make with the USB junk and even with the CDs. Blu-Ray format is not too widespread over the internet and it's way hard to make illegal copies of. Paul McCartney kinda suggested it on Rolling Stone: "there's always time". I guess he still needs to fix that hole in his bank account after Heathergate.
John Lennon’s ashes are spinning in a dirt devil now. George Harrison's soul will cast a Shiva curse not even Indiana Jones will be able to stop. We fans deserve better. Don't buy this USB junk.
It is true: you have to live like it's your last day and make plans like you're gonna live forever. Norton Buffalo has become immortal. Rest in Peace, maestro.
(11-01) 21:11 PST PARADISE (BUTTE COUNTY) -- Norton Buffalo, harmonica virtuoso, one-of-a-kind performer and consummate accompanist to the stars, died Friday night from cancer in Feather River Hospital, near his home in Paradise (Butte County). He was 58.
Mr. Buffalo, who appeared on more than 180 albums and spent 33 years as a member of the Steve Miller Band, was diagnosed with cancer in September. His life will be celebrated Jan. 23 at the Fox Theater in Oakland in a benefit concert starring the Steve Miller Band and the Doobie Brothers, with special guests Huey Lewis, George Thorogood, Charlie Musselwhite and Bonnie Raitt.
"He was the antithesis of East Coast cynical," said Raitt, who spent Sunday morning watching Buffalo videos on YouTube. "He was always in funny mode without being too gooey about it. He's been that guy all this time. In one guy, you got all the hope and optimism of the '70s."
Mr. Buffalo played on the Grammy-winning Doobie Brothers album "Minute by Minute," and the recent children's music CD by Kenny Loggins. With Bette Midler, he played in the band and acted in the film "The Rose." He collaborated on tours and a series of recordings for more than 20 years with blues guitarist Roy Rogers. One of their songs, "Ain't No Bread in the Breadbox," was a cornerstone in the '90s live repertoire of the Jerry Garcia Band.
"Norton Buffalo was a character and a half," Rogers said. "He had a sense of humor. He liked to have a good time, and the joy of his playing came out."
Miller said: "He was a complete original. He worked with all kinds of people. He did tons and tons of projects. Everybody who worked with him loved him, really enjoyed working with him."
Mr. Buffalo joined the Steve Miller Band in 1976 at the beginning of the "Fly Like an Eagle" tour and has remained a constant presence in Miller's music ever since. Miller invariably introduced Mr. Buffalo to concert audiences as "my partner in harmony."
"He had way more music in him than I could use," Miller said. "I just had more work for him than everybody else."
Mr. Buffalo's own recordings include his 1977 Capitol Records release, "Lovin' in the Valley of the Moon," an album that maintains a strong cult following, and a 2000 blues-based release, "King of the Highway." He recently released a joint CD with Hawaiian slack key guitarist George Kahumoku Jr. He was a virtuosic and technically accomplished chromatic harmonica player who could play anything - blues, rock, pop, country, folk, show tunes.
Born in Oakland and raised in Richmond, Mr. Buffalo was raised in a musical family. His father played harmonica, and his mother sang in '40s San Francisco nightclubs. His great-uncle, Herbert Stothart, was a Hollywood soundtrack composer who won an Academy Award for his work on "The Wizard of Oz."
"His harp could become the valley of the moon, Krakatoa, a storm out at sea, then the sweetest sound this side of heaven," said Grateful Dead drummer Mickey Hart, who played with Mr. Buffalo in a project called High Noon in the '70s and '80s.
Mr. Buffalo joined one of the final editions of Commander Cody and his Lost Planet Airmen on a 1976 European tour, before returning to the Bay Area and forming the Norton Buffalo Stampede, a band that headlined Bay Area clubs for several years. In between tours with Miller and Rogers, Mr. Buffalo had been appearing recently with the Norton Buffalo Trio with his third wife, Lisa Flores.
He is survived by his wife; children, Aisah of Lake Tahoe and Elias of Sonoma; stepchildren, Sierra Ruelas of Sonoma and Bo Winterburn of San Diego; father, Ken Jackson of Paradise; and five brothers and sisters.
Roy Rogers and the Delta Rhythm Kings, Tom Rigney and Flambeau and the Carlos Reyes Band will appear Nov. 22 in a benefit and memorial at the Paradise Performing Arts Center in Paradise. Funeral and other memorial plans are pending.
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Cat Food It's OK, but... It's good Better than good Unbeatable
Milt Jackson (1923-1999), renovador del vibráfono
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“Milt Jackson y yo nos conocimos en 1972 en el Nice Jazz Festival, cuando
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No lo saben todo, mi amor, no lo saben…
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